The end of the world!!

“It’s the end of the world as we know it

and I feel fine”


From the song: It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine) – 1987

I must confess it: I was struck dumb. Well, in fact lately there was something in the air…

“Our Country hinges upon traditional family, but more than that it hinges upon love, respect and dignity” this way MrB(erlusconi) announced that his party has prepared a bill for a new law on civil partnerships similar to the German law allowing registered life partnerships for same-sex couples. He also shockingly revealed that Forza Italia, his party, has always been a guarantor of civil rights.

But he said even more than this. In fact MrB also talked about migrant children citizenship right, saying that to grant them the Italian citizenship it’s “right and proper, especially when they have completed a course of study that allows them to learn our language and know our history”. Wow!! Great!!

Finally someone who’s so brave and determined to say those things and to defy the traditional family’s sentinels and the racists too. Finally MrB lent to the youngest Prime Minister in the Italian history his helping hand to realize those reforms that will make Italy a normal modern Country… Could you believe it? In the last twenty years I so dreadfully misjudged him, I was so wrong thinking he was allied with ultra-catholics and racists. What’s more, he also offered the youngest Prime Minister etc… the opportunity to realize together the electoral law’s reform and to finally choose those two Judges in the Constitutional Court of Italy apparently so hard to elect…

It’s the end of the world! A wonderful end of the world. I feel fine!

(well,fine… To be true, a little mischievous voice in the back of my mind – surely the poisonous fruit of twenty years spent misjudging the Right and Forza Italia – is spoiling this happy atmosphere whispering: what he wants in exchange for all that?)

“È la fine del mondo come lo conosciamo

e io mi sento bene”


Dalla canzone: It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine) – 1987

Lo confesso, ci sono rimasta di sasso. Non che non ci fosse già qualcosa nell’aria…

“La famiglia tradizionale è il cardine del nostro Paese, ma ancora di più lo sono l’amore, il rispetto e la dignità” così MrB(erlusconi) ha annunciato che il suo partito ha pronto un progetto di legge per le unioni civili sul modello tedesco, completando il tutto con la scioccante rivelazione che Forza Italia è sempre stata in prima linea sul fronte dei diritti civili e della loro tutela.

E non finisce qui, perché MrB ha parlato pure di diritto alla cittadinanza per i figli degli immigrati “doveroso, soprattutto al termine di un ciclo scolastico di studi che gli consente di parlare la nostra lingua e conoscere la nostra storia”. Wow!! Grande!

Finalmente, qualcuno ha il coraggio di dire queste cose sfidando le sentinelle della famiglia tradizionale e i razzisti. Finalmente MrB offre al giovane Presidente del Consiglio l’appoggio per realizzare quelle riforme che finalmente renderanno l’Italia un normale Paese moderno.. e io che per vent’anni l’avevo mal giudicato credendolo erroneamente alleato a ultracattolici e razzisti di ogni sorta. E poi ha pure l’offerto al più giovane ecc… di lavorare insieme per fare la nuova legge elettorale e anche per sbloccare finalmente l’elezione dei giudici costituzionali…

Roba da fine del mondo! Ma fine del mondo bella. Io mi sento bene!

(ecco, quasi bene… peccato che dal fondo del mio cervello una maliziosa vocina – residuo maligno di tanti anni passati a pensar male della destra e di Forza Italia – rovina tanta letizia sussurrandomi: ma che cosa vorrà in cambio?)

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My weekend movie: Love in the Afternoon (1957)


Love in the Afternoon (Arianna) – USA 1957

Directed by: Billy Wilder.

Starring: Audrey Hepburn; Gary Cooper; Maurice Chevalier.

In Paris everybody does it…

Audrey Hepburn, Gary Cooper, the charming French chansonier Maurice Chevalier, a band of gypsies, Billy Wilder, a naughty plot line and… Paris!. The ingredients for a huge success? Wrong. The elements of a memorable flop? Not exactly. But surely the protagonists of a commercial failure: Love in the afternoon.

Love in the Afternoon poster (Photocredit: Wikioedia)

The film is loosely based on a 1920 novel written by Claude Anet (a pseudonym for the French tennis player and writer Jean Schopfer) and titled Ariane, Juene fille russe, the story of a young Russian girl who falls in love with a Don Juan (an earlier adaptation called Ariane had been filmed in Germany in 1931). But in Love in the Afternoon there are no Russian girls involved, Ariane (Audrey Hepburn) is a Parisian girl, the only daughter of a widower private detective called Claude Chavasse (Maurice Chevalier in his first no-singing role), who falls in love with a mature American Don Juan, a millionaire called Frank Flannagan (the very, very mature Gary Cooper). She’s inexperienced. He’s a master of seduction. She has spent her youth playing cello and reading the saucy stories her father’s archive files tell. He has spent his entire life seducing every sort of woman all around the world and being the protagonist of most of the stories in Monsieur Chavasse archive. They first meet after Ariane, eavesdropping a conversation between her father and a client (their very tiny apartment is also M. Chavasse office), discovers that a jealous husband is planning to kill Flannagan in his hotel room at the Ritz that very night and decides to save him. After her lesson at the conservatoire she rushes to the Ritz and arrives just in time to take the place of the unfaithful wife. Once saved, Flannagan has only one thing in his mind: conquer the intriguing and unusual girl who’s determined not to reveal her name and seems to know too much about his life and habits. When he proposes her another rendez-vous, Arianna offers very feeble resistance and agrees to meet him again the following day, but only in the afternoon. This will be their only encounter in a year cause Flannagan immediately leaves Paris. When he comes back they spend more afternoons together. Ariane plays the femme fatale for her mature Don Juan and, finding inspiration in the stories read in her father’s archive, she manages to let him believe that she has had many other lovers and he’s not so special to her, just one like the others. Ariane wins this way Flannagan’s attention. The unusual situation drives him so mad with jealousy (and makes him so insecure because of the possible comparisons) that he decides it’s time to hire a private detective and discover the identity of his mysterious afternoon companion. Someone recommends him Claude Chavasse…

Audrey Hepburn in Sabrina her first film with Wilder (Photo Credit: Wikipedia)

It was June 1957 when Love in the afternoon, the 15th movie directed by Billy Wilder and the first co-written with I. A.L. Diamond (they will co-write other 10 films included Some like it Hot and The Apartment), was released in America and the critics, liking that movie, quite enthusiastically compared Wilder to Ernst Lubitsch, the never forgotten director with a special touch for sophisticated comedy (Bosley Crowther, then New York Time film critic said “In the manner of Lubitsch, Mr. Wilder employs a distinctive style of subtle sophisticated slapstick to give the fizz to his brand of champagne….”).

Love in the Afternoon like many Lubitsch’s film was set in Europe, though not among eccentric true or false aristocrats. To capture the French atmosphere Billy Wilder had managed to film it entirely in Paris (the interiors at the Studio de Boulogne) and, if you speak French, clicking on the following link, you can watch a Wilder itself explaining in an interview the reason for his choice:

Love in the Afternnon also reminds to Lubitsch because of  its moderately naughty plot . Wilder, who had worked with Lubitsch as writer in Bluebeard’s Heighth Wife and Ninotchka and had to face now the 1950’s censorship watchdogs, was so good at avoiding any vulgarity or any explicitly sinful situation that to try and understand what really happens at the Ritz during those afternoons we have to make treasure of the only scene when Ariane before leaving searches the room for a missing shoe (therefore, probably, at some point she undressed…) and decode it using our mischievous fantasy. For that reason the critics in Europe called Love in The Afternoon a love movie without love, but the Hollywood censorship found it scandalous enough to threaten a C rating, for “Condemned”. To grant the picture a B rating (morally objectionable in part) Wilder had to add to the American version’s ending  a voice-over narration by Chevalier/Chavasse stating that the two lovers finally married (in the Italian dubbed version there’s only music, we are allowed to use our fantasy).

But why Love in the Afternoon was only the 68th movie at the American box office in 1957?

Gary Cooper in his heydays (Photo credit: Wikipedia)

The majority of people seem to agree that this was all Gary Cooper’s fault. Billy Wilder, who (as already happened for Sabrina) at first had offered the mature Don Juan role to Cary Grant (who once again refused the offer), finally cast Gary Cooper cause they got on so well with each other that he thought Cooper could be good company while in France. The trouble was that Gary Cooper, who was 55 (after all only a couple of years older than George Clooney today), hadn’t aged graciously, looking at him was hard to recognize the handsome guy he used to be in 1930’s and 1940’s pictures, he looked older than his age. Even if Wilder often shot him in shadow, the comparison with the then 27-year old Audrey Hepburn, so thinner than ever (and, in some crucial scene, wearing her hair in bunches like a kid… ) to look like a real innocent teenager, ended to make him look too old to play the serial womanizer.

Anyway, the comedy is funny and in it you’ll find at least a couple of bright ideas. First, the Band of Gypsies helping Flannagan, when in Paris, in his seductions and following him everywhere (even when he takes a sauna…) and then the scene starting with Ariane dictating to Flannagan’s Dictaphone the list of her lovers and ending with Flannagan who listens to it at first amused, then irritated, then again enraged and in the end downhearted and desperately drunk (while the gipsies still play their tunes)… Enough to make every film memorable.

Whether you’ll find Cooper too old or not (believe me after so many years of elegant dinners’s reports he seems quite youthful…), this is a film you will enjoy.

A few free-associated movies you could also like (click onthe title to watch a clip or the trailer):

The Major and the Minor – USA 1942 Directed by: Billy Wilder. Starring: Ray Milland; Ginger Rogers.

Sabrina – USA 1954 Directed by: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humprey Bogart.

Lolita – USA 1962 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: James Mason; Sue Lion; Shelley Winters; Peter Sellers.

Four Weddings and a Funeral – UK 1994 Directed by: Mike Newell. Starring: Hugh Grant; Andie McDowell; Kristin Scott Thomas; John Hannah; Simon Callow.

An Education – UK/USA 2009 Directed by: Lone Scherfig. Starring: Carrie Muligan; Peter Sarsgaard; Alfred Molina; Olivia Williams.

Tamara Drewe – UK 2010 Directed by: Steven Frears. Starring: Gemma Arterton; Roger Allam; Dominic Cooper; Luke Evans.

A Parigi lo fanno tutti…

Audrey Hepburn, Gary Cooper, l’affascinante chansonier francese Maurice Chevalier, un quartetto tzigano, Billy Wilder, una trama maliziosa e… Parigi! Gli ingredienti di un colossale successo? Sbagliato! Gli elementi di un flop memorabile? Non proprio. Sicuramente i protagonisti di un fiasco commerciale: Arianna.

Il poster francese di Arianna (Photo credit: Wikipedia)

Il film è liberamente tratto dal un romanzo del 1920 scritto da Claude Anet (uno pseudonimo usato dal tennista e scrittore francese Jean Schopfer) e intitolato Ariane, jeune fille russe, la storia di una giovane russa che si innamora di un Dongiovanni (un altro adattamento era stato girato in Germania nel 1931 col titolo Ariane).

Nel film di cui vi parlo oggi però non troverete ragazze russe, Arianna (Audrey Hepburn), la figlia unica del vedovo e detective privato Claude Chavasse (Maurice Chevalier per la prima volta in un ruolo non canterino), è una ragazza parigina che si innamora di un maturo Dongiovanni americano, il milionario Frank Flannagan (il mooolto maturo Gary Cooper). Lei è inesperta, lui è un seduttore seriale. Lei ha passato l’adolescenza suonando il violoncello e leggendo avidamente le storie contenute nei fascicoli chiusi nell’archivio del padre. Lui ha trascorso tutta la vita seducendo ogni genere di donna intorno al mondo e spesso è stato il protagonista delle storie chiuse nell’archivio di Monsieur Chavasse. Il primo incontro avviene dopo che Arianna, origliando una conversazione tra il padre e un cliente (il loro minuscolo appartamento è anche l’ufficio di M. Chavasse), scopre che un marito geloso sta progettando di uccidere Flannagan quella notte stessa nella sua stanza al Ritz e decide di salvarlo. Dopo la sua lezione al conservatorio, Arianna corre al Ritz e arriva giusto in tempo per prendere il posto della moglie infedele. Una volta salvo Flannagan ha una sola cosa in testa: riuscire a sedurre la misteriosa e intrigante ragazza tanto determinata a non dire il suo nome quanto bene informata sulla sua vita e le sue abitudini. Arianna accetta di incontrarlo il pomeriggio seguente, ma quello rimarrà il loro solo incontro nel corso di un anno intero visto che subito dopo Flannagan lascia Parigi. Quando lui torna gli incontri pomeridiani riprendono. Arianna recita per l’attempato Dongiovanni la parte della donna fatale e, prendendo spunto dalle storie lette nell’archivio del padre, riesce a fargli credere che lui in fondo non è niente di speciale per lei, solo uno dei suoi tanti amanti. In questo modo riesce ad ottenere tutta l’attenzione di Flannagan che pazzo di gelosia (e reso insicuro dal confronto con la concorrenza) decide che è giunto il momento di ingaggiare un investigatore privato per scoprire la vera identità della sua compagna del pomeriggio. E qualcuno gli suggerisce il nome di Claude Chavasse…

Era il giugno del 1957 quando negli Stati Uniti uscì Arianna (Love in the afternoon), 15° film diretto da Billy Wilder e primo co-sceneggiato con I.A.L. Diamond (ne seguiranno altri 10 compresi A qualcuno piace caldo e L’appartamento). Il film piacque alla critica americana che non perse l’occasione per paragonare Wilder al mai dimenticato Ernst Lubitsch, il regista che aveva un tocco speciale per la commedia sofisticata e con cui Wilder aveva collaborato come sceneggiatore in L’ottava moglie di Barbablu e Ninotchka (Bosley Crowter, l’allora critico cinematografico del New York Times, scrisse “ Alla maniera di Lubistch, Wilder ha uno stile tutto suo di sottile e sofisticata farsa per far frizzare il suo champagne…”).

Arianna, come molti dei film di Lubitsch, è ambientato in Europa, anche se non più quella di fantasia popolata di veri e falsi aristocratici. Per catturare al meglio l’atmosfera “francese” Billy Wilder aveva deciso di giralo interamente a Parigi (anche gli interni girati negli studi di Boulogne), come lui stesso spiega nell’intervista che potete vedere cliccando sul seguente link (attenzione è in francese):

Billy Wilder (Photo credit: Wikipedia)

La storia poi, sempre come nei film di Lubitsch, è moderatamente piccante e qui Wilder, sicuramente stimolato dalla censura Hollywoodiana degli anni ’50, è talmente bravo ad evitare ogni volgarità ed ogni accenno a situazioni peccaminose che per capire quello che succede tra i due nei lunghi pomeriggi al Ritz bisogna aggrapparsi all’unica scena in cui Arianna prima di andarsene cerca per tutta la stanza una scarpa (allora se si deve rivestire, prima i vestiti se li era tolti!) ed elaborare il tutto con molta fantasia e malizia. La critica europea, a questo proposito molto meno entusiasta di quella americana, descrisse Arianna come un film d’amore senza amore, ma alla censura americana gli sforzi di Wilder dovettero sembrare insufficienti visto che per evitare che il film fosse classificato con una C (cioè “condemned” proibito) ed ottenere invece una B (cioè moralmente opinabile in alcune parti) in America fu costretto ad aggiungere sul finale la voce narrante di Maurice Chevalier che rassicurava il pubblico delle avvenute nozze tra i due amanti (nella versione italiana niente voce narrante, c’è solo la musica e possiamo immaginare quello che ci pare).

Ma come mai Arianna fu appena 68° nella classifica dei campioni d’incasso americani del 1957? L’opinione più diffusa è che la colpa del mancato successo commerciale del film sia di Gary Cooper. Wilder, che (come già aveva fatto per Sabrina) aveva offerto in prima battuta il ruolo del maturo seduttore a Cary Grant (che però ancora una volta aveva rifiutato), aveva scelto Cooper perché andavano d’accordo e pensava sarebbe stato una compagnia piacevole durante il soggiorno a Parigi. Il problema però era che Gary Cooper, che aveva 55 anni (in fondo solo un paio d’anni di più di quanti ne ha oggi George Clooney…) era invecchiato male, era difficile riconoscere in lui il bel ragazzo dei film degli anni ’30 e ’40, sembrava più vecchio della sua età. Anche se Wilder aveva avuto l’accortezza di filmarlo quasi sempre in penombra o in campo lungo, vicino all’allora 27enne Audrey Hepburn, che più piatta e magra che mai (ed in alcune scene persino con le codine) sembrava davvero un’innocente ragazzina, finiva col sembrare davvero troppo vecchio per la parte del seduttore seriale.

La commedia però è divertente e contiene almeno un paio di trovate brillanti: innanzitutto il gruppo di violinisti Tzigani che a Parigi fa da spalla a Flannagan durante i suoi “incontri” e che lo segue ovunque come un ombra (persino nella sauna) e poi la scena che inizia con Arianna che registra sul dittafono di Flannagan l’elenco dei suoi amanti e prosegue con lui che lo ascolta prima divertito, poi indispettito, poi ancora arrabbiato e infine abbattuto e disperatamente ubriaco (mentre gli tzigani continuano a suonare)… Abbastanza da rendere qualsiasi film memorabile. Sia che troviate Gary Cooper troppo vecchio oppure no (del resto dopo anni di cronache di cene eleganti sembra quasi un romantico ragazzino in gran forma…), questo è un film che non vi deluderà.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Frutto Proibito – USA 1942 Diretto da: Billy Wilder. Con: Ray Milland; Ginger Rogers.

Sabrina – USA 1954 Diretto da: Billy Wilder. Con: Audrey Hepburn; William Holden; Humprey Bogart.

Lolita – USA 1962 Diretto da: Stanley Kubrick. Con: James Mason; Sue Lion; Shelley Winters; Peter Sellers.

Quattro matrimoni e un funerale – UK 1994 Diretto da: Mike Newell. Con: Hugh Grant; Andie McDowell; Kristin Scott Thomas; John Hannah; Simon Callow.

An Education – UK/USA 2009 Diretto da: Lone Scherfig. Con: Carrie Muligan; Peter Sarsgaard; Alfred Molina; Olivia Williams.

Tamara Drewe-Tradimenti all’inglese – UK 2010 Diretto da: Steven Frears. Con: Gemma Arterton; Roger Allam; Dominic Cooper; Luke Evans.


