So cruel

“That’s cruel.”

David Barnes

From: Soapdish – 1991

That’s it: after being convicted for tax fraud (something irrelevant especially if done by someone who has repeatedly governed a Country during the last 20 years), expelled from the Italian Senate, banned from taking public office (such an unimportant question, seen that almost everybody, included the youngest Prime Minister ever who  resembles him a bit more every day and received him yesterday in Palazzo Chigi – the official residence of the Prime Minister of the Italian Republic – is doing everything possible to assure him the “right” to campaign as nothing happened) and (self)deprived of his Knight of Labour title, MrB(erlusconi) will serve his sentence doing community service in a home for the elderly in Cesano Boscone (a small town just outside Milan): 4 hours a week for about ten months (nonetheless). A brutal and very cruel punishment inflicted to a group of elderly people who did nothing wrong (and you can bet that, as additional punishment, MrB’s TVs will storm there to interview them).

“È crudele.”

David Barnes

Da: Bolle di Sapone – 1991

Ora è proprio sicuro MrB, condannato per frode fiscale (robetta per uno che in fondo è stato solo Presidente dl consiglio varie volte nel corso degli ultimi 20 anni), espulso dal Senato della Repubblica, interdetto (un particolare di nessuna importanza visto che a quanto pare tutti – compreso il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita che, assomigliandogli sempre più, l’ha ricevuto ieri nientepopodimeno che a Palazzo Chigi -  si adoperano per lasciarlo politicamente “agibile”) e (auto)privato del titolo di Cavaliere, espierà la sua pena e si riabiliterà facendo volontariato(coatto) presso una casa di cura per anziani dell’hinterland Milanese: ben quattro ore alla settimana per circa dieci mesi. Una pena brutale e crudelissima inflitta a dei poveri anziani che non avevano fatto niente di male (e c’è da scommetterci… come pena accessoria saranno presi d’assalto dalle telecamere delle TV di famiglia).

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My weekend movie: Ladies in Love (1936)

LAdies in love 1936

Ladies in Love (Ragazze Innamorate) – USA 1936

Directed by: Edward H. Griffith.

Starring: Janet Gaynor; Loretta Young; Constance Bennett; Don Ameche; Tyrone Power; Paul Lukas; Alan Mowbray; Simone Simon.

Sometimes dreams come true…unfortunately!

Three working girls, more or less disenchanted with men, rent a posh apartment downtown trying to impress eligible gentlemen… or at least to have a warm shower.

Ladies in Love (Photo credit: Wikipedia)

Ladies in love, the romantic comedy released in 1936, will immediate remind you to the most famous How to Marry a Millionaire released almost two decades later in 1954 (and remake at its turn of 1933 comedy Three Broadway Girls). The cast is similarly an all-star one. Instead of charming Lauren Bacall, the original pin-up Betty Grable and the (dumb blond)sexbombshell Marilyn Monroe in that movie we find, all billed above the title and all acting like real prima donnas on set, the first Oscar winner Janet Gaynor, who assures, along with Don Ameche and Alan Mowbray, the comedic touch, sweet Loretta Young, for the first time paired with a handsome (and very young) Tyrone Power and the always elegant Constance Bennett, playing a “smart woman” who loses her man (Paul Lukas) betrayed by her smartness.

But in Ladies in Love the girls ain’t, not all of them, mere gold diggers. It’s easy to understand it. In the first scene, just arrived in the posh apartment that will remain quite unfurnished (cause three salaries can pay a rent, but furniture is a different story), they all make a wish: Susie Schmidt (Loretta Young), a chorus girl, wants to open a hat shop and be independent of men; Yoli Haydn (Constance Bennett), shop girl, occasional model and only gold digger (and also originator of the house project), wants a rich husband who will buy her a five storey house, lots of furs and jewels and in addiction a little cash on a bank while Martha Kerenye (Janet Gaynor), a baroness in distress who only got odd-jobs like selling ties on the street or feeding the rabbits doctor Imri (Don Ameche) uses for his harmless experiments, wants a good home a man to love and look after and children, nothing that could require a posh apartment, but she really appreciates the very equipped bathroom. Funnily enough, in the end each and every girl will get exactly what she wished for, only at that point two out of three will know that this was not what they really wanted and the only happy ending will be for Martha, the one who wished for a husband and children (how surprising!!)… after all the Hays Code, reinforced in 1934, required high (and sometimes absurd) moral standards: marriage, the only honest goal for a single girl trying to attract a man, was a subject to be handled carefully and girls who proved to be too independent, for instance using what she was forced into (marriage) to achieve a better life, should pay with unhappiness.

Constance Bennett on the Argentinean Magazine ...

Constance Bennett in 1937. (Photo credit: Wikipedia)

Anyway the film, based on a play by Ladislaus Bus-Fekete, aka Leslie Bush Fekete, Hungarian-American playwright and screenwriter (he wrote among the others the play Birthday on which was based the 1943 Lubitsch’s film Heaven Can Wait), is set in Budapest, a place that in 1936, while in real life Hungaria was tightening its relations with Nazi Germany, was for the American audiences still exotic enough to be the ideal setting for light romances and some morally questionable event. So Martha can (almost)fall in love with Sandor (Alan Mowbray), the vain and selfish magician she works for, Susie can lose her head for the handsome Count Karl Lanyi (Tyrone Power), though he’s only looking for an affair cause he will be soon married to a rich girl, and Yoli can pretend not to fall in love and then be punishment for her smartness and defeated by a young Lolita (the French actress Simone Simon) who stoles her her man, the wealthy John Bartha (Paul Lukas, the only real Hungarian who will be naturalized American in 1937) who’s in Budapest to find a wife before leaving for South America (and who prefers a silly, very young girl who always say yes to an intelligent and independent woman. A timeless classic).

Ladies in Love is the kind of film that once was called a “woman’s picture”, a movie who had the purpose to entertain while teaching a moral. It’s not a masterpiece (maybe directed by a better director…) but is good enough to tempt you in a tedious evening. Who knows? Maybe in the end you’ll think that the “wrong millionaire” was not such a terrible punishment for Yoli. After all, love fades away, diamonds are forever…

A few related movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Greeks had a world for them (Three Broadway girls) – USA 1933 Directed by: Lowell Sherman. Starring: Joan Blondell; Madge Evans; Ina Claire; Lowell Sherman.

The Shop Around the Corner – USA 1940 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan.

How to Marry a Millionaire – USA 1953 Directed by: Jean Negulesco. Starring: Marilyn Monroe; Betty Grable; Lauren Bacall; William Powell.

Gentlemen Prefer Blondes – USA 1953 Directed by: Howard Hawks. Starring: Marilyn Monroe; Jane Russell; Charles Coburn.

Lolita – UK/USA 1962 Directed by: Stanley Kubrik. Starring: James Mason; Shelley Winters; Sue Lyon; Peter Sellers.

The Apartment – USA 1960 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Shirley MacLaine; Fred MacMurray.


A volte i sogni si realizzano…purtroppo!

Tre giovani lavoratrici, più o meno disincantate, affittano insieme un elegante appartamento in centro nel tentativo di impressionare potenziali corteggiatori… o almeno farsi una bella doccia calda.

Publicity photo of Janet Gaynor for Argentinea...

Janet Gaynor in early 1930′s. (Photo credit: Wikipedia)

Ragazze Innamorate, commedia romantica del 1936, vi riporterà immediatamente alla mente il ben più noto Come Sposare un Milionario uscito quasi due decenni dopo nel 1954 (e remake di un film del 1933 intitolato Three Broadway Girls). Il cast è ugualmente stellare. Al posto dell’affascinate Lauren Bacall, dell’autentica pin-up Betty Grable e del prototipo di tutte le bionde sexy (e purtroppo sceme) Marilyn Monroe in questo film ci sono, tutte con “il nome sopra il titolo” e tutte impegnate ad atteggiarsi a primadonna sul set, la prima vincitrice dell’Oscar Janet Gaynor, che con Don Ameche e Alan Mowbray assicura la commedia, la dolce Loretta Young, per la prima volta affiancata al bel (e parecchio giovane) Tyrone Power, e la sempre elegante Constance Bennett, che interpreta una ragazza in gamba e disinvolta che perde il suo uomo (Paul Lukas) tradita dalla sua disinvoltura.

In Ragazze Innamorate però le protagoniste non sono tutte delle semplici cercatrici d’oro. Lo si capisce immediatamente quando nella prima scena appena entrate nel lussuoso appartamento, che rimarrà quasi completamente disadorno e vuoto (perché tre stipendi possono pagare un affitto, ma la mobilia è tutta un’altra storia), esprimono ciascuna un desiderio. Susie Schmidt (Loretta Young), ballerina di fila in un teatro di varietà, vuole aprire un negozio di cappelli ed essere indipendente dagli uomini; Yoli Haydn (Constance Bennett), commessa, occasionale modella e unica cercatrice d’oro (oltre che ideatrice del “piano-casa”), vuole un marito ricco che le compri una casa di cinque piani, un sacco di pellicce e gioielli e le metta un po’ di soldi in banca e Martha Kerenye (Janet Gaynor), baronessa decaduta che campa di lavoretti come vendere cravatte per strada o dar da mangiare ai conigli usati dal Dottor Imri (Don Ameche) per i suoi incruenti esperimenti, vuole una bella casa un uomo da amare e curare e dei bambini, niente che richieda l’uso di un elegante appartamento, ma lei apprezza sul serio l’opportunità di usare un bagno ben equipaggiato. La cosa buffa è che alla fine ciascuna delle tre ragazze ottiene esattamente quello che aveva desiderato, solo che a quel punto, almeno due delle tre sanno per certo che in realtà quello non era veramente quello che avrebbero voluto ed il lieto fine arriva solo per Martha, l’unica ad avere espresso l’onorevole desiderio di sposarsi e fare figli (ma guarda un po’)… dopotutto il Codice Hays, inasprito nel 1934, obbligava al rispetto di alti (e talvolta assurdi) standard morali: il matrimonio, unico dignitoso obiettivo di ogni donna in cerca di “corteggiatori”, doveva esser maneggiato con cura e le ragazze troppo indipendenti, quelle che ad esempio progettavano di usare ciò che erano praticamente obbligate a fare (nella fattispecie sposarsi) per ottenere una vita migliore, dovevano pagare con un po’ di infelicità.

Publicity photo of Loretta Young for Argentine...

Loretta Young in 1938 (Photo credit: Wikipedia)

In ogni caso il film, adattamento di una commedia teatrale di Ladislaus Bus-Fekete, alias Leslie Bush Fekete, drammaturgo e sceneggiatore americano di origine Ungherese (scrisse tra le altre la commedia Birthday dalla quale Ernst Lubitsch trasse nel 1943 Il cielo può attendere), è ambientato a Budapest, un luogo che nel 1936, mentre nella realtà l’Ungheria rafforzava i legami con la Germania nazista, restava nell’immaginario del pubblico americano abbastanza esotico per fare da sfondo a una storia romantica con qualche contrappunto moralmente discutibile. E così Martha puòdeviare per un po’ dalla retta via (quasi)innamorandosi di Sandor (Alan Mowbray), fatuo mago da cabaret per il quale lavora come tuttofare, Susie può innamorarsi del giovane e bel Conte Karl Lanyi (Tyrone Power), che più che una moglie cerca un’amante visto che sta per sposare una giovane di buona famiglia, e Yoli può fingere di non innamorarsi mai e essere punita per la sua disinvoltura perdendo per mano di un’autentica Lolita (l’attrice francese Simone Simon) l’unico uomo che avrebbe voluto, il ricco John Bartlett (Paul Lukas, attore realmente Ungherese che comunque prenderà la cittadinanza Americana un anno dopo aver girato questo film) che si trova a Budapest proprio in cerca di moglie prima di trasferirsi in Sud America (e preferisce una ragazzina stupida e testarda che però gli dice sempre si ad una donna adulta e intelligente, un classico intramontabile).

Ragazze innamorate è il genere di film che una volta veniva definito “per signore”, una commedia fatta per intrattenere insegnando però una morale. Non è un capolavoro (magari diretto da un regista migliore…) ma è sicuramente un film adatto ad ammazzare la noia. Chissà, magari alla fine penserete persino che il “milionario sbagliato” non è poi una gran punizione per Yoli. In fondo l’amore passa, i diamanti sono per sempre…

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

The Greeks had a world for them (Three Broadway girls) – USA 1933 Diretto da: Lowell Sherman. Con: Joan Blondell; Madge Evans; Ina Claire; Lowell Sherman.

Scrivimi Fermoposta – USA 1940 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan.

Come Sposare un Milionario – USA 1953 Diretto da: Jean Negulesco. Con: Marilyn Monroe; Betty Grable; Lauren Bacall; William Powell.

Gli Uomini Preferiscono le Bionde – USA 1953 Diretto da: Howard Hawks. Con: Marilyn Monroe; Jane Russell; Charles Coburn.

Lolita – UK/USA 1962 Diretto da: Stanley Kubrik. Con: James Mason; Shelley Winters; Sue Lyon; Peter Sellers.

L’Appartamento – USA 1960 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Shirley MacLaine; Fred MacMurray.

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The end of the world!!!!

“It’s the end of the world as we know it

and I feel fine”


From: It’s the end of the world as we know it (And I feel fine), from the album Document – 1987.

If a conviction for tax fraud, the expulsion from the Italian Senate, the ban on taking public office (and who knows why, only for this, one should not campaign for European election or try and win a seat at the Europarliament….) and even the renunciation of the Knight of labour title were not enough, now someone thinks to be entitled to decide how MrB(erlusconi) will serve his sentence, house arrest or community service. The greatest Italian statesman ever humiliated, judged just like a common human being, maybe forced to pass at least half a day a week (nonetheless) between old or disabled people when every body knows (or al least so it is told by those who are beside him, as la Repubblica, the Italian newspaper, said) “nothing depresses him like the contact with people who has some problem and that kind of solution will get him down”… what a cruel revenge, it’s the end of the world! Anyway, (apart from a possessed computer) I feel fine

“È la fine del mondo come lo conosciamo

e io mi sento bene.”


Da: It’s the end of the world as we know it (And I feel fine), dall’album Document – 1987

Non bastavano la condanna per frode fiscale, l’espulsione dal parlamento, l’interdizione dai pubblici uffici (che poi chissà perché con un’interdizione dai pubblici uffici uno non dovrebbe fare campagna elettorale o concorrere per un seggio all’Europarlamento…) e persino la rinuncia al titolo di Cavaliere, ora c’è pure chi vuole decidere se MrB dovrà scontare la pena agli arresti domiciliari o facendo volontariato. Il più grande statista della storia del nostro Paese umiliato, giudicato come un comune mortale, costretto magari a stare per tutta una mezza giornata alla settimana in mezzo a vecchietti e disabili che, si sa (o almeno così direbbero le persone che gli stanno più vicine secondo la Repubblica), “se c’è una cosa che lo deprime, è proprio la vista e il contatto con persone in difficoltà e quel genere di soluzione lo butterebbe giù” … una crudele vendetta, è la fine del mondo! Io comunque (computer impazzito a parte) mi sento bene.

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My weekend movie: Spartacus (1960)


Spartacus – USA 1960

Directed by: Stanley Kubrick.

Starring: Kirk Douglas; Laurence Olivier; Peter Ustinov; Charles Lauhghton; Jean Simmons; Tony Curtis.

I am Spartacus!

Let’s start with a confession: I’m not particularly fond of swords and sandals, I’m neither a fan of Stanley Kubrick nor one of Kirk Douglas, and what’s more I’m a bit scared of films running for more than 3 hours. Anyway, Spartacus is a different question.

Spartacus (film)

Spartacus (film) (Photo credit: Wikipedia)

First of all, it’s a great epic drama telling a story based on true events, the Third Servile War opposing a band of escaped former slaves (which grew to over 120,000 men, women and children) to, nonetheless, the Roman Republic between 73 and 71 BC, and it’s protagonist, Spartacus the slave become a gladiator and in the end one of the slave’s leaders of the revolt, is a real historical figure. Then it’s filled with great actors like Laurence Olivier (as Crassus, the general and politician who defeated the rebellious slaves and crucified those captured along the Via Appia), Charles Laughton (as Senator Gracchus), Peter Ustinov (as Lentulus Batiatus, the owner of the Gladiators’ school where Spartacus learns how to fight in the arena), Jean Simmons (as Varinia, the slave who becomes Spartacus wife), Tony Curtis (as Crassu’s slave Antonino) and Kirk Douglas himself (as Spartacus): an all-star cast that would make by itself every film worth watching. Obviously in Spartacus everything is fictionalized, there’s room enough for romance, blood, idealism, corruption and epic battles but the thing that makes it a very special movie happens only 97 seconds after the very beginning, right in the middle of the beautiful title sequence designed by Saul Bass when two simple lines appear on screen: “Screenplay by Dalton Trumbo / based on the novel by Howard Fast”. These two innocent lines in 1960, when the film was released in the USA, caused unseemly reactions. The National Legion of Decency picketed theatres where the film was screened and Hedda Hopper, one of the most poisonous gossip columnists in Hollywood, said: “The story was sold to Universal from a book written by a commie and the screen script was written by a commie, so don’t go to see it.”

English: Colorado screenwriter and novelist Da...

Screenwriter and novelist Dalton Trumbo at House Un-American Activities Committee hearings, 1947 (Photo credit: Wikipedia)

Both Fast and Trumbo had been in fact victims of the so called Second Red Scare, the McCarthyism era, the anti-communist paranoia spread around the United States after WWII that had lead to a fear campaign raising psychosis over the influence of “communist agents”on the American institutions and culture. Howard Fast, the author of the novel on which the movie is based, a well-known writer who had worked during WWII for the United States Office of War Information, writing for Voice of America, had made the “mistake” to join in 1943 the Communist Party USA. In 1950, once called before the the House Committee on Un-American Activities, he had refused to “name names” of contributors to a fund for a home for orphans of American veterans of the Spanish Civil War (among them Eleanor Roosevelt). For that reason he served a three-month prison sentence for contempt of Congress. During his imprisonment Fast started Spartacus, the novel about a man, a slave, who fought against an oppressive political system. Blacklisted by major publishers, Fast self-published his novel in 1951.

