My weekend movie: Intermezzo (1939)

Intermezzo 1939

Intermezzo: A Love Story (Intermezzo) – USA 1939

Directed by: Gregory Ratoff.

Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best; John Halliday; Cecil Kellaway.

Is it possible to built happiness on the unhappiness of others?

Well obviously no, but also… yes! It’s a complicated issue, a question of points of view.

Take for instance Intermezzo: A Love Story, the 1939 melodrama starring Leslie Howard and Ingrid Bergman, a relatively minor film in the golden year of Hollywood golden age.

Intermezzo (1939 film)

Intermezzo (1939 film) (Photo credit: Wikipedia)

It tells the story of a famous (and fictitious) Swedish violinist, Holger Brandt (Leslie Howard), who meets his little daughter’s piano teacher, the young (and beautiful) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressed by her talent makes her his concert partner, falls in love with her, leaves his family (a dull wife, the mentioned daughter and an older son) to live with her… till, victim of remorse and nostalgia (but only for his young daughter…), Anita mercifully set him free, so he can go back home, tail between his legs, and after almost causing his beloved daughter’s death, is forgiven by his wife and welcomed back into the family.

If you consider the story, you’ll quite obviously think that it’s impossible to built happiness on the unhappiness of others, because, and that’s the film’s main thesis, even if you try to ignore it that unhappiness will cast a shadow over your life.

But if you consider the movie as a movie, a product of the motion pictures industry, well then you will discover that happiness (at least some sort of professional happiness) can be built on the unhappiness of others (the film characters’).

Producer David O. Selznick in fact clearly made an “happy” move buying the rights and producing a new film based on the 1936 Swedish movie Intermezzo (to the title he added A Love Story thinking that the original could be a little too obscure for the American audience). Thanks to Intermezzo Selznick ensured to his most famous creature, the silver screen version of Margaret Mitchell‘s Gone with the Wind, one of its protagonist: Leslie Howard. The British actor in fact took part in the epic romance playing the wimpish Ashley Wilkes (a role he detested) only after Selznick allowed him to co-produce Intermezzo, that will be his final Hollywood movie. Leslie Howard in fact will go back to England at the outbreak of WWII to help with the war effort producing, directing and starring in a series of propaganda films. He will die on a mysterious plane crash over the Bay of Biscane on June,1 1943 (if you want to know more, you can read the article about the 1941 movie Pimpernel Smith HERE).

English: Portrait

Ingrid Bergman (Photo credit: Wikipedia)

Another “happy” move made by Selznick was to cast as Anita the actress who had played the same role in the original Swedish movie: Ingrid Bergman. The actress, to whom Selznick, understanding her fear of excessive makeovers, cleverly spared the “Hollywood treatment” building instead a promotional campaign around her “naturalness”, made with Intermezzo her Hollywood debut. Selznick’s happy move turned the Swedish actress, who could then barely speak English, into one of the greatest Hollywood stars.

In the end, maybe Intermezzo is just a minor melodrama released in the most outstanding year in motion pictures (just think about Gone with the Wind, The Wizard of Oz, Mr Smith Goes to Washington, Ninotchka, Stage Coach, Wuthering Heights, The Women and many, many other memorable movies released in 1939, the year marked by the outbreak of WWII), but in its own way, between assorted dramas an unhappiness, it is, if not a memorable movie, a “happy” one… and if you like, once in a while, having a good cry, well, it could be your kind of movie.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Love Affair – USA 1939 Directed by: Leo McCarey. Starring: Irene Dunne; Charles Boyer.

A Woman’s Face – USA 1941 Directed by: George Cukor. Starring: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Unfaithfully yours – USA 1948 Directed by: Preston Sturges. Starring: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Letter from an Unknown Woman – USA 1948 Directed by: Max Ophuls. Starring: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

È possibile costruire la propria felicità sull’infelicità degli altri?