“Just one more tiny favour…”

Simon Dermott

From: How to steal a million – 1966

These days in Italy:

heavy rain caused floods in Northern and Central Italy (and while the so called “mud’s angels”, the young and less young volunteers, were shovelling the mud @matteorenzi betrayed for once twitter to write on Facebook, cause 140 character ain’t enough to reassure us that his reforms will save us from the Flood too…); the Unions are organizing protests against the Jobs Act; it has been announced the government budget 2014 that probably will not save Italy but almost surely will lower the chances of survival for the health care system, the public transport system, the welfare system…; in Milan took place the Asia-Europe Summit; the hysteria over the Ebola danger is rising not to mention the concern for the eastern wars…

Knowing this, it’s quite clear the reason why nobody seemed very interested when the appeal court in Milan announced the reasons why last July MrB(erlusconi) was acquitted of the charges against him (child prostitution and abuse of office) in the so called Rubygate trial. And it’s a pity because this sentence is quite interesting. First, it seems clear the fact that MrB paid for sex with young Ruby but seeing that he apparently didn’t know the girl’s real age, he can’t be accuse of child prostitution and therefore the fact is not a crime. Then, it’s also quite sure that on May 2010, when he was the Italian Prime Minister, MrB, once informed that the young girl had been arrested in Milan accused of stealing, personally called the officer in charge at the police headquarters to arrange her release (he said she was the niece of former Egyptian leader Mubarak), but there’s no evidence that to obtain this he threatened some way the official. If something not perfectly legal happened, it happened because of the official’s excessive zeal. If you are the Prime Minister and you ask someone, maybe a public official (who perhaps is also particularly impressionable…), to do you a “favour” and this person decides to do you that favour, there’s nothing wrong with it, this is not a crime. Good to know…

Anyway today, judge Enrico Tranfa, one of the three judges who had to take a decision on MrB’s appeal, announced he’s going to resign leaving the magistracy…


“Solo un ultimo, piccolo favore…”

Simon Dermott

Da: Come rubare un milione di dollari e vivere felici – 1966

In questi giorni è successo: piogge monsoniche hanno provocato alluvioni a macchia di leopardo nel nord e centro Italia (e la protezione civile è stata “salvata” dagli “angeli del fango”, mentre @matteorenzi per una volta ha mollato Twitter in favore di Facebook, perché 140 caratteri non bastano per dire che le sue riforme ci salveranno pure dal diluvio universale…); si parla di scioperi contro il Jobs act; è stata presentata la legge di stabilità che se non salverà la nostra povera Italia quasi certamente tramortirà la sanità pubblica, i trasporti, i servizi sociali…; si è tenuto a Milano il vertice Euroasiatico; la paura per l’Ebola aumenta senza contare i timori per le guerre sul fronte orientale…

È quindi più che naturale che il fatto che siano state rese note le motivazioni della sentenza d’appello del cosiddetto Rubygate che ha assolto MrB(erlusconi) dall’accusa di prostituzione minorile e concussione non abbia suscitato grande clamore. Eppure in quella sentenza si dicono un paio di cose interessanti. Pare sia vero che ad Arcore tra la giovane Ruby e MrB ci siano stati dei rapporti a pagamento, ma MrB non era (così pare) a conoscenza della vera età della ragazza, quindi cade l’accusa di prostituzione minorile. È poi certo che nel maggio 2010 MrB, allora Presidente del Consiglio, una volta avvisato del fatto che la giovane era trattenuta in Questura a Milano con l’accusa di furto sia intervenuto personalmente chiamando al telefono il capo di gabinetto della Questura per fare rilasciare la ragazza (“nipote di Munbarak”), ma si deve escludere che per ottenere lo scopo MrB lo abbia in qualche modo minacciato. Se qualcosa di poco cristallino è avvenuto, è avvenuto a causa di un eccesso di zelo da parte del funzionario. Quindi, se da Presidente del Consiglio in carica chiedi un “favore” a un tuo sottoposto e quello (che magari per ragioni tutte sue si fa impressionare dalla tua carica) decide di fartelo, questo non è un reato. Buono a sapersi.

Comunque oggi il giudice Enrico Tranfa, presidente del collegio d’Appello alla seconda sezione del Tribunale di Milano, quella che ha giudicato MrB, si è dimesso dalla magistratura…

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My weekend movie: Pygmalion (1938)

Pygmalion 1938

Pygmalion (Pigmalione) – UK 1938

Directed by: Anthony Asquith; Leslie Howard.

Starring: Leslie Howard, Wendy Hiller; Wilfrid Lawson; Marie Lohr; Scott Sunderland.

That’s an extreme make over!!!

Almost certainly you’ve noticed it, it’s Nobel Prize season and this week the Nobel Prize Academy announced the names of 2014 recipients. As announced on Thursday, this year Nobel Prize for Literature went to French author Patrick Modiano, a novelist who also sporadically worked as a screenwriter. Well, back in time there’s another Nobel Prize for Literature recipient who, not only (quite unwillingly) gave his contribute to cinema, but also won an Academy Award for this: George Bernard Shaw. The film I’m going to tell you about this week is the one that made of him the only writer who ever won both Nobel and Oscar. I’m talking about Pygmalion, the 1938 picture directed by Anthony Asquith and Leslie Howard who also starred in it along with Wendy Hiller, a delightful silver screen adaptation of 1913 George Bernard Shaw’s theatre play.

Leslie Howard as Henry Higgins in Pygmalion (Photo Credit: Wikipedia)

Probably you know more or less the story not only because it’s a modern transposition of the ancient legend of Pygmalion, the sculptor who fell in love with one of his sculptures (Galatea he called her) which then came to life, but also because this story has been brought to the silver screen many times, in many adaptations and variations from hard core pornography to teenage movies, not forgetting the famous stage and screen musical My Fair Lady.

This 1938 adaptations of the comedy that pokes fun at British class system, portraying the upper class in all its superficiality, is perhaps one of the most faithful and it’s set, like the original play,  London. There, phonetic professor Henry Higgins, an arrogant, self-centred confirmed bachelor, bets with his friend Colonel Pickering, who shares his passion for phonetics, that he will be able to train cockney flower girl Eliza Dolittle’s so that, thanks to the study of etiquette and, above all, a perfect English pronunciation, she could pass for a Duchess at an Ambassador garden party. Higgins obviously wins the bet and for a night a bunch of snobbish nobs takes Eliza for a Princess but then, once come to life like Galatea, the girl claims her independence…

Wendy Hiller as Eliza (Photo Credit: Wikipedia)

George Bernard Shaw was quite reluctant at the idea to allow the adaptation of his plays into movies at least until Hungarian producer Gabriel Pascal directly approached him for Pygmalion’s film rights. Probably Shaw changed his mind because with a British production Pascal offered him the opportunity to exercise a strict control over this silver screen version of his creature. The task to write the screenplay was given to British screenwriters William Lipscomb (Les Miserables, A Tale of Two Cities, The Garden of Allah…) and Cecil Lewis but the new scenes and dialogue needed (for instance the scene at the Ambassador ball happening off scene in the stage version) were written by Shaw himself.

Shaw also chose the female lead, Wendy Hiller, who had already appeared in a stage production of Pygmalion, but he had to accept a compromise for Henry Higgins. His first choice was Charles Laughton and not Leslie Howard, cause he disliked his “matinée idol” appeal, so familiar to West End and Broadway audiences, not to mention cinema goers. Shaw feared his presence could make the story a bit too romantic, and he was not completely wrong seeing the (almost)sugary film ending differing from the original play and showing Eliza, who after achieving her emancipation and deserting Higgins, comes back voluntarily. Anyway Leslie Howard, who also co-directed the film along with Anthony Asquith, proved to be a good and funny Professor Higgins winning the Volpi Cup as best actor at the 6th Venice Film Festival.

The movie itself became a great success on both sides of the Atlantic, received Academy Awards nomination for Best Picture, Best Actor (Leslie Howard) and Best Actress (Wendy Hiller) and, obviously, won the Oscar for Writing (adapted screenplay). About this “honour” Shaw, who was a famous and celebrated author (he won the Nobel in 1925) in his eighties, said: “It’s an insult for them to offer me any honour, as if they had never heard of me before – and it’s very likely they never have. They might as well send some honour to George for being King of England.”

Pygmalion despite the ending, which is its only fault, remains a delightful movie you should watch again. The good news is that you can easily find it online and that it’s also available for free download at the Internet Archive (click HERE).

Now you have no excuses.

A few free-associated movies you could also like (click on the titles to watch aclip or the trailer):

Stage Door – USA 1937 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Katharine Hepburn; Ginger Rogers; Gail Patrick; Adolphe Menjou; Andrea Leeds; Lucille Ball; Eve Arden.

Now, Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Born Yesterday – USA 1950 Directed by: George Cukor. Starring: Judy Holliday; William Holden; Broderick Crawford.

Sabrina – USA 1954 Directed by: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humphrey Bogart.

Anastasia – USA 1956 Directed by: Anatole Litvak. Starring: Ingrid Bergman; Yul Brinner; Helen Hayes.

Vertigo – USA 1958 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

My Fair Lady – USA 1964 Directed by: George Cukor. Starring: Audrey Hepburn; Rex Harrison; Stanley Holloway; Gladis Cooper.

Pretty Woman – USA 1990 Directed by: Garry Marshall. Starring: Julia Roberts; Richard Gere; Ralph Bellamy; Laura San Giacomo.


Questa si che è una trasformazione estrema!!!

Quasi certamente l’avrete notato, siamo nel pieno della stagione dei Nobel e in questi giorni l’Accademia Reale di Svezia ha annunciato i nomi dei vincitori dei Premi 2014. Come annunciato giovedì, il Premio Nobel per la letteratura è andato quest’anno all’autore francese Patrick Modiano, romanziere sporadicamente prestato al cinema. Scavando a ritroso nel tempo possiamo trovare un altro vincitore del Premio Nobel per la Letteratura che, non solo ha (piuttosto controvoglia) collaborato con il mondo del cinema, ma ha pure vinto per questo un Oscar: George Bernard Shaw. Il film di cui vi parlerò questa settimana è proprio quello che lo rese l’unico scrittore ad aver mai vinto sia un Nobel che un Oscar:. Si tratta di Pigmalione, il film del 1938 diretto da Anthony Asquith e Leslie Howard ed interpretato dallo stesso Howard e da Wendy Hiller, un delizioso adattamento cinematografico dell’omonima commedia teatrale di Shaw del 1913.

Eliza (Photo credit: Wikipedia)

Probabilmente conoscete già la storia non solo perché è una trasposizione in chiave moderna dell’antica leggenda di Pigmalione, lo scultore che si innamorò di una sua statua (Galatea l’aveva chiamata) che poi si trasformò in una donna reale, ma anche perché è stata portata sullo schermo molte volte ed in molte varianti che hanno toccato quasi tutti i generi cinematografici, dalla pornografia ai film per adolescenti, senza dimenticare il famoso musical teatrale e cinematografico My Fair Lady.

Questa versione del 1938 è forse l’adattamento più fedele della commedia che si fa beffe del rigido classismo inglese ritraendo la classe dominante in tutta la sua superficialità. Come l’opera originale è ambientata a Londra  dove il professore di fonetica Henry Higgins, un arrogante scapolone che pensa che il mondo ruoti intorno a lui e ai suoi studi, ha scommesso con il Colonnello Pickering, un amico che condivide la sua passione per la fonetica, che riuscirà a far passare la popolana Eliza Dolittle, di professione fioraia, per una Duchessa al Ballo di un Ambasciatore, insegnandole l’etichetta ma, soprattutto, l’arte di parlare l’inglese con l’accento raffinato delle classi più elevate. Higgins, naturalmente, vince la scommessa e per una sera dei nobili molto snob scambiano Eliza addirittura per una Principessa ma poi la ragazza, che come Galatea ha preso coscienza di sé, decide di reclamare la sua indipendenza…

George Bernard Shaw era sempre stato piuttosto riluttante all’idea di permettere l’adattamento cinematografico dei suoi lavori, almeno fino a quando il produttore ungherese Gabriel Pascal lo contattò direttamente per assicurarsi i diritti cinematografici di Pigmalione. Probabilmente Shaw cambiò idea perché, con una produzione Inglese, Pascal gli offriva l’opportunità di esercitare uno stretto controllo sulla versione cinematografica della sua creatura. Il compito di scrivere la sceneggiatura fu affidato agli inglesi William Lipscomb (Il sergente di fero; Le Due Città; Il giardino di Allah…) e Cecil Lewis, ma quando fu necessario aggiungere delle nuove scene e dei nuovi dialoghi (ad esmpio la scena del ballo che nella versione teatrale era assente) fu lo stesso Shaw a scriverli.

George Bernard Shaw in 1936 (Photo credit: Wikipedia)

Lo scrittore scelse anche la protagonista femminile, Wendy Hiller, che era già apparsa in una produzione teatrale di Pigmalione (nella sua lunga carriera durata quasi 60 anni la Hiller è stata soprattutto un’attrice di teatro), ma fu costretto ad accettare un compromesso quando si trattò di scegliere l’attore che avrebbe interpretato il Professor Higgins. La sua prima scelta infatti era Charles Laughton e non Leslie Howard, di cui non apprezzava la fama da idolo del pubblico femminile che l’aveva reso un nome ed un volto familiare al pubblico del West End Londinese e di Broadway senza contare gli appassionati di cinema sparsi per il mondo. Shaw temevainfatti  che la sua presenza avrebbe reso il film un po’ troppo romantico ed i suoi  timori si rivelarono non del tutto infondati visto che il finale del film è (quasi)zuccheroso e diverso dall’originale e mostra Eliza che, dopo essersi dichiarata emancipata e aver abbandonato Higgins lasciandolo solo e abbacchiato torna, volontariamente, sui suoi passi. Comunque Leslie Howard, che oltre a recitare nel film lo co-diresse insieme ad Antony Asquith, si rivelò un ottimo e divertente Professor Higgins vincendo la Coppa Volpi come miglior Attore alla 6a Mostra Internazionale di Arte Cinematografica di Venezia.

Il film ebbe un grande successo su entrambe le sponde dell’Atlantico, ricevette le nomination all’Oscar nelle categorie Miglior Film, Miglior Attore (Leslie Howard) e Migliore Attrice (Wendy Hiller) ed ovviamente vinse quello per la Migliore Sceneggiatura non originale, un “onore” così accolto dall’ormai ultraottantenne e celebrato (il Nobel risaliva al 1925) George Bernard Shaw: “È insultante per loro farmi questo onore, come se non avessero mai sentito parlare di me prima d’ora – cosa peraltro molto probabile. Potrebbero anche inviare un premio a George per essere il Re d’Inghilterra”.

Pigmalione nonostante il finale, che è la sua unica e vera pecca, rimane ancora oggi un film delizioso che dovreste vedere. La buona notizia (se capite bene l’inglese) è che lo potete facilmente trovare online e lo potete pure scaricare gratis dal sito Internet Archive (cliccate QUI).

Ora non avete scuse.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero persino piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Palcoscenico – USA 1937 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Katharine Hepburn; Ginger Rogers; Gail Patrick; Adolphe Menjou; Andrea Leeds; Lucille Ball; Eve Arden.

Perdutamente tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Nata Ieri – USA 1950 Diretto da: George Cukor. Starring: Judy Holliday; William Holden; Broderick Crawford.

Sabrina – USA 1954 Diretto da: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humphrey Bogart.

Anastasia – USA 1956 Diretto da: Anatole Litvak. Starring: Ingrid Bergman; Yul Brinner; Helen Hayes.

La donna che visse due volte – USA 1958 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

My Fair Lady – USA 1964 Diretto da: George Cukor. Starring: Audrey Hepburn; Rex Harrison; Stanley Holloway; Gladis Cooper.

Pretty Woman – USA 1990 Diretto da: Garry Marshall. Starring: Julia Roberts; Richard Gere; Ralph Bellamy; Laura San Giacomo.


“One small step for a man,

one giant leap for mankind.”

Neil Armstrong

July 20, 1969

@matteorenzi (the youngest Prime minister….) is right: Italian citizens are sick and tired of those silly games! It’s time to put aside the old rites: who cares of parliamentary debates when a confidence motion is the only thing needed to approve a new bill (every sort of bill). No need to squander time. Take for instance the Jobs Act, the labour market reform enraging CGIL, the most important Italian Union, and so liked by the Right, the Italian Employer’s Federation and Frau Merkel. The Unions have been silenced in an hour or so, the opposition defeated while Democratic Party (@matteorenzi’s party) dissidents practically annihilated. #passodopopasso #italiariparte (which means #stepbystep #italyrestarts, as @matteorenzi twittered). Well, now the only other thing needed is a revolution in @matteorenzi’s party itself. Clearly in it there’s very little leftist left, but there’s a problem with the name: Democratic Party. Even a child would understand this, above all Democratic, but also Party, are old words, they doesn’t mean nothing today, nobody cares for them… Mmmm… Forza Italia has already been used, but something so evocative is needed…

Found! #matteoalé ( #longlivematteo); simple, direct and easy to twitter!

“Un piccolo passo per un uomo,

ma un balzo da gigante per l’umanità.”

Neil Armstrong

20 Luglio 1969

@matteorenzi ha ragione: i cittadini sono stufi di assistere a ‘ste sceneggiate! È ora di finirla con i vecchi riti: ma chi se ne importa dei dibattiti parlamentari quando basta mettere la fiducia e si riesce a far passare qualsiasi (o proprio qualsiasi!) provvedimento senza inutili perdite di tempo. Visto cos’è successo col Jobs Act, la riforma del mercato del lavoro che fa arrabbiare la CGIL e tanto piace alla destra, agli industriali e a Frau Merkel? Sindacati zittiti in un’oretta, opposizioni sbaragliate, dissidenti del PD praticamente annichiliti. #passodopopasso #italiariparte. Ora ci vorrebbe una rivoluzione anche nel partito di @matteorenzi. La distanza dalla sinistra ormai è presa una volta per tutte, resta il problema del nome: Partito Democratico. Lo capirebbe anche un bambino, Partito e soprattutto Democratico sono parole vecchie che non vogliono dire più niente e non interessano più a nessuno….mmmm Forza Italia no, già sfruttato, bisognerebbe però trovare qualcosa di altrettanto evocativo…

Trovato! #matteoalè: semplice, diretto e facile da cinguettare!

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Renzi: “Elettori stufi delle sceneggiate”. Disobbedienti al Senato, resa dei conti nel Pd (

My weekend movie: Blonde Venus (1932)

Blonde Venus 1932Blonde Venus (Venere Bionda) – USA 1932

Directed by: Josef von Sternberg.

Starring: Marlene Dietrich; Herbert Marshall; Cary Grant.

Venus is a mother and has a heart of gold

“It is regrettable that Miss Dietrich, Mr. Marshall and others should have been called upon to appear in such a vehicle.” This is one of the most merciful remarks Mordaunt Hall, the first regularly assigned motion picture critic for The New York Times (from1924 to 1934) could make about Blonde Venus when, in September 1932, he wrote his review of the new Josef von Sternberg’s film just released in American theatres. Though saving the actors performances (Cary Grant, the other male lead, is mentioned by Hall to say he was worthy a better role), he also called the film “a muddled, unimaginative and generally hapless piece of work”, judged the scenes “unedifying, without(…) a common sense idea of psychology” and “any attempt at levity (…) silly”.

Blonde Venus

Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Well, I must be sincere: there’s little to argue against this. Blonde Venus ain’t in fact particularly original and probably, especially if you resemble me a little and have a heart of stone while a child on the silver screen is enough to cause you nettlerush, you’ll find this movie more funny than weepy.

But, first of all, what are we talking about?

Blonde Venus is essentially a one-woman show: the one and only protagonist is Marlene Dietrich. Herbert Marshall and, above all, Cary Grant are just mere, though very charming, straight men. In her fifth film in a row (the fourth in Hollywood for Paramount, there will be two more) with Josef von Sternberg, the man who practically invented her cinematic persona, Marlene Dietrich plays one of the many variation of her typical character: the femme fatale who, after crossing the Atlantic and then travelling to Hollywood, has found a slender figure and a heart of gold but disguises it beneath an elaborate makeup and glamorous outfits.

Here Marlene is Helen a German cabaret singer who, while swimming completely naked in a pond with girl friends (also naked, ça va sans dire, it was a must in pre-code Hollywood movies), meets the American student Ned Faraday, an unlikely Herbert Marshall disguised under a cap, who immediately tries to seduce the seducing swimming Venus. Believe it or not he succeeds and in the following scene Helen is in New York bathing the fruit of their sanctified and registered love (yes they are married, cause it’s a pre-code film but…). A very edifying scene but…alas, Ned discovers he’s very ill cause his work as chemist exposed him to radio poisoning, a deadly disease that will kill him in a few months if not expensively and experimentally cured in Europe. Well, what a former cabaret singer turned into a full time mom and housewife good at embroidery could do to save her beloved husband? Naturally, a glorious comeback!

Even at the start of her film career, Dietrich...

Marlene Dietrich (Photo credit: Wikipedia)

And guess who’s there to watch her in her debut night? But, obviously, her Fairy Godmother who’s not short, fat and nuts but billionaire, dark, tall, handsome (and Cary Grant…), a guy called Nick Townsend (by the way, if out there there’s some dark, tall, handsome and millionaire Fairy Godmother left… well, here I’m!). He immediately offers his help but, to provide the magic pumpkin to save Ned’s life, he wants something in exchange (and you know what he wants, though nobody mentions it…). Helen considers the offer for a (little) while only to decide in the end that her beloved husband’s life is worth the sacrifice (and what a sacrifice…) and obtains this way the sum to send him to Europe. The trouble is that while Ned’s away, a sacrifice today, a sacrifice tomorrow (the cure takes time and money…), Helen develops a taste for the company of the sexiest Fairy Godmother ever and when, poor thing, the cure turns out to be effective the real sacrifice is to spontaneously decide to go back to her old life, while the Fairy Godmother has to console himself going to Europe. But, alas, Ned comes back a day earlier (never trust ocean liners!), finds out the truth and decides, careless of all sacrifices Helen made, to leave her immediately. Helen pretends to accept to give him their child custody only to have time to take the little brat whit her and run away. And here is when Helen’s story becomes a real odyssey. Alone with her child and chased by police, Helen goes from town to town starting with works in nightclubs every time a little more shady and ending by becoming a professional “street walker”, till she decides she has had enough and to save at least the little brat she sends him back to his father. But this is a film and this is just the beginning of her raise. Don’t ask me how, but completely broke as she is, Helen manages to go to Europe and in a wink of an eye she becomes a cabaret star, then quite obviously she meets once more her Fairy Godmother and with him she returns to America to get married and, at least, meet once again her little child. But once in the same continent, Country, city and room with Ned and the brat, she decides to stay with them. The End.