Dalton Trumbo too had had troubles with the House Committee on Un-American Activities. In 1947, when he was one of the most appreciated screenwriters in Hollywood, his name ended in a list of communist sympathizers appeared in the Hollywood Reporter. Summoned with other writers and directors, the so called Hollywood Ten, by the House Committee on Un-American Activities he refused to name names (the only way to avoid any sort of punishment). Trumbo was convicted for contempt to the Congress and blacklisted from Hollywood. In 1950 Trumbo served an 11-month imprisonment in the federal prison in Ashland, Kentucky.

After completing his sentence he resumed his work as screenwriter working under pseudonym or using fronts for a decade (in that period he wrote among the others Roman Holiday whose credits were fully restored only in 2011).

Cropped screenshot of Kirk Douglas from the tr...

Kirk Douglas during 1950′s. (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, Kirk Douglas, who was not only the protagonist of Spartacus but also its producer (he owned Bryna Productions), decided to make this film not because of an assault of idealism, and in fact when it became necessary to shoot some additional battle scene he had no troubles sending the film crew in Spain, still ruled by the fascist dictator Francisco Franco, using Spanish soldiers as extras and paying what can be called a bribe to a charity ruled by Franco’s wife. Though disgusted by the blacklisting, he purchased the rights for the novel cause disappointed for failing to win the title role in William Wyler’s Ben Hur, because the rights were cheap and because people used to flock to theatres to watch swords and sandals. Persuading Laurence Olivier, Charles Laughton and Peter Ustinov to play in Spartacus he also convinced Universal Studios to finance it, despite the film was based on a novel written by a famous “commie”. Douglas hired Trumbo, because Fast who had to write the script was a mediocre screenwriter: he needed someone who could write fast and who could make a good job and Trumbo was the right man for this. Anyway not to alarm Universal (that could decide to abandon the project) Trumbo’s contribution was kept a secret and he disguised himself under the pseudonym of Sam Jackson. Peter Ustinov, rewriting almost every single Batiatus’ scene, lead Trumbo to threaten to abandon the project. Only at that point, Kirk Douglas promised him that his name, his real name, was going to appear in the opening credits, an hazard kept secret till the end of the shooting. Only after the first test screening and after Kubrick proposed to use his name as screenwriter (a thing Douglas found revolting), Trumbo involvement was announced. Douglas asked to Universal a pass for Dalton Trumbo, allowing the screenwriter to walk on a studio lot for the first time in ten years. The same year Trumbo wrote openly the script for another blockbuster, Exodus directed by Otto Preminger.

The movie was released on October 1960 provoking the reaction I told you about. On february 1961 the new elected President John Fitzgerald Kennedy had to cross picket lines to enter a theatre and watch the movie. No matter why Spartacus was made, once released the blacklist was ended, broken by a movie who also used events happened two thousand years earlier to talk about America consumed with Red Scare (corrupted politicians, Crassus compiling lists of enemies, the defeated slaves refusing to identify Spartacus – to “name names” – in the famous scene when they stand up shouting “I am Spartacus!”).

If you want to know more about the Hollywood blacklist, clicking on the following link you could see a short film called The Hollywood Ten, showing each member of the Hollywood Ten making a short speech against McCarthyism and the Hollywood blacklisting:

(The director of this short movie, John Berry, was also blacklisted after the release and had to move to France)

If you want to know more about the making of Spartacus you can read “I Am Spartacus! Making a Film, Breaking the Blacklist” by Kirk Douglas (2012).

Anyway, if you’re not scared of movies running for more than 3 hours, Spartacus is worth watching.

A few more film written by Dalton Trumbo you could also like (click on he title to watch a clip or the trailer):

Five came back – USA 1939 Directed by: John Farrow. Starring: Joseph Calleia; Lucille Ball; John Carradine; C. Aubrey Smith. (written with Nathanael West and J. Cody)

Kitty Foyle – USA 1940 Directed by: Sam Wood. Starring: Ginger Rogers; Dennis Morgan; James Craig.

Thirty Seconds over Tokyo – USA 1944 Directd by: Mervin LeRoy. Starring: Spencer Tracy; Van Johnson; Robert Walker.

Roman Holiday – USA 1953 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Gregory Peck; Eddie Albert. Written by: Ian McKellan Hunter (front, credit was reinstated in 2003 for the DVD release. Full credit was restored in 2011).

The Brave One – USA 1956 Directed by: Irvin Rapper. Starring: Michael Ray; Rodolfo Hoyos, Jr; Elsa Cardenas. Written by: Robert Rich (alias for Trumbo who won the Academy Award for Best Story. In 1975 Walter Mirisch, then Academy President, presented the award to Trunbo)

Exodus – USA 1960 Directed by: Otto Preminger. Starring: Paul Newman; Eva Marie Saint; Sal Mineo; Peter Lawford.

Papillon – USA 1973 Directed by: Franklin J. Shaffner. Starring: Steve McQueen; Dustin Hoffman. (written with Lorenzo Semple Jr; book byHenry Charrière).


Io sono Spartaco!

Per iniziare, una confessione: cappa spada e sandali non mi appassionano, non sono una fan né di Stanley Kubrick né di Kirk Douglas, e inoltre i film che durano più di 3 ore mi fanno un po’ paura. Spartacus però è tutta un’altra storia.

Spartacus (Fast novel)

Spartacus (Fast novel) (Photo credit: Wikipedia)

Innanzitutto, è un grande dramma epico che parla di avvenimenti realmente accaduti, quelli della Terza Guerra Servile che ha visto un gruppo di ex-schiavi fuggitivi (cresciuto fino a comprendere più o meno 120000 uomini donne e bambini) opporsi nientemeno che alla Repubblica Romana tra il 73 e il 71 a.C. e il protagonista, Spartaco lo schiavo divenuto gladiatore e poi leader della rivolta degli schiavi, è un personaggio storico realmente esistito. Poi ci recitano un sacco di grandi attori come Laurence Olivier (nel ruolo di Crasso, il generale e politico romano che sconfigge i ribelli e ordina la crocefissione lungo la via Appia dei superstiti), Charles Laughton (il senatore Sempronio Gracco), Peter Ustinov (Lentulo Batiato, il proprietario della scuola di gladiatori di Capua in cui Spartaco è condotto per essere addestrato nel combattimento), Jean Simmons (Varinia la schiava che sposa Spartaco), Tony Curtis (Antonino, lo schiavo di Crasso) e lo stesso Kirk Douglas (nel ruolo di Spartaco): un cast di stelle che da solo basterebbe a raccomandare la visione di qualsiasi film. Ovviamente nel film tutto è romanzato, c’è amore, sangue, idealismo, corruzione e battaglie epiche ma quello che rende Spartacus un film davvero speciale accade prima, dopo solo 97 secondi dall’inizio della pellicola, mentre scorrono i bellissimi titoli di testa disegnati da Saul Bass, quando sullo schermo compaiono due semplici righe:“ screenplay by Dalton Trumbo / based on the novel by Howard Fast” (sceneggiatura di Dalton Trumbo / tratto dal romanzo di Howard Fast). Queste due righe innocenti nel 1960, anno dell’uscita americana, provocarono le reazioni scomposte della National Leagion of Decency che picchettò i cinema in cui il film veniva proiettato e di Hedda Hopper, una delle lingue più velenose di Hollywood, che disse: “La storia è tratta da un libro scritto da un comunista e la sceneggiatura è scritta da un comunista, quindi non andate a vederlo!”.

Sia Fast che Trumbo erano stati infatti delle vittime della cosiddetta Seconda Paura Rossa, il Maccartismo, quella paranoia anti-comunista che si era sparsa come un virus negli Stati Uniti del secondo dopoguerra provocando una campagna tesa a far crescere la psicosi per un’occulta influenza di “agenti comunisti” sulle istituzioni e la cultura americane.

The Hollywood Ten in November 1947 waiting to ...

The Hollywood Ten in November 1947 waiting to be fingerprinted in the U.S. Marshal’s office after being cited for contempt of Congress. Front row (from left): Herbert Biberman, attorneys Martin Popper and Robert W. Kenny, Albert Maltz, Lester Cole. Middle row: Dalton Trumbo, John Howard Lawson, Alvah Bessie, Samuel Ornitz. Back row: Ring Lardner Jr., Edward Dmytryk, Adrian Scott. (Photo credit: Wikipedia)

Howard Fast, l’autore del romanzo da cui è tratto il film, un ben noto scrittore che aveva lavorato durante la seconda guerra mondiale per Ufficio della Propaganda di guerra, scrivendo per Voice of America, aveva commesso il fatale “errore” di iscriversi al partito comunista americano nel 1943. Nel 1950, convocato dalla Commissione per le Attività Antiamericane, si era rifiutato di fare i nomi dei contributori di un fondo in favore degli orfani dei veterani americani della Guerra Civile Spagnola (tra loro c’era anche Eleanor Roosevelt). Per quello che fu considerato un “oltraggio al Congresso degli Stati Uniti” fu condannato a tre mesi di prigione. Fu proprio in galera che Fast iniziò Spartacus, il romanzo che parla di uno schiavo che si ribella ad un sistema politico oppressivo. Finito nella lista nera e scartato come autore dalle maggiori case editrici fu costretto a pubblicare a sue spese quello che doveva diventare il suo romanzo più famoso.

Anche Dalton Trumbo si era scontrato con la Commissione per le Attività Antiamericane.

Nel 1947, quando era uno dei più apprezzati sceneggiatori di Hollywood, il suo nome era finito in una lista di simpatizzanti comunisti pubblicata dall’Hollywood Reporter. Convocato con altri scrittori e registi, i cosiddetti Dieci di Hollywood, dalla Commissione per le Attività Antiamericane si era rifiutato di “fare i nomi” di altri comunisti (unico modo per scampare a possibili punizioni). Trumbo era stato condannato per oltraggio al Congresso ed era finito nella lista nera di autori, registi ed attori sgraditi a Hollywood. Nel 1950 era quindi finito in prigione per 11 mesi.

Dopo aver scontato la pena Trumbo riprese la sua attività come sceneggiatore lavorando sotto pseudonimo o usando prestanome per un decennio (in quel periodo scrisse tra gli altri Vacanze Romane. Il suo contributo alla sceneggiatura ricevette pieno credito solo nel 2011).

U.S. anti-Communist literature of the 1950s, specifically addressing the entertainment industry (Photo Credit: Wikipedia)

Comunque Kirk Douglas, che di Spartacus non fu solo il protagonista ma anche il produttore (la Bryna Productions era sua), non decise di fare questo film per un assalto di idealismo, ed infatti quando fu necessario girare un certo numero di nuove scene di battaglia non esitò a farle girare nella Spagna del dittatore Francisco Franco usando come figuranti dei militari spagnoli e pagando quella che non può che essere definita una tangente ad una fondazione della moglie del dittatore fascista. Anche se disgustato dalle liste nere di Hollywood, acquisì i diritti del romanzo perché deluso dall’aver mancato l’ingaggio come protagonista del Ben Hur di William Wyler, perché i diritti costavano pochissimo (un centinaio di dollari) e perché niente come cappa spada e sandali riuscivano all’epoca a riempire le sale cinematografiche. Dopo aver persuaso Laurence Olivier, Charles Laughton e Peter Ustinov a recitare in Spartacus, Douglas riuscì anche a convincere la Universal a finanziarlo, nonostante il romanzo da cui il film era tratto fosse stato scritto da un noto comunista. Kirk Douglas scritturò Trumbo, perché Fast che avrebbe dovuto scrivere anche la sceneggiatura si rivelò un mediocre sceneggiatore: aveva bisogno di qualcuno capace di scrivere velocemente e bene e Trumbo era l’uomo giusto per quel lavoro. In ogni caso, per non allarmare la Universal (che avrebbe potuto decidere di abbandonare il progetto) il contributo di Trumbo rimase un segreto e lui si nascose dietro lo pseudonimo Sam Jackson. Peter Ustinov riscrivendo in continuazione le scene in cui era presente il suo personaggio, spinse Trumbo a minacciare l’abbandono del progetto. Fu solo a quel punto che Kirk Douglas gli promise che il suo nome, il suo vero nome, sarebbe apparso nei titoli di testa del film, un azzardo che rimase un segreto fino alla fine delle riprese. Solo dopo i primi test screening e dopo che Kubrick aveva proposto di mettere il suo nome nei titoli di testa come sceneggiatore (cosa che disgustò Douglas), la partecipazione di Trumbo al progetto diventò di dominio pubblico. Douglas richiese un pass per gli Universal studios a nome di Dalton Trumbo, permettendo allo sceneggiatore di rimettere piede in uno studio cinematografico dopo un decennio. Quello stesso anno Trumbo firmò, completamente alla luce del sole, anche la sceneggiatura di un altro blockbuster, Exodus diretto da Otto Preminger.

Spartacus uscì nell’ottobre del 1960 provocando le reazioni scomposte di cui vi ho già parlato. Nel Febbraio del 1961 anche il neo eletto Presidente John Fitzgerald Kennedy dovette passare attraverso un picchetto per andare a vederlo. Non importa la ragione per cui si decise di realizzare Spartacus, quello che conta è che una volta uscito nelle sale la lista nera era finita, sconfitta da un film che riportando eventi risalenti a duemila anni prima parlava anche della situazione dell’America consumata dalla paranoia maccartista (politici corrotti, la compilazione di liste di nemici fatta da Crasso e il rifiuto degli schiavi ormai sconfitti di riconoscere Spartaco – di fare nomi – nella famosa scena in cui tutti si sollevano gridando “Io sono Spartaco!”).

Se vi interessa approfondire il tema delle liste nere di Hollywood, cliccando sul link che segue potrete vedere un breve film (dura solo un quarto d’ora) intitolato The Hollywood Ten, nel quale ciascuno dei Dieci di Hollywood fa un breve discorso contro il Maccartismo e le liste nere :

(il regista di questo corto, John Berry, una volta uscito il film finì a sua volta sulla lista nera e fu costretto a trasferirsi in Francia).

Se invece volete sapere qualcosa di più su come nacque Spartacus (il film ovviamente) vi consiglio la lettura di “Io sono Spartaco!- Come girammo un film e cancellammo la lista nera” di Kirk Douglas (2012) edito in italia da Il Saggiatore.

Comunque, se i film che durano più di tre ore non vi spaventano vale la pena di vedere anche  Spartacus.

Atri film sceneggiati da Dulton Trumbo che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Tragedia del Silver Queen – USA 1939 Diretto da: John Farrow. Con: Joseph Calleia; Lucille Ball; John Carradine; C. Aubrey Smith. (sceneggiato con Nathanael West and J. Cody)

Kitty Foyle, ragazza innamorata – USA 1940 Diretto da: Sam Wood. Con: Ginger Rogers; Dennis Morgan; James Craig.

Missione Segreta – USA 1944 Diretto da: Mervin LeRoy. Con: Spencer Tracy; Van Johnson; Robert Walker.

Vacanze Romane – USA 1953 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Gregory Peck; Eddie Albert. Written by: Ian McKellan Hunter (prestanome, la sceneggiatura fu riattribuita a Trumbo non ufficialmente nel 2003 con l’uscita del DVD, dal 2011 il suo nome è tornato nei titoli di testa del film in modo ufficiale).

La più grande corrida – USA 1956 Diretto da: Irvin Rapper. Con: Michael Ray; Rodolfo Hoyos, Jr; Elsa Cardenas. Written by: Robert Rich (alias per Trumbo che vinse l’Oscar per il miglior soggetto. Nel 1975 Walter Mirisch, allora Presidente dell’ Academy, consegnò l’OScar a Trunbo)

Exodus – USA 1960 Diretto da: Otto Preminger. Con: Paul Newman; Eva Marie Saint; Sal Mineo; Peter Lawford.

Papillon – USA 1973 Diretto da: Franklin J. Shaffner. Con: Steve McQueen; Dustin Hoffman.(sceneggiato con Lorenzo Semple Jr; dal libro di Henry Charrière).

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Prime Minister Renzi said: “Either we make reforms or there’s no reason why someone like me should rule this government.”


“The second one you said…”*

Quelo (Corrado Guzzanti)

From the Italian TV Comedy Show: Pippo Chennedy Show – 1997

*watch HERE

Matteo Renzi ha detto: “O facciamo le riforme o non ha senso che gente come me sia al governo.”


“La seconda che hai detto…”

Quelo (Corrado Guzzanti)

Dalla trasmissione televisiva: Pippo Chennedy Show – 1997

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My weekend movie: Wuthering Heights (1939)

Wuthering Heights1939

Wuthering Heights (La Voce nella Tempesta) – USA 1939

Directed by: William Wyler.

Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald; Flora Robson; Donald Crisp.

Which one do you prefer, the book or the movie?

I don’t remember exactly when I first saw the 1939 version of Wuthering Heights, the one directed by William Wyler and starring Laurence Olivier and Merle Oberon. What I remember for sure is that before I actually see it I’d already heard about it from my sister (who’s just a couple of years my senior) when I was about four, and I’m quite sure about this because is more or less the same time when she told me the whole truth about Little Child Jesus and the Christmas gifts (a major tragedy in my childhood paired with the very cruel departure of Bambi’s mother).