Beh, ovviamente no, ma anche…si! È una faccenda complicata, una questione di punti di vista. Prendete ad esempio Intermezzo, il melò del 1939 con Leslie Howard e Ingrid Bergman, un film relativamente minore uscito in quello che è considerato l’anno d’oro dell’età dell’oro di Hollywood.

Ingrid Bergman e Leslie Howard in Intermezzo (Photo Credit: Wikipedia)

Racconta la storia di un famoso (e fittizio) violinista Svedese, Holger Brandt (Leslie Howard), che conosce la maestra di piano di sua figlia, la giovane (e bella) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressionato dal suo talento la invita ad accompagnarlo al piano durante i suoi concerti, si innamora di lei, molla la famiglia (una moglie insulsa, la già menzionata figlia e un figlio più grande) per vivere con lei…fino a quando, in preda ai rimorsi e alla nostalgia (ma solo per la figlia…), viene finalmente mollato a sua volta dalla misericordiosa Anita, torna a casa con la coda tra le gambe e, dopo aver quasi provocato la morte dell’amata figlia, viene perdonato dalla moglie e riaccolto in famiglia.

Se prendete in considerazione questa storia, alla fine vi sembrerà ovvio che no, non si può costruire la propria felicità sull’infelicità altrui, perché, questa almeno è la tesi del film, anche se cercate di non pensarci, il sapere di aver causato quell’infelicità inizierà a tormentarvi.

Se invece prendete in considerazione il film in quanto a film, cioè prodotto dell’industria cinematografica, beh allora si che si può dire che la propria felicità (almeno dal punto di vista professionale) la si può costruire sull’infelicità altrui (quella dei personaggi del film).

David O. Selznick

David O. Selznick (Photo credit: Wikipedia)

Il produttore David O. Selznick fece infatti una mossa decisamente “felice” acquisendo i diritti per produrre un nuovo film basato sul film Svedese del 1936 intitolato appunto Intermezzo (a quel titolo aggiunse A Love Story perchè preoccupato del fatto che potesse risultare troppo oscuro per il pubblico americano). Grazie ad Intermezzo Selznick assicurò alla sua più famosa creatura, la versione cinematografica del best-seller di Margaret Mitchell Via col Vento, uno dei protagonisti: Leslie Howard. L’attore Britannico accettò infatti di interpretare il rammolito Ashley Wilkes (un ruolo che detestava apertamente) solo dopo che Selznick gli permise di co-produrre Intermezzo, che sarà il suo ultimo film Hollywoodiano. Leslie Howard infatti allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale tornerà in Inghilterra per partecipare allo sforzo bellico producendo, dirigendo e recitando in film di propaganda. Morirà il 1° giugno 1943 insieme ad altre 17 persone in un misterioso incidente aereo sul Golfo di Biscaglia (se volete saperne di più potete leggere l’articolo sul film del 1941 La Primula Smith QUI).

Un’altra mossa felice di Selznick fu ingaggiare per il ruolo di Anita la stessa attrice che aveva interpretato quella parte nel film originale: la Svedese Ingrid Bergman. L’attrice, a cui Selznick, comprendendo il suo timore per i cambiamenti estetici eccessivi, risparmiò il classico “trattamento Hollywoodiano” costruendo invece una campagna promozionale intorno alla sua “naturalezza”, fece con Intermezzo il suo debutto ad Hollywood. La mossa felice di Selznick trasformò l’attrice svedese, che al suo arrivo in America quasi non sapeva parlare in inglese, in una delle più grandi stelle di Hollywood.

Ecco, forse Intermezzo sarà solo un melodrammone minore uscito in uno degli anni più memorabili della storia di Hollywood (basti pensare ai vari Via col Vento, Il Mago di Oz, Mr Smith va a Washington, Ninotchka, Ombre Rosse, Cime Tempestose, Donne e tanti altri film memorabili usciti in quel 1939 segnato dallo scoppio della Seconda guerra Mondiale), ma a suo modo, tra drammi assortiti e tanta infelicità, fu anche un film, se non memorabile, sicuramente “felice”… e se non vi dispiace ogni tanto farvi un bel pianto, beh potrebbe essere anche il film che fa per voi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Un Grande Amore – USA 1939 Diretto da: Leo McCarey. Con: Irene Dunne; Charles Boyer.