Josef von Sternberg

Josef von Sternberg (Photo credit: Wikipedia)

After this very exhaustive résumé, you’ll easily understand that the story, though Helen never thinks she has to feel guilty for something and is always the real master of her destiny, is a bit obvious (you’ll find tonnes of movies made in the same period telling more or less the same story), there are gaps in the plot (but probably the real cause for this were continuous clashes between Josef von Sternberg and producer B.P. Schulberg, not to mention the extensive screenplay rewriting because of the fear of possible censors interferences) and an absurd, unlikely ending. Which woman completely sane in mind and body would choose spontaneously to desert a rich millionaire who could help her to legally obtain her child custody to go back to a man who’s a complete shit (pardon my French) and when is afraid to die accepts her money along with her unlikely excuses to explain how she got it and once cured  reduces her in misery and separates her from her child?

Anyway, Blonde Venus will give you the opportunity to watch the young Archibald Leach engrossed with his mission to turn himself into Cary Grant and will prove you that the coolest movie star ever was not discovered by Mae West as she loved to tell around (She done him wrong, their first film together was made a year after Blonde Venus). But you should watch this movie also to admire Marlene Dietrich outfits (the dimensions of dead animals skins round her neck vary according to Helen’s fortune or misfortune) and what Mordaunt Hall called two or three songs, which are in fact worth watching numbers. Apart from the usual number in drag (Dietrich’s number in drag was like Harpo Marx’s harp number) here you’ll find Marlene singing and dancing Hot Voodoo: at first she goes around disguised in a gorilla costume, then she remains in a more glamorous outfit wearing the most absurd blonde afro wig surrounded by chorus girls wearing what are supposed to be very scanty tribal costumes. Definitely worth watching, but forget modern political correctness and try and think to this as a product of its time. Just the way you have to consider the whole film to appreciate it. Don’t worry it wont take long, and if you won’t take it too seriously, maybe you’ll also be able to find it quite funny.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Blue Angel GER 1930 Directed by: Josef von Sternberg. Starring: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Susan Lenox (Her fall and rise) – USA 1931 Directed by: Robert Z. Leonard. Starring: Greta Garbo; Clark Gables.

Rockabye – USA 1932 Directed by: George Cukor. Starring: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Directed by: Clarence Brown. Starring: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nothing Sacred – USA 1936 Directed by: William A. Wellman. Starring: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Directed by: Bob Fosse. Starring: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.


Venere è mamma e ha un cuore d’oro

“È un peccato che a Marlene Dietrich, Herbert Marshall e altri sia stato chiesto di prendere parte a una cosa simile.” Questa è una delle cose più carine che Mordaunt Hall, il primo critico cinematografico fisso del New York Times (dal 1924 al 1934), riuscì a dire a proposito di Venere Bionda scrivendo, nel settembre del 1932, la recensione del nuovo film di Josef von Sternberg appena arrivato nei cinema americani. Pur salvando gli attori (di Cary Grant, l’altro protagonista maschile, Hall disse che avrebbe meritato un ruolo migliore) e le loro performance, Hall non si limitò a quello: definì il film “confuso, privo di immaginazione e in generale un lavoro infelice”, giudicò le scene come “non edificanti, del tutto prive di un qualsiasi spessore psicologico” e “ogni tentativo di levità (…) sciocco”.

English: Marlene Dietrich in Blonde Venus

Marlene Dietrich singing Hot Voodoo in Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Ebbene, voglio essere del tutto sincera: c’è ben poco da obiettare. Venere Bionda infatti è tutt’altro che originale e probabilmente, specialmente se mi somigliate un po’, avete un cuore di pietra come il mio e i bambini sul grande schermo vi provocano l’orticaria, potreste trovare la storia più divertente che strappalacrime.

Ma, innanzitutto, di cosa siamo parlando?

Venere Bionda è un one-woman show: la vera e unica protagonista è Marlene Dietrich. Herbert Marshall e soprattutto Cary Grant sono solo delle semplici, anche se affascinanti, spalle. Nel suo quinto film consecutivo (il quarto ad Hollywood per la Paramount, ne seguiranno altri due) con Josef von Sternberg, l’uomo che ha praticamente inventato la sua immagine cinematografica, Marlene interpreta una delle infinite varianti del suo tipico personaggio: la femme fatale che, dopo aver attraversato l’Atlantico e aver viaggiato fino ad Hollywood, si è ritrovata con una figura snella e un cuore d’oro ma ben dissimulato sotto un trucco elaborato e degli abiti da favola.

Qui Marlene è Helen una cantante di cabaret tedesca che un bel giorno, mentre se ne sta tutta nuda a fare il bagno con le sue amiche ( nella Hollywood pre-codice Hays era un vero must) in uno stagno in Germania, conosce lo studente Americano Ned Faraday, un improbabile Herbert Marshall nascosto sotto un berretto, che immediatamente cerca di sedurre la seducente venere al bagno. Che ci crediate o no, ha successo e infatti nella scena successiva Helen è a New York intenta a fare il bagno a un moccioso, il frutto dell’amore santificato e certificato tra lei e Ned (si, si sono sposati anche se il codice Hays non aveva ancora stretto le sue maglie). Una scena davvero edificante ma… purtroppo Ned scopre di essere molto malato: a causa del suo lavoro di chimico è rimasto avvelenato dal radio e morirà in pochi mesi se non seguirà una costosissima cura sperimentale in Europa.

Herbert Marshall con Miriam Hopkins in un altro film del 1932, Mancia Competente (Photo Credit: Wikipedia)

Ora, cosa potrà mai fare una ex-cantante ormai dedita al suo moccioso, alle faccende domestiche e al ricamo, pur di salvare l’amato consorte? Naturalmente, tornare a calcare le scene! E indovinate un po’ chi incontra la sera del suo debutto? Ma, ovviamente, la sua fata Madrina che, guarda un po’, non è una signora bassa, grassoccia e pazzerella ma un baldo milionario alto, bruno, bello (e Cary Grant…) che di nome fa Nick Townsend (a proposito, se là fuori è rimasto un qualche esemplare di fata madrina siffatto, cioè alto, bruno, bello e magari pure milionario… io sono qui!). Lui si offre subito di aiutarla però, per allestire la zucca che porterà in salvo Ned, vuole qualcosa (e voi ovviamente capite bene cosa, anche se nessuno lo dice apertamente…) in cambio. Helen ci riflette un po’ su, ma poi decide che la salvezza di Ned val bene il sacrificio (e sai che sacrificio…) e ottiene così il necessario per spedire l’amato in Europa. Il problema è che, mentre Ned è lontano, sacrificati oggi e risacrificati domani (che la cura è lunga e costosa), Helen un po’ ci prende gusto a passare il tempo con sto’ pezzo di fata madrina e quando, ahilei, la cura si rivela efficace il sacrificio è decidere di tornare al domestico tran-tran, mentre la fata madrina corre a consolarsi in Europa. Peccato che Ned torni a casa un giorno prima (vatti a fidare dei piroscafi!) e scopra tutto decidendo all’istante, incurante di tutti i sacrifici che lei ha fatto per lui, di mollare la povera Helen. Lei finge di accettare di lasciargli il figlio per tenerlo buono giusto il tempo di prendersi il moccioso e scappare lontano. E qui il film prende la piega di un’autentica odissea. La povera Helen, con bimbo al seguito, passa di città in città prima cantando in locali sempre più malfamati e poi, causa polizia alle calcagna, adescando per strada chi capita (ma è sempre bellissima e truccatissima) fino a quando decide di non poterne più e fa chiamare Ned per salvare almeno il piccolo. Ma questo è un film quindi da questo momento inizia la sua rinascita. Non chiedetemi come, ma da un pidocchioso ricovero, e poverissima (che dà via l’assegno che Ned le ha dato), riesce ad arrivare in Europa, diventa in un battibaleno una stella del varietà, ritrova la fata madrina e torna con lui in America decisa a sposarlo e almeno a rivedere il bambino. Poi però quando si trova nello stesso continente, nello stesso Paese, nella stessa città e soprattutto nella stessa stanza con Ned e il moccioso (che intanto non è cresciuto di un centimetro) decide di restare con loro. Fine.

Cary Grant

Cary Grant

Dopo questo esaustivo riassunto è facile capire che la storia, nonostante la mancanza di sensi di colpa di Helen che appare come la vera padrona del suo destino, è un po’ banale (di film con trame così in quegli anni ne venivano prodotti a bizzeffe), c’è qua e là qualche lacuna nello svolgimento (ma questo è dovuto anche alle liti tra von Sternberg e il produttore B.P. Schulberg oltre che alle molte riscritture della sceneggiatura per timore di possibili censure) e il finale è completamente assurdo. Quale donna sana di mente mollerebbe su due piedi un milionario ricco che la potrebbe anche aiutare a riprendersi legalmente il figlio per rimettersi con uno stronzo (perdonate il francese) che quando ha paura di morire non fa domande su come lei si procura i soldi per curarlo e poi una volta guarito le fa la morale, la riduce alla fame e le porta via il figlio?

A parte il piacere di poter vedere in azione il giovane Archibald Leach intento a trasformarsi in Cary Grant e poter constatare con i propri occhi che l’uomo più affascinante della storia del cinema non è stato scoperto da Mae West come lei amava raccontare (il loro primo film insieme, Lady Lou, fu girato un anno dopo Venere Bionda), vale la pena rivedere questo film anche per le mise sfoggiate da Marlene Dietrich (le dimensioni variabili delle pelli di animali morti intorno al suo collo segnano fortune e sfortune della bella Helen) e per quelle che Mordaunt Hall liquidava come due o tre canzoni cantate da Marlene Dietrich, che invece sono tra le cose migliori del film. Oltre a un numero en travesti (un classico per Marlene, un po’ come il numero con l’arpa per Harpo Marx) c’è la scena in cui canta Hot Voodoo: prima gira tra il pubblico travestita da gorilla e poi si spoglia restando in uno scintillante costume molto più succinto mentre in testa indossa una assurda parrucca afro di color biondo platino per cantare circondata da un coro di ragazze in altrettanto succinti costumi tribali. Vale la pena di vederla, bisogna però dimenticarsi completamente del politically correct e cercare di entrare nello spirito dell’epoca. Che poi è la cosa giusta da fare per godersi il film. In fondo dura poco e se lo guardate senza prendere tutto terribilmente sul serio potreste persino divertirvi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi(cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

L’Angelo Azzurro GER 1930 Diretto da: Josef von Sternberg. Con: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Cortigiana – USA 1931 Diretto da : Robert Z. Leonard. Con: Greta Garbo; Clark Gables.

Labbra Proibite – USA 1932 Diretto da: George Cukor. Con: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Diretto da: Clarence Brown. Con: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nulla sul serio– USA 1936 Diretto da: William A. Wellman. Con: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Diretto da: Bob Fosse. Con: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.


It seems, and I insist it seems (cause sometimes the truth is a question of points of view), that the new and sparkling Democratic Party (PD, the largest supposed-left party in Italy) led by the Youngest Prime Minister in the Italian history, is having some little problem. It seems, an I want to be clear it seems, that PD registered members are, so far, 400.000 less than they were last year. Rubbish! There’s no point (not to mention how vulgar it will be) in trying and insinuate that this happens because in the new and sparkling PD there’s very little that could remind to a Left party. No need to dramatise the situation, after all the Youngest etc… is making a revolution that will turn our old Italy into a new business-friendly-Country and you can be sure that when finally employers will be able to sack their employees whenever they’ll want with no bounds every businessman on earth will flock to Italy (and if we’ll give them, for instance, the opportunity to own slaves, the legal property of their employees’ children, and the right to decide about their employees life or death, I bet someone will arrive from Mars too…). Our young untameable Leader is only trying to build a new and closer relation with the Italian people (and in fact, when he has to talk to workers he has already decided that the mediation of Unions is completely useless). After all, who cares if his Party counts a few thousands registered members less: on Twitter @matteorenzi has 1.327.262 followers…

*each word means more or less the same thing: something having no importance. Totò, the famous italian comedian, used this expression in different films (WATCH). Pinzillacchere is a word invented by Totò himself .

“Bezzecole, quisquilie..pinzellacchere!”*


Pare, e sottolineo pare (a volte la realtà è questione di visuali più o meno panoramiche), che il PD giovane e frizzante del Presidente più giovane della storia dell’Italia Unita, abbia un piccolo problema di tesseramento. Pare, e sottolineo pare, che al momento i tesserati siano scesi di, più o meno, 400.000 unità. Bazzecole! Inutile (e pure un po’ volgare) insinuare che dipenda dal fatto che di Sinistra nel nuovo PD frizzantino non sia rimasto più niente. Non è il caso di drammatizzare, dopo tutto, impegnato com’è in una rivoluzione che finalmente renderà l’Italia un Paese business-friendly (meglio adeguare il vocabolario…) dove, finalmente, grazie alla possibilità di licenziare senza troppi vincoli tutti, ma proprio tutti, vorranno venire a fare affari (se poi si introducessero, tanto per fare un esempio un po’ forte, la schiavitù, il diritto di proprietà sulla prole dei lavoratori e il diritto di vita e di morte sugli stessi, c’è da giuraci che arriverebbero pure i marziani…), l’indomabile giovane leader è in cerca di un contatto più diretto e nuovo con il popolo italiano (e infatti a che servono quei vecchi arnesi dei sindacati, meglio il confronto diretto coi lavoratori, uno per uno, no?). E poi, del resto, cosa saranno mai un po’ di tessere in meno: su Twitter, @matteorenzi ha 1.327.262 followers…

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My weekend movie: What Ever Happened to Baby Jane? (1962)

Baby Jane 1962

What Ever Happened to Baby Jane? (Che fine ha fatto Baby Jane?) – USA 1962

Directed by: Robert Aldrich.

Starring: Bette Davis; Joan Crawford; Victor Buono; Maidie Norman.

Baby Jane was planning her comeback…

SPECIAL WARNING!!! Do not watch this movie if: you’re depressed; you’re taking care of a sick relative; you’re sick and someone is taking care of you; you’re a woman and you’re ageing; you avoid looking your face into the mirror not to find new wrinkles; you’re upset because you noticed a new white hair this morning; you miss the good old days; you only want to think about nice things; now and then you drink a drop too much; you have a sister but you don’t like her; your sister doesn’t like you; you are vegan but above all…you’re a former child star!

Well, if none of those things are affecting your day you can blithely read this article, unless…

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this movie before this is your last occasion to go and fetch a copy, otherwise you read this article at your own risk.

What even happened to Baby Jane? (Photo credit: Wikipedia)

What ever happened to Baby Jane?, the 1962 psychological-thriller directed by Robert Aldrich and based on the 1960 novel written by the American novelist and screenwriter Henry Farrell, tells the most famous case of sibling rivalry ever shown on a silver screen, the story of  Blanche and Baby Jane Hudson once wealthy and famous and now forced into a very uncomfortable, sick and secluded cohabitation. Jane had been the first to become a star and raise a fortune in late 1910’s when she was just a child (the reason why she was called Baby Jane) singing and dancing in Vaudevilles with her father for adoring children fans flocking from all over the country to see her and buy her gadgets, while her older sister Blanche could only live, completely ignored, in her shadow. Later Blanche had her occasion to be the one who was in the spotlight. In 1930’s she became one of the most famous film stars, so powerful to impose to the Studio she worked with to employ Baby Jane (but rigorously in B-movies). But all came to an end after a tragic car accident that left her paraplegic. Almost thirty years later Blanche, still on a wheelchair, and Baby Jane, probably involved in the accident and now an hopeless alcoholic, live together in a big decaying house and their bitter cohabitation is at risk when Blanche’s films start to be shown on TV arousing Baby Jane’s jealousy and resentment…

Joan Crawford as Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Believe it or not, despite the reciprocal dislike, was Joan Crawford the one who suggested to cast Bette Davis as Baby Jane. According to Bette Davis, Joan Crawford told her about that book bought by Aldrich to make a film that had parts for them: a great occasion. Passed fifty (Joan was 58, Bette 54 therefore younger than Madonna or Sharon Stone today) their careers were at stake. The only thing Bette Davis needed to know was that Aldrich was not sentimentally involved with Joan (she feared he could favour her…) but Aldrich’s laughter and the reassurance he could not imagine any other Baby Jane convinced her to take up the role and cut her salary (for a percentage of profits obviously). But Bette went over. Thinking that makeup could be important to show Baby Jane’s despair and madness, and feeling that any makeup artist could go as far as needed, she decided to do her own makeup (Aldrich and the production feared it might be a bit too over the top). “I did my best to look my worst” she said confessing that after seeing herself as Baby Jane she couldn’t help crying “I’d been so successful in making myself a horror, I frightened myself”. And she really had been successful. The film was a hit, received positive reviews and granted her an Academy Award Nomination as Best Actress. But all this produced a side effect: Crawford and Davis reciprocal dislike fatally turned into a real feud. According to Bette Davis, Joan Crawford campaigned against her Oscar. Whether true or false, what’s sureis that  Crawford contacted other Best Actress nominees offering to accept the award on their behalf if unable to attend the ceremony. When Anne Bancroft, who was performing a play in Broadway, won for The Miracle Worker Joan Crawford went on stage to pick up the Oscar (HERE). Not surprising that the following attempt to reunite Joan and Bette in Hush..hush, sweet Charlotte aborted (Joan left the set and Olivia De Havilland took up her role).

What ever happened to Baby Jane? provides a good dose of suspense thanks to Baby Jane’s overwhelming crescendo of cruelty and insanity but, frankly, the progressive discovery that the nutty jailer has been helped in her descent into madness and the sweet dignified victim ain’t such an angel is not so surprising. If you pay attention to the first part of the movie, you can understand everything even before the two prima donnas finally make their entrance. Anyway, there are still two good reasons you should watch again this movie: Joan Crawford and, above all, Bette Davis. You own her. (But if your case is one of those contemplated in the opening special warning… you’ve exemption from this film).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip aor the trailer):

In This Our Life – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Sunset Blvd – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

A Streetcar Named Desire – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Hush… HushSweet, Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Dead Ringer – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mommy Dearest – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.


Baby Jane stava preparando il suo ritorno alle scene…

AVVERTENZA SPECIALE!!! Non guardare questo film se: sei depressa/o; stai prendendoti cura di un parente malato; sei malata/o e un tuo parente si sta prendendo cura di te; sei una donna e stai invecchiando; eviti di guardarti allo specchio per non trovare nuove rughe; sei preoccupata/o perché stamattina hai notato un nuovo capello bianco nella tua chioma; hai nostalgia dei bei tempi andati; vuoi pensare solo a cose belle; ogni tanto ti fai un goccetto di troppo; hai una sorella ma non ti piace; tu non piaci a tua sorella; sei vegana/o ma soprattutto… sei un ex-bambina prodigio!

Bene, se nessuna di queste cose ti sta rovinando la giornata puoi almeno tranquillamente leggerti l’articolo, a meno che…

ATTENZIONE SPOILER: se non hai mai visto questo film prima d’ora questa è la tua ultima occasione di procurartene una copia, altrimenti leggiti pure il resto dell’articolo a tuo rischio e pericolo.