Wuthering Heights (1939 film)

Wuthering Heights (1939 film) (Photo credit: Wikipedia)

For some reason she had the occasion to see Wuthering Heights and fell in love with it, a passion that arouse my curiosity about the movie but also, for a sort of free-association, an hostile attitude towards it (how could you blame me now you know about Little Child Jesus…) and I must confess, and you won’t be surprise, that in the end, when I saw the film for the first time (I could be 7 or 8), it didn’t impress me much. Obviously I knew nothing about the fact that the film was based on a classic of 19th century English literature, Emily Brontë‘s Wuthering Heights, and I had no idea of who in the hell Laurence Olivier was (or better yes, I knew he was the same guy playing in Rebecca, my favourite film at that time), but above all I couldn’t know that, about a decade after, in my mind Heathcliff would have been the portrait of Laurence Olivier, even if the more I read the novel the more I noticed how different it was from that film my sister used to love so much…

Well, I suppose now is the right time for a short summary of the film… Wuthering Heights is a story of love and hate happened in the remote moorland farmhouse called Wuthering Heights (surprise, surprise) and now told by the old governess to a traveller called Lockwood in a night filled with wind, snow and ghosts. The protagonists of this story are the intimidating landlord Mr Heathcliff (Laurence Olivier) and Cathy (Merle Oberon), a young woman who’s now just a ghost rambling in the moors calling her beloved one to follow her. Many years before Heathcliff was just a nameless, poor and starving child and Cathy’s father, Mr Earnshaw (Cecil Kellaway) once Wuhtering Heights’ owner, “adopted” him making his son Hindley jealous. The legitimate heir had his revenge after his father death turning the guy into a servant. Heathcliff, though silently hating Hindley, accepted the situation not to leave Cathy, the girl he adored. But Cathy, though sharing his sentiments, wanted a better life, better than the one he could offer her and accepted to be courted by her colourless but well-mannered (and rich) neighbour Mr Edgar Linton (David Niven). Jealousy and misunderstandings led Heathcliff to leave Wuthering Heights looking for an opportunity to show Cathy she could be proud of him, but once back, rich and dressed like a gentleman, he discovered that her beloved one had married his insipid rival. After wringing Wuthering Heights from his old persecutor’s hands, Heathcliff, had courted, seduced and married Isabella Linton (Geraldine Fitzgerald), his rival’s sister, only to punish Cathy, but this led the woman to madness and death…

Merle Oberon star of 'Wuthering Heights' 1939

Merle Oberon as Cathy in ‘Wuthering Heights’ 1939 (Photo credit: Movie-Fan)

The movie ends more or less here, ignoring the second part of the novel and Cathy’s, Heathcliff’s and Hindley’s children, something easy to understand though it surprised me when I first read the book. When the movie was shot, producer Samuel Goldwyn (who surely didn’t share David O. Selznick obsession for faithful adaptations) was interested in making a romantic movie that could make Merle Oberon shine. In that period in fact Oberon was (cinematographically speaking) a brighter star than Laurence Olivier, a prestigious English actor who was just arrived in Hollywood (to make this film) and was not so powerful to impose in the leading role, as he wished, his lover (and then wife) Vivien Leigh (who rejected the offer to play Isabella instead, but had after all her occasion in Hollywood being cast as Scarlet O’Hara in Gone with the Wind and winning for that role her first Oscar). Goldwyn knew too well that probably many people among those who was going to see Wuthering Heights only knew the title of Brontë‘s novel, and in fact the characters in this film are not so mad and disturbing like their “cousins” in the book and sentiments are less extreme. He also imposed to William Wyler, the well respected director who taught Laurence Olivier how he should act in films (accordingly to Olivier himself, despite their many misunderstandings on the set), the final scene showing the two ghost lovers walking hands in hands in the moorland, an addition that made Brontë‘s story much more sugary than intended.

Certainly today I know something I ignored as a child: the film and the novel are just distant relatives. But now that I saw the movie once again (and won my old hostility toward it) I feel like reading the book once more (and in fact it’s beside me, finally freed from dust). Maybe in a few day I will be able to tell which one I prefer.

Movie or book? It’s up to you to choose. Here are a few more films based on books you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Olivia De Havilland; Leslie Howard; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

Pride and Prejudice – USA 1940 Directed by: Robert Z. Leonard. Starring: Greer Garson; Laurence Olivier; Maurine O’ Sullivan; Mary Boland.

Jane Eyre – USA 1943 Directed by: Robet Stevenson. Starring: Joan Fontaine; Orson Welles; Agnes Moorehead.

The Heiress – USA 1949 Directed by: William Wyler. Starring: Olivia De Havilland; Montgomery Cliff; Miriam Hopkins.

Breakfast at Tiffany’s – USA 1961 Directed by: Blake Edwards. Starring: Audrey Hepburn; George Peppard; Patricia Neal.

Murder on the Orient Express – UK 1974 Directed by: Sidney Lumet. Starring: Albert Finney; Lauren Bacall; Ingrid Bergman; Sean Connery; Vanessa Redgrave; Anthony Perkins; Wendy Hiller; Michael York; John Gielgud; Martin Balsam…

A Room with a View – UK 1985 Directed by: James Ivory. Starring: Helena Bonham Carter; Julian Sands; Daniel Day-Lewis; Denholm Elliott; Maggie Smith; Judi Dench.

Atonement – UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Nightley; James McAvoy; Saoirse Ronan; Romola Garai; Vanessa Redgrave.

…and a song:

Wuthering Heights – single by Kate Bush (1978)


Preferite il libro o il film?

Non ricordo esattamente quando ho visto per la prima volta La Voce nella Tempesta, la versione cinematografica di Cime Tempestose diretta da William Wyler con Laurence Olivier e Merle Oberon. Quello che però ricordo con ragionevole certezza è il fatto che prima di vederlo ne avevo già sentito parlare con entusiasmo da mia sorella (che ha solo un paio d’anni più di me) quando avevo più o meno quattro anni, fatto di cui sono sicura perché accadde all’incirca nello stesso periodo in cui lei mi raccontò la vera storia di Gesù Bambino e dei regali di Natale (una delle maggiori tragedie della mia infanzia insieme alla crudelissima scomparsa della mamma di Bambi).

Laurence Olivier, June 17, 1939

Laurence Olivier, June 17, 1939 (Photo credit: Wikipedia)

Per qualche ragione misteriosa lei aveva visto La Voce nella Tempesta e se ne era letteralmente innamorata con una passione che per qualche tempo ha stimolato la mia curiosità ma anche, per associazione mentale, una certa avversione (come darmi torto sapendo della storia di Gesù Bambino…) e devo confessare, e voi certamente non ne sarete sorpresi, che quando finalmente ho visto il film per la prima volta (avevo forse 7 o 8 anni) non ne sono rimasta granché impressionata. Ovviamente non sapevo che La Voce nella Tempesta altro non fosse che l’adattamento di uno dei più famosi romanzi inglesi del XIX secolo, Cime Tempestose di Emily Brontë, di cui a otto anni francamente non avevo ancora sentito parlare, e non avevo nemmeno la più pallida idea di chi fosse Laurence Olivier (o meglio si, sapevo che era lo stesso attore che c’era anche nel mio film preferito di allora, Rebecca), ma soprattutto non sapevo che un paio di lustri più tardi leggendo quel libro Heathcliff nella mia testa avrebbe avuto le fattezze di Laurence Olivier, anche se più mi avventuravo nella lettura più mi rendevo conto di quanto il libro fosse diverso da quel film che aveva affascinato tanto mia sorella da piccola…

A questo punto, per chi non avesse mai visto il film o letto il libro immagino che un breve riassunto sia indispensabile… La Voce nella Tempesta è una storia di amore e odio consumatasi nella tenuta di Cime Tempestose e narrata da una vecchia governante a un viaggiatore di nome Lockwood in una notte di tempesta e fantasmi. Protagonisti della storia sono il minaccioso padrone della tenuta, Heathcliff (Laurence Olivier), e Cathy (Merle Oberon), una giovane di cui ormai è rimasto in vita solo il fantasma che si aggira nottetempo nella brughiera in cerca del perduto amore. Tanti anni prima Heathcliff era stato un bambino senza nome, abbandonato ed affamato e il padre di Cathy, l’allora padrone della tenuta Mr Earnshaw, l’aveva “adottato” scatenando la gelosia del figlio maggiore Hindley che alla sua morte aveva ridotto il ragazzo allo stato di sguattero e stalliere. Heathcliff, pur covando un violento odio, aveva accettato l’umiliazione per restare al fianco di Cathy di cui era innamorato. Ma la giovane, che pur ricambiando i suoi sentimenti desiderava una vita migliore di quella che lui avrebbe potuto offrirle, aveva accettato la corte dello sbiadito e beneducato (e ricco) vicino Mr Edgar Linton (David Niven). La gelosia e le incomprensioni avevano spinto Heathcliff a fuggire in cerca di fortuna per cercare di rendersi degno di Cathy, ma una volta tornato ricco e in abiti da gentiluomo aveva trovato la sua amata ormai sposata all’insipido rivale. Per punire Cathy quindi Heathcliff, dopo aver strappato la tenuta di Cime Tempestose a quello che un tempo era il suo persecutore, aveva corteggiato, sedotto e infine sposato Isabella Linton (Geraldine Fitzgerald), la sorella del rivale, ma questo gesto aveva portato alla follia la sua amata che, sconvolta, si era lasciata morire…

David Niven

David Niven (Photo credit: twm1340)

Il film termina più o meno qui, ignorando del tutto la seconda parte del romanzo, quella che ha per protagonisti i figli di Cathy, Heathcliff e Hindley, una discrepanza che quando lessi per la prima volta il romanzo mi sorprese, ma che è piuttosto comprensibile. All’epoca in cui il film venne girato, il produttore Samuel Goldwyn (che sicuramente non condivideva l’idea di David O. Selznick che i film dovessero essere quanto più aderenti possibile al romanzo da cui erano tratti per non deludere il pubblico) era interessato soprattutto a mettere in scena una storia romantica capace di far brillare Merle Oberon, che all’epoca era (cinematograficamente parlando) una stella più luminosa del suo collega Laurence Olivier, attore Inglese appena sbarcato a Hollywood proprio per girare quel film, che infatti, nonostante una solida fama da grande interprete teatrale in patria, fallì il tentativo di imporre nella parte della protagonista, l’allora amante (e futura moglie) Vivien Leigh (che declinò l’offerta di interpretare invece Isabella ma a cui comunque le cose non andarono troppo male a Hollywood visto che nel frattempo venne scritturata per interpretare Rossella O’Hara e poi, a differenza dell’amato, vinse per quel ruolo anche il suo primo Oscar).

Goldwyn forse era ben consapevole del fatto che il film sarebbe stato visto anche da un sacco di gente che del libro a malapena conosceva il titolo, ed infatti i personaggi sono meno folli di quanto non lo siano nel romanzo e le passioni sono meno estreme. Il produttore arrivò persino ad imporre a William Wyler, pregiatissimo regista che insegnò a Laurence Olivier come si dovesse recitare in un film (secondo quanto raccontò più tardi l’attore stesso, che però all’epoca non sembrava apprezzare troppo lo stile del regista), il finale con i fantasmi felici dei due amanti che si allontanano mano nella mano nella brughiera, un’aggiunta che rende la storia decisamente molto più zuccherosa di quanto l’avesse mai intesa la sua autrice.

Certamente ora so quello che non sapevo da bambina: film e romanzo sono solo dei lontani parenti. Però dopo aver rivisto il film (ed avere superato la mia antica ostilità nei suoi confronti) mi è venuta voglia di rileggere il romanzo che ho ritrovato un po’ impolverato nella mia libreria. Magari tra qualche giorno saprò anche dirvi quale preferisco.

Film o libro? A voi la scelta. Ecco alcuni altri film tratti da romanzi che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Olivia De Havilland; Leslie Howard; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

Orgoglio e Pregiudizio – USA 1940 Diretto da: Robert Z. Leonard. Con: Greer Garson; Laurence Olivier; Maurine O’ Sullivan; Mary Boland.

La Porta Priobita (Jane Eyre) – USA 1943 Diretto da: Robet Stevenson. Con: Joan Fontaine; Orson Welles; Agnes Moorehead.

L’Ereditiera – USA 1949 Diretto da: William Wyler. Con: Olivia De Havilland; Montgomery Cliff; Miriam Hopkins.

Colazione da Tiffany – USA 1961 Diretto da: Blake Edwards. Con: Audrey Hepburn; George Peppard; Patricia Neal.

Assassinio sull’Orient Express – UK 1974 Diretto da: Sidney Lumet. Con: Albert Finney; Lauren Bacall; Ingrid Bergman; Sean Connery; Vanessa Redgrave; Anthony Perkins; Wendy Hiller; Michael York; John Gielgud; Martin Balsam…

Camera con Vista – UK 1985 Diretto da: James Ivory. Con: Helena Bonham Carter; Julian Sands; Daniel Day-Lewis; Denholm Elliott; Maggie Smith; Judi Dench.

Espiazione – UK 2007 Diretto da: Joe Wright. Con: Keira Nightley; James McAvoy; Saoirse Ronan; Romola Garai; Vanessa Redgrave.

…e una canzone:

Wuthering Heights - singolo di Kate Bush (1978)

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The Left that wasn’t there

“What did you expect?”

Mary Wilke

From: Manhattan – 1979

Last weekend, the Italian Left totally flabbergasted by the Front National success at French local election suddenly noticed that far right populist movements and parties who are against the European Union are becoming increasingly popular all around the Old Continent.

To be true, signals showing that something was happening were quite clear in our Country… the 5Stars movement (not a far right movement, ok, but ready to flirt with the most indecent far-right extra-parliamentary parties) boomed so loud at last general election that the Front National’s success sound just like a small banger… not to mention that for twenty years (the anniversary will be tomorrow) Lega Nord (Northern League), a party that got nothing to learn about racism and populism from anybody, has supported for long periods MrB’s governments (and Mr Maroni, ex party leader and current President of Lombardy, the most populated region, was also Interior Minister of this Country)… and what about that litany, “Europe asks us” used to justify every sacrifice in the last years, somebody really thought that it could help to enhance love and respect  for European Institutions? And the Italian Left? It’s twenty years that leave to the right the power  to set the agenda, it seems genuinely convinced that with globalisation all factory workers have moved to Poland, far east or China, disdains the outskirts (and left them to those dreadful populist movements it’s so scared of) and now young Prime Minister Renzi, the man who talks directly to the people, delegitimizes the Unions and promotes reforms (from the indecent project for the new electoral law to a supposed project to increase the Prime minister’s power to the detriment of Parliament and President of the Republic, forgetting that Italy is a Parliamentary Republic) that seem to be the fulfilment of MrB most indecent dreams… Is it possible? Out there, someone  really don’t understand why the far right populism is becoming so dreadfully menacing?

Che cosa ti aspettavi?”

Mary Wilke

From: Manhattan – 1979

Le elezioni locali francesi hanno messo in agitazione la sinistra italiana, che improvvisamente caduta dal pero si è accorta con sgomento dell’avanzata delle destre populiste e anti-europeiste in tutto il continente.

A dire il vero, non è che nel nostro paese i segnali dell’esistenza del fenomeno mancassero… il movimento 5stelle (che non sarà destra-destra ma flirta senza ritegno persino con Forza Nuova e non da adesso) alle ultime elezioni politiche aveva già fatto un botto che in confronto quello del Front National è si e no giusto un palloncino bucato con lo spillo… senza contare che negli ultimi vent’anni (vent’anni esatti domani) la Lega Nord, che quando si parla di populismo xenofobo non è seconda a nessuno (tranne forse ai promotori del referendum farsa per la secessione Veneta), è stata a fasi alterne (grazie a MrB) persino forza di governo (e l’attuale Presidente della Regione Lombardia Roberto Maroni è stato persino Ministro del lavoro e degli Interni di quello Stato ladrone che opprimerebbe il Nord)… Che dire poi di tutti i sacrifici lacrime e sangue imposti a suon di “ce lo chiede l’Europa”, qualcuno pensava forse che quella litania avrebbe fatto amare di più le istituzioni Europee? E la sinistra Italiana? Da vent’anni insegue l’agenda politica della destra, sembra credere che gli operai con la globalizzazione si siano davvero tutti trasferiti in Polonia, nel sud est asiatico o in Cina, bazzica poco le periferie (luoghi lasciati in appalto a quei populisti che tanto le fanno orrore) e ora il giovane Renzi, quello che parla direttamente ai cittadini e mai si riposa, delegittima il sindacato e si fa promotore di riforme (da quella elettorale, che detto per inteso è un’autentica schifezza, a quella del lavoro che aumenterà la precarietà, al pasticcio dell’abolizione di Province e Senato fino alla possibile introduzione di maggiori poteri per il Presidente del Consiglio che indeboliranno Presidente della Repubblica e Parlamento alla faccia della Repubblica Parlamentare) che sembrano il coronamento dei più osceni sogni di potere di MrB… Ma davvero c’è qualcuno che non capisce come sia possibile che il populismo di destra sia diventato tanto minaccioso?

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My weekend movie: Torn Curtain (1966)

Torn Curtain 1966

Torn Curtain (Il Sipario Strappato) – USA 1966

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Paul Newman; Julie Andrews; Günter Strack; Wolfgang Kieling.

Beware of shortcuts!

It’s a déjà vu. The West vs Russia. The Ukraine crisis is rebuilding the invisible barrier once called the “iron curtain” and reviving the cold war. Only this time there are no communists or KGB involved (though in fact the Russian strongman Vladimir Putin started his “statesman” career in the Soviet secret service). Back in time, before the Soviet Union collapsed, from the end of WWII till the early 1990′s, this political and military tension between Western and Eastern blocks was a daily source of anxiety. In that period the Soviet Union and its allies were the West’s mortal enemies, Germany was divided in two separate Countries, the USA were under the red paranoia spell, the whole world was trembling with fear for the atomic bomb and spy movies, especially if the baddies had a strong Russian accent, were making lot of money at the box office.

Torn Curtain

Torn Curtain (Photo credit: Wikipedia)

In 1966 Alfred Hitchcock with his new film Torn Curtain gave a new contribution to a genre he had explored umpteenth times since his first spy movie, the first version of The Man Who Knew Too Much released in 1934. The great success of the then new James Bond’s franchise, but also the success of Bond’s copycats, gave Hitchcock the opportunity to realize an idea he had in his mind since, a decade earlier, he first read in the newspapers about the defection to USSR of Guy Burgess and Donald Mclean, two of the infamous Cambridge five, very respectable British subjects and intelligence officers who, since 1930′s, passed information to the Soviet Union. (if you love spy stories, especially the true ones, here is some material about the Cambridge five from BBC Archives: The Master of suspense was particularly intrigued by the fact that after a period Melinda McLean (with children) joined her husband Donald in Moscow.