Volto di Donna – USA 1941 Diretto da: George Cukor. Con: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Infedelmente Tua – USA 1948 Diretto da: Preston Sturges. Con: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Lettera da una sconosciuta – USA 1948 Diretto da: Max Ophuls. Con: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

Equality postponed

“… I think you’re a sexist, misogynist dinosaur…”

M

From: GoldenEye – 1995

“At last!” I though when last week I read that finally the Italian Parliament was almost ready to change the law saying that children inherit exclusively their father’s surname. A parliamentary commission was discussing a bill to make possible to give children the father’s or the mother’s surname or both (with no agreement both names will be given automatically).

In January, a sentence pronounced by the European Court of Human Rights based in Strasbourg said that Italy is violating the equality principle. Because to give your name to your children is your right. Even if you’re a woman.

Now, it was almost done… almost. Because, you know, when the children will grow up and have children of their own they will have to chose which name (father’s or mother’s) give them (Stefania Prestigiacomo, Forza Italia’s MP and former minister in MrB’s cabinets, found this passage quite perplexing), because this will change a tradition that lasted for centuries, and above all because when someone proposed that the bill would be approved or rejected with a secret vote the Democratic Party (the Italian Prime Minister’s Party) decided to wash its hands of it, to great disappointment of Michela Marzano, philosopher and Democratic Party’s MP introducing the bill. Clearly, someone who knew for certain that all the male MPs (but also some female MP) are afraid that giving to children also their mother’s name the Italian male’s virility could be irreparably damaged or worse, thought that a secret vote could cause the bill’s rejection  and therefore great embarrassment to the parliamentary majority (especially to the Democratic Party).

After all chit-chats about civil rights work well in an election campaign, but not so well in the Parliamentary debate. Much better to postpone this question at a later date…

“…penso che tu sia un dinosauro sessista e misogino…”

M

Da: GoldenEye – 1995

“Era ora!” Mi sono detta appena una settimana fa leggendo che finalmente la commissione giustizia della camera aveva approvato (all’unanimità) il testo della legge che dovrebbe abolire l’obbligo di trasmettere il solo cognome paterno lasciando libertà di scelta tra quello del padre o della madre o di entrambi (in caso di disaccordo dovrebbero essere assegnati tutti e due).

A gennaio la Corte Europea dei Diritti dell’uomo (sic!) di Strasburgo aveva condannato l’Italia per violazione del principio d’uguaglianza. Perché dare il proprio cognome ai figli è un diritto. Anche delle donne.

Ora finalmente sembrava quasi fatta… e invece no. Perché un domani dei due cognomi se ne potrà trasmettere solo uno, a discrezione dei neo-genitori che potrebbero non scegliere quello paterno (ipotesi che a quanto pare ha suscitato perplessità nella deputata Stefania Prestigiacomo), perché si va a toccare tradizioni millenarie, ma soprattutto perché di fronte alla richiesta di voto segreto il PD ha deciso di alzare le mani, con grande scorno e sconcerto della relatrice Michela Marzano, filosofa e deputata PD. Il ragionamento, fatto evidentemente da chi sa per certo che i signori deputati maschi (ma a quanto pare anche qualche signora deputata femmina) temono che la perdita del diritto esclusivo di trasmettere il cognome ai figli possa ledere irreparabilmente la virilità del maschio italico o peggio, sarebbe: se il voto è segreto la legge sarà sicuramente bocciata dall’aula causando imbarazzi alla maggioranza.

In fondo i diritti civili funzionano alla grande in campagna elettorale, ma in Parlamento è tutta un’altra storia. Meglio rimandare la questione a data da destinarsi…

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The Most Dangerous Game 1932

The Most Dangerous Game (Caccia Fatale) – USA 1932

Directed by: Ernest B. Schoedsack; Irving Pichel.