Baby Jane and Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Che fine ha fatto Baby Jane?, il film del 1962 diretto da Robert Aldrich, interpretato da Bette Davis e Joan Crawford e tratto dal romanzo omonimo del 1960 dello scrittore americano Heny Farrell, racconta il più famoso caso di rivalità tra sorelle mai apparso sul grande schermo. È la storia di Blanche (Joan Crawford) e Baby Jane Hudson (Bette Davis), un tempo ricche e famose e ora costrette ad un’insopportabile, malata convivenza da semi-recluse. Jane è stata la prima a conoscere la fama quando bambina (e perciò chiamata Baby Jane) alla fine degli anni ’10 del novecento cantava e danzava col padre nei Vaudeville (qualcosa di molto simile ai nostri teatri di varietà o all’avanspettacolo) per folle adoranti di piccoli fan disposti anche ad acquistare i più assurdi gadget che la ritraevano, mentre la sorella maggiore Blanche viveva del tutto ignorata nella sua ombra. Più tardi, mentre quella fama sbiadiva sempre più, era arrivato il turno di Blanche che negli anni ’30 era diventata una delle più brillanti stelle del cinema, potente al punto da imporre la presenza di Baby Jane nelle produzioni (ma rigorosamente di serie B) dello Studio che l’aveva sotto contratto. Il mondo era ai suoi piedi, ma tutto era finito tragicamente quando un incidente d’auto l’aveva lasciata paralizzata. Quasi trent’anni dopo Blanche, che è sempre sulla sedia a rotelle, e Baby Jane, che forse ha avuto un ruolo nel suo incidente ed è ormai un’incurabile alcolizzata, vivono insieme in una grande casa che come loro sta cadendo a pezzi e la convivenza difficile e gli equilibri precari sembrano arrivare al punto di rottura quando la TV inizia a trasmettere i vecchi film di Blanche rinverdendone la fama e scatenando la gelosia di Baby Jane…

Bette Davis as Baby Jane (Photo credit: Wikipedia)

Che ci crediate o meno, nonostante la nota e reciproca avversione, fu Joan Crawford a suggerire il nome di Bette Davis per il ruolo di Baby Jane. Secondo quanto raccontò Bette Davis fu prorpio Joan Crawford a parlarle di questo libro di cui Aldrich aveva acquisito i diritti per farne un film e che aveva due parti adatte a loro. Un’occasione da non perdere visto che passati i cinquant’anni (Joan Crawford aveva 58 anni, Bette Davis 54, meno di quanti ne hanno ora Madonna e Sharon Stone) era un momento difficile per la carriera di entrambe. La sola cosa che Bette Davis aveva bisogno di sapere era che Aldrich non fosse sentimentalmente legato a Joan Crawford (aveva paura che potesse favorirla, roba da dive…), ma una risata di Aldrich e la rassicurazione che lui non poteva proprio immaginare un’altra attrice nel ruolo di Baby Jane la convinsero ad accettare la parte e a tagliarsi il salario (ovviamante per una percentuale dei profitti). Ma Bette andò molto oltre. Considerando il trucco un elemento importante per rendere visibile la disperazione e la follia di Baby Jane, ed essendo convinta che nessun truccatore avrebbe osato fare quello che era necessario fare, decise di far da sé (spaventando Aldrich e la produzione che temettero stesse un po’ esagerando). “Ho fatto del mio meglio per apparire al mio peggio” disse confessando anche che dopo essersi vista nei panni di Baby Jane non era riuscita ad evitare di piangere “Sono stata talmente brava nel trasformarmi in un autentico orrore che mi facevo paura da sola”. E la sua bravura portò a un vero successo. Il film fu apprezzato da pubblico e critica, e fece ottenere a Bette Davis una nomination per l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista ma, fatalmente, trasformò la reciproca avversione tra Bette e Joan in una vera e propria faida. Secondo Bette Davis, Joan Crawford si diede da fare per convincere i membri dell’Academy a negarle l’Oscar. Quel che è certo è che Joan Crawford si mise a disposizione delle altre candidate offrendosi di ritirare l’Oscar al loro posto se impossibilitate a partecipare alla cerimonia. Quando fu annunciata ala vittoria di Anne Bancroft, impegnata con una commedia a Broadway, per Anna dei Miracoli fu così Joan Crawford a salire sul palco e ritirare l’Oscar al suo posto (QUI). Niente di sorprendente quindi se il successivo tentativo di rimettere insieme Bette e Joan in Piano…Piano, dolce Carlotta abortì (Joan Crawford abbandonò il set e fu sostituita da Olivia De Havilland).

Che fine ha fatto Baby Jane? contiene un bel po’ di suspense soprattutto grazie all’inarrestabile crescendo di follia di Baby Jane ma, francamente, la progressiva scoperta che il merito per la sua riuscitissima discesa all’inferno non sia tutto suo e quella che in fondo Blanche, la dolce vittima, non è la santa che potrebbe sembrare non sono affatto sorprendenti. Basta fare un po’ d’attenzione alla prima parte del film e si capisce tutto prima ancora che le due primedonne entrino in scena. Comunque ci sono due buone ragioni per rivedere questo film: Joan Crawford e, soprattutto, Bette Davis. E lei si che si merita un po’ del tuo tempo. (ma se il tuo caso rientra in uno di quelli elencati nelle avvertenze speciali… puoi considerarti esentata/o).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

In questa nostra vita – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Viale del Tramonto – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

Un tram che si chiama Desiderio – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Chi giace nella mia bara? – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mammina Cara – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.


“I don’t, I don’t believe it…”

Luke Skywalker

From: The Empire Strikes back – 1980

These are dreadful times and even trying to forget (or being determined not to talk about) the most alarming aspects of our days what remains ain’t pretty comforting: the never ending crisis, a continuous flood of desperate people risking their lives into the sea trying to escape from war, poverty rising, workers’ rights threatened and a supposed left government determined to defeat the Unions, not to mention security issues…

But, anyway there’s still someone ready to spend a night or even a few days of his/her precious time in a queue, just to be the first to buy (full price.. and what a full price!) a new electronic device he/she probably even doesn’t really need. Please tell me it’s just a very well conceived publicity stunt. It have to be so, cause I simply don’t want to believe this is true, I want still believe in people, I want to think that human mind can’t be so easily manipulated (and just to sell silly stuff…)…

“Non posso crederci…”

Luke Skywalker

Da: L’Impero colpisce ancora – 1980

Questi sono tempi terribili e persino cercando di dimenticare o essendo determinate a non parlare dei più spaventosi eventi dei nostri giorni quello che resta è piuttosto sconfortante: la crisi senza fine, il flusso continuo di disperati che rischiano la vita cercando di attraversare il mediterraneo per scappare ai conflitti e a tutto quello che ne consegue, la povertà che aumenta, i diritti dei lavoratori minacciati e un supposto governo di sinistra determinato a distruggere il sindacato, senza parlare delle minacce alla nostra sicurezza…

E nonostante tutto c’è ancora chi è disposto a passare una notte o persino qualche preziosissimo giorno della sua vita in una coda, solo per poter essere il primo o la prima a comprare (a prezzo pieno… e che prezzo pieno!) un nuovo apparecchio elettronico di cui molto probabilmente non ha nemmeno bisogno. Vi prego, ditemi che è solo una ben orchestrata campagna pubblicitaria. Deve essere così, perché io non voglio credere che sia vero. Voglio continuare a credere negli esseri umani, contro ogni evidenza voglio continuare a pensare che la mente umana non possa essere manipolata così facilmente (e solo per vendere un po’ di fuffa)…

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Code e follie nell’i***** day italiano (

My weekend movie: Suspicion (1941)

Suspicion 1941

Suspicion (Il Sospetto) – USA 1941

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Cary Grant; Joan Fontaine; Nigel Bruce; Dame May Whitty.

The sight of an eligible male was a rare treat in that part of the Country…

A plain young woman, destined to perpetual spinsterhood, meets by chance on a train one of the most charming eligible bachelors of the Country and decides not to miss the boat. He seems to fall in love, the only trouble is that she has no idea he’s also an incurable liar, a scoundrel and maybe even something more terrifying…

Suspicion )Photo credit: Wikipedia)

This is the premise of Suspicion, Alfred Hitchcock’s fourth american movie, made and released in 1941, a psychological thriller set in the pre-WWII England (at least the cliché pre-WWII England that could be reproduced in Hollywood) and not very faithfully based on Before the fact a 1932 novel written by Frances Iles (one of the several pen names used by the English crime writer Anthony Berkeley Cox). It’s the second and final collaboration with Rebecca’s star Joan Fontaine and the first with his favourite alter ego: Cary Grant.

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this film before, here is your last chance to go and fetch a copy…otherwise you are going to read the rest of this article at your own risk.

The story is all about Lina (Joan Fontaine), a young and inexperienced woman coming from a very good family who, discovering one day that her overprotecting parents are preparing for her a quiet country life as a dignified spinster, decides to throw herself to Johnny Aysgarth (Cary Grant), a very charming and notorious womaniser she hardly knows. Against her family wishes Lina elopes to happily live a whirlwind romance, but once the honeymoon comes to an end she has to face reality: her beloved husband is nothing but a serial sponger who loves the easy life, luxury and horse racings, and thinks he could live on her income. Sadly, Johnny has to face reality too: Lina’s income ain’t what he expected so he has to work or at least try to work, or maybe pretend to work… At first, Lina seems to find Johnny’s attitude quite funny and believes he’s on his way to change for good, but when she meets Beaky, one of her husband’s oldest friends, she finds out that he has no intention to change. Then a series of events, included Beaky’s very mysterious death happened before he could dissolve a society made with Johnny (Beaky provided the money, Johnny the ideas), make her suspicious: maybe she married an assassin….

Suspicion left Hitchcock dissatisfied, disappointed and with some regret. What was the trouble?

Lina and Johnny (Photo credit: Wikipedia)

Surely not the leading lady. Joan Fontaine was absolutely perfect, even a bit too perfect to play the fragile and insecure girl who falls in love with a scoundrel and then is consumed with the doubt he could be a murderer. Lina after all was a sister, or at least a cousin, of young Mrs de Winter, the protagonist of Rebecca, the first movie she had made with Hitchcock in 1940, the one that had projected her into Hollywood stardom after many disappointing years when she was overshadowed by her sister Olivia de Havilland who had made a name for herself starring alongside Errol Flynn in Warner Brothers movies (not to mention, of course, Gone with the Wind). The idea to cast Joan Fontaine proved to be so good that in 1942 she became the only actor to ever win an Academy Award in a film directed by Hitchcock, winning as Best Leading Actress five years before her older sister could achieve the same goal in 1947 for To Each His Own (anyway someone said this was a compensation for the Oscar lost the previous year when she was nominated for Rebecca).

So, what was the trouble? Maybe the fact that the two protagonists didn’t get on well (years later Joan will say that Cary Grant simply didn’t understand that the protagonist was Lina)? Maybe the trouble was the set, too artificial and not very British, or the too glossy photography Hitchcock complained about years later in Truffaut’s interview? (by the way, many thanks to the French director for his long interview!) Well, all those things was probably a part of it, but the real trouble was… Cary Grant!

Cary Grant in 1941 (photo credit: Wikipedia)

According to Hitchcock in fact the actor, that later became his favourite alter ego, was probably the main reason (along with Hollywood censorship) for the numerous changes made to the original story. In Frances Iles’ novel Johnny was an impenitent libertine (before and after the marriage), and above all was a real murderer and… Cary Grant could not be a murderer! Audiences didn’t want him to be a murderer and RKO, the Studio producing the film (Hitchcock had been happily lent by David O. Selznick, the man who brought him to Hollywood in 1939), didn’t want him to be a murderer too and in fact trying to cut every scene suggesting Johnny’s evil nature reduced the movie to a 55 minute length but then restored Hitchcock version because that way the film simply didn’t make sense. If you watch the movie you’ll understand why nobody wanted the coolest man ever turned into a murderer: the scene when, after catching Lina trying to persuade Beaky not to become his buisiness partner, Johnny scolds her in a menacing tone following her up the stairs is one of the most disturbing Cary Grant ever performed. Better not to turn Cary into a murderer, at least not in 1941. Unfortunately that way Hitchcock had to put aside the final scene he had imagined, made to perfectly match the famous “milk scene” with Johnny carrying upstairs in half-light a glass of glowing milk (Hitchcock asked to put a light bulb in it to draw our attention to the glass) to finally put it beside Lina’s bed while his wife fears it’s poisoned. The never-made scene (apparently closer to the novel’s mood) had to show Lina, perfectly knowing the milk is poisoned and yet ready to swallow it, asking Johnny to post a letter she wrote to her mother. The following morning when Lina is already dead, a cheerful Johnny post the letter not knowing that in it Lina revealed to her mother that he was her assassin.

Here you can find the Hitchcock- Truffaut long conversation:

Suspicion ain’t Hitchcock’s best film, surely all the faults Hitchcock saw in it are real (after all, I wouldn’t dare to contradict the master), and surely the ending is weak, and yet it’s a charming film. Maybe it’s because of Cary Grant, or maybe cause it reminds me to Rebecca (which is one of my favourite movies and the first Hitchcock’s film I’ve ever seen, but I already told you about that), but this is one of those movies I can’t ignore and watch again now and then. I suggest you to do the same.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Now, Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Secret beyond the door – USA 1947 Directed by: Fritz Lang. Starring: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

How to murder your wife – USA 1965 Directed by: Richard Quine. Starring: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

A New Leaf – USA 1971 Directed by: Elaine May. Starring: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.


La vista di un buon partito era un piacere piuttosto raro in quella parte del Paese…

Una giovane donna scialba, destinata a perpetuo zitellaggio, incontra per caso su un treno uno dei più ambiti scapoli del Paese e decide di non farselo scappare. Lui incredibilmente sembra innamorarsene, l’unico problema è che lei non ha idea del fatto che sia anche un inguaribile bugiardo, un imbroglione e, forse, persino qualcosa di molto più terribile…

Joan Fontaine in full colour (Photo credit: Wikipedia)

Queste sono le premesse di Il Sospetto (Suspicion), il quarto film americano di Alfred Hitchcock girato e distribuito nel 1941, un thriller psicologico ambientato in Inghilterra prima della seconda guerra mondiale (o almeno in quell’Inghilterra da cliché Hollywoodiano che poteva essere riprodotta sotto il sole della California) e tratto non molto fedelmente dal romanzo Before the Fact (tradotto in italiano in Il Sospetto, come il film) scritto da Frances Iles (uno dei tanti pseudonimi usati dallo scrittore di gialli inglese Anthony Berkeley Cox) e pubblicato nel 1932, che segna la seconda e ultima collaborazione del Maestro del brivido con la protagonista di Rebecca Joan Fontaine e la prima con il suo alter ego preferito: Cary Grant.

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film questa è la vostra ultima occasione per procurarvene una copia o visitare il sito RAI Cinema dove per il momento lo potrete vedere – in italiano – gratis (cliccate QUI)… altrimenti continuate pure a leggere il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo.

La storia ruota tutta intorno a Lina (Joan Fontaine), giovane di buona famiglia senza esperienza che, scoprendo che i suoi genitori le stanno preparando una placida esistenza da zitella nella campagna inglese, decide di buttarsi tra le braccia di Johnny Aysgarth (Cary Grant), affascinante sciupafemmine appena conosciuto. Contro la volontà dei suoi fugge di casa e lo sposa, ma appena finita la luna di miele deve affrontare la realtà: il suo amato maritino è uno scroccone seriale che ama la bella vita, il lusso, le corse e pensa di poter vivere della sua rendita. Anche Johnny però deve affrontare la realtà e quando scopre che la rendita di Lina non è cospicua quanto sperava si vede costretto a lavorare o almeno a cercare di lavorare, o a fingere di lavorare… All’inizio Lina trova quasi divertente quello che ha scoperto e crede sinceramente che Johnny possa cambiare, ma quando conosce Beaky, uno dei più cari amici del marito, scopre che non cambierà mai. E una serie di eventi, compresa la misteriosa morte di Beaky prima che potesse sciogliere una società fondata con Johnny (l’amico ovviamente metteva i soldi Johnny le idee), fanno crescere in lei il sospetto di avere sposato un assassino…

Il Sospetto lasciò Hitchcock insoddisfatto, deluso e con qualche rimpianto. Ma qual era il problema?

Joan with Gary Cooper and the Oscar (Photo credit: Wikipedia)

Sicuramente non la protagonista. Joan Fontaine era semplicemente perfetta, persino un po’ troppo perfetta per il ruolo della giovane fragile e insicura che perde la testa per un imbroglione e poi si tormenta con l’idea che possa essere un assassino. Lina in fondo era la sorella, o almeno la cugina, della giovane Signora de Winter, la protagonista di Rebecca il primo film che aveva girato con Hitchcock e che nel 1940, un anno prima dell’uscita de Il Sospetto, aveva fatto di lei una star dopo anni si semi-anonimato trascorsi all’ombra dell’allora più famosa sorella Olivia De Havilland che nel frattempo si era costruita una solida carriera alla Warner Brothers al fianco di Errol Flynn (senza contare, ovviamente, Via col Vento). Scegliere Joan Fontaine per Il Sospetto era stata una mossa decisamente azzeccata. Nel 1942 infatti, unica tra gli e le interpreti dei film di Hitchcock e ben cinque anni prima della sorella maggiore Olivia, Joan vinse l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista (anche se qualcuno lo considerò una specie di ricompensa per la mancata vittoria dell’anno prima quando era stata candidata per Rebecca).

Quindi, qual era il problema? Forse il fatto che sul set la Fontaine e Cary Grant non andassero molto d’accordo (anni dopo, lei fece notare che forse il buon Cary non aveva capito che la protagonista della storia era Lina)? Oppure le scene troppo artificiali e poco British e la fotografia un po’ troppo luminosa di cui Hitchcock ancora si lamentava con Truffaut? (e meno male che il regista francese spese tanto del suo tempo in quella lunga intervista…) In parte, ma il vero problema era un altro… Cary Grant!

Alfred Hitchcock (Photo credit: Wikipedia)

Infatti, sempre secondo quanto Hitchcock raccontò a Truffaut l’attore, poi diventatoil suo l’alter ego preferito, fu probabilmente (assieme alla censura di Hollywood) una delle principali cause dei molti cambiamenti apportati alla storia originale. Nel romanzo Johnny era un impenitente libertino (prima e dopo il matrimonio) ma soprattutto era realmente un assassino e… Cary Grant non poteva essere un assassino! Non lo volevail pubblico e non lo veleva la RKO che produceva il film (Hitchcock era stato “prestato” molto volentieri da David O. Selznick che l’aveva messo sotto contratto e portato in America nel 1939 ma col quale non andava d’accordo) e che nel tentativo di eliminare le scene in cui Cary Grant sembrava troppo cattivo aveva sforbiciato la pellicola riducendone la durata a 55 minuti salvo, per fortuna, cambiare idea perché così il film non aveva più alcun senso. Non è difficile però capire perché nessuno volesse vedere l’uomo più cool di tutti i tempi trasformato in un assassino. Basta vedere il film: la scena in cui Johnny, dopo aver sorpreso Lina che tenta di dissuadere Beaky dal mettersi in affari con lui, la rimprovera e la segue su per la scalinata con fare minaccioso è una delle più disturbanti mai interpretate da Cary Grant. Molto meglio non fare di Cary un assassino, almeno non nel 1941. Purtroppo però in questo modo Hitchcock dovette rinunciare al finale che aveva immaginato (che a quanto pare era molto più aderente alla storia originale) e che sarebbe stato la perfetta prosecuzione della famosa “scena del latte”, quella in cui Cary/Johnny sale nella penombra le scale con un vassoio su cui è posato un bicchiere di latte che brilla nel buio (perché Hitchcock ci aveva fatto mettere una luce dentro in modo da attrarre la nostra attenzione su quel particolare) che poi posa sul comodino di fianco al letto della moglie che crede sia avvelenato. Nel finale mai girato Lina, consapevole del fatto che il latte era realmente avvelenato e pronta comunque a trangugiarlo, avrebbe consegnato a Johnny una lettera indirizzata a sua madre. Il mattino seguente con Lina ormai morta, un Johnny piuttosto allegro avrebbe imbucato la lettera del tutto ignaro del fatto che l’accusava del delitto.

Qui potete sentire in inglese e francese la conversazione originale tra Hitchcock e Truffaut:

Il Sospetto non è il miglior film di Hitchcock, sicuramente ha tutti i difetti di cui si lamentava il maestro (del resto chi sono io per contraddirlo?), è vero che il finale è decisamente il suo punto debole, eppure è un film affascinante. Sarà perché c’è Cary Grant, oppure perché in qualche modo ricorda Rebecca (che è uno dei miei film preferiti oltre che il primo film di Hictchcock che abbia mai visto, ma di questo vi ho già parlato), ma questo è uno di quei film che non riesco ad ignorare e ogni tanto rivedo. Vi consiglio di fare lo stesso.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Perdutamente Tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Dietro la porta chiusa – USA 1947 Diretto da: Fritz Lang. Con: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

Come uccidere vostra moglie – USA 1965 Diretto da: Richard Quine. Con: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

È ricca, la sposo e l’ammazzo – USA 1971 Diretto da: Elaine May. Con: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.