Torn Curtain in fact is about the defection of an atomic scientist, Micheal Armstrong, who leaves a Scientific Conference in Copenaghen to flee to East Berlin, but also about his assistant and fiancée Sarah Sherman, who, though shocked, chooses to follow him anyway.

SPOILER ALERT: if for any reason you’ve never seen this movie, this is your last chance to fetch a copy, otherwise you read the rest of this article at your own risk…

English: Ludwig Donath (left) & Paul Newman in...

Michael Armstrong is tryng to steal a secret from someone else’s mind(Photo credit: Wikipedia)

Obviously Michael is just pretending to defect (after all Hitchcock knew too well that an hero can’t act so unpatriotically!): the real goal of this scientist who has no idea that his girlfriend could decide to follow him or that the spy job is a dirty and violent one, is to steal a formula from the mind of a colleague working at the Leipzig University. Sarah, who knows nothing about all this and believes him a real traitor, discovers the truth just before he’s unmasked and the two lovers have to perilously flee from East Germany helped by an underground organization…

The making of Torn Curtain was  a troubled one. Hitchcock had troubles with the writer (Irish-Canadian novelist and screenwriter Brian Moore whose script was considered unsatisfactory by both Hitchcock and Universal Studios who commissioned extensive rewrite to British authors Keith Waterhouse and Willis Hall), troubles with soundtrack (composer Bernard Herrmann wrote a score considered too classical, Universal rejected it and this lead to the end of his long-time collaboration with Hitchcock. Another score was written by John Addison), troubles with Universal imposing the expensive stars Paul Newman as Michael Armstrong and Julie Andrews as Sarah Sherman and, above all, troubles with the actors themselves, especially with Paul Newman, whose devotion to the “method” collided with his directing technique (apparently when Newman asked him about his character’s motivation in a scene, the director told him “motivation is your salary”).

via Tumblr

Julie Andrews and Paul Newman in Torn Curtain(Photo credit: pds209)

Though not a commercial failure, the critics didn’t like it much. The film lacked the typical Hitchcock’s humour (and who knows if at least the director amused himself whit the first scene showing – discretely disguised under a pile of sheets – the unmarried couple formed by Newman and, nonetheless, Mary Poppins/Maria Von Trapp having fun in the same bed) while the unlikely situations were too much, even for an Hitchcock film. Anyway, Torn Curtain includes at least one very memorable scene: the one showing Michael Armstrong in the act of killing Hermann Gromek (Wolfgang Kieling), a Stasi (the infamous East German security service) officer assigned to him. The scene takes place in a farm out Berlin where Michael is gone to take contact with an escape underground network known as π. Gromeck finds him there with a woman, an underground member. The homicide is a violent and almost endless self-defence. Michael and the nameless woman cooperate to kill the agent who’s threatening them. To succeed brutal force ain’t enough, they also need a saucepan full of an hot something, a big knife, a spade and, in the end, a gas oven. There are no screams, and though really unlikely, this makes the scene even more tense and violent. Hitchcock told Truffaut that he shot the scene this way to show how difficult it is to kill a man and how long it can take.

Surely Hitchcock was not at his best in this film, times were changing and he was a man who belonged to another era (and accordingly to Truffaut, after Marnie, his previous film, the celebration of his obsession for Tippi Hedren, he was also a bit discouraged and insecure and that’s the reason why he didn’t react at the Universal’s impositions). Anyway, especially in these day when at the horizon we can see a new cold war coming, Torn Curtain is one of those movies you should watch again.

Back to cold war with a few related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Our Man in Havana – UK 1959 Directed by: Carol Reed. Starring: Alec Guinness; Burl Ives; Maureen O’ Hara; Noël Coward.

One, Two, Three – USA 1961 Directed by: Billy Wilder. Starring: James Cagney; Horst Buchholz; Pamela Tiffin.

The Prize – USA 1963 Directed by: Mark Robson. Starring: Paul Newman; Helke Sommer; Edward G. Robinson; Diane Baker.

From Russia with Love – UK 1963 Directed by: Terence Young. Starring: Sean Connery; Daniela Bianchi; Lotte Lenya; Robert Shaw.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb – UK/USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott; Sterling Hayden.

The Ipcress File – UK 1965 Directed by: Sidney J. Furie. Starring: Michael Caine; Guy Doleman; Nigel Green; Sue Lloyd.

The Hunt for Red October – USA 1990 Directed by: John McTiernan. Starring: Sean Connery; Alec Baldwin; Sam Neil.


Attenti alle scorciatoie!

È un dèjà vu. Occidente contro Russia. La crisi Ucraina sta riedificando quella barriera invisibile che un tempo era chiamata la “cortina di ferro” e riportando in vita la guerra fredda. Solo che questa volta non sono coinvolti né i comunisti né il KGB (anche se a ben guardare in effetti Vladimir Putin ha iniziato la sua carriera da “statista” proprio da lì). In un tempo ormai passato, prima che l’unione Sovietica crollasse su se stessa, dalla fine della Seconda Guerra Mondiale fino ai primi anni ’90, queste tensioni politiche e militari tra il Blocco Occidentale e quello Orientale erano all’ordine del giorno. In quel periodo l’Unione Sovietica e i Paesi sotto la sua influenza erano i nemici mortali dell’occidente, la Germania era divisa in due, l’America era in preda alla paranoia anticomunista, il mondo tutto tremava per la minaccia atomica e i film di spionaggio, specialmente se i cattivi parlavano con un marcato accento Russo, assicuravano lauti guadagni al botteghino.

Donald Maclean (Photo credit: Wikipedia)

Nel 1966 Alfred Hitchcock con il suo nuovo film Il Sipario Strappato (Torn Curtain il titolo originale) diede un nuovo contributo a un genere che aveva bazzicato innumerevoli volte da quando nel 1934 era uscito il suo primo film di spionaggio, la prima versione di L’uomo che sapeva troppo. Il grande successo della serie di film con protagonista il macho James Bond, ma anche quello dei suoi numerosi imitatori, gli aveva dato l’opportunità di realizzare un’idea che aveva iniziato a ronzargli per la testa da quando negli anni ’50 aveva letto sui giornali le notizie relative alla defezione e alla fuga in Unione Sovietica di Guy Burgess e Donald Mclean, due dei famigerati cinque di Cambridge, rispettabilissimi sudditi di sua Maestà nonché agenti dei servizi segreti britannici che fin dagli anni trenta avevano trasmesso importanti informazioni all’Unione Sovietica (se vi interessano le storie di spionaggio, specie quelle vere, troverete un po’ di materiale in inglese dagli archivi BBC seguendo questo link: Ad intrigare il maestro del brivido era stato il fatto che, dopo un po’ di tempo, la moglie di McLean lo avesse seguito, insieme ai figli, a Mosca.

In Il Sipario Strappato si racconta infatti della defezione di uno scienziato atomico, Michael Armstrong, che approfittando di una conferenza che dovrebbe tenersi in Danimarca scappa nella Germania dell’Est mettendosi al servizio del paese comunista e dei suoi alleati, ma racconta anche della sua fidanzata ed assistente Sarah Sherman, che sorpresa e sconvolta dal suo gesto decide comunque di seguirlo.

ATTENZIONE SPOILER: se per caso non avete mai visto questo film procuratevene subito una copia ora, oppure proseguite la lettura a vostro rischio e pericolo…

Paul Newman, The Actor's Studio, 1955

Paul Newman at The Actor’s Studio, 1955 (Photo credit: thefoxling)

Ovviamente la defezione è solo una messa in scena (del resto Hitchcock sapeva bene che l’eroe del film non poteva compiere sul serio un atto tanto deprecabile): lo scopo di Michael, che da vero scienziato con la testa tra le nuvole non ha messo in conto il fatto che la sua fidanzata possa cercare di seguirlo, né tantomeno il fatto che il lavoro di spia possa essere estremamente pericoloso e violento, è riuscire a rubare una formula matematica dalla mente di un suo collega che lavora all’Università di Lipsia. Sarah, all’oscuro dei suoi piani, lo crede davvero un traditore almeno fino a quando lui le confessa la verità giusto un attimo prima di venire smascherato e di essere costretto ad una rocambolesca fuga aiutato da un gruppo di oppositori del regime…

La lavorazione di Il Sipario Strappato fu alquanto accidentata. Hitchcock ebbe problemi con lo sceneggiatore (il nord-irlandese trapiantato in Canada Brian Moore la cui sceneggiatura fu considerata sia da Hitchcock che dalla Universal talmente deludente da affidarne ai Britannici Keith Waterhouse e Willis Hall la riscrittura), problemi con la colonna sonora ( Bernard Herrmann aveva scritto un commento musicale considerato troppo “classico” che fu rifiutato dalla produzione, questo mise fine alla sua collaborazione di lunga data con Hitchcock. Un’altra colonna sonora fu scritta da John Addison), problemi con la Universal che impose le costosissime star Paul Newman nel ruolo di Michael Armstrong e Julie Andrews in quello di Sarah Sherman, ma soprattutto problemi con gli attori, in particolare con Paul Newman, la cui fanatica devozione al “metodo” era in aperta rotta di collisione con la sua tecnica registica (pare che quando Newman lo interrogò a proposito delle motivazioni del suo personaggio Hitchcock rispose “la motivazione è il tuo salario”).

English: Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock (Photo credit: Wikipedia)

Anche se non fu un insuccesso commerciale, il film non piacque particolarmente alla critica. Si disse che mancava il tipico humour di Hitchcock (che chissà se almeno si era divertito all’idea che nella prima scena a rotolarsi – discretamente coperti da un mare di coperte – sotto le lenzuola e senza fede al dito insieme a Paul Newman ci fosse nientemeno che Mary Poppins/Maria Von Trapp) e che le inverosimiglianze fossero troppe persino per il maestro del brivido.

Ma Il Sipario Strappato contiene comunque almeno una scena davvero memorabile: quella in cui Michael Armstrong uccide suo malgrado Gromeck (Wolfgang Kieling), l’agente della Stasi (la famigerata polizia segreta della Germania Est) che gli era stato messo alle costole (perchè fidarsi è bene, ma…). La scena si svolge in un casolare di campagna fuori Berlino dove Michael, che si è recato lì per contattare un gruppo segreto chiamato π che in un secondo momento dovrebbe aiutarlo a fuggire, viene sorpreso da Gromeck con una donna dell’organizzazione. L’omicidio è un violento e quasi interminabile atto di autodifesa. Micheal e la donna senza nome collaborano per eliminare l’agente che li minaccia. Per riuscire nell’intento non basta la forza fisica, servono anche una pentola piena di brodaglia bollente, un coltellaccio, una vanga e infine un forno a gas e l’assenza di urla, per quanto non verosimile, rende la sequenza ancora più angosciante. Hitchcock raccontò a Truffaut che aveva voluto girare la scena in questo modo per far capire quanto sia difficle, arduo e lungo uccidere un uomo.

Non c’è dubbio alcuno sul fatto che Il Sipario Strappato non sia il  miglior film di  Hitchcock, i tempi stavano cambiando molto rapidamente e lui era un uomo che apparteneva ad un’altra era (e secondo Truffaut dopo Marnie, il suo film precedente, la celebrazione in pellicola della sua ossessione per Tippi Hedren, aveva sviluppato una certa insicurezza e quella era la ragione per cui aveva accettato le tante imposizioni della Universal), comunque, specialmente ora che all’orizzonte si profila una nuova guerra (speriamo)fredda, vale comunque la pena di rivederlo.

Un salto indietro alla guerra fredda con alcui film che potrebbero persino piacervi (clicccate i titoli per vederne una scena o il trailer):

Il nostro agente all’Avana – GB 1959 Diretto da: Carol Reed. Con: Alec Guinness; Burl Ives; Maureen O’ Hara; Noël Coward.

Uno, Due, Tre! – USA 1961 Diretto da: Billy Wilder. Con: James Cagney; Horst Buchholz; Pamela Tiffin.

Intrigo a Stoccolma – USA 1963 Diretto da: Mark Robson. Con: Paul Newman; Helke Sommer; Edward G. Robinson; Diane Baker.

Agente 007-Dalla Russia con amore – GB 1963 Diretto da: Terence Young. Con: Sean Connery; Daniela Bianchi; Lotte Lenya; Robert Shaw.

Il Dottor Stranamore – Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba – GB/USA 1964 Diretto da: Stanley Kubrick. Con: Peter Sellers; George C. Scott; Sterling Hayden.

Ipcress – GB 1965 Diretto da: Sidney J. Furie. Con: Michael Caine; Guy Doleman; Nigel Green; Sue Lloyd.

Caccia a Ottobre Rosso – USA 1990 Diretto da: John McTiernan. Con: Sean Connery; Alec Baldwin; Sam Neil.

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“Surprise! Surprise! Surprise!”

Mice and Birds

from: Cinderella – 1950

Today finally we discovered how Mr Renzi, our young Prime Minister, will find the money needed to realize his “new Italian miracle”…oops, sorry, his “good turning” (for a moment I confused him with the other one, you know, the old guy with make up unjustly persecuted by communist judges…). Mr Carlo Cottarelli, Mr spending review, worked on it and… surprise, surprise, surprise! It’s almost certain that the money won’t come from the sale on eBay of 150 “blue-cars” (no, it’s not a naughty double entendre, we call blue cars, auto blu, the cars own by the State that are at politics or high rank civil servants disposal ..and yes, Mr Renzi announced this in a press conference last week).

The new resources will probably come from cuts to the military expense, salaries of high rank civil servants but above all from (not yet confirmed but possible) serious cuts to: public administration (-85000 workers within 2016); police forces; railways and public transport (commuters will be exceedingly happy! Public transport is so comfortable, so convenient…) and obviously  Health Care System (-3billions, but Minister Beatrice Lorenzin seems almost grateful for this) and pensions (they probably won’t follow the inflation and there will be cuts to benefits for  people suffering a disability). And what’s more there will be room for a poetic touch too, thanks to the “starry cities” plan… no, noting romantic, only less light from the street lamps (this will surely lead to the birth of “reflector fashion”. Anyway, you’d better take a torch with you at night).

If all that is true whe could say that now we know why the German Chancellor was so impressed yesterday when she met Mr Renzi: he’s so audacious especially if he think we could believe this plan got something to do with the left.

“Sorpresa! Sorpresa! Sorpresa!”

Topini e uccellini

Da: Cenerentola – 1950

Oggi finalmente si è scoperto dove Matteo Renzi troverà i miliardi necessari per il suo “nuovo miracolo italiano”…oops, scusate, per la “svolta buona” (per un momento l’avevo confuso con quell’altro, quello col fondotinta perseguitato dalle toghe rosse). Carlo Cottarelli, Mr spending review (che magari, così tanto per dire, si potrebbe pure chiamare revisione della spesa), ci ha lavorato un po’ su e…sorpresa sorpresa, sorpresa! Pare ormai certo che il grosso delle risorse non arriveranno dalle 150 auto blu messe all’asta su eBay.

Si parla di probabili tagli alla difesa (compresa la riduzione della spesa per l’acquisto dei famigerati F35 sulla quale mi permetto di essere scettica), riduzione degli stipendi dei dirigenti statali, ma soprattutto di possibili drastici tagli a:  pubblico impiego (-85000 unità entro il 2016); forze di polizia; trasporto su rotaia e trasporto pubblico locale (saranno felici di saperlo i pendolari che già ora usufruiscono di un servizio inappuntabile e convenientissimo…) e ovviamente Sanità (-3 miliardi, ma la ministra Lorenzin sembra addirittura grata della straordinaria opportunità offerta) e pensioni (dovrebbero essere meno legate all’inflazione mentre rischiano una bella sforbiciata quelle di reversibilità e gli assegni di accompagnamento per gli invalidi). E non dovrebbe mancare nemmeno il tocco poetico con l’operazione “città stellate”… che poi vuol dire che la sera l’illuminazione in città sarà ancora un po’ più fioca (si prevede un boom della “moda catarifrangente” e si consiglia l’uso della torcia).

Ecco, questo potrebbe spiegare cosa ha tanto impressionato la Cancelliera e (se fosse vero) confermare l’audacia del giovane Renzi… cercare di farci pure credere che sta roba sia di sinistra.

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My weekend movie: What Every Woman Knows (1934)


What every Woman Knows – USA 1934

Directed by: Gregory La Cava.

Starring: Helen Hayes; Brian Aherne; Madge Evans; Lucille Watson; Donald Crisp.

Guess who’s behind a “great man”…

The resistance of the Italian Parliament to the introduction of an article in the coming new electoral law to grant gender equality in electoral lists (but also the resistance of the European Parliament to a similar proposition also rejected this week) reminded me a delightful 1934 comedy directed by Gregory La Cava. It’s What Every Woman Knows, third film and first talkie (the previous two, made in 1917 and 1921 were silent – the lack of new ideas ain’t a recently spread disease) based on the stage play written by James Matthew Barrie ‘s in 1908, in a period when the so called suffragettes were still fighting for the right of women to vote, that talks about a woman who’s behind his husband political success.

Cropped screenshot of Helen Hayes from the fil...

Helen Hayes as MAggie Wylie in What Every Woman Knows (Photo credit: Wikipedia)

Set in Scotland and England at the beginning of the 20th century (though you could hardly understand it from costumes because producer Irving Thalberg chose to use modern dresses to comply with audience preferences), What Every Woman Knows is the story of Maggie Wylie (Helen Hayes) a plain woman believed to be made for perpetual spinsterhood whose destiny suddenly changes a night when, whit her father and her two brothers, she catches a guy breaking into their home. He ain’t a burglar, only John Shand (Brian Aherne), an ambitious and penniless university student who can’t buy books for his law studies and uses instead the books stored in their large (an mostly untouched) library. The Wylies men immediately smell the bargain: the guy could be the answers to Maggie’s troubles. They offer him 300 £ to complete his education (in five years), on condition that in the end he will marry Maggie, who’s six years his senior, if she will be still unmarried and if she will like to do so. Once the five years have passed John, thanks to Maggie’s help, has been able to run for Parliament and win but not to fall in love with her, so Maggie decides to set him free. But John Shand is a proud, loyal (and silly) man and can’t break his promise, so they got married anyway. Unfortunately, once in London, John falls in love with the pretty Lady Sybil Tenterden (Madge Evans), a young woman from a noble family who has fall in love with politics and the handsome politician at the same time. And Maggie seems hopeless against the young rival, but no one, not even John, knows how fundamental she is for her husband political success…

John, the man who never laughs cause he’s “serious”, is not a particularly special specimen of man: too arrogant and in love whit himself to understand that he’s not the only master of his fate, too blind to watch what Maggie does for his sake, too stupid to thank her (not to mention the lack of  originality in his falling in love with a young, pretty and noble Lady).