Starring: Joel McCrea; Leslie Banks; Fay Wray.

There are two kinds of people: the hunter and the hunted…

Summer, especially when quite cold and rainy, is the right season to rediscover old adventure-thrillers packed with Gothic mansions, scary servants, mad villains, screaming heroines and handsome adventurers. And what’s better than a film you can easily find online for free cause it’s now in the public domain?

English: Low-resolution image of poster for th...

English: Low-resolution image of poster for the American motion picture The Most Dangerous Game (1932) (Photo credit: Wikipedia)

The adventure movie I suggest you to watch has been released in 1932. It’s The Most Dangerous Game, the first film adaptation of the 1924 short story of the same name by Richard Connell (inspiring through decades many, many films, especially B-movies) and above all the (different)twin of King Kong made by the same team (Schoedsack -here with Irving Pichel- director and producer, Merian C. Cooper – in Kong also director, here only producer), using the same set (the jungle) and part of the same cast (in particular the scream-queen Fay Wray) with the addiction of Leslie Banks as the villain and the amiable hunk Joel McCrea as the hero. It seems that this movie was shot during the day while King Kong at night (surely the best way to optimize the resources).

The premises are quite alarming: in an unknown shark infested channel, a yacht sinks. The only survivor is Bob Rainsford (Joel McCrea) a famous game hunter and writer who, miraculously spared by sharks, is able to swim to the shore of a tiny island not on the maps. And, what a coincidence, in the island there’s a Gothic fortress…

SPOILER ALLERT: if you’ve never seen this movie, this is the right time to click on the following link and watch it: 

http://www.youtube.com/watch?v=_DXLTw22HOQ

otherwise you read the rest of this article at your own risk…

English: Leslie Banks in The Most Dangerous Ga...

Leslie Banks as Count Zaroff (Photo credit: Wikipedia)

Now, as you surely know, a Gothic something (mansion, fortress, cathedral or whatever… ) in a Classic Hollywood movie heralds alarming developments as much as a bearded mute servant who looks a bit insane or an exceedingly jovial landlord, especially if he’s a Count and especially if now and then he caresses a strange scar on his forehead. Anyway, none of these signals seems to alarm our good ol’ Rainsford who, after surviving a shipwreck and a bunch of starving sharks, is now cheerfully smiling to the hospitable Russian Count Zaroff (Leslie Banks) and above all is not at all surprised to find in such a secluded place dry clothes that perfectly fit him! Anyway, shipwrecks are a local speciality. Under Count Zaroff’s roof are living in fact a couple of other survivors: Martin Trowbridge and his sister Eve, a drunkard and a really elegant and pretty girl. During a pleasant evening entertainment made of music (obviously Zaroff plays the piano as passionately as only a Russian Count could play it) and a little chit-chat, the Count tells to Rainsford that he’s one of his fans and reveals him his insane passion for hunting (his reason to live) also hinting that he finally found a new kind of prey: the most dangerous game! But none of that is enough to alarm Rainsford who seems unable to smell danger even when Eve tries to catch his attention telling him that in fact there were other survivors now mysteriously disappeared after the Count showed them into a certain mysterious room. But when at night the girl asks for Rainsford help because her brother mysteriously disappeared too, the two survived survivors enter the forbidden room finding in it a very peculiar kind of hunting trophies: human heads! So humans, the shipwrecks survivors, are the most dangerous game, the new exciting prey. That very same night Rainford will finally discover how does it feels to be hunted like an animal, while Eve will have to try and escape not to become Count Zaroff final prize…

The Jungle waiting for Kong (Photo credit: Wikipedia)

I won’t tell you anything more, but I guess that using your imagination you could easily guess what happens next though I have to cause the disappointment of all the fans (men and women) of old time hunky lead men (those guys with an over shaved chest who, before taking off their shirt, would be forced today into a six month intensive preparation with a sadistic personal trainer…): McCrea doesn’t lose most of his clothes during the hunting (if you are eager to see him almost naked watch Bird of Paradise the exotic 1932 movie with Dolores del Rio). Sometimes synopsis and reviews are written by people who never watched the movie they’re talking about.