“Try one of these. It’s just all white bread and cream cheese.

It’s the paprika that makes it pink.”

Emma Newton

From: Shadow of a doubt – 1943

Owls, whiners and now the “professional canapé eaters”, a nickname made for those who often take part to economic forums where they talk and talk, criticize again and again but, above all, never find the right recipe… The Youngest Italian  Prime Minister ever, the man who’s regardless of any protest, always finds a suitable nickname for those criticizing his sparkling government.

Now, seeing that I have some doubt about what already done(?) and being a bit worried about the next steps announced (another labour market reform…), I only have to try and understand to which club I belong to. Owl (it means a Jinx)? Mmmm… Whiner? Well, maybe. After all, when I was a child, my mother gave me a nickname (that I’ll never, ever reveal) made for those occasion when I was a whining nuisance… What’s sure, I’m not a “Professional canapé eater” cause, first of all, nobody ever on earth would invite me to an economic forum, then I don’t like canapés. I like ice cream much more… “Professional ice cream eater”, that’s the name I deserve!

“Provi uno di questi. Pane bianco e formaggio di crema.

È la mostarda che gli dà questo colore.”

Emma Newton

Da: L’ombra del dubbio – 1943

Gufi, piagnoni o (novità della settimana) “professionisti della tartina”, appellativo riservato agli aficionados dei forum sull’economia che parlano parlano, criticano criticano, ma sopratutto non ne azzeccano una… il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita, non guardando in faccia a nessuno ma negli occhi tutti quanti, ha sempre il nome giusto per chi critica l’azione del suo scintillante governo.

Ebbene, avendo qualche riserva su quanto il suddetto ha fatto(?) finora ed essendo un po’ preoccupata per quanto annunciato per il futuro (la riforma del lavoro…), devo solo riuscire a capire a quale categoria appartengo. Gufo? Mah! Piagnona? Forse. Del resto mia madre da piccola mi aveva dato pure un nomignolo (che non rivelerò mai) fatto apposta per le occasioni in cui frignavo un po’ troppo… Sicuramente però non “professionista della tartina” perché, innanzitutto, nessuno mai mi inviterebbe a uno dei famigerati forum e poi nemmeno mi piacciono (le tartine). Sono decisamente più portata per il gelato… Ecco, “Professionista del gelato” questo sarebbe il titolo perfetto per me!

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My weekend movie: To Be or Not to Be (1942)

to be or not to be 1942

To Be or Not to Be (Vogliamo vivere!) – USA 1942

Directed by: Ernst Lubitsch.

Starring: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

 The fate of a Country in the hands of a ham…

Its it possible to make a movie poking fun at Nazis? The invasion of Poland , the outbreak of WWII and an underground movement can be funny? Well seeing that even today some commentator would certainly point his finger at it talking about a lack of good taste, imagine what happened in 1942 when, in the middle of WWII, was released through America To be or not to be the dark comedy directed by Ernst Lubitsch and starring Carole Lombard and Jack Benny as a couple of famous Polish theatre actors who, after the German invasion of their Country find themselves accidentally involved with the underground movement.

To be or not to be – (Photo credit: Wikipedia)

Here is the story: August 1939, on the eve of the outbreak of WWII, in Warsaw Maria and Joseph Tura (Lombard and Benny) are rehearsing with their company a satirical farce poking fun at the German Nazi regime, but censorship obliges them to give it up (this might offend Hitler…) and play instead Shakespeare’s Hamlet. Joseph is the Danish prince while Maria is Ophelia and uses Hamlet’s monologue to meet in her dressing room a young admirer, a military aviator, the Lieutenant Stanislav Sobinski (Robert Stack) who seats every night in the second row and leaves when Joseph starts with “To be or not to be…” (the egomaniac Joseph unaware of the truth takes it for a personal affront). But suddenly everything changes, Germany invades Poland and Stanislav flees to England where his squadron becomes part of the Polish Division of Royal Air Force taking part in raids over Germany. In England Professor Siletzky, pretending to be one of the leaders of the Polish resistance who’s about to go back to Poland to coordinate the underground movement, convinces the brigade’s guys that he will be their special postman, obtaining this way their friends and relatives names and addresses. Stanislav gives him a message for Maria, but the fact that the professor has no idea of who the famous actress is arises his suspicions, so he informs his superiors who decide to send him back to Poland. But Siletzky arrives first and, because of Stanislav’s strange message (To be or not to be…), immediately summons Maria to the Warsaw hotel where Nazis are stationed. Later, to leave, she will be forced to pretend to be interested in becoming a Gestapo spy (and in professor’s charm). But how to neutralize the double-dealer? The solution is to stage a special one-spectator-production using costumes and set made for the censored satire: the space behind the scenes becomes the Gestapo Headquarters and Joseph Tura the Nazi secret police chief, Col. Ehrhardt. That way he’ll try to recover the partisan’s list. But a ham entrusted with such a delicate mission is a hazard and, as expected, soon something goes wrong…

Carole Lombard (photo credit: Wikipedia)

The big trouble with To be or not to be was that, right in the middle of the war when extra doses of patriotism were required, the film not only mingled real events with farce but also displayed a series of very unlikely heroes. Joseph Tura is the ham par excellence: selfish, vain, egomaniac. And what’s more he’s a jealous husband whose jealousy risks to spoil a delicate mission. Maria Tura is also selfish and vain (the reason of many squabbles) but also flirtatious and her virtue is often questioned (though, of course, never proved lost). The young aviator, Stanislav, the natural candidate as a propaganda war hero, is just a simpleton who believes in every word written in magazines and sincerely thinks Maria will leave Joseph to marry him. Not to mention the rest of the company…

Though critics didn’t tear To be or not to be to shreds, many among them severely criticized the farcical manner in which Nazis were depicted. And in fact they were as stupid and vain as the actors themselves, but this wasn’t certainly meant as a compliment. Someone also argued that Lubitsch had made a “tasteless effort to find fun in the bombing of Warsaw” talking about his German origin (but forgetting he was Jewish…). The director, who had landed in Hollywood twenty years before, replied that he showed the tragedy in all seriousness, satirized the Nazis and their ridiculous ideology and portrayed the Poles as courageous people.

Those controversies never upset Carole Lombard, who was so eager to finally work with Lubitsch to ignore her husband Clark Gable‘s lack of enthusiasm over the project and grab the chance to play Maria Tura as soon as Miriam Hopkins decided to leave the production cause she didn’t get on well with Jack Benny, who was the only actor Lubitsch ever considered as Joseph Tura. On 16 January 1942, almost two months before the film release, Carole Lombard, who had just took part on a War Bond rally and was going back to Los Angeles, died aged 33 with her mother and other 20 people flying on a TWA airplane that crashed into Potosi Mountain. To be or not to be became the swan song of this actress who had started her career as a very young girl in silent movies and had become one of the major stars of screwball comedies.

To be or not to be is one of those films you should watch and not just because it’s funny, or it’s a Lubitsch’s film, or again because in it there’s one of the best Carole Lombard’s performances. You should watch it because it remind us that sometimes to poke fun at things that scare us is an extremely effective way to face them. Satirize an enemy, take down to pieces a rotten ideology using humour can hurt more than anything else. Satire can be a lethal weapon.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Duck Soup – USA 1933 Directed by: Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

The Great Dictator – USA 1940 Directed by: Charles Chaplin. Starring: Charles Chaplin; Paulette Goddard; Jack Oakie-

Pimpernel Smith – UK 1941 Directed by: Leslie Howard. Starring: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

The Producers – USA 1967 Directed by: Mel Brooks. Starring: Zero Mostel; Gene Wilder; Dick Shawn; Kenneth Mars; Lee Meredith.

The Blues Brothers – USA 1980 Directed by: John Landis. Starring: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklyn; James Brown; Ray Charles…

Inglorious Basterds – USA 2009 Directed by: Quentin Tarantino. Starring: Christoph Waltz; Brad Pitt; Melanie Laurent; Eli Roth; Michael Fassbender; Diane Krueger; Daniel Brühl.


Il destino di una nazione nelle mani di un trombone…

È possibile fare un film che prenda in giro i nazisti? L’invasione della Polonia, lo scoppio della Seconda Guerra Mondiale e il movimento di resistenza polacco possono essere divertenti?

Ernst Lubitsch (Photo credit: Wikipedia)

Beh, tenendo conto che persino al giorno d’oggi più di un commentatore punterebbe il suo dito contro un film del genere accusandolo di scarso buon gusto, potete ben immaginare come più di una persona arricciò il naso quando nel 1942 arrivò nelle sale americane Vogliamo vivere! (To be or not to be il titolo originale) la commedia nera diretta da Ernst Lubitsch, con Carole Lombard e Jack Benny che interpretano una coppia di famosi attori teatrali Polacchi che dopo l’invasione Tedesca della del loro Paese finiscono col trovarsi coinvolti loro malgrado in un’azione del movimento di resistenza polacco.

Questa è la storia: Agosto 1939, alla vigilia dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, a Varsavia Maria e Joseph Tura (Lombard e Benny) provano con la loro compagnia una nuova commedia che prende in giro la Germania Nazista, ma la censura li obbliga a lasciar perdere (potrebbe offendere Hitler…): in scena andrà l’Amleto di Shakespeare. Joshep è il principe Danese mentre Maria è Ofelia ed usa il monologo di Amleto per incontrare nel suo camerino un giovane ammiratore, un aviatore militare, il tenente Stanislav Sobinski (Robert Stack). Ogni sera lui lascia il suo posto in sala quando Joseph attacca con “Essere o non essere…” (cosa che l’ignaro megalomane Joseph considera un affronto alla sua grande bravura). Tutto cambia quando all’improvviso la Germania invade la Polonia e Stanislav ripara in Inghilterra dove il suo squadrone entra a far parte della Divisione Polacca della Royal Air Force che partecipa alle incursioni aeree sulla Germania. In Inghilterra il Professor Siletzky, creduto uno dei leader della resistenza polacca che sta per tornare in patria per coordinare le azioni contro gli invasori, riesce ad ottenere dai ragazzi della divisione, convinti di poterlo usare come “postino”, gli indirizzi dei loro cari. Stanislav vuole inviare un messaggio a Maria, ma rendendosi conto che il professore ignora chi sia la famosa attrice mette in guardia i superiori che decidono di paracadutarlo in Polonia per avvertire la resistenza del pericolo. Siletzky però arriva per primo e, insospettito dal messaggio di Stanislav (Essere o non essere…), convoca immediatamente nell’albergo fortezza dove stazionano i nazisti Maria Tura che riesce a uscire da lì solo grazie al suo fascino e lasciandogli credere che accetterà di fare la spia per lui. Ma come fare a neutralizzare il doppiogiochista? La soluzione è approfittare dei costumi da nazisti e delle scenografie della commedia mai rappresentata per mettere in scena una recita speciale per il professore: il retropalco viene trasformato nel quartier generale della Gestapo, mentre Joseph Tura si cala nel ruolo del capo della polizia segreta nazista, il Colonnello Ehrhrardt, sperando di farsi consegnare i nomi dei resistenti raccolti in Inghilterra. Ma affidare una missione così delicata a un attore dall’ego smisurato è un azzardo e ben presto qualcosa va sorto…

Jack Benny and his daughter in 1940 (Photo credit: Wikipedia)

Il problema con Vogliamo Vivere! era il fatto che, giusto nel bel mezzo della guerra quando delle dosi extra di patriottismo erano considerate un dovere, non solo mischiava fatti veri e farsa, ma schierava pure una squadra di eroi decisamente improbabili. Joseph Tura è il trombone per eccellenza: egoista, vanitoso e pieno di sé. E inoltre è un marito geloso che con la sua gelosia mette a rischio una delicata missione. Maria Tura è altrettanto egoista e vanitosa (ragione per cui i due non fanno altro che beccarsi) e ama da morire farsi corteggiare, tant’è che la sua virtù è spesso messa in questione (ma lei , naturalmente, non la perde mai). Il giovane aviatore, Stanislav, il miglior candidato a un sano eroismo di propaganda, non è altro che un credulone che si beve qualsiasi cosa dicano le riviste e crede che sul serio Maria mollerà il marito per lui. Senza parlare del resto della compagnia…

Anche se Vogliamo Vivere! non fu fatto a pezzi dai critici, molti tra loro ne criticarono il modo farsesco in cui erano rappresentati i Nazisti, che infatti erano stupidi e vanitosi almeno quanto gli attori. Ma questo non era certo un complimento. Qualcuno addirittura ebbe da ridire sul fatto che Lubitsch avesse avuto il cattivo gusto di tentare di fare dello spirito sui bombardamenti su Varsavia, tirando in ballo le origini tedesche del regista (ma dimenticando il fatto che era ebreo…). Lubitsch, che era arrivato a Hollywood vent’anni prima, replicò dicendo che aveva mostrato la tragedia con grande rispetto, preso in giro i Nazisti e la loro ridicola ideologia e ritratto i polacchi come coraggiosi.

Le polemiche non coinvolsero Carole Lombard che, volendo da tempo lavorare con Lubitsch non aveva tenuto conto dello scarso entusiasmo del marito Clark Gable per il progetto e aveva colto al volo l’occasione di sostituire nel ruolo di Maria Tura Miriam Hopkins dopo che l’attrice aveva deciso di abbandonare la produzione non riuscendo ad andare d’accordo con Jack Benny, fin dal principio l’unico candidato ad interpretare il ruolo di Joseph Tura. Il 16 Gennaio del 1942, quasi due mesi prima dell’uscita nelle sale del film, Carole Lombard che stava partecipando a un tour per la raccolta di fondi, morì a 33 anni insieme alla madre e agli altri 20 passeggeri del volo TWA a bordo del quale stava tornando a Los Angeles e che si schiantò contro il Monte Potosi. Vogliamo Vivere! diventò così l’ultimo film dell’attrice che aveva iniziato la sua carriera Hollywoodiana ancora ragazzina all’epoca del muto e che negli anni era diventata una delle regine della commedia sofisticata.

Vogliamo Vivere! È uno di quei film che dovreste  vedere e non solo perché è divertente, perché è diretto da Lubitsch o perché è una delle migliori interpretazioni di Carole Lombard, ma anche perché ci ricorda che non prendere troppo sul serio quello che ci spaventa è un modo efficace per affrontarlo. Mettere in ridicolo un nemico, smontarne l’ideologia con una risata a volte può fargli maledettamente male. La satira è un’arma potente.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La guerra lampo dei Fratelli Marx – USA 1933 Diretto da: Leo McCarey. Con: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Il Grande Dittatore – USA 1940 Diretto da: Charles Chaplin. Con: Charles Chaplin; Paulette Goddard; Jack Oakie-

La Primula Smith – UK 1941 Diretto da: Leslie Howard. Con: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

Per favore, non toccate le vecchiette – USA 1967 Diretto da: Mel Brooks. Con: Zero Mostel; Gene Wilder; Dick Shawn; Kenneth Mars; Lee Meredith.

The Blues Brothers – USA 1980 Diretto da: John Landis. Con: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklyn; James Brown; Ray Charles…

Bastardi senza gloria – USA 2009 Diretto da: Quentin Tarantino. Con: Christoph Waltz; Brad Pitt; Melanie Laurent; Eli Roth; Michael Fassbender; Diane Krueger; Daniel Brühl.

Fire & Music

“What a pity. All that fire and music being turned off…”

Margo Channing

From: All About Eve – 1950

It’s fresh, it’s new, it’s young, it’s all fire and music…it moves fast, it’s reagardless of any protest. It’s the Italian Government with the Youngest Prime Minister in the Italian history ever. Stop whining… jinx are banned, optimism it’s the new mood. Full speed ahead ! It’s time to get down to it, time to use new recipes to save our Country and build a new sparkling future..

and in fact in 2015 there won’t be any euro wasted, 20 billions will be found cutting unnecessary expenses so that there will be resources for the thousand-day reforms. And guess what? The most of that money will be found cutting the… health care system expenses.

If true, it would be such a pity. All that fire and music being turned off…

“Che peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…”

Margo Channing

Da: Eva contro Eva – 1950

È fresco, nuovo, giovane, tutto fuoco e musica… si muove veloce, non guarda e in faccia nessuno. È il governo del Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia unita. Basta piagnistei… basta gufi e avanti tutta con l’ottimismo! È tempo di agire con ricette nuove per andare incontro a un futuro scintillante…

e infatti nella manovra economica 2015 è previsto un drastico taglio agli sprechi per 20 miliardi: ministeri a dieta e più risorse per le mirabolanti riforme dei mille giorni. E indovinate un po’? La maggior parte dei fondi arriveranno da tagli alla… sanità.

Fosse vero sarebbe un vero peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…

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My weekend movie: Gone with the Wind – 1939 (part II)

Vivien Leigh in Gone with the Wind, 1939

Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

…and don’t call her sugar!

Well, as I was telling you yesterday (if you missed the first part of this article you can find it HERE), it’s pretty clear that Gone with the Wind is essentially a women’s movie.

English: Cropped screenshot of Vivien Leigh an...

Scarlett and Ashley (Photo credit: Wikipedia)

The bulk of it is not the unfortunate and not exactly reciprocated Scarlett’s love for Ashley, or the love story between Scarlett and Rhett, the bulk of it is the relation between Scarlett, the spoilt Southern Belle who’s not a lady, has a “passion for living” and a good deal of gumption, and Melanie, the great southern lady, Mrs-know-it-all, the one who never fails, the greatest goody-goody ever. Scarlett’s, as Rhett would say, for about four hours gives a good imitation of a desperate hopeless lover but, please… could you really believe her?

Scarlett, the girl who collects beaux, a woman who always finds a way to get out of troubles, ain’t afraid to kill a man, doesn’t refuse to dirty her hands and is able to break with convention, could really love that wimpy Ashley who, in an almost four-hour-long film, ain’t able to prove himself strong enough to tell her to leave him alone with his wife and in twelve years only kiss her a couple of time just to calm her down, could she really loves him more than Rhett, that dark tall hunk of a man?

English: Studio publicity portrait for film Go...

Olivia de Havilland as the super goody-goody Melanie(Photo credit: Wikipedia)

Maybe it’s just because guys with golden hair and blue eyes never impressed me much (sorry if you are one of them, but you can declare that petite brunettes with dark eyes don’t impress you at all, so that we get even…), but even the first time I watched Gone with the Wind on TV in a glorious black and white (it was probably early ’80s, the first time it was shown on TV in Italy, and my father didn’t believe in colour TVs…), though I was just a kid, I immediately understood that Scarlett wasn’t really in love with that blondish  guy. Maybe for a while, when she was 16, she had really believed she was in love with him, but then, after he rejected her to marry a girl who had not a thousandth of her charm (I’m in Scarlett’s mind now), stealing his heart again became a personal matter between her and Melanie (and idealize him a way to escape from reality).

Even Melly, the Great Lady, ain’t the saint she pretends to be. Just think about it…after all, all along the movie, she continuously shows off her marital happiness in front of Scarlett (for instance when Ashley is in Atlanta on Christmas furlough…), uses the fact the Scarlett can’t say no to Ashley to gain her benevolence and help (Scarlett remaining in Atlanta to assist her, the hospitality at Tara, the sawmill profits shared with Ashley, and in the end the promise that Scarlett will maintain her orphan…). What’s more, with her sweet, dignified and passive attitude Melanie has Scarlett, who at some point feels guilty, under her control. If the relationship between Scarlett and Melly would have been a bit less complicated, but especially if Ashley would have reciprocated Scarlett’s feelings as she wished, it’s sure that before his departure for the front she would have been sick and tired of him and the main problem for the screenwriters would have been to find a way not to end up with a short movie…

Four generations of a slave family photographed during the Civil War, Smith’s Plantation, Beaufort, South Carolina, 1962 (Photo credit: Wikipedia)

Obviously, Gone with the Wind is much more than this: there’s Scarlett’s transformation from a spoilt brat to an (almost) independent woman, the characters’ ability (or inability) to face a world completely changed by war (Scarlett can do it, Ashley can’t), but also many detestable and shocking aspects. There’s a sort of sanctification of a society based on slavery, a society seen with nostalgia by those who were not slaves, and there are all sorts of blacks stereotypes: slaves, and then former slaves, are stupid, dull and incapable of independence. And this happens despite the fact that most of the events happening in the indigestible second part of the novel, the part talking about the aftermath of war and depicting Ku Klux Klan in a romantic light (with “sweet” Melly as a sort of a KKK patroness), have been cut from the movie thanks to the black community protests started when the production of a film based on Gone with the Wind was announced.