Brian Aherne, - 1938_ Photo by George Hurrell

Brian Aherne in 1938. Photo by George Hurrell (Photo credit: Movie-Fan)

On the other hand Maggie is a brilliant person and has immediately understand what sort of a man John is, his weaknesses but also his qualities. She knows how she can help him but also she knows that he mustn’t notice it. She’s the person behind his brilliant speeches, but let him believe they are just a fruit of his superior mind, she runs (almost unseen) his social relations to his advantage and she is also able arrange things to let him and Lady Sybil understand all by themselves that they ain’t made for each other (also avoiding John’s political ruin). Could she act in a different way? Maybe, but she really loves her silly husband (probably because of his silliness) and the society she lives in doesn’t allow her a different attitude.

Maggie is the perfect product of a society in which a woman once passed her puberty could only hope to find a husband not to be less than nothing among other people. And she feels the burden of her situation. All the time it seems that she feels as she should be forgiven for something. At first as a plain and unattractive woman who’s going to be a “burden” for her family, then like a sort of “illegitimate” wife, married to an apparently brilliant man who’s too attractive and to young for her. The most dreadful thing is that she needs a man to do what she wants to do, no matter how brilliant she can be, cause in a period when women were still struggling to obtain the right to vote, the only  place in politics, but also the only place in society, for a woman was a step behind her husband. Poor Maggie who lived in the early 1900…

Fortunately today things have changed, women can vote and the prompter ain’t their only possible career option in politics. Only sometimes something happens and it seems that time ain’t passed and there’s still someone who would be happier if things could be again as they were.

(anyway the film, though not the best one made by La Cava, is funny, Helen Hayes and Brian Aherne are brilliant and, if you find a copy, is definitely worth watching. In the meanwhile you can click HERE to watch the scene when the pact between the Wylies and John Shand is signed)

A few free-associated movies you could also like (click on th etitles to watch a clip or the trailer):

Mr Smith goes to Washington – USA 1939 Directed by: Frank Capra. Starring: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; Judith Anderson; George Sanders.

Now Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henried; Claude Rains; Gladys Cooper.

The Strange Love of Martha Ivers – USA 1946 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Barbara Stanwick; Kirk Douglas; Van Heflin, Lizabeth Scott.

The Heiress – USA 1949 Directed by. William Wyler. Starring: Olivia De Havilland; Montgomery Cliff: Miriam Hopkins.

Banshun (Late Spring) – JAP 1949 Directed by: Yasusjiro Ozu. Starring: Setsuko Hara; Chishû Ryû; Yumeji Tsukioka.


Indovinate un po’ chi c’è dietro a un “grande uomo”…

La resistenza del parlamento Italiano ad inserire nella nuova legge elettorale una norma che garantisca la pari rappresentanza di uomini e donne (ma anche quella del Parlamento Europeo che questa settimana ha respinto una proposta simile) mi ha fatto tornare alla mente un delizioso film del 1934 diretto da Gregory La Cava. Si tratta di What every woman knows, la terza trasposizione cinematografica e la prima versione sonora (le altre due erano del 1917 e del 1924, la poca originalità al cinema non è cosa recente) dell’ omonima commedia teatrale  scritta dall’autore di Peter Pan, James Matthew Barrie, nel 1908, quindi nel pieno delle battaglie per il voto alle donne delle cosiddette suffragette, che racconta di una donna che è la vera ragione dello straordinario successo politico di suo marito.

Madge Evans in 1935 (Photo credit: Wikipedia)

Ambientato in Scozia ed Inghilterra agli inizi del ventesimo secolo (anche se è assai difficile capirlo dai costumi, visto che il produttore Irving Thalberg aveva scelto di far vestire i personaggi con abiti moderni per venire incontro ai gusti del pubblico), What Every Woman Knows è la storia di Maggie Wylie (Helen Hayes), una donna scialba che tutti credono destinata a un perpetuo zitellaggio, il cui destino cambia improvvisamente una sera quando, insieme al padre e ai suoi due fratelli, sorprende un uomo mentre entra furtivamente nella loro casa.  Non si tratta però di un topo di appartamento ma di John Shand (Brian Aherne), uno studente universitario ambizioso quanto squattrinato che, non potendo permettersi i libri necessari a completare i suoi studi in legge, ha deciso di approfittare della loro ampia (e perlopiù intonsa) biblioteca casalinga. Gli uomini di casa Wylie fiutano subito l’affare che potrebbe risolvere i problemi di Maggie. Offrono al giovane 300 sterline per completare la sua istruzione, a patto che  terminati gli studi (avrà cinque anni di tempo) sposi Maggie, che è più vecchia di lui di sei anni, se non avrà nel frattempo trovato un altro marito e se ne avrà ancora voglia (Maggie si intende). Passati i cinque anni John, grazie al fondamentale aiuto di Maggie, è riuscito a farsi eleggere deputato al parlamento di Londra ma non ad innamorarsi di lei e così Maggie decide di liberarlo dal patto. Ma John che è un uomo orgoglioso e leale (e sciocco) decide di sposarla ugualmente. Peccato che una volta a Londra John si innamori della bella Lady Sybil Tenterden (Madge Evans), una giovane di nobile famiglia rimasta folgorata nello stesso istante dalla passione politica e dal prestante politico. Maggie sembra destinata a soccombere nel confronto con la giovane rivale, ma nessuno, e nemmeno John, sa quanto lei sia indispensabile al successo politico del marito…

Original British production at the Duke of York’s Theatre, 1908 (Photo Credit: Wikipedia)

John, l’uomo che non ha mai riso perché è “serio”, non è un esemplare poi tanto speciale di uomo: troppo arrogante e innamorato di se stesso per comprendere che non è il solo artefice del suo destino, troppo cieco per vedere quello che Maggie fa per lui e troppo stupido per ringraziarla (senza contare la scarsa originalità del suo innamoramento per la giovane, bella e ricca Lady).

Maggie invece è una persona capace e brillante che ha capito immediatamente le debolezze del marito ma anche le sue qualità positive. Lei sa come aiutarlo, ma sa anche che lui non deve capire che lei lo aiuta. È lei che gli suggerisce le frasi ad effetto che rendono più interessanti i suoi discorsi anche se gli lascia credere che le abbia pensate lui lì per lì, lei che gestisce con abilità le sue pubbliche relazioni all’interno del partito ed è sempre lei che nel momento più disperato riesce persino a combinare le cose per fare in modo che i due giovani amanti capiscano da soli non essere fatti l’uno per l’altro (e che John non si rovini la carriera). Potrebbe fare diversamente? Forse, ma lei ama sinceramente il suo sciocco marito (forse proprio perché è uno sciocco) e la società in cui vive non le offre la possibilità di agire in un altro modo.

Maggie è in fondo il prodotto perfetto di quella società in cui le donne passata la pubertà contavano qualcosa solo in quanto mogli e sente tutto il peso della sua situazione. Sente costantemente di aver qualcosa di cui farsi perdonare, prima come donna scialba incapace di attrarre le attenzioni maschili e quindi destinata a diventare un “peso” per la sua famiglia d’origine, poi come moglie quasi abusiva di un uomo apparentemente brillante, ma soprattutto attraente e più giovane di lei. La cosa terribile è che come donna non potrebbe fare valere le sue capacità senza il tramite di un uomo, non importa quanto sia brillante o abile. In una società che ancora non garantiva alle donne nemmeno il diritto di voto, non c’era nessuno spazio, specie nell’ambito politico, per loro se non alle spalle del marito. Povera Maggie che viveva agli inizi del ’900…

Per fortuna oggi le cose sono cambiate, le donne votano e quella del suggeritore non è più la sola carriera politica possibile. Peccato che ogni tanto accada qualcosa che fa sorgere il dubbio che in giro ci sia qualcuno che sarebbe più che felice se le cose tornassero ad essere così.

(comunque il film, anche se sicuramente non è il migliore di La Cava, è divertente ed Helen Hayes, che era fondamentalmente un’attrice teatrale, e Brian Aherne sono bravi. Se ne trovate una copia guardarlo non sarà tempo sprecato, intanto se volete farvi un’idea potete cliccare QUI per vedere  la scena in cui John entra furtivamente in casa Wylie e accetta di diventare il promesso sposo di Maggie).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi(clicccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Mr Smith va a Washington – USA 1939 Directed by: Frank Capra. Starring: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Rebecca-La prima moglie – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; Judith Anderson; George Sanders.

Perdutamente tua – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henried; Claude Rains; Gladys Cooper.

Lo strano amore di Martha Ivers – USA 1946 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Barbara Stanwick; Kirk Douglas; Van Heflin, Lizabeth Scott.

L’ereditiera – USA 1949 Directed by. William Wyler. Starring: Olivia De Havilland; Montgomery Cliff: Miriam Hopkins.

Banshun (Tarda Primavera) – JAP 1949 Directed by: Yasusjiro Ozu. Starring: Setsuko Hara; Chishû Ryû; Yumeji Tsukioka.

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Votes for Women!

“… and don’t call me sugar!”

Scarlett O’ Hara

From: Gone with the wind – 1939

So now we know that the new electoral law (the same law the parliament is discussing and that, thanks to variable minimum threshold for party representation and additional seats for the majority coalition, will make so difficult to give a name to the winner unless holding a degree in mathematics) won’t grant gender equality when the closed lists will be compiled. A large number of women MPs from all the parties asked for fifty-fifty chances to be elected, but the proposition has been rejected because: it’s against the Constitution (?!?!?!??); this is not the right way to grant women equality; what’s really important is to elect someone who’s really competent no matter the gender (for instance the phenomenal Senator Antonio Razzi who said more than once that North Corea is a nice and peaceful Country, just like Swiss…); this thing about gender equality is just an excuse to damage Prime Minister Renzi and overthrow the great pact for a new electoral law made with MrB; anyway in our party this already exists (so said Mr Renzi himself); if you try to have too much you’ll end up with nothing (Mr Ignazio La Russa, former Minister of Defence in last MrB’s cabinet, now Fratelli D”Italia (right)party’s member and a real macho)…

Well, the battle to reach the equality for women is far from being won but… after the words told about those women who are still victims of abuses and violence in the days before and after the International Women’s Day (coincided with a feminicides’ spree), after reading once again that the abortion law in Italy is threatened because of the high number of doctors who are conscientious objector treating women like mere foetus-carrier (and wicked ones. if you are adventurous you can try to read THIS using a translator), I think that a Parliament made of women and man in equal number would show to the entire Country (included men who hate women and women accomplice with men who hate women – for instance someone like that lady my granny told me about who, after have been beaten for most of her life by her husband, suggested aggressively to his son to beat his wife) that women ain’t a strange subspecies, that we are part of this society, skilled and able to cope with many different situations just like men are…

even if a fifty-fifty Parliament wouldn’t be a faithful representation of the Italian society: in fact in Italy we are the 52% of the population.

…e non chiamarmi cocca!”

Rossella O’ Hara

Da: Via col vento – 1939

E così ora sappiamo che la nuova legge elettorale (quella che per capire chi ha vinto le elezioni tra soglie di sbarramento variabili e premi di maggioranza bisogna avere minimo minimo una laurea in matematica o in statistica) non garantirà la parità di genere nella compilazione delle liste (che rimarranno bloccate) perché: sarebbe anticostituzionale (?!?!?!); tanto non è così che si garantisce la parità alle donne; l’importante è che gli eletti siano competenti non quale sia il loro sesso (ad esempio Scilipoti; Razzi…); questa trovata della parità di genere era solo un trappolone per Renzi per rovinare l’accordo con l’altissimo (MrB si intende); tanto nel nostro partito c’è già (parola di premier); chi troppo vuole nulla stringe (il camerata maschio Ignazio La Russa)…

Ora, sicuramente è vero che tanto, ma davvero tanto, c’è ancora da fare perché la parità uomo-donna nel nostro paese non sia solo uno slogan, però… però dopo aver sentito parlare di donne vittime di abusi e violenze varie in occasione dell’8 marzo (Giornata Internazionale della Donna che quest’anno ha coinciso con un inquietante picco di cosiddetti femminicidi), dopo aver letto ancora una volta del modo indecente in cui viene (non)applicata la legge 194 che dovrebbe garantire alle donne italiane di abortire in una struttura pubblica con un’adeguata assistenza (leggete QUESTO articolo) e non di essere trattate come mere (e malvage) portatrici di embrione, un parlamento in cui uomini e donne siano rappresentati in egual misura potrebbe mostrare al paese tutto (uomini che odiano le donne e donne che aiutano gli uomini a odiare le donne compresi – mia nonna mi raccontava ad esempio di una vicina che dopo averle prese per anni dal marito incitava il figlio a picchiare la moglie) che noi donne non siamo una sottospecie umana, che siamo parte attiva della società e che abbiamo le stesse capacità dei signori uomini…

anche se un parlamento diviso a metà in effetti non sarebbe lo specchio fedele della nostra società: le donne in Italia infatti sono circa il 52% della popolazione.

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Aaaarrgh!#!@!*#!Technology is once more against me.  Can’t be able to post again till next week.

Sorry, sorry, sorry, sorry…

See you soon.

Aaaarrgh!#!@!*#!La tecnologia mi si rivolta contro ancora una volta. Non potrò aggiornare il blog fino alla prossima settimana. Mi dispiate tanto, tanto, tanto…

A presto.

My weekend movie: Lilies of the Field (1963)

Lillies of the Field 1963

Lilies of the Field (I gigli del campo) – Usa 1963

Directed by: Ralph Nelson.

Starring: Sidney Poitier; Lilia Skala; Stanley Adams; Dan Frazer.

You can’t resist a stubborn nun’s will

“Because it is a looong journey to this moment, I am naturally indebted to countless numbers of people …” this way, with a big smile on his face, Sidney Poitier’s accepted the Academy Award for Best male actor: it was April 13, 1964 and he was the first black person to win that prestigious award (watch HERE).

Lilies of the Field (1963 film)

Lilies of the Field (1963 film) (Photo credit: Wikipedia)

Only a few months before in August 1963, during the March on Washington, Poitier and about other 250,000 civil rights supporters heard Martin Luther King, jr. delivering his famous “I have a Dream” speech calling for an end to segregation policies in United States. Hollywood run faster than politics (the Civil Rights Act outlawing discrimination based on race, color, religion, sex, or national origin will be enacted in July 1964).

But Lilies of the Field, the film directed by Ralph Nelson that premièred in September 1963, a months after that speech, and made possible Poitier’s achievement, got little (very, very little) to do with civil rights.

Lilies of the Field is the story of a man coming from nowhere and going nowhere, Homer Smith (Sidney Poitier), who accidentally crosses the path of five Catholic nuns coming from eastern Germany (in 1960′s Germany was divided and the Berlin wall had just being built). The nuns have travelled through Europe, crossed the Atlantic Ocean and then travelled again through United Stated to establish their new home in the Arizona Desert and Homer is the answer to their prayer, or better is the answer to  their “boss”, Mother Maria, prayers: a strong healthy man with a set of carpenter’s tools to fix their home’s leaking roof. Homer reluctantly accept the job thinking it will take just a day of work, but soon discovers that Mother Maria, a woman with an iron will who speaks very little English (more than her sisters who practically speak none) and has no money to pay him, has different plans. She wants him to build a chapel to host the now open-air Masses that a travelling priest celebrates beside a gas station for the small local Catholic community made of poor Mexican migrants. And Homer, who’s not even catholic but Baptist, seems unable to resist…

Ralph Nelson

Director Ralph Nelson (Photo credit: Wikipedia)

Mother Maria’s stubbornness and faith (but also autocratic attitude) force Homer into doing something that will lead to the birth of a new community. The man who abdicates responsibilities, lives in his station wagon and is happy without ties, becomes essential for the nuns. He teaches them English and gospel songs and drive them around in his car. He starts working for a local construction contractor (Ralph Nelson), gaining his respect, only to have money to buy extra food (and lollies) to integrate his (and nun’s) spartan diet made of eggs, milk and the few vegetables growing in the arid fields. His work is an example for the Mexican community who joins him in the chapel’s building. Thanks to him the priest (Ralph Nelson), who once dreamt a Cathedral and now is discouraged, rediscovers faith. And while all that happens no one notices his black skin. Apparently

faith and a common intent are enough to make racial or religious differences  disappear and form almost impossible alliances. A sort of miracle.

But in fact Lilies of the Field itself and its success were a sort of miracle, because  to make a film out of William Edmund Barrett 1962 novel Lilies of the Field (adapted for the screen by James Poe) was not an easy task for Ralph Nelson (director but also producer). United Artists provided only 250.000 out of the 450,000 dollar needed to produce it (in great great economy). To find the rest Nelson had to put up his house as collateral and Sidney Poitier helped accepting a profit-share dealing instead of a full salary (otherwise impossible to be paid, cause he was a star who had already won an Oscar nomination for the 1958 picture The Defiant Ones). Not to mention that the whole movie had to be filmed in fourteen days not to exceed the budget.

But the result was a delightful film that earned five Academy Award Nominations ( Best Actor- Sidney Poitier; Best Actress in a Supporting Role-Lilia Skala; Best Cinematography-B/W; Best Picture; Best Writing-Screenplay Based on Material from Another Medium) and assured the historic Oscar to Sidney Poitier.  A light-earted picture that even those among you who are sceptical (just like me) about religion will be glad to watch again.