The Most Dangerous Game‘s main theme, the hunter becoming prey and victim of another man and the relation between lust for blood and lust for sex (something added in the movie), is surely more interesting than the film itself. There’s a lack of suspense, McCrea surely made better films later (for instance Howard Hawks’ Come and Get It, Hitchcock’s Foreign Correspondent, Sturges’ Sullivan’s Travels…) and Fay Wray does little more than screaming (but, as Brian De Palma convincingly proves in Blow Out, screaming ain’t such an easy task…). Anyway, the atmospheres are decidedly intriguing and, above all, Count Zaroff, the serial killer so shamelessly convinced that Rainsford should be glad to join him in his manhunt and so openly ready to declare that Eve will be his final after-hunting prize, is a noteworthy villain also because Leslie Banks is able to use the injuries that left his face partially scarred and paralysed (he was a WWI veteran) to make the character even more frightening.

I must be clear, there’s very little in The Most Dangeroud Game that could be unexpected, but you should watch it at least once anyway.

 A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dracula – USA 1931 Directed by: Todd Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Directed by: James Whale. Starring: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

White Zombie – USA 1932 Directed by: Victor Halperin. Starring: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

The Old Dark House – USA 1932 Directed by: James Whale. Starring: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Directed by:Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Starring: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

Mystery of the Wax Museum – USA 1933 Directed by: Michael Curtiz. Starring: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Young Frankenstein – USA 1974 Directed by: Mel Brooks. Starring: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Directed by: Jim Sharman. Starring: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.

pellicola2

Ci sono due tipi di persone: i cacciatori e le prede…

L’estate, specialmente se tiepidina e piovosa, è la giusta stagione per rivedere i vecchi film d’avventura zeppi di dimore gotiche, servi inquietanti, cattivi psicopatici, eroine urlanti e prestanti avventurieri. E cosa c’è di meglio di un film che si può tranquillamente trovare e guardare gratis online perché ormai (negli Stati Uniti) di pubblico dominio?

English: Joel McCrea & Leslie Banks in The Mos...

Rainsford sta per diventare una preda  (Photo credit: Wikipedia)

Il film d’avventura che vi consiglio è Caccia Mortale (The Most Dangerous Game) del 1932, primo adattamento cinematografico del racconto La preda più pericolosa (The most dangerous game) scritto da Richard Cornell nel 1924 (che da allora ha ispirato un sacco di film, in particolare B-movies), ma soprattutto gemello diverso di King Kong realizzato dallo stesso team (Schoedsack -qui con Irving Pichel- come regista e produttore, Merian C. Cooper nell’altro anche regista, qui solo produttore), usando le stesse scenografie (la giungla) e parte dello stesso cast (in particolare la regina delle urlatrici Fay Wray) con l’aggiunta di Leslie Banks nel ruolo del cattivo e del simpatico bietolone Joel McCrea nei panni dell’eroe. Pare che si girasse questo film di giorno e King Kong di notte (quando si dice ottimizzare le risorse!).

Le premesse del film sono piuttosto inquietanti: in un non meglio identificato tratto di mare infestato dagli squali una nave affonda. L’unico sopravvissuto è Bob Rainsford (Joel McCrea), noto cacciatore e scrittore che, miracolosamente risparmiato dai pescecani, riesce a nuotare fino alla spiaggia di un’isoletta sconosciuta alle mappe. Manco a farlo apposta sull’isola si trova una fortezza di vago sapore gotico…

ATTENZIONE SPOILER: se il film non l’avete mai visto (e capite bene l’inglese) vi consiglio di cliccare sul link che segue per vederlo ora:

http://www.youtube.com/watch?v=_DXLTw22HOQ

altrimenti proseguite la lettura a vostro rischio e pericolo…

Leslie Banks as "Count Zaroff" in Th...