Decidedly shocking is Rhett who rapes Scarlett (but just because this happens behind the scene so that we can only imagine it, and yes a husband can rape his wife), but even more shocking is Scarlett’s reaction: the morning after the rape she is joyful, finally happy at least till Rhett comes to his senses and apologizes. A scene good to teach children that after all when a woman is raped is just what she deserves (and what she secretly desires).

Lots of reasons to put this movie aside.

But in the end you can’t do it, at least I can’t do it.

Gone with the Wind ain’t my favourite movie (if you paid attention, by now you should know that to epic melodramas I prefer comedies and thrillers, especially when they are romantic like those directed by Hitchcock…), but it is one of those movies I’ve watched again and again since I was a kid, one of those movies that could make me feel better when I’m down (Scarlett’s monologue at the end of the first part and the “after all, tomorrow is another day” philosophy can be very invigorating sometimes), and what’s more it’s one of those movie you can’t miss.

I know, it’s looooooong, but autumn is coming, rain will fall, it will be cold outside, maybe within a few weeks you’ll catch a flu…I guess sooner or later you’ll find four spare hours to watch it.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watcha clip or the trailer):

Jezebel – USA 1938 Directed by: William Wyler. Starring: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo: A Love Story – USA 1939 Directed by: Gregory Ratoff. Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Hush… Hush, Sweet Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

The Sound of Music – USA 1965 Directed by: robert Wise. Starring: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Directed by: Quentin Tarantino. Starring: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonard Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.


… e non chiamatela cocca!

Bene, come vi stavo dicendo ieri (se non avete letto la prima parte dell’articolo la trovate QUI), è piuttosto ovvio il fatto che Via col Vento sia essenzialmente un film “femminile”.

Clark gable è Rhett (Photo credit: Wikipedia)

Al centro della vicenda non è certo la non proprio ricambiata passione di Rossella per Ashley, e nemmeno la storia d’amore tra Rossella e Rhett. Il cuore della storia è il rapporto tra Rossella, la bella sudista che non è una signora, ha la “passione di vivere” e un sacco di fegato, e Melania, la gran signora sudista, miss so-tutto-io, quella che non sbaglia mai, una delle più grandi gattemorte della storia. È senz’altro vero che, come direbbe Rhett, Rossella ci offre per quasi quattro ore (!!!) un’ottima imitazione di un amore disperato, ma… ci avrete mica creduto sul serio?

Rossella, la ragazza che colleziona ammiratori, un demonio di donna che cade sempre in piedi come un gatto, non ha paura nemmeno di uccidere, sa sporcarsi le mani e sfida le convenzioni poteva davvero amare quel rammollito di Ashley, che in quasi quattro ore di film non ha nemmeno abbastanza fegato per dirle di lasciarlo vivere in pace con sua moglie e in dodici anni le dà giusto un paio di bacetti tanto per tenerla buona, poteva davvero preferirlo a Rhett, quel simpatico imbroglione bruno e aitante ?

Sarà che non ho mai avuto una gran passione per le chiome dorate e gli occhi azzurri (chiedo scusa a tutti coloro che si riconoscono in questo ritratto, ma voi potete tranquillamente dichiarare la vostra non-passione per le brunette mingherline con gli occhi scuri e così siamo pari…), ma persino la prima volta che ho visto Via col Vento in un glorioso bianco e nero (dovevano essere i primi anni ’80, Via col Vento arrivava per la prima volta in TV, e mio padre ancora non credeva nei televisori a colori…), pur essendo una bambinetta ho capito immediatamente che Rossella non era realmente interessata al biondino. Forse per un po’ di tempo, quando aveva sedici anni, Rossella ha creduto di essere innamorata di Ashley, ma poi quando lui l’ha respinta per sposare una ragazza che ai suoi occhi (di Rossella) non aveva nemmeno un millesimo del suo fascino, cercare di conquistarlo è diventata una faccenda tra lei e Melania (e idealizzarlo è diventato un modo per sfuggire di quando in quando alla brutale realtà che la circondava).

Cover illustration of Harper’s Weekly, September 7, 1861 showing a stereotypical Southern belle (Photo credit: Wikipedia)

lelania, la Gran Signora, invece non è la santa che sembra essere. Fate mente locale… in fondo per tutto il film non fa altro che sbattere in faccia a Rossella il suo matrimonio con Ashley (come ad esempio quando lui arriva ad Atlanta in licenza…), approfitta del fatto che Rossella ad Ashley non sappia dir di no per ricavarne tutto l’aiuto possibile (la protezione di Rossella ad Atlanta, l’ospitalità a Tara, la segheria in società e alla fine ogni comfort assicurato al futuro orfano…), e con il suo comportamento sempre dolce e dignitoso tiene in pugno Rossella facendola persino sentire in colpa. Se il rapporto tra Rossella e Melania fosse stato meno complicato, ma soprattutto se Ashley avesse ricambiato i sentimenti di Rossella, lei si sarebbe stancata di lui prima ancora della sua partenza per il fronte e il problema degli sceneggiatori sarebbe stato come allungare un po’ il brodo per non ritrovarsi con un cortometraggio…

Poi ovviamente in Via col Vento c’è molto di più: la trasformazione di Rossella da insopportabile bamboccia vanitosa a donna (quasi) indipendente, la capacità (o l’incapacità) dei personaggi di affrontare la dura realtà di un mondo radicalmente cambiato da un conflitto (Rossella ce l’ha, Ashley no), oltre a molti aspetti decisamente odiosi. C’è la beatificazione di una società basata sulla schiavitù di cui tutti hanno tanta nostalgia perché viverci era tanto dolce (per loro che non erano schiavi), ci sono tutti i possibili stereotipi sui neri dipinti come indolenti, stupidi e quasi nostalgici della schiavitù. E questo nonostante il deciso taglio all’indigesta seconda parte del romanzo, quella in cui si vedono le conseguenze della guerra e in cui il Ku Klux Klan è presentato sotto una luce quasi romantica (con la “dolce” Melania che ne è una specie di patronessa), deciso anche grazie alle sacrosante proteste delle comunità afroamericane iniziate subto dopo l’annuncio che Via col Vento sarebbe diventato un film.

Cropped screenshot of Vivien Leigh from the tr...

Scarlett (Photo credit: Wikipedia)

Decisamente scioccante infine non è tanto la scena dello stupro commesso da Rhett ai danni di Rossella (si, è uno stupro anche se si è sposati), ma solo perché avviene fuori scena e quindi è lasciata alla nostra immaginazione, quanto quello che succede dopo con la Bella del sud che reagisce con un’inedita ventata di buonumore offuscata dalle scuse del rinsavito Rhett. Ottima per insegnare ai bambini che in fondo quando una donna viene violentata ha quello che si merita (e segretamente desidera).

Tanti buoni motivi per decidere di mettere da parte questo film.

Alla fine però non ci si riesce, io almeno non ci riesco.

Via col Vento non è il mio film preferito (se siete stati attenti ormai dovreste aver capito che ai melodrammoni epici preferisco le commedie o i thriller, specie se romantici come quelli di Hitchcock…), ma è comunque uno dei film che ho visto e rivisti fin da bambina, uno di quei film che riescono a risollevarmi il morale quando mi sento un po’ giù (il monologo di Rossella con cui si chiude la prima parte e la filosofia del “domani è un altro giorno” a volte possono essere persino corroboranti) e decisamente è uno di quei film che non potete ignorare soprattutto se non l’avete ancora visto.

Lo so, è luuungooo, ma l’autunno è alle porte, arriveranno le piogge e il freddo, magari tra qualche tempo vi beccate pure l’influenza… scommetto che prima o poi le trovate quattro ore libere per guardarvelo.

Alcuni film liberamente associati che potebbero piacervi (Clicate sui titoliper vedere una scena o il trailer):

La Figlia del Vento – USA 1938 Diretto da: William Wyler. Con: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo – USA 1939 Diretto da: Gregory Ratoff. Con: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca, la prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Diretto da: Robert Siodmak. Con: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Diretto da: Robert Aldrich. Con: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

Tutti insieme appassionatamente – USA 1965 Diretto da: robert Wise. Con: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Diretto da: Quentin Tarantino. Con: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonardo Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.

My weekend movie: Gone with the Wind -1939 (part I)


Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

Fiddle-dee-dee, what a movie!

Gone with the Wind film poster (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Scarlett, the most insufferable, spoilt, stubborn Southern Belle ever, is in love with Ashley, the wimpiest blondish Southern Gentleman ever. During the ball of the season, after the very little ladylike move to throw herself at him in the library, she discovers he’s going to marry his cousin Melanie, the dullest, plainest and most highly dignified Southern Lady ever. Rhett, the manliest, nicest, richest Southern scoundrel ever, involuntarily witnesses the scene and hopelessly falls in love with the Belle. Scarlett is still crying over her misfortunes when the American Civil War tactlessly breaks out. Then on the rebound she marries Charles, the dumb brother of Melanie, but she still loves Ashley. She’s almost immediately widowed and goes to Atlanta to live with Melly and her Aunt Pittypat, the easiest fainting southern aunt ever, but she still loves Ashley. Is stuck in the besieged Atlanta with the pregnant Melly, but she still loves Ashley. Helps Melly delivering her child, convinces Rhett to help them and goes back to her family’s plantation, but she still loves Ashley. The South loses the war, she becomes poor and, because she still loves Ashley, she maintains Melly and her child too. To make money and save the plantation she steals her sister’s sweetheart, but she still loves Ashley. She becomes a business woman and gives Ashley a job cause, of course, she still loves him. She’s widowed again and still loves Ashley. Accept to marry Rhett, but she still loves Ashley. Has a daughter, but she still loves Ashley. Her daughter dies and Rhett almost goes insane, but she still loves Ashley. Finally Melly dies… and, all of a sudden, she realizes that she doesn’t love Ashley anymore so she tells it to Rhett, but he leaves her because…. frankly, he doesn’t give a damn!

And this is, more or less, the story told in Gone with the Wind, the most colourful, spectacular, romantic and famous (and  hyped) movie of 1939, the most outstanding year in Hollywood history.

On 15 December 1939, while WWII was spreading like wildfire through Europe, in Atlanta, at the peak of a three-day celebration, the (almost) full cast and Margaret Mitchell, the author of the novel on which the film was based, attended to the spectacular official world première.

Three years earlier, in 1936, Gone with the Wind had been first published in the US.

David O. Selznick (Photo Credit: Wikipedia)

Attempts had been made to sell the film rights before the publication, but the mammoth Civil War era novel written by a then practically unknown author seemed to scare a bit Hollywood moguls. At first every studio rejected the idea itself of turning it into a movie. Then, following the advice of story editor Kay Brown and business partner Jock Whitney, David O. Selznick decided to take on the challenge. Before Gone with the Wind could prove itself a huge hit (the top American fiction best seller of 1936 and 1937 that granted Mitchell the Pulitzer Price for fiction in1937) the young producer (he was born in 1902) had already assured the film rights to Selznick International Picture, the studio he founded with Whitney in 1935. Later, to assure the picture one of its leading stars and to face the rising costs, Selznick will make a deal with MGM: his father in law’s Studio (he was married to Louis B. Mayer’s daughter Irene) will provide part of the budget and will earn half of the profits.

The burden to reduce the novel into a script was given to Sidney Howard, a well respected playwright and screenwriter, whose work will be revised and rewritten many times by himself, by other writers (among them Ben Hecht) but mostly by the always intruding David O. Selznick, till the final scene was shot.

The direction was assigned to a personal friend of Selznick: George Cukor. The director, who was partcularly able to put at ease his female stars, worked side by side with Selznick since the very beginning of the production, directed all the screen tests, began the shooting in January 1939… and was removed from the picture in February 1939 to be replaced by Victor Fleming (who had just left the set of the Wizard of Oz before its completion), who in turn, claiming a mental exhaustion, left the set and was replaced for a couple of weeks by Sam Wood before resuming his duties. Wok with the ubiquitous Selznick (who wanted to control every single aspect of the production) could be a difficult task.

Obviously much more could be said about the making of Gone with the Wind and here is an article you could read if you’re interesting in learning something more:

The film had caught the public attention since the very beginning of production.

Vivien Leigh (Photo credit: Wikipedia)

A nation wide search for a Scarlett among flocks of wannabe actresses was used as a perfect publicity stunt while some of the most famous Hollywood actresses were trying their luck at auditions held by George Cukor. At the end, just a few weeks before the beginning of shooting, the part went to the British beauty Vivien Leigh, who had travelled to Hollywood to follow her then lover Laurence Olivier who was playing Heathcliff in Wyler’s Wuthering Heights (but obviously her purpose was also try her luck with Gone with the Wind), and whose American agent was Myron Selznick, David’s older brother.

The casting for the other major roles was also quite complicated. Olivia De Havilland, had to make a plea to Jack Warner through his wife Ann to be given the permission to work at Selznick International. Clark Gable, who was practically the only actor seriously considered as Rhett Buttler, had no intention to star again in a costume drama after the failure of 1937 biopic Parnell (considered his worst movie ever), but he become the key figure to close the deal between Selznick and MGM and was finally convinced with a top billing, a good salary and an extra bonus he could switch to his second wife as part of their divorce settlement so that he could be finally free to marry Carole Lombard. Leslie Howard, the only one who seemed made to fill Ashley’s shoes despite being decidedly too old for the role, was also reluctant (even a bit more than reluctant, he hated that role, and never, ever read the book. He was also the only star missing at the première, having already left USA for good to go back to England and take part in the war effort producing, directing and starring in propaganda movies). He was convinced by Selznick when he allowed him to co-produce the black and white drama Intermezzo (HERE you can read my article about it).

Obviously the leading men0s reluctant attitude can be easily explained by the fact that Gone with the Wind was undoubtedly going to be a women’s movie.

But I can’t talk about this now, I will talk about it tomorrow (or maybe the day after tomorrow).

After all, tomorrow… is another day!

A few of my 1939 favourite movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Ninotchka – USA 1939 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

The Women – USA 1939 Directed by: George Cukor. Starring: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Wuthering Heights – USA 1939 Directed by: William Wyler. Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith Goes to Washington – USA 1939 Directed by: Frank Capra. Starring: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Dark Victory – USA 1939 Directed by: Edmund Goulding. Starring: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

Fifth Ave Girl – USA 1939 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

Midnight – USA 1939 Directed by: Mitchell Leisen. Starring: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.


Perdindirindina, che film!

Gone with the Wind book cover (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Rossella, la più insopportabile, viziata, cocciuta Bella del Sud di tutti i tempi, è innamorata di Ashley, il più rammollito e biondino Gentiluomo Sudista di tutti i tempi. Durante il ballo più importante della stagione, dopo essersi poco signorilmente gettata tra le sue braccia in biblioteca, la bella scopre che il gentiluomo sta per sposare sua cugina Melania, la più insulsa, scialba e dignitosa Gran Signora Sudista di tutti i tempi. Rhett, il più maschio, ricco e simpatico imbroglione Sudista di tutti i tempi, assiste involontariamente alla scena e si innamora perdutamente della bella. Rossella sta ancora piangendo sul suo sfortunato amore quando, senza nessun riguardo, scoppia la Guerra di Secessione… Poi Rossella per ripicca sposa Charles, il fratello scemo di Melania, ma ama ancora Ashley. Rimane vedova e si trasferisce a vivere ad Atlanta con Melania e zia Pittypat, la più svenevole zia sudista di tutti i tempi, ma ancora ama Ashley. Resta bloccata ad Atlanta con Melania incinta, ma ancora ama Ashley. Assiste Melania durante il parto, convince Rhett a salvarle entrambe e si rifugia nella piantagione di famiglia e ancora ama Ashley. Il Sud perde la guerra, diventa povera e siccome ancora ama Ashley le tocca mantenere pure Melania e il suo marmocchio. Per trovare i soldi per salvare la piantagione frega il moroso alla sorella, ma ancora ama Ashley. Diventa una donna d’affari e dà lavoro a Ashley, perché, ovviamete, ancora lo ama. Rimane di nuovo vedova e ancora ama Ashley. Accetta di sposare Rhett, ma ancora ama Ashley. Ha una bambina, ma ancora ama Ashley. Le muore la bambina, Rhett quasi impazzisce, e ancora ama Ashley. Finalmente muore Melania… e improvvisamente si accorge che Ashley non lo ama più, così lo dice a Rhett, ma lui la molla perché… francamente, se ne infischia!

E questa è, più o meno, la storia raccontata in Via col Vento il film più colorato, spettacolare romantico e famoso (e anche il più pubblicizzato) del 1939, l’anno più scintillante della storia di Hollywood.

Margaret Mitchell (Photo credit: Wikipedia)

Il 15 Dicembre 1939, mentre già la guerra divampava incontrollabile in tutta Europa, ad Atlanta, al culmine di tre giorni di festeggiamenti, il film veniva finalmente ufficialmente presentato al pubblico nel corso di una fantasmagorica prima alla quale partecipò insieme al cast (quasi) al completo Margaret Mitchell, l’autrice del libro dal quale il film era tratto.

Tre anni prima, nel 1936, Via col Vento era stato pubblicato negli Stati Uniti (in Italia l’anno seguente).

Vari tentativi di vederne i diritti cinematografici erano stati fatti già prima della pubblicazione ma il colossale romanzo ambientato durante la Guerra Civile Americana, e scritto da quella che allora era un’autrice sconosciuta, sembrò spaventare non poco i pezzi grossi di Hollywood. Da principio praticamente ogni Studio scartò a priori l’idea stessa che quel libro potesse mai diventare un film. Poi, seguendo il consiglio della story editor Kay Brown e del socio (e principale finanziatore) Jock Whitney, David O. Selznick decise di accettare la sfida. Prima ancora che Via col Vento si rivelasse un successo straordinario (campione di vendite negli Stati Uniti nel 1936 e 1937, Pulitzer per la narrativa per Margaret Mitchell nel 1937), il giovane produttore (era nato nel 1902) acquistò i diritti cinematografici per la Selnick International Picture, la casa di produzione che aveva fondato con Whitney nel 1935. In seguito per assicurare al film uno dei suoi protagonisti e per far fronte ai costi impazziti siglò un accordo con la MGM: lo Studio di suo suocero (era sposato con Irene, la figlia di Louis B. Mayer) avrebbe garantito un sostanzioso finanziamento in cambio della metà dei profitti.

Il gravoso compito di trasformare il romanzo in una sceneggiatura fu affidato a Sidney Howard, commediografo e sceneggiatore assai rispettato, il cui lavoro sarà rivisto e riscritto infinite volte da lui stesso, da altri scrittori (uno tra tutti Ben Hecht) ma soprattutto dall’onnipresente e invadente David O. Selznick, fino alla fine delle riprese.

La regia fu affidata a un amico personale di Selznick: George Cukor. Il regista che aveva un particolare feeling con le attrici, aveva lavorato fianco a fianco con Selznick fin dall’inizio della produzione, aveva diretto tutti i provini, iniziato le riprese nel gennaio 1939… ed era stato rimosso dall’incarico nel febbraio del 1939 per esser rimpiazzato da Victor Fleming (che aveva lasciato anzitempo il set del Mago di Oz) a sua volta auto-allontanatosi dal set dichiarandosi “esaurito” , e sostituito per un paio di settimane da Sam Wood , prima di riprendere il suo posto (anche nei titoli di testa). L’onnipresenza di Selznick (che voleva avere il controllo su ogni aspetto del film) poteva essere asfissiante.

Ovviamente molte più cose potrebbero essere raccontate a proposito della lavorazione di Via col Vento. Se siete interessati e capite l’inglese potete leggere un interessante articolo cliccando sul seguente link:

Il film aveva catturato l’attenzione generale fin dall’inizio della produzione.