A few related movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Lady Vanishes – UK 1938 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Margaret Lockwood; Michael Redgrave; Dame May Witty; Naunton Wayne; Basil Radford.

The bells of St Mary’s – USA 1945 Directed by: Leo McCarey. Starring: Ingrid Bergman; Bing Crosby; Henry Travers.

The Sound of Music – USA 1965 Directed by: Robert Wise. Starring: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker; Richard Haydn.

The Blues Brothers – USA 1980 Directed by: John Landis. Starring: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklin; Ray Charles; Cab Calloway, James Brown…

Sister Act – USA 1992 Directed by: Emile Ardolino. Starring: Whoopi Goldberg; Maggie Smith; Harvey Keitel.

and a song:

Amen form the album The Immortal Otis Redding (1968)


Non puoi opporre resistenza alla volontà di una suora testarda

“Visto che c’è voluto un luuungo viaggio per giungere fino a qui io sono naturalmente in debito con un numero infinito di persone…” in questo modo, con un gran sorriso stampato sulla faccia, Sidney Poitier accettò l’Oscar come miglior attore protagonista: era il 13 Aprile del 1964 e lui era appena diventato il primo attore nero a vincere quel prestigioso premio (guardate QUI).

Civil Rights March on Washington, D.C. Sidney ...

Civil Rights March on Washington, D.C: Sidney Poitier, Harry Belafonte, and Charlton Heston., 08/28/1963 (Photo credit: Wikipedia)

Solamente alcuni mesi prima, nell’agosto del 1963, durante la Marcia su Washington, Poitier e almeno altri 250000 attivisti per i diritti civili avevano ascoltato Martin Luther King  pronunciare  il famoso discorso  che iniziava con “I have a Dream…” chiedendo la fine delle politiche di segregazione negli Stati Uniti. Hollywood era stata più veloce della politica (il Civil Rights Act che metterà fuori legge le disparità di registrazione nelle elezioni e la segregazione razziale nelle scuole, sul posto di lavoro e nelle strutture pubbliche sarà approvato nel luglio 1964).

Ma I gigli del campo, il film diretto da Ralph Nelson che debuttò negli Stati Uniti nel settembre del 1963, un mese dopo quel discorso, e rese possibile lo storico successo di Poitier, ha davvero molto poco a che fare con i diritti civili.

I gigli del campo è la storia di un uomo venuto dal nulla e che non ha una meta, Homer Smith (Sidney Poitier), che per caso incrocia la strada di cinque suore cattoliche venute dalla Germania dell’Est (sono gli anni ’60 la Germania è divisa ed è appena stato edificato il muro di Berlino). Le suore hanno attraversato l’Europa, l’Oceano Atlantico e poi gli Stati Uniti per stabilire la loro nuova casa nel mezzo del nulla nel deserto dell’Arizona e Homer è la risposta alle loro preghiere, o meglio, è la risposta alle preghiere della Madre Superiora Maria (Lilia Skala), il loro “capo”: un uomo forte e vigoroso che possiede un set completo di attrezzi da carpentiere per riparare il tetto bucato della loro casa. Homer accetta controvoglia il lavoro, pensando che gli porterà via solo una giornata, ma presto scopre che Madre Maria, donna dalla volontà di ferro che parla poco l’inglese (anche se meglio delle sue consorelle che non lo parlano affatto) e non ha nemmeno il becco di un quattrino per pagarlo, ha degli altri piani. Vuole che lui costruisca una cappella dove celebrare le messe che ora un prete itinerante officia all’aria aperta di fianco ad una stazione di servizio per la sparuta comunità cattolica locale fatta per lo più di immigrati messicani. E Homer, che non è nemmeno cattolico ma Battista, sembra incapace di opporre resistenza…

Lilia Skala in 1969 (Photo Credit: Wikipedia)

La testardaggine e l’incrollabile fede (ma anche il cipiglio autoritario) della Madre Superiora obbligano Homer, ex militare che rifiuta ogni responsabilità, vive nella sua station wagon ed è ben felice di non avere radici, ad impegnarsi in un’impresa che porterà alla nascita di una nuova comunità. L’uomo diventa un punto di riferimento per le suore alle quali insegna l’inglese e i canti gospel e che scarrozza in giro con la sua macchina. Inizia a lavorare per un’impresa locale, ottenendo il rispetto del suo capo (Ralph Nelson) che riconosce le sue doti di gran lavoratore, solo per avere i soldi per comprare cibo (e dolci) per integrare la spartana dieta, sua e delle suore,  fatta di uova, latte e delle scarse verdure che nascono in un terreno arido. Coinvolge col suo esempio l’intera comunità messicana che finisce col collaborare con grande entusiasmo alla costruzione della cappella. Conquista l’ammirazione del prete cattolico che un tempo sognava di dire messa in una bella cattedrale neogotica e ora è sfiduciato. E tutto senza che nessuno sembri notare il colore della sua pelle, come se la fede e l’impegno di tutti nel raggiungere uno stesso scopo possano abbattere ogni differenza raziale (e religiosa) e creare unioni all’apparenza impossibili. Una specie di miracolo insomma.

Ma in effetti lo stesso I gigli del campo ed il suo successo sono una specie di miracolo. Riuscire a trarre un film dal romanzo omonimo del 1962 di  William Edmund Barrett (adattato per lo schermo da James Poe) non fu un’impresa facile per Ralph Nelson (regista ma anche produttore). Dei 450000 dollari necessari per produrlo (in grande, grandissima economia), la United Artists ne mise soli 250000. Per trovare il resto Nelson fu costretto a ipotecarsi casa e Sidney Poitier diede una mano accettando un accordo per una percentuale sui profitti al posto di un salario adeguato (che sarebbe stato impossibile pagargli visto che all’epoca era già una star affermata che aveva ricevuto una nomination all’Oscar per il film del 1958 La Parete di Fango). Senza tener conto del fatto che per non sforare il bilancio il film dovette essere girato in soli quattordici giorni.

Ma il risultato fu un delizioso film capace di guadagnarsi 5 Nomination all’ Oscar (Migliore Attore-Sidney Poitier; Attrice non protagonista-Lilia Skala; Fotografia in bianco e nero; Film; Sceneggiatura non originale) e far vincere lo storico Oscar a Sidney Poitier. Un film capace di scacciare i cattivi pensieri e che persino i miscredenti (come me) saranno felici di rivedere.

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

La Signora scompare – UK 1938 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Margaret Lockwood; Michael Redgrave; Dame May Witty; Naunton Wayne; Basil Radford.

Le campane di Santa Maria – USA 1945 Diretto da: Leo McCarey. Con: Ingrid Bergman; Bing Crosby; Henry Travers.

Tutti insieme appassionatamente – USA 1965 Diretto da: Robert Wise. Con: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker; Richard Haydn.

The Blues Brothers – USA 1980 Diretto da: John Landis. Con: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklin; Ray Charles; Cab Calloway, James Brown…

Sister Act – Una svitata in abito da suora – USA 1992 Diretto da: Emile Ardolino. Con: Whoopi Goldberg; Maggie Smith; Harvey Keitel.

e una canzone:

Amen dall’album The Immortal Otis Redding (1968)

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“I beg your pardon…what did you say?”

Sister Mary Stigmata, the Penguin

From: The Blues Brothers – 1980

I want to thank all the journalists that against all odds have tried to translate in something intelligible the words pronounce by Mr Matteo Renzi in our Parliament during the last two days while asking a vote of confidence for his new government.  Thanks to those who have been able to find in all those words (many, many, many words) and emotions (overwhelming emotions) a few traces of a programme…

I failed, but probably is my soul who’s suffering of precocious senescence while trying to cope with such a youthful ardour…

“Scusa figliolo…che cosa hai detto?”

Sorella Mary Stigmata, la Pinguina

Da: The Blues Brothers – 1980

Ringrazio sentitamente tutti i giornalisti che con spregio del pericolo hanno cercato e cercheranno di dare un senso alle parole dette da Matteo Renzi nelle aule parlamentari, quelli che sono riusciti persino a distinguere in mezzo a quelle  parole (tante, tante, tante parole) e ad un mare di emozioni (dirompenti e debordanti emozioni) le tracce di un programma di governo…

Io non ci sono riuscita, sarà che mi si sta incanutendo l’anima di fronte a tanta scoppiettante giovinezza…

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My weekend movie:Sadie McKee (1934)


Sadie McKee – USA 1934

Directed by: Clarence Brown.

Starring: Joan Crawford; Franchot Tone; Gene Raymond; Edward Arnold; Jean Dixon; Leo G. Carroll.

Sadie is moving on up…

A poor honest girl on the brink of being lost makes her way in Park Avenue through a bumpy road  proving in the end to be better than expected, the daughter of a cook who becomes a lady… the story told in Sadie McKee, the 1934 movie directed by Clarence Brown, was tailor made on Joan Crawford, the ambitious small town girl who had made her way in Hollywood, from chorus girl to flapper sensation, Hollywood royal family member (via marriage with Douglas Fairbanks, Jr.) and bona fide MGM star.

Sadie McKee

Sadie McKee (Photo credit: Wikipedia)

The film is all about Sadie McKee (Joan Crawford) a pretty girl working part-time as a maid in the big house where her mother works as a cook. Despite her mother hopes to see her one day married to the son of her employer, Michael Anderson (Franchot Tone) a lawyer who’s not insensible to her charm, Sadie is in love with Tommy Wallace (Gene Raymond) who has just been fired from the Aldersons for alleged cheating. When Tommy moves to New York, Sadie decides on the spot to follow also wringing a little sincere proposal out of him. But happiness only lasts one night cause Tommy has no time to waste: he gives (with pleasure) to Dolly Merrick (Esther Ralston), his singing neighbor, the opportunity to seduce him and introduce him to the Vaudeville stage. Seduced and abandoned, poor Sadie find a friend in Opal (Jean Dixon, actress specialized in playing smart-mouthed friends), a club performer who helps her to find a job as a dancer in a nightclub. There Sadie meets once again Michael who’s with one of his clients, the rich millionaire Jack Brennan (Edward Arnold) who has a conspicuous bank account, a very excessive passion for alcohol and a sudden desire to merry her. And Sadie decides that this is a boat she can’t miss…

Joan Crawford

Joan Crawford the flapper in 1928(Photo credit: Wikipedia)

Sadie is stubborn, determined but also has a heart of gold that makes her impossible to hate who broke her hopes, but also to take advantage of that rich guy looking like a giant teddy bear with a brain steeped in alcohol she marries in a wink of an eye. Sadie’s euphoria for the sudden richness, symbolized by the shopping frenzy when the wise Opal gives her advice about the size of the diamond on her engagement ring while the (almost)comatose rich millionaire approves every item bought, doesn’t last long and when a kiss reminds her that probably one day her generous husband will ask something in exchange for her comfortably life, Sadie remembers that after all she is a good girl, to great censorship relief (just a month after the release of this movie the Motion Picture Production Code will be reinforced). So she save her “husband” from his vice keeping him away from alcohol and having in return a punch in her face but also gaining the respect of the  servants (believing till then that she was a mere social climber), the unconditional love of Michael (the rat who was ready to believe her a potential murderer) but also the love of all those people sitting in the dark and watching her on the silver screen who will cry with her when her first love will die (Tommy providentially catch a redeeming tuberculosis) but also rejoice when it will be clear that at last she’ll have the hope to find happiness with Michael (the rat..).

via Tumblr

Joan Crawford and Franchot Tone(Photo credit: pds209)

Sadie Mckee ain’t what one could call a masterpiece (even though is decidedly delightful the scene whit Tommy playing ukulele and singing “All I do is dream of you”  to subliminally convince Sadie that is a shame to let him “sleep” in an armchair just because they ain’t married yet) and in spite of the fact that apart from love the movie also talks about social conflicts (Michael, the guy coming from a good family, who mistrusts the proletarian Tommy and Sadie, but also Sadie’s social climbing) and alcoholism, recurrent themes in 1930′s cinema (just think about Gregory La Cava movies like for instance She married her boss, Fifth Avenue Girl and others), in this film you can find little more than a soapish story in which also the supposed villains find at last their way to redemption (though the price for it is their life). But you must realize that Sadie Mckee is above all a film made to make  Joan Crawford shine. It’s the kind of story her fans (in the vast majority women facing the Great Depression) supposed to watch reading her name above the title, a story in which they could find a very little disguised version of what they believed she was after reading the stories written in fan magazines, the gossip about the small town girl who had reached the stars and was in 1934 at the top of her fame (till then). And after all Sadie Mckee is a story you’ll also like today, especially if you love happy endings.

A few related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

What Price Hollywood? – USA 1932 Directed by: George Cukor. Starring: Constance Bennett; Lowell Sherman.

My Man Godfrey – USA 1936 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Carole Lombard; William Powell; Gail Patrick; Eugene Pallette.

Easy Living – USA 1937 directed by: Mitchell Leisen. Starring: JeanArthur; edward Arnold; Ray Milland.

Fifth Avenue Girl – USA 1939 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Ginger Rogers; Walter Connolly;  Verree Teasdale.

Mr Skeffington – USA 1944 Directed by: Vincent Sherman. Starring: Bette Davis; Claude Rains; Walter Abel.

The Lost Weekend – USA 1945 Directed by: Billy Wilder. Starring: Ray Milland; Jane Wyman; Doris Dowling.

Sabrina – USA 1954 Directed by: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; Humphrey Bogart; William Holden.


Sadie sta salendo…

Una povera e onesta ragazza sull’orlo della perdizione si fa strada a Park Avenue lungo un percorso accidentato dimostrando alla fine di essere migliore di come la si immaginava, la figlia della cuoca che diventa una signora…quella narrata in Tormento il film del 1934 diretto da Clarence Brown era una storia fatta su misura per Joan Crawford, l’ambiziosa provinciale che si era fatta strada a Hollywood, da comparsa a sensazionale flapper, membro della famiglia reale di Hollywood (grazie al matrimonio con Douglas Faibanks, Jr) e infine grande star della MGM.

Crawford, Joan (Sadie McKee)_03

A glamorous Joan Crawford in Sadie McKee (Photo credit: Retrogasm)

La storia è quella di Sadie McKee (Joan Crawford), una bella ragazza che lavora a mezzo servizio come cameriera nella grande casa in cui sua madre lavora come cuoca. Nonostante la donna speri di vederla un giorno sposata con l’avvocato Michael Alderson (Franchot Tone), il figlio del padrone di casa non insensibile al suo fascino, Sadie è innamorata di Tony Wallace (Gene Raymond) che è appena stato licenziato dagli Alderson per una presunta truffa. Quando Tommy si trasferisce a New York Sadie decide su due piedi di seguirlo strappandogli una poco convinta promessa di matrimonio. Ma la felicità dura solo una notte, perchè Tommy non perde tempo e si fa (volentieri) sedurre dalla vicina  canterina Dolly Merrick (Esther Ralston) e scappa con lei per tentare la fortuna nel mondo del Vaudeville mollando la povera (e ormai “compromessa”) Sadie al suo destino. Fortunatamente  Opal (Jean Dixon, attrice specializzata nei ruoli delle amicone sagge), la cantante di night incontrata il giorno dell’arrivo a New York, si rivela un’amica preziosa e le trova un lavoro come ballerina nel nightclub in cui si esibisce. È proprio in questo locale che Sadie rincontra Michael in compagnia di un suo cliente, il milionario ricco Jack Brennan (Edward Arnold), che unisce a un patrimonio a sette zeri una smodata passione per l’alcol e l’improvvisa voglia di sposarla. E la ragazza questa volta decide che non è proprio il caso di farsi scappare la buona occasione…

Cropped screenshot of Edward Arnold from the t...

Edward Arnold (Photo credit: Wikipedia)

Sadie è testarda e determinata ma ha anche un cuore d’oro che le impedisce di odiare chi le ha spezzato il cuore, ma anche di approfittarsi fino in fondo del riccone formato orsacchiotto gigante col cervello sotto spirito che riesce a sposare in un battibaleno. L’iniziale euforia da ricchezza improvvisa con tanto di shopping selvaggio assieme alla scaltra Opal che dà consigli sulla taglia del brillante dell’anello di fidanzamento mentre il milionario ricco in stato semi-comatoso approva ogni acquisto dura poco, e complice un bacio che le ricorda che forse un giorno il suo generoso marito le chiederà qualcosa in cambio del lusso in cui la fa vivere, Sadie riacquista la ragione con gran sollievo dei censori (un mese dopo l’uscita di questo film il Codice Hays fu inasprito, ma nell’aria c’era già voglia di una censura più rigorosa). Torna così ad essere la brava ragazza che è sempre stata e fa di tutto per salvare il “marito” dal suo vizio nascondendogli l’alcol e prendendosi pure un bel pugno in faccia ma riconquistando il rispetto di tutta la servitù (che la credeva solo una profittatrice in arrampicata libera), l’amore di Michael che sopraffatto da i suoi pregiudizi la considerava ormai una donnaccia e una potenziale assassina (inemendabile verme) e quello di tutto il pubblico in sala che prima di abbandonare le poltrone potrà piangere con lei la morte del primo amore (Tommy malato provvidenzialmente di una salvifica tubercolosi) e gioire per la prospettiva dell’arrivo della felicità con un ravveduto Michael.

Crawford, Joan (Sadie McKee)_01

Sadie in her mansion (Photo credit: Retrogasm)

Tormento non è proprio un capolavoro (anche se è davvero bella la scena in cui Tommy con l’aiuto di un ukulele canta “All I do is dream of you” per convincere Sadie che è un peccato fargli passare la notte su una poltrona solo perché non sono ancora sposati), e nonostante parli di amore parlando anche di conflitti sociali (la diffidenza del ricco Michael nei confronti dei proletari Tommy e Sadie e la scalata sociale della ragazza) e di alcolismo, temi ricorrenti nel cinema (anche leggero) degli anni della grande depressione (basti pensare ai film di Gregory La Cava come ad esempio “Voglio essere amata o “La Ragazza della Quinta Strada”), è soprattutto uno di quei film che somigliano maledettamente a quelle soap nelle quali alla fine persino i cattivi riescono a salvare l’anima (a costo della vita però). Il fatto è che Tormento è innanzitutto una storia al servizio della diva Joan Crawford. È il genere di storia che i suoi fan (soprattutto donne alle prese con i problemi economici causati dalla Grande depressione) si aspettavano di vedere leggendo il suo nome sul cartellone, una storia in cui riconoscere l’attrice di cui leggevano sui giornali di pettegolezzi rosa, quella provinciale che aveva scalato l’olimpo di Hollywood ed allora, nel 1934, era all’apice della sua carriera. E in fondo, se amate i lieto fine, questa è una storia che potrebbe piacere anche a voi.