Il Conte ama la caccia (Photo credit: Wikipedia)

Come ben sapete, una dimora in stile gotico in un film della Hollywood classica è presagio di sviluppi quantomeno inquietanti, così come la presenza nella dimora di un servo barbuto con occhi da pazzo e privo dell’uso della parola e l’eccessiva giovialità del padrone di casa, specialmente se è un Conte e specialmente se ogni tanto si accarezza una sinistra cicatrice su una tempia. Nulla di tutto ciò però sembra turbare il buon Rainsford che del resto, dopo un naufragio e un attacco di un branco di squali, sorride affabile e per niente scosso all’ospitale Conte russo Zaroff (Leslie Banks) e soprattutto non è affatto sorpreso di trovare in un posto simile un cambio d’abiti della sua taglia. I naufragi comunque sono una specialità del luogo. Il conte Zaroff ospita infatti i superstiti di un altro naufragio, i fratelli Martin ed Eve Trowbridge: il primo un’autentica spugna, l’altra una bella ragazza elegantissima (su un’isola dove è arrivata solo con i vestitit che aveva addosso…).

English: Screenshot from The Most Dangerous Ga...

Rainsford e Eve nella giungla (Photo credit: Wikipedia)

Nel corso di un simpatico intrattenimento serale a base musica (ovviamente Zaroff suona il piano con la passionalità che si addice ad un conte Russo) e chiacchiere, il Conte confida a Rainsford di essere un suo ammiratore e rivela un’inquietante passione per la caccia (la sua unica ragione di vita) accennando al fatto di aver finalmente trovato un nuovo tipo di preda: la più pericolosa! Anche questo però non allarma Rainsford che pare non fiutare il pericolo imminente nemmeno quando la bella Eve gli fa notare che altri naufraghi sono misteriosamente scomparsi dopo aver visitato una certa stanza della fortezza. Quando però durante la notte la ragazza chiede l’aiuto di Rainsford perché il fratello è scomparso i due entrano nella stanza proibita scoprendo dei singolari trofei di caccia: teste umane! Sono quindi gli esseri umani, i naufraghi, la nuova preda del Conte! Quella stessa notte Rainsford scoprirà finalmente cosa si prova ad essere braccati come animali, mentre Eve dovrà cercare di sfuggire agli appetiti post-caccia del Conte…

Eve è perduta? (Photo credit: Wikipedia)

Il resto non ve lo dico, ma scommetto che se vi sforzate un pochino riuscirete a capire da soli come va a finire la storia anche se mi tocca deludere gli appassionati e le appassionate di fusti d’antan (tanto per intenderci quei ragazzoni che avevano il petto liscio come quello di un bebè e che se dovessero fare un film oggi ,prima di togliersi la maglietta, gli toccherebbe fare almeno 6 mesi di duro allenamento con un personal trainer sadico…): McCrea non perde progressivamente gli abiti nel corso della caccia (se proprio volete vederlo quasi come mamma l’aveva fatto guardatevi pure Bird of Paradise, film di ambientazione esotica del 1932 con Dolores del Rio). A volte chi scrive recensioni e riassunti non ha visto il film di cui parla.

Il tema di Caccia Mortale, l’uomo che da cacciatore si trasforma in preda vittima di un suo simile assetato di sangue e sesso, è sicuramente migliore dello svolgimento. La suspense infatti latita un po’, McCrea sicuramente in seguito ha fatto di meglio (basti pensare ad Ambizione di Hawks, Il Prigioniero di Amsterdam di Hitchcock, I dimenticati di Sturges…), e Fay Wray fa poco più del suo dovere di urlatrice (ma del resto come ci ha dimostrato in maniera convincente Brian DePalma in Blow Out anche urlare non è mica una cosa così facile). Le atmosfere però sono suggestive e soprattutto il Conte Zaroff, serial killer sfacciato sia nel pretendere che Rainsford in quanto cacciatore possa condividere il suo entusiasmo per la caccia all’uomo che nel dichiarare alla bella Eve che lei sarà la sua ricompensa dopo tanto cacciare (e questo non c’era nel racconto originale), è un cattivo degno di nota anche grazie a Leslie Banks capace di sfruttare una sua piccola disabilità (l’emiparesi del volto dovuta ad una ferita di guerra, era reduce della Prima Guerra Mondiale) per risultare più inquietante.