Clark Gable and Carole Lombard (Photo credit: Wikipedia)

Una sorta di concorso nazionale per trovare Rossella tra frotte di aspiranti attrici era stato un perfetto veicolo pubblicitario mentre alcune delle più famose attrici di Hollywood tentavano la fortuna partecipando ai provini diretti da George Cukor. Alla fine, poche settimane prima dell’inizio delle riprese, la parte andò alla semisconosciuta (almeno a Hollywood) bellezza inglese Vivien Leigh, che era arrivata in America per seguire il suo allora amante Laurence Olivier che, diretto da William Wyler, stava interpretando il ruolo di Heathcliff in Cime Tempestose (ma ovviamente era anche interessata ai provini di Via col Vento) e che aveva come agente per gli Stati Uniti Myron Selznick, il fratello maggiore di David.

Trovare gli interpreti per le altre parti principali fu altrettanto complicato.

Olivia De Havilland fu costretta a ricorrere all’aiuto di Anne Warner, la moglie di Jack, per convincerlo a lasciarla lavorare per la Selznick International Picture. Clark Gable, praticamente l’unico attore seriamente preso in considerazione per il ruolo di Rhett Butler, non aveva nessuna intenzione di fare un nuovo film in costume dopo l’insuccesso del film biografico Parnell del 1937 (considerato il suo peggior film di sempre), ma diventò la pedina centrale dell’accordo tra Selznick e la MGM e fu infine convinto grazie al nome in cima al cartellone, a un lauto stipendio e ad un bonus da poter girare alla sua seconda moglie come parte dell’accordo per il loro divorzio che finalmente l’avrebbe lasciato libero di sposare Carole Lombard. Leslie Howard, il solo attore che sembrasse adatto ad interpretare Ashley (anche se decisamente troppo vecchio per la parte) era altrettanto riluttante (forse anche un po’ più che riluttante visto che detestava apertamente quel ruolo e non lesse mai il libro Fu anche il solo interprete a non presenziare alla prima avendo già lasciato l’America per far ritorno in Inghilterra e partecipare allo sforzo bellico dirigendo, interpretando e producendo film di propaganda antinazista). Alla fine per convincerlo Selznick gli offrì come contropartita la coproduzione del dramma in bianco e nero Intermezzo (di cui vi ho già parlato QUI).

Ovviamente tanta riluttanza da parte degli interpreti maschili può essere spiegata anche dal fatto che si rendevano perfettamente conto che Via col Vento sarebbe stato un film tutto al femminile.

Ma non posso parlarvi di questo ora, ve ne parlerò domani (o forse dopodomani).

Dopo tutto domani… è un altro giorno!

Alcuni dei film del 1939 preferisco e che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Ninotchka – USA 1939 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

Donne – USA 1939 Diretto da: George Cukor. Con: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Cime Tempestose (La voce nella tempesta) – USA 1939 Diretto da: William Wyler. Con: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith va a Washington – USA 1939 Diretto da: Frank Capra. Con: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Tramonto – USA 1939 Diretto da: Edmund Goulding. Con: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

La Ragazza della Quinta Strada – USA 1939 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

La Signora di Mezzanotte – USA 1939 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.


The Government of the Thousand Days

“That makes me feel all warm inside!”

Dorothy Shaw

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Holidays are over (mine had been very virtual holidays), and with the heart still bleeding because of the dreadful news coming from the Middle East and from the Eastern Europe (always trying not to be discouraged by the darkest future they seems to suggest), I learn, overwhelmed with joy, that today, 1st September 2014, the Thousand Days that will change Italy finally start.

 These are  the Thousand Days Mr Renzi, the youngest Italian Prime Minister ever, is talking about since last June (and he talked about them so often that someone could think that in fact they were already started…).

Well, now it’s official, the press conference has been held, the tweets have been twittered: we got nothing left to do except wait till May 2017 and let the youngest Italian Prime Minister work in peace. In the meanwhile, trying not to disturb our gracious leader, we can easily consult the thousand days’ internet site to control how this extraordinary, peaceful revolution progresses. It’s called (it means step by step), it’s new, it’s beautiful, it’s simple and instills optimism into our poor discouraged souls (and heaven only knows how much we need it): there are (very concise) infographics telling how good and great and useful the Thousand Days’ reforms will be and (very, very concise) news telling how successfully they progress. Every day there will be something new to learn and of course on every page you will find the Thousand days’ countdown. What more could we expect? I already feel all warm inside.

“Ora guardo con più fiducia all’avvenire!”

Dorothy Shaw

Da: Gli Uomini Preferiscono le Bionde – 1953

Archiviate le vacanze (non so le vostre, ma le mie sono state molto, molto, molto virtuali) e con il cuore pesante per le angosciose notizie che arrivano dal Medio Oriente e dall’est Europa (e cercando di non farmi abbattere dai foschi presagi per il futuro che ne scaturiscono), apprendo con immenso gaudio che oggi, 1° Settembre 2014, partono i mille giorni che cambieranno l’Italia, quelli di cui Matteo Renzi, il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita, parla dalla fine di giugno (tanto che qualcuno forse aveva pensato che fossero già partiti…).

Ora è ufficiale, la conferenza stampa si è tenuta, i tweet son stati tweettati: non ci resta che attendere il maggio del 2017 e lasciare lavorare in pace il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita. Nel frattempo, senza disturbare il manovratore, possiamo comodamente consultare il sito internet dei mille giorni per constatare i prodigiosi progressi di questa pacifica rivoluzione. Si chiama, è nuovo, è bello, è semplice e infonde ottimismo (che ce n’è tanto, tanto bisogno di questi tempi): ci sono le infografiche (sintetiche) che spiegano quanto saranno belle, buone e utili le riforme e le news (supersintetiche) che raccontano (e naturalmente soprattutto racconteranno) i progressi e i successi delle riforme. Ogni giorno verrà arricchito con qualcosa di nuovo e poi c’è pure una bella fascia con il conto alla rovescia.

Cosa si può volere di più dalla vita? Io già guardo con più fiducia all’avvenire.

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My weekend movie: Holiday (1938)

Holiday 1938

Holiday (Incantesimo) – USA 1938

Directed by: George Cukor.

Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn; Doris Nolan; Lew Ayres; Edward Everett Horton; Jean Dixon.

It’s time to take a holiday (while we’re still young…)

What’s better than leaving all your everyday tasks behind to enjoy life, real life, while you’re still young? And what’s better than do it with the one you love? The only trouble is that maybe at some point you can discover that your beloved one has a different idea on what real life is!

Holiday – 1938 (Photo Credit: Wikipedia)

Holiday, the 1938 movie directed by George Cukor and starring Katharine Hepburn and Cary Grant (here at their third film together, there will be also a fourth), is all about this. The always cool and elegant Cary, for once, is a very unconventional guy (and you’ll understand immediately: his dress is shabby and his hair… is a mess!!!!), a self-made man called Johnny Case, who has just met the girl of his dream, Julia Seton (Doris Nolan), during a winter holiday in Lake Placid. Back to New York, after informing his dear (and also unconventional) friends Nick and Susan Potter (Edward Everett Horton and Jean Dixon in her last film) that he will marry that beautiful, wonderful girl, Johnny discovers that Julia is one of “those” Seton, one of the wealthiest family in Park Avenue. The Seton’s Mansion is a mausoleum, Julia’s brother Ned (Lew Ayres) is a drunkard, Julia’s sister Linda (Katharine Hepburn) is a bit nut (but very amicable) and Julia’s father (Henry Kolker) is terribly attached to formalities and money. Johnny wins everybody’s heart and during the New Year’s Eve Party, after the engagement has been announced, he reveals his project to retire from work to fully enjoy life while he’s young. Julia and her father are shocked, they both think that to make money and then make more money it’s the most wonderful thing in this world. On the other hand Linda, who thought from the beginning that this handsome unusual guy could solve all Setons troubles, find herself in love with him. Johnny thinks he could change for the love of Julia, but in the end understands they are too different, while Linda…

English: Publicity photograph of Katharine Hep...

Katharine Hepburn. (Photo credit: Wikipedia)

When it was first released in June 1938, critics liked Holiday, the second movie adaptation of Philip Barry‘s play (the first one, dated 1930, starred Ann Harding as Linda), more than audiences did. The cast won critics praise for a “first-class screen acting”, but the bad results at the box office only seemed to confirm Katharine Hepburn fame as “box office poison”. Only a month before in fact, she had ended in a list published in the Independent Film Journal that exposed famous and over paid actors and actresses that seemed almost unable to attract audiences to theatres (she was in good company with Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). But the blame for the lack of appeal on audiences shouldn’t be put exclusively on “poisonous” Kathe or on Cary Grant for once cast against type (his messy hair…).

In 1938 people were still facing the Great Depression so probably, despite a (vague) screwball comedy tone and despite Cary Grant and Katharine Hepburn acrobatic numbers (the coolest man ever had been, as Archibald Leach, a Vaudeville acrobat), they couldn’t be sympathetic to a rich girl (and to her fathe)r who only loved money, to a drunkard who wasn’t even funny, to the lunatic (if not, alas, really hysteric) Linda who despised her family riches and above all to a guy like Johnny, who was planning to get rid of his (good) job while the most were struggling to find one. Something we can easily understand even today, thanks(!!!) to the never ending (at least here) economic crisis.

Anyway, Holiday is a good movie and you should watch it at least once, but above all it perfectly matches my current feelings.

As you surely noticed recently I’ve been a bit absent, partly because of my non virtual life (everybody got one!!), partly because the infernal machine I’m using to write and post this has collapsed and has been resuscitated more than once during the last weeks. (Its fate is written and the funeral planned). Now I’m going to take a little virtual vacation, therefore the blog too will be on holiday for a while.

 and now, before the holiday begins, a few totally unrelated movies you could watch … unless you got something better to do (click on the titles to watch a clip or the trailer):

A breathtaking romance

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

a romantic challenge for ex-smokers

Now Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davies; Paul Henreid.

a special tour round the Eternal City

Roman Holiday – USA 1953 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

a couple of brand new girls with a little bit of “sugar”

Some Like it Hot – USA 1959 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

an hilarious ménage a trois

Design for living – USA 1933 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

a naughty lion tamer

I’m no Angel – USA 1933 Directed by: Wesley Ruggles. Starring: Mae West; Cary Grant.

a double faced gentleman

Dr Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins.

a very elegant fellow who never drinks…wine

Dracula – USA 1931 Directed by: Tod Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…and something that crawls, creeps and will eat you alive!

The Blob – USA 1958 Directed by: Irvin S. Yeaworth Jr. Starring: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Have a good digital detoxing holiday!

I’ll be back in September, hope to find you here.


È ora di prendersi una vacanza (finché siamo ancora giovani…)

Potete immaginare qualcosa che sia meglio del riuscire a lasciarvi alle spalle le tediose incombenze di tutti i giorni per godervi la vita, nel vero senso del termine, mentre siete ancora giovani? E non sarebbe fantastico farlo con la persona che amate? Potrebbe però esserci un piccolissimo problema: potreste scoprire che il/la vostro/a beneamato/a ha un’idea diversa dalla vostra riguardo al significato dell’espressione “godersi la vita”!

English: RKO publicity still from Suspicion (1941)

Cary Grant (Photo credit: Wikipedia)

Incantesimo (Holiday il titolo originale), il film del 1938 diretto da George Cukor ed interpretato da Katharine Hepburn e Cary Grant (al terzo dei quattro film girati insieme)  parla proprio di questo. Il sempre inappuntabilmente elegante Cary. una volta tanto, interpreta un tipo davvero poco convenzionale (e lo si capisce immediatamente: il suo vestito è un po’ malandato e il suo ciuffo… beh, quello è addirittura tutto spettinato!!!!!), tal Johnny Case, un uomo che si è fatto da solo e che ora, durante una vacanza invernale a Lake Placid (siamo nel periodo Natalizio anche se non sembra), ha finalmente incontrato la ragazza dei suoi sogni, Julia Seton (Doris Nolan). Tornato a New York, dopo aver informato i suoi cari (ed altrettanto poco convenzionali) amici Nick e Susan Potter (Edward Everett Horton e Jean Dixon al suo ultimo film) delle sue imminenti nozze, Johnny scopre che Julia è una di “quei” Seton, una delle famiglie più ricche ed influenti di Park Avenue. La casa dei Seton è un mausoleo, il fratello di Julia, Ned (Lew Ayres) è una spugna, la sorella di Julia, Linda (Katharine Hepburn) è un po’ picchiatella (ma davvero amichevole) e il padre di Julia (Henry Kolker) è terribilmente attaccato alle formalità e al denaro. Johnny riesce a conquistare tutti e nel corso del party di Capodanno durante il quale viene annunciato il fidanzamento, rivela il suo progetto di ritirarsi dagli affari per godersi la vita finché è giovane. Julia e il padre sono sconcertati, per entrambi far soldi e poi ancora più soldi è la cosa più bella del mondo. Linda invece, che fin dall’inizio ha visto in quel bel ragazzo anticonformista la soluzione ai problemi dell’intera famiglia, capisce di essersene innamorata. Johnny all’inizio pensa di poter cambiare per amore di Julia fino a quando capisce che loro sue sono troppo diversi, mentre Linda invece…

Edward Everett Horton  (Photo Credit: Wikipedia)

Nel giugno del 1938, all’uscita del film nelle sale, la critica amò Incantesimo, secondo adattamento cinematografico di una commedia di Philip Barry (il primo film era del 1930 e nel ruolo di Linda c’era Ann Harding), molto più di quanto non fece il pubblico. Nonostante le lodi tributate al cast per la “recitazione di prima classe”, lo scarso risultato al botteghino sembrò confermare la fama di “box office poison” di Katharine Hepburn che appena un mese prima era finita in una lista di attori famosissimi e strapagati ma poco capaci di attirare spettatori nelle sale pubblicata sull’ Independent Film Journal (era in buona compagnia, c’erano anche la Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). Ma lo scarso appeal del film sul pubblico probabilmente non dipese unicamente dalla “velenosa” Kathe o da un Cary Grant lontano dal suo solito cliché (quel ciuffo spettinato….).

Lew Ayres (Photo Credit: Wikipedia)

Probabilmente, nonostante un vago tono da commedia sofisticata e le acrobazie di Cary Grant e Katharine Hepburn (l’uomo più cool di tutti i tempi, quando ancora si chiamava Archibald Leach, aveva iniziato la carriera come acrobata del vaudeville), il pubblico che da quasi un decennio era alle prese con i nefasti effetti della Grande Depressione non riuscì a provare simpatia per una bella ragazza e per il suo vecchio padre che pensavano solo al denaro e a come accumularne sempre di più, per un ubriacone che non era nemmeno divertente, per la lunatica (se non ahilei proprio isterica) Linda che tanto disprezzava le ricchezze di famiglia e soprattutto per un tipo come Johnny, che in un momento in cui un lavoro per molti era ancora un miraggio pensava di buttare il suo alle ortiche. Considerazioni che tra l’altro si potrebbero tranquillamente fare anche ora vista la situazione economica che stiamo vivendo.

In ogni caso Incantesimo, che è decisamente un bel film che dovreste vedere, mi è tornato alla mente perché è perfettamente in tono con la mia voglia di staccare un po’.

Come avrete sicuramente notato sono stata un po’ assente di recente, in parte per via della mia vita non virtuale (ne abbiamo tutti una!!), in parte per via della macchina infernale che sto usando per scrivere e postare quello che state leggendo che è collassata ed è stata pietosamente resuscitata più di una volta nelle ultime settimane (il suo destino è scritto e il funerale è già programmato). Ora mi prendo una vacanza virtuale quindi anche il blog sarà chiuso per ferie per qualche settimana.

ma prima, alcuni film che non c’entrano assolutamente niente ma che potreste guardarvi durante le vacanze… sempre che non abbiate niente di meglio da fare (se cliccate i titoli potete vedere una scena o il trailer):

Una storia d’amore da togliere il fiato:

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

Una romantica sfida per fumatori pentiti

Perdutamente tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davies; Paul Henreid.

Un tour molto speciale nella Città Eterna

Vacanze Romane – USA 1953 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

Una coppia di ragazze nuove di pacca e un po’ di “zucchero”

A qualcuno piace caldo – USA 1959 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

Un irresistibile ménage a trois

Partita a Quattro – USA 1933 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

Una maliziosa domatrice di leoni

Non sono un Angelo – USA 1933 Diretto da: Wesley Ruggles. Con: Mae West; Cary Grant.

Un gentiluomo del doppio volto

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins.

Un elegnatone che non beve mai… vino

Dracula – USA 1931 Diretto da: Tod Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…e qualcosa che striscia, si insinua e vi mangerà vivi!

Blob-Fluido Mortale – USA 1958 Diretto da: Irvin S. Yeaworth Jr. Con: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Buone vacanze digital-disintossicanti!

Io torno a Settembre, spero di ritrovarvi qui.

My weekend movie: Intermezzo (1939)

Intermezzo 1939

Intermezzo: A Love Story (Intermezzo) – USA 1939

Directed by: Gregory Ratoff.

Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best; John Halliday; Cecil Kellaway.

Is it possible to built happiness on the unhappiness of others?

Well obviously no, but also… yes! It’s a complicated issue, a question of points of view.

Take for instance Intermezzo: A Love Story, the 1939 melodrama starring Leslie Howard and Ingrid Bergman, a relatively minor film in the golden year of Hollywood golden age.

Intermezzo (1939 film)

Intermezzo (1939 film) (Photo credit: Wikipedia)

It tells the story of a famous (and fictitious) Swedish violinist, Holger Brandt (Leslie Howard), who meets his little daughter’s piano teacher, the young (and beautiful) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressed by her talent makes her his concert partner, falls in love with her, leaves his family (a dull wife, the mentioned daughter and an older son) to live with her… till, victim of remorse and nostalgia (but only for his young daughter…), Anita mercifully set him free, so he can go back home, tail between his legs, and after almost causing his beloved daughter’s death, is forgiven by his wife and welcomed back into the family.

If you consider the story, you’ll quite obviously think that it’s impossible to built happiness on the unhappiness of others, because, and that’s the film’s main thesis, even if you try to ignore it that unhappiness will cast a shadow over your life.

But if you consider the movie as a movie, a product of the motion pictures industry, well then you will discover that happiness (at least some sort of professional happiness) can be built on the unhappiness of others (the film characters’).

Producer David O. Selznick in fact clearly made an “happy” move buying the rights and producing a new film based on the 1936 Swedish movie Intermezzo (to the title he added A Love Story thinking that the original could be a little too obscure for the American audience). Thanks to Intermezzo Selznick ensured to his most famous creature, the silver screen version of Margaret Mitchell‘s Gone with the Wind, one of its protagonist: Leslie Howard. The British actor in fact took part in the epic romance playing the wimpish Ashley Wilkes (a role he detested) only after Selznick allowed him to co-produce Intermezzo, that will be his final Hollywood movie. Leslie Howard in fact will go back to England at the outbreak of WWII to help with the war effort producing, directing and starring in a series of propaganda films. He will die on a mysterious plane crash over the Bay of Biscane on June,1 1943 (if you want to know more, you can read the article about the 1941 movie Pimpernel Smith HERE).

English: Portrait

Ingrid Bergman (Photo credit: Wikipedia)

Another “happy” move made by Selznick was to cast as Anita the actress who had played the same role in the original Swedish movie: Ingrid Bergman. The actress, to whom Selznick, understanding her fear of excessive makeovers, cleverly spared the “Hollywood treatment” building instead a promotional campaign around her “naturalness”, made with Intermezzo her Hollywood debut. Selznick’s happy move turned the Swedish actress, who could then barely speak English, into one of the greatest Hollywood stars.

In the end, maybe Intermezzo is just a minor melodrama released in the most outstanding year in motion pictures (just think about Gone with the Wind, The Wizard of Oz, Mr Smith Goes to Washington, Ninotchka, Stage Coach, Wuthering Heights, The Women and many, many other memorable movies released in 1939, the year marked by the outbreak of WWII), but in its own way, between assorted dramas an unhappiness, it is, if not a memorable movie, a “happy” one… and if you like, once in a while, having a good cry, well, it could be your kind of movie.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Love Affair – USA 1939 Directed by: Leo McCarey. Starring: Irene Dunne; Charles Boyer.

A Woman’s Face – USA 1941 Directed by: George Cukor. Starring: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Unfaithfully yours – USA 1948 Directed by: Preston Sturges. Starring: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Letter from an Unknown Woman – USA 1948 Directed by: Max Ophuls. Starring: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

È possibile costruire la propria felicità sull’infelicità degli altri?