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

A che prezzo Hollywood? – USA 1932 Diretto da: George Cukor. Con: Constance Bennett; Lowell Sherman.

L’impareggiabile Godfrey – USA 1936 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Carole Lombard; William Powell; Gail Patrick; Eugene Pallette.

Un colpo di fortuna – USA 1937 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: JeanArthur; edward Arnold; Ray Milland.

La ragazza della Quinta Strada – USA 1939 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Ginger Rogers; Walter Connolly;  Verree Teasdale.

La Signora Skeffington – USA 1944 Directed byDiretto da : Vincent Sherman. Con: Bette Davis; Claude Rains; Walter Abel.

Giorni Perduti – USA 1945 Diretto da: Billy Wilder. Con: Ray Milland; Jane Wyman; Doris Dowling.

Sabrina – USA 1954 Diretto da: Billy Wilder. Con: Audrey Hepburn; Humphrey Bogart; William Holden.

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If at first you don’t succeed, try, try, try again…

“Free! Free at last!”

Mr Hyde

From: Dr Jeckyll and Mr Hyde – 1931

Congratulations to young Mr Renzi: finally he (almost) made it! Not so easy to become the  Prime Minister without a new general election and after you have lost the primaries before the last general election… But skilfully assuring support (or even withdrawing it) to this and that he finally get rid of all those (in his own party,  PD-Democratic Party) who dared to cross his path, the whole old Democratic Party leadership, the man who won the primaries and the old Democratic Party’s leader (who were in fact the same person, Mr Bersani), the now ex-Prime Minister Mr Letta (also a member of PD dismissed without ceremony), the idea itself of “Left” … and then the most impressive miracle, the “resurrection” of good ol’ MrB(ersuconi) (in fact the man to whom young Renzi resemble the most), not to mention the incredible promises he made today: every month a new reform!!!  (the twenty-year-old MrB’s slogan “Less tax for everyone” pale into insignificance compared to this).

Wow, Congratulations, congratulations once again… If the parliament will assure him its confidence he’ll be the youngest Prime Minister in the history of the Italian Republic and will lead our government during the semester in which Italy will hold the Presidency of the Council of the European Union. What a superhero!

But I’m not just congratulate him, I also want to thank him with all my heart: finally he set me free! I’m free now, free from that unpleasant feeling of  moral constraint that so many times (but not every time, I must confess) during the last twenty years drove me to vote for the Democratic Party just because, after all, it was the only way to possibly defeat the now-resurrected MrB. Finally I’m free, free to vote for a left party next time.

“Libero! Finalmente libero!”

Mr Hyde

Da Il Dottor Jeckyll – 1931

Congratulazioni al giovane Renzi: finalmente ce l’ha (quasi) fatta! Mica semplice diventare Presidente del consiglio senza passare da nuove elezioni dopo aver perso le primarie per scegliere il candito premier PD alle elezioni 2013… Tra sostegni assicurati e tolti è riuscito finalmente a far fuori tutti quelli (del suo partito) che gli sbarravano la strada, tutta la vecchia dirigenza PD, il vincitore delle primarie e il segretario del suo partito (che poi erano la stessa persona), il presidente del governo “di servizio” Letta (liquidato senza troppi complimenti), l’idea di cosa sia la sinistra… e poi il supremo miracolo della “resurrezione” del buon vecchio MrB (che poi, in fondo è l’uomo al quale il giovane leader più somiglia) e le mirabolanti promesse di oggi: una riforma al mese!!! (roba da far impallidire il vetusto slogan “Meno tasse per tutti”).

WOW!!! Congratulazioni, congratulazioni ancora… se otterrà la fiducia del parlamento diventerà il più giovane Presidente del Consiglio della storia della Repubblica Italiana  e guiderà il governo durante il semestre italiano di presidenza dell’Unione europea. Una performance degna di un supereroe!

E non solo mi congratulo ma lo ringrazio pure di cuore: finalmente mi ha liberata da quella sensazione di spiacevole costrizione morale, da quel turarmi il naso che tante volte (ma non tutte lo confesso) mi ha spinto a votare per il suo partito perché in fondo era l’unico  ad aver la possibilità concreta di sconfiggere l’ora risorto MrB. Finalmente mi sento libera, libera di votare a sinistra.

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My weekend movie: Under Capricorn (1949)

Under Capricorn 1949

Under Capricorn (Il Peccato di Lady Considine) – USA 1949

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Ingrid Bergman; Joseph Cotten; Michael Wilding; Margaret Leighton.

A beautiful failure.

There are failures that never cease to torment you. For Alfred Hitchcock that failure was Under Capricorn, the 1949 costume drama starring Ingrid Bergman. Years later, in early sixties, talking to the French colleague François Truffaut during the famous interview, the English director still couldn’t help calling himself very childish and stupid for making this movie. He had overestimated the subject, chosen the wrong writers (Hume Cronyn who adapted the subject and James Bridie who wrote the screenplay) and the wrong actors, but above all he had made a terrible mistake thinking that all he needed for his career was a new film with Ingrid Bergman just because she was in that particular moment the highest paid, the most famous and wanted star in Hollywood (“a feather in my cap” he called her).

Under Capricorn

Under Capricorn (Photo credit: Wikipedia)

Bergman was in fact the reason why Hitchcock chose to produce (because, after the previous film Rope, this was also the second film he produced with his production company Transatlantic Pictures) a film adaptation of Under Capricorn, the 1937 novel written by Helen Simpson. He thought it was the right subject: the story and its protagonist would have made the Swedish actress shine.

The film is set in Australia in 1831. When the new governor (Cecil Parker) arrives, Sidney is an expanding town full of convicts and ex-convicts (Australia was used by Britain as a penal-colony) and adventurers. Among them there’s the Honourable Charles Adare (Michael Wilding), the governor’s idle nephew. The young man soon meets a wealthy land owner, the shady Sam Flusky (Joseph Cotten), who makes him a business proposition. Against the governor’s wishes (Flusky is an emancipated convict), Charles decides to tighten this newly formed friendship and discovers that Sam is in fact the husband of a distant cousin, Lady Henrietta Considine. Years earlier, when Charles was just a child, Henrietta was the young daughter of an Irish noble man and Sam just a stable boy. They fell in love and elope but romance ended in tragedy: one of Henrietta’s brothers was killed and Sam sent to Australia. Now Henrietta is just the ghost of the wild girl she used to be, a poor and desperate alcoholic living in a big (but not very elegant) house, served by ill-mannered semi-delinquent servants, watched by a governess (Margaret Leighton) behaving like the lady of the house who’s in love with her husband (and who provides her with all the booze she needs to get dazed) and despised by a neighbourhood made of ex-convicts who snub her. But Sam hopes her cousin’s arrival will cheer up Henrietta, and for a while in fact her health and mood seem to improve, but the two lovers seem to be hunted by their past…

Despite Hitchcock’s hopes and enthusiasm the film turned out to be a failure.

During the shooting, mostly made in England in 1948, tension raised between director and  actors because Hitchcock insisted in using the long take technique, already used in Rope, requiring an elaborate set design (in particular the two-storey Flusky’s house) with parts of it disappearing in the air to allow a fluid movement of the camera (a thing that particularly unnerved Bergman).

Under Capricorn x04

Under Capricorn x04 (Photo credit: newhousedesign)

After the release, in September 1949, critics and audiences seemed to be puzzled by this costume drama filmed in Technicolor they could not easily classify as a Hitchcock’s thriller, and that lead to such a box-office flop that Bankers Trust Company, which had financed Under Capricorn, repossessed the film (someone also says that the gossip about the Rossellini-Bergman affair – their first meeting happened when Bergman was in London playing lady Henrietta – also damaged the movie).

Anyway, Under Capricorn, though almost completely lacking in suspense and in Hitchcock’s dark humour (probably there is some trace of it only in the dinner scenewhen all the guests arrive  at Flusky’s home without their wives and all pretending the “ladies” suddenly fell ill), got many points in common at least with a couple of previous Hitchcock’s works (as the director himself had no problems to admit).

English: Photo of Ingrid Bergman and Roberto R...

Ingrid Bergman and Roberto Rossellini in 1951. (Photo credit: Wikipedia)

Like in Rebecca (1940) class differences (the wealthy semi-aristocrat and the insipid poor girl become the stable boy and the Lady) and a mysterious event happened in the past threaten the future happiness of two lovers who have almost forgotten to love each other; a sinister governess works in the shadow to sabotage the mental health of a damsel in distress (though this time the dreadful lady is young and pretty – even too pretty according to some critic – and the damsel cooperates) and a ball turns out to be an humiliating event. Like in Notorious (1946) there are two men in love with the same woman (who drinks too much) and someone who thinks to solve a complicated situation with poison. Only in Under Capricorn there is very little suspense because this is not a thriller, but a drama, a beautiful and very romantic drama shot in an expressive Technicolor.

Maybe to call Under Capricorn the Hitchcock’s unknown masterpiece (as made in late 1950′s by French critics) is exaggerated, but surely this is a film that you will love if you love romance.

It’s a beautiful, beautiful failure you should rediscover.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Wuthering Heights – USA 1939 Directed by: William Wyler. Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; Geraldine Fitzgerald; David Niven; Leo G. Carrol; Donald Crisp.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; Judith Anderson; George Sanders.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty.

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains; Madame Konstantin.

Hush…Hush, Sweet Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten.

Atonement – UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Knightley; James McAvoy; Romola Garai; Saoirse Ronan.


Un bellissimo fallimento.

Ci sono fallimenti che non smettono mai di tormentarvi. Per Alfred Hitchcock quel particolare fallimento fu Il peccato di Lady Considine il dramma in costume del 1949 con Ingrid Bergman. Diversi anni dopo l’uscita del film, nei primi anni sessanta, parlando al collega francese François Truffaut nel corso della famosa intervista, il regista inglese non riusciva ancora ad evitare di definirsi stupido ed infantile per aver voluto fare questo film. Aveva sopravvalutato il soggetto, scelto gli scrittori sbagliati (Hume Cronyn che l’aveva adattato e James Bridie che aveva scritto la sceneggiatura), gli attori sbagliati, ma soprattutto aveva commesso un terribile errore pensando che la cosa più importante per lui a quel punto della sua carriera fosse fare un nuovo film con Ingrid Bergman solo perché lei in quel momento era la star più famosa, pagata e contesa di Hollywood (“una piuma sul mio cappello” l’aveva definita).

Alfred Hitchcock's Under Capricorn 1949

Proprio la Bergman era stata infatti la ragione per cui Hitchcock aveva scelto di produrre (perché questo è anche il secondo film da lui prodotto, dopo il precedente “Nodo alla gola, con la sua compagnia Transatlantic Pictures) un film tratto dal romanzo del 1937 Under Capricorn della scrittrice Helen Simpson. Hitchcock credeva che fosse un soggetto perfetto, che quella storia e la sua protagonista avrebbero permesso alla star svedese di brillare.

La vicenda è ambientata in Australia nel 1831. Quando il nuovo governatore (Cecil Parker) arriva a Sydney, la città è in piena espansione e popolata di deportati, ex-deportati (l’Inghilterra usava l’Australia come colonia penale) ed avventurieri in cerca di fortuna. Tra loro c’è anche l’indolente nipote del governatore, il nobile irlandese Charles Adare (Michael Wilding), che quasi immediatamente fa la conoscenza  di un ricco possidente, l’ombroso Sam Flusky (Joseph Cotten), che gli propone di entrare con lui in affari. Sebbene diffidato dal governatore (Flusky è un ex-deportato emancipato) Charles accetta ed approfondendo la conoscenza scopre che Flusky è il marito di una sua lontana cugina, Lady Henrietta Considine (Ingrid Bergman). Anni prima, quando Charles era ancora un bambino, Lady Henrietta era la giovane figlia di un nobile irlandese e Sam solamente uno stalliere. I due si erano innamorati ed erano fuggiti insieme per sposarsi, ma la fuga romantica aveva prodotto delle tragiche conseguenze: la morte di uno dei fratelli di Henrietta e la deportazione di Sam in Australia. Ora la donna è solo l’ombra della giovane indomita di un tempo, una povera e disperata alcolizzata che vive in una grande (ma non proprio raffinata) casa piena di servi semidelinquenti e maleducati, che è accudita da una governante (Margaret Leighton) che si atteggia a vera padrona di casa ed è segretamente innamorata di suo marito (e che le procura anche tutto l’alcol col quale si stordisce), ed inoltre è disprezzata da un vicinato formato da ex avanzi di galera che la evitano come la peste. Sam però spera che l’arrivo del cugino possa aiutarla a ritrovare se stessa e per un po’ la cosa funziona, ma riuscire a sfuggire al proprio passato è terribilmente difficile…

Nonostante le speranze e l’entusiasmo di Hitchcock il film alla fine fu un completo fallimento.

Under Capricorn x01

Durante le riprese, fatte principalmente in Inghilterra nel 1948, i rapporti tra il regista e i suoi attori si fecero piuttosto tesi perché Hitchcock insisteva nell’usare la tecnica del “long take” (l’inquadratura lunga, un piano-sequenza che durava quanto un’intera bobina di pellicola), che il regista aveva già usato in Nodo alla gola e che richiese la realizzazione di una elaborata scenografia (in particolare quella della casa a due piani di Flusky) con alcune parti mobili che dovevano essere spostate per sparire alla vista mentre gli attori continuavano a recitare e permettere un movimento fluido della macchina da presa (cosa che innervosì oltre misura proprio la Bergman).

Dopo l’uscita del film, nel settembre del 1949, critici e pubblico sembrarono perplessi di fronte a questo dramma in costume filmato in Technicolor che non riuscivano a classificare come il tipico thriller di Hitchcock e questo produsse  un flop al botteghino che spinse le banche che l’avevano finanziato ad impossessarsi della pellicola (qualcuno dice  che il film fu danneggiato anche dall’enorme scandalo provocato dalla relazione tra Rossellini e la Bergman iniziata proprio mentre l’attrice era a Londra per impersonare Lady Considine).

In ogni caso, Il peccato di Lady Considine, anche se completamente sprovvisto di suspense e del tipico humour nero di Hitchcock (probabilmente la sola scena che ne presenti qualche traccia è quella della cena a casa Flusky quando gli ospiti arrivano tutti scompagnati lamentando degli improvvisi malori della cagionevoli consorti), ha diversi punti in comune con almeno un paio dei precedenti lavori del regista (come lui stesso non aveva problemi ad ammettere).

English: Studio publicity photo of Alfred Hitc...

Alfred Hitchcock in 1955 (Photo credit: Wikipedia)

Come in Rebecca (1940) le differenze di classe (il ricco quasi aristocratico e la povera ragazza insipida diventano lo stalliere e la Lady) e un misterioso evento del passato minacciano la futura felicità di una coppia di amanti che hanno quasi scordato di amarsi, una sinistra governante lavora nell’ombra per sabotare la salute mentale di una “damigella in difficoltà” (anche se qui la minacciosa governante è giovane e carina – pure troppo carina secondo alcuni critici – e la damigella collabora diligentemente) e infine un ballo si trasforma in un evento umiliante. Come in Notorious (1946) ci sono due uomini innamorati della stessa donna (che beve decisamente troppo) e qualcuno pensa di risolvere una situazione complicata con il veleno. Però in Il peccato di Lady Considine c’è pochissima suspense perché questo non è un thriller ma un dramma, un bellissimo e romanticissimo dramma girato in un espressivo Technicolor.

Forse definire Il peccato di Lady Considine il capolavoro sconosciuto di Hitchcock (come fecero alcuni critici francesi alla fine degli anni ’50) è un po’ esagerato, ma certamente questo è un film che amerete se siete innamorati del romanticismo.

Un bellissimo fallimento che dovreste riscoprire.

Alcuni film liberamente-associati che potrebbero piacervi (cliccate i titoli per vedere una scena o il trailer):

La voce nella tempesta (Cime Tempestose) – USA 1939 Diretto da: William Wyler. Con: Laurence Olivier; Merle Oberon; Geraldine Fitzgerald; David Niven; Leo G. Carrol; Donald Crisp.

Rebecca-La prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine; Laurence Olivier; Judith Anderson; George Sanders.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty.

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains; Madame Konstantin.

Piano…piano, dolce Carlotta – USA 1964 Diretto da: Robert Aldrich. Con: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten.

Espiazione – GB 2007 Diretto da: Joe Wright. Con: Keira Knightley; James McAvoy; Romola Garai; Saoirse Ronan.

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Loss of memory

“You’ve got a mighty short memory!”

Harvey “Big Daddy” Pollitt

From: Cat on a Hot Tim Roof – 1958

Well, let’s see: Mr Napolitano (the President of the Italian Republic) has probably taken part on a plot conceived with some foreign Countries and the markets to overthrown a legitimate government and get rid of MrB(erlusconi), the greatest Italian statesman of all times. The evidences are in the coming book written by Mr Alan Friedman (an American journalist who has been a correspondent in Italy since 1980′s and often worked for Italian TVs): in June 2011, months before MrB resignation (causing such pain and grief – HERE and HERE) on November 12, President Napolitano asked to Mr Monti if he could be interested in forming a possible technocrats government in the future…

Seeing that Italy is a Country with a mighty short memory, someone today shouted out loud that the end of MrB’s cabinet was in fact a coup (at least this overshadows some other news, for instance the one about that trial in Naples, opening today, to prove if it’s true that the greatest Italian statesman of all time had bribed a few Senators to provoke the end of the last Mr Prodi’s government…).