Beh, ovviamente no, ma anche…si! È una faccenda complicata, una questione di punti di vista. Prendete ad esempio Intermezzo, il melò del 1939 con Leslie Howard e Ingrid Bergman, un film relativamente minore uscito in quello che è considerato l’anno d’oro dell’età dell’oro di Hollywood.

Ingrid Bergman e Leslie Howard in Intermezzo (Photo Credit: Wikipedia)

Racconta la storia di un famoso (e fittizio) violinista Svedese, Holger Brandt (Leslie Howard), che conosce la maestra di piano di sua figlia, la giovane (e bella) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressionato dal suo talento la invita ad accompagnarlo al piano durante i suoi concerti, si innamora di lei, molla la famiglia (una moglie insulsa, la già menzionata figlia e un figlio più grande) per vivere con lei…fino a quando, in preda ai rimorsi e alla nostalgia (ma solo per la figlia…), viene finalmente mollato a sua volta dalla misericordiosa Anita, torna a casa con la coda tra le gambe e, dopo aver quasi provocato la morte dell’amata figlia, viene perdonato dalla moglie e riaccolto in famiglia.

Se prendete in considerazione questa storia, alla fine vi sembrerà ovvio che no, non si può costruire la propria felicità sull’infelicità altrui, perché, questa almeno è la tesi del film, anche se cercate di non pensarci, il sapere di aver causato quell’infelicità inizierà a tormentarvi.

Se invece prendete in considerazione il film in quanto a film, cioè prodotto dell’industria cinematografica, beh allora si che si può dire che la propria felicità (almeno dal punto di vista professionale) la si può costruire sull’infelicità altrui (quella dei personaggi del film).

David O. Selznick

David O. Selznick (Photo credit: Wikipedia)

Il produttore David O. Selznick fece infatti una mossa decisamente “felice” acquisendo i diritti per produrre un nuovo film basato sul film Svedese del 1936 intitolato appunto Intermezzo (a quel titolo aggiunse A Love Story perchè preoccupato del fatto che potesse risultare troppo oscuro per il pubblico americano). Grazie ad Intermezzo Selznick assicurò alla sua più famosa creatura, la versione cinematografica del best-seller di Margaret Mitchell Via col Vento, uno dei protagonisti: Leslie Howard. L’attore Britannico accettò infatti di interpretare il rammolito Ashley Wilkes (un ruolo che detestava apertamente) solo dopo che Selznick gli permise di co-produrre Intermezzo, che sarà il suo ultimo film Hollywoodiano. Leslie Howard infatti allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale tornerà in Inghilterra per partecipare allo sforzo bellico producendo, dirigendo e recitando in film di propaganda. Morirà il 1° giugno 1943 insieme ad altre 17 persone in un misterioso incidente aereo sul Golfo di Biscaglia (se volete saperne di più potete leggere l’articolo sul film del 1941 La Primula Smith QUI).

Un’altra mossa felice di Selznick fu ingaggiare per il ruolo di Anita la stessa attrice che aveva interpretato quella parte nel film originale: la Svedese Ingrid Bergman. L’attrice, a cui Selznick, comprendendo il suo timore per i cambiamenti estetici eccessivi, risparmiò il classico “trattamento Hollywoodiano” costruendo invece una campagna promozionale intorno alla sua “naturalezza”, fece con Intermezzo il suo debutto ad Hollywood. La mossa felice di Selznick trasformò l’attrice svedese, che al suo arrivo in America quasi non sapeva parlare in inglese, in una delle più grandi stelle di Hollywood.

Ecco, forse Intermezzo sarà solo un melodrammone minore uscito in uno degli anni più memorabili della storia di Hollywood (basti pensare ai vari Via col Vento, Il Mago di Oz, Mr Smith va a Washington, Ninotchka, Ombre Rosse, Cime Tempestose, Donne e tanti altri film memorabili usciti in quel 1939 segnato dallo scoppio della Seconda guerra Mondiale), ma a suo modo, tra drammi assortiti e tanta infelicità, fu anche un film, se non memorabile, sicuramente “felice”… e se non vi dispiace ogni tanto farvi un bel pianto, beh potrebbe essere anche il film che fa per voi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Un Grande Amore – USA 1939 Diretto da: Leo McCarey. Con: Irene Dunne; Charles Boyer.

Volto di Donna – USA 1941 Diretto da: George Cukor. Con: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Infedelmente Tua – USA 1948 Diretto da: Preston Sturges. Con: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Lettera da una sconosciuta – USA 1948 Diretto da: Max Ophuls. Con: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

Equality postponed

“… I think you’re a sexist, misogynist dinosaur…”


From: GoldenEye – 1995

“At last!” I though when last week I read that finally the Italian Parliament was almost ready to change the law saying that children inherit exclusively their father’s surname. A parliamentary commission was discussing a bill to make possible to give children the father’s or the mother’s surname or both (with no agreement both names will be given automatically).

In January, a sentence pronounced by the European Court of Human Rights based in Strasbourg said that Italy is violating the equality principle. Because to give your name to your children is your right. Even if you’re a woman.

Now, it was almost done… almost. Because, you know, when the children will grow up and have children of their own they will have to chose which name (father’s or mother’s) give them (Stefania Prestigiacomo, Forza Italia’s MP and former minister in MrB’s cabinets, found this passage quite perplexing), because this will change a tradition that lasted for centuries, and above all because when someone proposed that the bill would be approved or rejected with a secret vote the Democratic Party (the Italian Prime Minister’s Party) decided to wash its hands of it, to great disappointment of Michela Marzano, philosopher and Democratic Party’s MP introducing the bill. Clearly, someone who knew for certain that all the male MPs (but also some female MP) are afraid that giving to children also their mother’s name the Italian male’s virility could be irreparably damaged or worse, thought that a secret vote could cause the bill’s rejection  and therefore great embarrassment to the parliamentary majority (especially to the Democratic Party).

After all chit-chats about civil rights work well in an election campaign, but not so well in the Parliamentary debate. Much better to postpone this question at a later date…

“…penso che tu sia un dinosauro sessista e misogino…”


Da: GoldenEye – 1995

“Era ora!” Mi sono detta appena una settimana fa leggendo che finalmente la commissione giustizia della camera aveva approvato (all’unanimità) il testo della legge che dovrebbe abolire l’obbligo di trasmettere il solo cognome paterno lasciando libertà di scelta tra quello del padre o della madre o di entrambi (in caso di disaccordo dovrebbero essere assegnati tutti e due).

A gennaio la Corte Europea dei Diritti dell’uomo (sic!) di Strasburgo aveva condannato l’Italia per violazione del principio d’uguaglianza. Perché dare il proprio cognome ai figli è un diritto. Anche delle donne.

Ora finalmente sembrava quasi fatta… e invece no. Perché un domani dei due cognomi se ne potrà trasmettere solo uno, a discrezione dei neo-genitori che potrebbero non scegliere quello paterno (ipotesi che a quanto pare ha suscitato perplessità nella deputata Stefania Prestigiacomo), perché si va a toccare tradizioni millenarie, ma soprattutto perché di fronte alla richiesta di voto segreto il PD ha deciso di alzare le mani, con grande scorno e sconcerto della relatrice Michela Marzano, filosofa e deputata PD. Il ragionamento, fatto evidentemente da chi sa per certo che i signori deputati maschi (ma a quanto pare anche qualche signora deputata femmina) temono che la perdita del diritto esclusivo di trasmettere il cognome ai figli possa ledere irreparabilmente la virilità del maschio italico o peggio, sarebbe: se il voto è segreto la legge sarà sicuramente bocciata dall’aula causando imbarazzi alla maggioranza.

In fondo i diritti civili funzionano alla grande in campagna elettorale, ma in Parlamento è tutta un’altra storia. Meglio rimandare la questione a data da destinarsi…

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My weekend movie: The Most Dangerous Game (1932)

The Most Dangerous Game 1932

The Most Dangerous Game (Caccia Fatale) – USA 1932

Directed by: Ernest B. Schoedsack; Irving Pichel.

Starring: Joel McCrea; Leslie Banks; Fay Wray.

There are two kinds of people: the hunter and the hunted…

Summer, especially when quite cold and rainy, is the right season to rediscover old adventure-thrillers packed with Gothic mansions, scary servants, mad villains, screaming heroines and handsome adventurers. And what’s better than a film you can easily find online for free cause it’s now in the public domain?

English: Low-resolution image of poster for th...

English: Low-resolution image of poster for the American motion picture The Most Dangerous Game (1932) (Photo credit: Wikipedia)

The adventure movie I suggest you to watch has been released in 1932. It’s The Most Dangerous Game, the first film adaptation of the 1924 short story of the same name by Richard Connell (inspiring through decades many, many films, especially B-movies) and above all the (different)twin of King Kong made by the same team (Schoedsack -here with Irving Pichel- director and producer, Merian C. Cooper – in Kong also director, here only producer), using the same set (the jungle) and part of the same cast (in particular the scream-queen Fay Wray) with the addiction of Leslie Banks as the villain and the amiable hunk Joel McCrea as the hero. It seems that this movie was shot during the day while King Kong at night (surely the best way to optimize the resources).

The premises are quite alarming: in an unknown shark infested channel, a yacht sinks. The only survivor is Bob Rainsford (Joel McCrea) a famous game hunter and writer who, miraculously spared by sharks, is able to swim to the shore of a tiny island not on the maps. And, what a coincidence, in the island there’s a Gothic fortress…

SPOILER ALLERT: if you’ve never seen this movie, this is the right time to click on the following link and watch it:

otherwise you read the rest of this article at your own risk…

English: Leslie Banks in The Most Dangerous Ga...

Leslie Banks as Count Zaroff (Photo credit: Wikipedia)

Now, as you surely know, a Gothic something (mansion, fortress, cathedral or whatever… ) in a Classic Hollywood movie heralds alarming developments as much as a bearded mute servant who looks a bit insane or an exceedingly jovial landlord, especially if he’s a Count and especially if now and then he caresses a strange scar on his forehead. Anyway, none of these signals seems to alarm our good ol’ Rainsford who, after surviving a shipwreck and a bunch of starving sharks, is now cheerfully smiling to the hospitable Russian Count Zaroff (Leslie Banks) and above all is not at all surprised to find in such a secluded place dry clothes that perfectly fit him! Anyway, shipwrecks are a local speciality. Under Count Zaroff’s roof are living in fact a couple of other survivors: Martin Trowbridge and his sister Eve, a drunkard and a really elegant and pretty girl. During a pleasant evening entertainment made of music (obviously Zaroff plays the piano as passionately as only a Russian Count could play it) and a little chit-chat, the Count tells to Rainsford that he’s one of his fans and reveals him his insane passion for hunting (his reason to live) also hinting that he finally found a new kind of prey: the most dangerous game! But none of that is enough to alarm Rainsford who seems unable to smell danger even when Eve tries to catch his attention telling him that in fact there were other survivors now mysteriously disappeared after the Count showed them into a certain mysterious room. But when at night the girl asks for Rainsford help because her brother mysteriously disappeared too, the two survived survivors enter the forbidden room finding in it a very peculiar kind of hunting trophies: human heads! So humans, the shipwrecks survivors, are the most dangerous game, the new exciting prey. That very same night Rainford will finally discover how does it feels to be hunted like an animal, while Eve will have to try and escape not to become Count Zaroff final prize…

The Jungle waiting for Kong (Photo credit: Wikipedia)

I won’t tell you anything more, but I guess that using your imagination you could easily guess what happens next though I have to cause the disappointment of all the fans (men and women) of old time hunky lead men (those guys with an over shaved chest who, before taking off their shirt, would be forced today into a six month intensive preparation with a sadistic personal trainer…): McCrea doesn’t lose most of his clothes during the hunting (if you are eager to see him almost naked watch Bird of Paradise the exotic 1932 movie with Dolores del Rio). Sometimes synopsis and reviews are written by people who never watched the movie they’re talking about.

The Most Dangerous Game‘s main theme, the hunter becoming prey and victim of another man and the relation between lust for blood and lust for sex (something added in the movie), is surely more interesting than the film itself. There’s a lack of suspense, McCrea surely made better films later (for instance Howard Hawks’ Come and Get It, Hitchcock’s Foreign Correspondent, Sturges’ Sullivan’s Travels…) and Fay Wray does little more than screaming (but, as Brian De Palma convincingly proves in Blow Out, screaming ain’t such an easy task…). Anyway, the atmospheres are decidedly intriguing and, above all, Count Zaroff, the serial killer so shamelessly convinced that Rainsford should be glad to join him in his manhunt and so openly ready to declare that Eve will be his final after-hunting prize, is a noteworthy villain also because Leslie Banks is able to use the injuries that left his face partially scarred and paralysed (he was a WWI veteran) to make the character even more frightening.

I must be clear, there’s very little in The Most Dangeroud Game that could be unexpected, but you should watch it at least once anyway.

 A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dracula – USA 1931 Directed by: Todd Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Directed by: James Whale. Starring: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

White Zombie – USA 1932 Directed by: Victor Halperin. Starring: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

The Old Dark House – USA 1932 Directed by: James Whale. Starring: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Directed by:Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Starring: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

Mystery of the Wax Museum – USA 1933 Directed by: Michael Curtiz. Starring: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Young Frankenstein – USA 1974 Directed by: Mel Brooks. Starring: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Directed by: Jim Sharman. Starring: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.


Ci sono due tipi di persone: i cacciatori e le prede…

L’estate, specialmente se tiepidina e piovosa, è la giusta stagione per rivedere i vecchi film d’avventura zeppi di dimore gotiche, servi inquietanti, cattivi psicopatici, eroine urlanti e prestanti avventurieri. E cosa c’è di meglio di un film che si può tranquillamente trovare e guardare gratis online perché ormai (negli Stati Uniti) di pubblico dominio?

English: Joel McCrea & Leslie Banks in The Mos...

Rainsford sta per diventare una preda  (Photo credit: Wikipedia)

Il film d’avventura che vi consiglio è Caccia Mortale (The Most Dangerous Game) del 1932, primo adattamento cinematografico del racconto La preda più pericolosa (The most dangerous game) scritto da Richard Cornell nel 1924 (che da allora ha ispirato un sacco di film, in particolare B-movies), ma soprattutto gemello diverso di King Kong realizzato dallo stesso team (Schoedsack -qui con Irving Pichel- come regista e produttore, Merian C. Cooper nell’altro anche regista, qui solo produttore), usando le stesse scenografie (la giungla) e parte dello stesso cast (in particolare la regina delle urlatrici Fay Wray) con l’aggiunta di Leslie Banks nel ruolo del cattivo e del simpatico bietolone Joel McCrea nei panni dell’eroe. Pare che si girasse questo film di giorno e King Kong di notte (quando si dice ottimizzare le risorse!).

Le premesse del film sono piuttosto inquietanti: in un non meglio identificato tratto di mare infestato dagli squali una nave affonda. L’unico sopravvissuto è Bob Rainsford (Joel McCrea), noto cacciatore e scrittore che, miracolosamente risparmiato dai pescecani, riesce a nuotare fino alla spiaggia di un’isoletta sconosciuta alle mappe. Manco a farlo apposta sull’isola si trova una fortezza di vago sapore gotico…

ATTENZIONE SPOILER: se il film non l’avete mai visto (e capite bene l’inglese) vi consiglio di cliccare sul link che segue per vederlo ora:

altrimenti proseguite la lettura a vostro rischio e pericolo…

Leslie Banks as "Count Zaroff" in Th...

Il Conte ama la caccia (Photo credit: Wikipedia)

Come ben sapete, una dimora in stile gotico in un film della Hollywood classica è presagio di sviluppi quantomeno inquietanti, così come la presenza nella dimora di un servo barbuto con occhi da pazzo e privo dell’uso della parola e l’eccessiva giovialità del padrone di casa, specialmente se è un Conte e specialmente se ogni tanto si accarezza una sinistra cicatrice su una tempia. Nulla di tutto ciò però sembra turbare il buon Rainsford che del resto, dopo un naufragio e un attacco di un branco di squali, sorride affabile e per niente scosso all’ospitale Conte russo Zaroff (Leslie Banks) e soprattutto non è affatto sorpreso di trovare in un posto simile un cambio d’abiti della sua taglia. I naufragi comunque sono una specialità del luogo. Il conte Zaroff ospita infatti i superstiti di un altro naufragio, i fratelli Martin ed Eve Trowbridge: il primo un’autentica spugna, l’altra una bella ragazza elegantissima (su un’isola dove è arrivata solo con i vestitit che aveva addosso…).

English: Screenshot from The Most Dangerous Ga...

Rainsford e Eve nella giungla (Photo credit: Wikipedia)

Nel corso di un simpatico intrattenimento serale a base musica (ovviamente Zaroff suona il piano con la passionalità che si addice ad un conte Russo) e chiacchiere, il Conte confida a Rainsford di essere un suo ammiratore e rivela un’inquietante passione per la caccia (la sua unica ragione di vita) accennando al fatto di aver finalmente trovato un nuovo tipo di preda: la più pericolosa! Anche questo però non allarma Rainsford che pare non fiutare il pericolo imminente nemmeno quando la bella Eve gli fa notare che altri naufraghi sono misteriosamente scomparsi dopo aver visitato una certa stanza della fortezza. Quando però durante la notte la ragazza chiede l’aiuto di Rainsford perché il fratello è scomparso i due entrano nella stanza proibita scoprendo dei singolari trofei di caccia: teste umane! Sono quindi gli esseri umani, i naufraghi, la nuova preda del Conte! Quella stessa notte Rainsford scoprirà finalmente cosa si prova ad essere braccati come animali, mentre Eve dovrà cercare di sfuggire agli appetiti post-caccia del Conte…

Eve è perduta? (Photo credit: Wikipedia)

Il resto non ve lo dico, ma scommetto che se vi sforzate un pochino riuscirete a capire da soli come va a finire la storia anche se mi tocca deludere gli appassionati e le appassionate di fusti d’antan (tanto per intenderci quei ragazzoni che avevano il petto liscio come quello di un bebè e che se dovessero fare un film oggi ,prima di togliersi la maglietta, gli toccherebbe fare almeno 6 mesi di duro allenamento con un personal trainer sadico…): McCrea non perde progressivamente gli abiti nel corso della caccia (se proprio volete vederlo quasi come mamma l’aveva fatto guardatevi pure Bird of Paradise, film di ambientazione esotica del 1932 con Dolores del Rio). A volte chi scrive recensioni e riassunti non ha visto il film di cui parla.

Il tema di Caccia Mortale, l’uomo che da cacciatore si trasforma in preda vittima di un suo simile assetato di sangue e sesso, è sicuramente migliore dello svolgimento. La suspense infatti latita un po’, McCrea sicuramente in seguito ha fatto di meglio (basti pensare ad Ambizione di Hawks, Il Prigioniero di Amsterdam di Hitchcock, I dimenticati di Sturges…), e Fay Wray fa poco più del suo dovere di urlatrice (ma del resto come ci ha dimostrato in maniera convincente Brian DePalma in Blow Out anche urlare non è mica una cosa così facile). Le atmosfere però sono suggestive e soprattutto il Conte Zaroff, serial killer sfacciato sia nel pretendere che Rainsford in quanto cacciatore possa condividere il suo entusiasmo per la caccia all’uomo che nel dichiarare alla bella Eve che lei sarà la sua ricompensa dopo tanto cacciare (e questo non c’era nel racconto originale), è un cattivo degno di nota anche grazie a Leslie Banks capace di sfruttare una sua piccola disabilità (l’emiparesi del volto dovuta ad una ferita di guerra, era reduce della Prima Guerra Mondiale) per risultare più inquietante.

Caccia Mortale è, va detto, un film un po’ scontato, ma vale decisamente la pena di vederlo almeno una volta.

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedrere una scena o il trailer):

Dracula – USA 1931 Diretto da: Todd Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Diretto da: James Whale. Con: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

L’isola degli Zombies – USA 1932 Diretto da: Victor Halperin. Con: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

Il castello maledetto – USA 1932Diretto da: James Whale.Con: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Diretto da: Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Con: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

La maschera di cera – USA 1933 Diretto da: Michael Curtiz. Con: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Frankenstein Junior – USA 1974 Diretto da: Mel Brooks. Con: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Diretto da: Jim Sharman. Con: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.