Somebody maybe forgot that during summer 2011 the crisis, that same crisis the greatest Italian statesman of all  times denied saying it was just a leftists’ and pessimists’ fixation, was already here, the IMF and the European Central Bank, fearing the Greek contagion, were asking for measures to cut the debt and MrB’s government was always threatened to come to an end because of troubles on the right-wing coalition (to mention those scandals and  judiciary troubles causing more than a headache to the greatest Italian statesman of all times  would be vulgar…), while us, poor losers, were starting to familiarise with the credit spread… enough to understand that there was noting sinister and strange if  President Napolitano was trying to foreshadow “what if”…

Anyway this story will be used in future election campaign (from here to eternity…)  and above all will sell lots of books.

(if you don’t trust my memory you can click on the following related articles)

“Hai una memoria maledettamente corta!”

Harvey “Big Daddy” Pollitt

Da: La gatta sul tetto che scotta – 1958

Allora vediamo un po’: Napolitano avrebbe tramato con le losche cancellerie di mezza Europa e con i “mercati” per  far cadere un governo “legittimamente eletto” ed eliminare dalla scena politica MrB, il più grande statista italiano di tutti i tempi e la prova, fornitaci da Alan Friedman nel suo libro di prossimissima uscita, sarebbe il fatto che già nel giugno del 2011, quindi alcuni mesi prima delle dimissioni di MrB del 12 novembre (quelle che provocarono ondate di straziante dolore – cliccate QUI e QUI), il Presidente avrebbe “sondato” la disponibilità di Monti a guidare un possibile governo tecnico…

Visto che l’Italia è un paese dalla memoria maledettamente corta qualcuno grida al golpe (che poi, almeno, si  mettono un po’ in secondo piano altre notizie, tipo quella che oggi a Napoli si è aperto il processo al più grande statista di tutti i tempi per la presunta compravendita di senatori che avrebbe provocato la caduta dell’ultimo governo Prodi)…

Qualcuno forse ha dimenticato che nel corso dell’estate del 2011 la crisi, quella che il più grande statista di tutti i tempi derubricava come una sorta di fissazione patologica della sinistra e dei pessimisti negandone tenacemente l’esistenza, iniziava a mordere, il Fondo monetario internazionale e la banca centrale Europea, temendo il contagio della crisi greca, chiedevano all’Italia di adottare delle misure per tagliare il debito pubblico e il governo di MrB era costantemente in bilico per problemi interni alla coalizione di centro-destra (citare gli scandali e i guai giudiziari che affliggevano il più grande statista di tutti i tempi sarebbe volgare…), mentre noi comuni sfigati iniziavamo a familiarizzare con lo spread… una situazione che certamente richiedeva l’attenzione del Presidente della Repubblica che non poteva non porsi la questione del cosa sarebbe successo se…

Comunque questa storia (soprattutto se dovesse cadere il governo, come pare possibile visto gli ultimi avvenimenti) sarà sicuramente usata nelle prossime campagne elettorali (più o meno in tutte quelle che si svolgeranno da qui all’eternità…), ma soprattutto farà vendere un sacco di libri.

(Se non vi fidate della vostra memoria potete cliccare sugli articoli correlati che seguono)

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To refresh your memory:

My weekend movie: The Letter (1940)

The Letter 1940

The Letter (Ombre Malesi) – USA 1940

Directed by: William Wyler.

Starring: Bette Davis; Herbert Marshall; James Stephenson; Gale Sondergaard.

Love hurts…

Bang… bang… bang, bang, bang, bang… William Wyler only allows us to understand that we are going to watch a story set in a rubber plantation somewhere in the Southeast Asia when suddenly a shoot happens, then a man stumbles out of a cottage followed by Bette Davis, cold and determined, shooting several times and continuing even when there ain’t no bullets left.

The Letter – 1940 (Photo Credit: Wikipedia)

This way, just like the 1927 W. Somerset Maugham‘s play on which it’s based, starts The Letter, the 1940 very dark melodrama directed by William Wyler and starring, as told, Bette Davis as Leslie Crosbie, the wife of a British rubber plantation manager in British Malaya. If you want to know why a sweet lady kills with brutal determination the man we’ll discover to be Geoff Hammond, a family friend, you have to watch the rest of the film, so…

SPOILER ALERT: if you’ve never seen this movie, go and fetch a copy immediately, because this article will spoil the surprise (for sure). Anyway, if you prefer to do so, you can read the rest of it at your own risk…

As you can easily imagine as the story goes on, though Leslie’s husband (Herbert Marshall), a police officer and the family lawyer Howard Joyce (James Stephenson) believe she shot the man in self-defence to avoid a rape, the woman has to be put in jail in Singapore to wait a trial for murder. But Leslie is protected by prejudices and racism. She is just an helpless woman, a respectable member of the European community in the colonies, while the man she killed, also a member of the European community, was secretly married to a local woman living in the Chinese quarter (Gale Sondergaard), a fact that in the racist colonial society is almost a crime itself and that seems to confirm the man’s perverted nature. The delicate woman crocheting in jail is innocent for sure, the pervert man only had what he deserved. And everybody seem to embrace this theory at least until the indigenous lawyer’s clerk tells him that Hammond’s wife has a letter written by Leslie proving that the woman  had a long lasting secret relation with the man she killed and that, consumed by jealousy, she summoned him to her cottage after learning about his secret marriage….

Cropped screenshot of Bette Davis from the tra...

Bette Davis as Leslie Crosbie in The Letter. (Photo credit: Wikipedia)

The play, originally a short story appeared in Maugham’s 1926 collection The Casuarina Tree, was based on a real scandal occurred in 1911 in Kuala Lumpur: the wife of the headmaster of a school shoot dead a male “friend”. There was no letter, this is a Maugham’s invention, but the stories end the same way with the murderer woman pardoned. Maugham also added the fact that Leslie in the end tells the truth to her husband and confesses him that she is still in love with the man she killed but will live with him only to atone for her crime. Obviously such an ending, though already used in the first 1929 movie version (starring Jeanne  Eagels and with Herbert Marshall as Hammond) couldn’t be acceptable in Hollywood in 1940. After the 1934 reinforcement of the Motion Picture Production Code, censorship required that every crime had to be punished. So in the end Leslie, though feeling something terrible is going to happen (after all she found a dagger on the  threshold…), wanders around the garden and almost voluntarily gives Hammond’s wife the opportunity to stab her to death. Censors were served.

Cropped screenshot of Gale Sondergaard from th...

Gale Sondergaard in The Letter. (Photo credit: Wikipedia)

The Letter was the second film Bette Davis made with William Wyler, the man she considered the best director in Hollywood, the one who had helped her achieve her full potential (thanks to Jezebel the film that granted her the second Oscar, in 1938) and the love of her life (though, to Davis great regret, he never was one of her four husbands). The film was praised by the critics (though on The New York Times the ending was called “weak”, blaming for this censorship requirements) and earned seven Academy Award nominations (Best Picture; Direction; Actress; Supporting Actor-James Stephenson; Editing; Original Music Score; B/W Cinematography) but no Oscars.

I warn you, the film is a bit slow and is soaked with racism. There are two different societies living side by side but absolutely separated: the white one and the indigenous one, whose members are depicted as devious, manipulative and vaguely amoral (the quite slimy clerk who pretends to lend Leslie a hand while is in fact blackmailing her and Hammond’s wife, who makes money on her husband death but in the end redeems herself thanks to an homicide the censorship imposed). But it couldn’t be different, not in the setting portrayed nor in the period when the film has been produced (just consider that the Motion Picture Production Code strongly censored interracial relationships). Anyway, this is one of those movies you should have watch at least once in you lifetime.

A few more dangerous ladies you could also like(click on the title to watch a clip or a trailer):

The Maltese Falcon – USA 1941 Directed by: John Huston. Starring: Humphrey Bogart; Mary Astor; Sydney Greenstreet; Peter Lorre.

Double Indemnity – USA 1944 Directed by: Billy Wilder. Starring: Barbara Stanwyck; Fred MacMurray; Edward G. Robinson.

Leave her to Heaven – USA 1945 Directed by: John M. Stahl. Starring: Gene Tierney; Cornel Wilde; Jean Crain.

Scarlet Street – USA 1945 Directed by: Fritz Lang. Starring: Edward G. Robinson; Joan Bennett; Dan Duryea.

The Strange Love of Martha Ivers – USA 1946 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Barbara Stanwyck; Van Heflin; Kirk Douglas; Lizabeth Scott.

The Postman Always Rings Twice – USA 1946 Directed by: Tay Garnett. Starring: Lana Turner; John Garfield; Cecill Kellaway.


L’amore fa male…

Bang… bang… bang, bang, bang, bang… William Wyler ci dà giusto il tempo di guardarci un po’ intorno per renderci conto che stiamo per vedere una storia ambientata in una piantagione di gomma da qualche parte nel Sud Est Asiatico quando ecco il primo colpo e poi un uomo che si precipita fuori da una casa inseguito da Bette Davis, fredda e inesorabile, che spara, spara e spara ancora e non smette nemmeno quando i proiettili sono finiti.


Bette Davis and (Photo credit: SweeneyTodd48)

Così, proprio come la pièce teatrale di W. Somerset Maugham del 1927 da cui è tratto, incomincia Ombre Malesi (The Letter, il titolo originale), nerissimo melò del 1940 diretto da William Wyler che ha per protagonista appunto Bette Davis nel ruolo di Leslie Crosbie, moglie di un inglese che gestisce nella Malesia Britannica una piantagione di gomma. Per scoprire cosa ha indotto la dolce signora ad uccidere con tanta determinazione un uomo, che presto scopriremo essere Geoff Hammond, un amico di famiglia, non resta che guardare il resto del film e quindi…

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film prima d’ora, correte a procurarvene una copia immediatamente perché la lettura di questo articolo potrebbe rovinarvene la visione. Oppure, se preferite, continuate la lettura ma a vostro rischio e pericolo…

James Stephenson as Howard Joyce in The Letter (Photo Credit: Wikipedia)

Come potete facilmente immaginare col proseguire della storia, nonostante il marito di Leslie (Herbert Marshall), un ufficiale di polizia e l’avvocato di famiglia Howard Joyce (James Stephenson), credano al fatto che lei si sia solo difesa da un tentativo di stupro, la donna finisce in prigione a Singapore in attesa che si svolga il processo per omicidio. Leslie però è ben protetta, la aiutano i pregiudizi e il razzismo. Lei fragile donna europea, è un rispettabilissimo membro della comunità, mentre l’uomo che ha ucciso, Hammond, anche se altrettanto europeo, era segretamente sposato ad una donna del posto che vive nel quartiere cinese (Gale Sondergaard), un fatto che nella assai razzista società coloniale è visto quasi come un crimine, una conferma della sua natura perversa. La delicata donnina che in prigione  lavora all’uncinetto è sicuramente innocente mentre l’abbietto pervertito ha solo avuto quello che si meritava. E tutti sembrano pensarla così, almeno fino a quando l’assistente indigeno dell’avvocato non lo avverte che la vedova di Hammond è in possesso di una lettera di Leslie che potrebbe provare che in realtà la donna e l’uomo che ha ucciso avevano da tempo una relazione e che Leslie, livida di gelosia dopo aver scoperto del matrimonio segreto, l’aveva invitato a raggiungerla nella sua casa…

William Somerset Maugham in 1934 (Photo Credit: Wikipedia)

La pièce teatrale di Maugham, in origine un racconto apparso nel 1926 nella raccolta The Casuarina Tree, era ispirata ad un vero scandalo accaduto nel 1911 a Kuala Lumpur: la moglie del preside di una scuola aveva ucciso a colpi di pistola un “amico”. Non c’era nessuna lettera, quella è un’invenzione di Maugham, ma le storie finivano comunque allo stesso modo: l’assassina veniva perdonata. Un’altra invenzione di Maugham è il fatto che la donna nel finale raccontando la verità al marito gli confessi anche di essere ancora innamorata dell’uomo che ha ucciso oltre al proposito di vivere con lui il resto della vita solo per espiare la sua colpa.

Ovviamente un simile finale, che era stato usato anche nella prima versione cinematografica del 1929 (che aveva come protagonista Jeanne Eagels e in cui Herbert Marshall interpretava il ruolo di Hammond), non era più accettabile nella Hollywood del 1940. Dopo l’inasprimento del Codice Hays del 1934, le maglie della censura si erano ristrette e ogni delitto andava debitamente punito. Così nel finale del film Leslie, dopo la sua confessione al marito, pur presagendo che qualcosa di terribile sta per accadere (dopo tutto ha trovato sulla soglia di casa un pugnale…), va in giardino e quasi si offre alla vendetta della moglie di Hammond che la pugnala per la felicità dei censori.

Cropped screenshot of Herbert Marshall from th...

Herbert Marshall in The Letter. (Photo credit: Wikipedia)

Ombre Malesi era la seconda collaborazione artistica tra Bette Davis e William Wyler, l’uomo che l’attrice considerava il più grande regista di Hollywood, quello che l’aveva aiutata a raggiungere il massimo del suo potenziale (con La Figlia del Vento nel 1938, il film col quale aveva vinto il suo secondo Oscar), e il grande amore della sua vita (anche se, con grande rimpianto della Davis, non fu uno dei suoi quattro mariti).  Il film piacque alla critica (anche se sul New york Times si disse che la censura aveva reso “debole” il finale esigendo la punizione della colpevole Leslie),  e conquistò ben 7 nomination all’Oscar (miglior film; regia; attrice; attore non protagonista -James Stephenson; colonna sonora originale; montaggio; fotografia in bianco e nero) ma non portò a casa nessuna statuetta.

Vi avverto, il ritmo è lento e il film è intriso di razzismo. La società dei bianchi è rigorosamente separata dalla comunità locale i cui rappresentanti sono dipinti come subdoli, manipolatori e vagamente amorali (l’assistente un po’ viscido finge di dare una mano mentre partecipa a un ricatto e la moglie del defunto monetizza la morte del marito ma alla fine si riscatta grazie a un delitto imposto dalla censura). Sarebbe difficile però aspettarsi qualcosa di diverso visto il momento storico che il film fotografa e quello in cui è stato prodotto (basti ricordare che le unioni interraziali erano fortemente censurate dal Codice Hays). Nonostante tutto comunque, questo è uno di quei film che dovreste aver visto almeno una volta nella vita.

Altre signore pericolose che potrebbero persino piacervi (cliccate sul titolo per vedre una scena o il trailer):

Il Mistero del Falco – USA 1941 Diretto da: John Huston. Con: Humphrey Bogart; Mary Astor; Sydney Greenstreet; Peter Lorre.

La Fiamma del Peccato – USA 1944 Diretto da : Billy Wilder. Con: Barbara Stanwyck; Fred MacMurray; Edward G. Robinson.

Femmina Folle – USA 1945 Diretto da: John M. Stahl. Con: Gene Tierney; Cornel Wilde; Jean Crain.

La Strada Scarlatta – USA 1945 Diretto da: Fritz Lang. Con: Edward G. Robinson; Joan Bennett; Dan Duryea.

Lo Strano Amore di Martha Ivers – USA 1946 Diretto da: Lewis Milestone. Con: Barbara Stanwyck; Van Heflin; Kirk Douglas; Lizabeth Scott.

Il Postino Suona Sempre Due Volte – USA 1946 Diretto da: Tay Garnett. Con: Lana Turner; John Garfield; Cecill Kellaway.

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A simple question

It’s today news: the UN’s Committee on the Rights of the Child (CRC) accuses the Vatican of violating the UN Convention on the Rights of the Child adopting policies allowing priests to sexually abuse thousands of children and asks to “immediately remove” all clergy who are (or are suspected to be) child abusers (often they are simply transferred from one church to the other while nobody reports the abuses to the authorities).

The Vatican replied in a note reiterating its commitment to defending and protecting the rights of the child but accusing the commission to interfere with Catholic Church teaching on the dignity of the human person and freedom of religion. The commission also criticized the Vatican for its position on  contraception, abortion and homosexuality.

Reminding that in fact the Catholic Church often heavily interferes in different questions concerning the lives of people (that obviously ain’t in their entirety Catholics) living in many different sovereign Countries (as the commission said especially on issues like abortion, contraception and homosexuality. For instance are countless the interferences occurring every time in a Parliament someone evokes the possibility to discuss a law to make legal something vaguely resembling to a marriage between people of the same sex), there’s one question someone should answer: where is the interference with Catholic Church’s teaching on the dignity of the human person if someone reports a child abuser to the police?

 Harpo Marx

È una notizia di oggi: la commissione ONU per i diritti dei minori accusa il Vaticano per avere violato la convenzione per i diritti dei minori adottando una linea di condotta che ha permesso a religiosi di commettere migliaia di abusi sessuali su minori indifesi e rivolge alla Santa Sede la richiesta di “rimuovere immediatamente” i responsabili di quegli abusi (che spesso sono stati semplicemente trasferiti di parrocchia in parrocchia senza avvertire le autorità civili dei reati commessi). La commissione ha inoltre criticato il Vaticano per le sue posizioni su contraccezione, aborto e omosessualità.

La Santa Sede ha replicato ribadendo un generico impegno nella difesa dei diritti dei fanciulli e accusando la commissione di “interferire nell’insegnamento della chiesa cattolica sulla dignità della persona umana e nell’esercizio della libertà religiosa”.

Ricordando che in effetti la Chiesa cattolica interferisce e non poco nelle questioni che riguardano la vita dei cittadini (ovviamente non tutti cattolici) di diversi stati sovrani (proprio come ricordato dalla commissione specialmente in materia di aborto, contraccezione e omosessualità con perenni interferenze, ad esempio, ogni volta che un parlamento fa la mossa di tentare di discutere della possibilità di legalizzare qualcosa che possa vagamente evocare i matrimoni tra persone dello stesso sesso), sorge spontanea una domanda: esattamente in cosa interferisce con l’insegnamento della chiesa cattolica sulla dignità della persona umana una denuncia alle autorità di una persona che ha abusato di un minore?

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