Caccia Mortale è, va detto, un film un po’ scontato, ma vale decisamente la pena di vederlo almeno una volta.

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedrere una scena o il trailer):

Dracula – USA 1931 Diretto da: Todd Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Diretto da: James Whale. Con: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

L’isola degli Zombies – USA 1932 Diretto da: Victor Halperin. Con: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

Il castello maledetto – USA 1932Diretto da: James Whale.Con: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Diretto da: Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Con: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

La maschera di cera – USA 1933 Diretto da: Michael Curtiz. Con: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Frankenstein Junior – USA 1974 Diretto da: Mel Brooks. Con: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Diretto da: Jim Sharman. Con: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.

Thank you ever so!

 “Thank you ever so!”

Lorelei Lee

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Thanks to The Youngest Italian Prime Minister in the last 150something years, to the parties supporting his government, to Forza Italia (mrB’s party) and to Lega Nord (the racist Northern League) too.

Thanks to all of you cause you finally reached an agreement to reform the Italian Senate. Thanks for not wasting a single minute to do something so pointless like try and explain us how it will work  (after all, this ain’t our business). Thanks because certainly, once approved (and we know nothing will stop you) this reform that every single citizen wanted so desperately will assure us a bright future: the elders will be junked, the young will prosper, the poor will have more than they need, those depressed will smile again and our good old Italy will be turned into an Intergalactic Power.

But above all, thanks for lifting from our poor common citizen’s shoulders the burden of choosing senators . Between you and me… frankly, to waste time standing in a line on a (maybe sunny or even rainy) Sunday every 5 years just to vote and elect a bunch of Senators was such a terrible, intolerable nuisance.

“Grazie e stragrazie!”

Lorelei Lee

Da: Gli uomini preferiscono le bionde – 1953

 

Grazie e stragrazie al Presidente del Consiglio più giovane degli ultimi 150 e qualcosa, alla maggioranza che lo sostiene, a Forza Italia e pure alla Lega Nord.

Grazie a tutti voi che finalmente avete trovato l’accordo per riformare il Senato. Grazie per non aver perso neanche un minuto per cercare di farci capire come diavolo funzionerà e di cosa si occuperà (che in fondo non sono nemmeno affari nostri). Grazie perché una volta approvata (e lo sappiamo bene che nulla vi fermerà) di sicuro con questa riforma che tutti i cittadini chiedevano a gran voce finalmente i vecchi saranno rottamati, i giovani prospereranno, i poveri avranno anche il superfluo, i depressi torneranno a sorridere e la nostra povera Italia si trasformerà in una SuperPotenza Intergalattica.

Ma soprattutto grazie per averci sollevato, noi poveri comuni cittadini ignoranti, dal peso di dover eleggere i Senatori riformati. Detto tra noi… perdere tempo una domenica ogni 5 anni (quando andava bene) solo per andare a votare per il rinnovo del Senato della Repubblica era una solenne scocciatura.

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My weekend movie: Plein Soleil (1960)

 

Plein Soleil 1960

Plein Soleil (Purple Noon – Delitto in pieno sole) – FRA/ITA 1960

Directed by: René Clément.

Starring: Alain Delon; Maurice Ronet; Marie Laforêt.

The Class Struggle according to Mr Ripley

Take an idle rich, study his behaviour, habits and manners, get rid of him (no pity allowed) and finally take his place. A very peculiar kind of Class Struggle, isn’t it?

Plein Soleil – official US poster (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, that’s more or less Tom Ripley’s way to cope with disparity between rich and poor as you will discover watching Plein Soleil (Purple Noon is the English title), the 1960 French thriller directed by René Clément and starring Alain Delon, who became thanks to this movie (and thanks to Luchino Visconti‘s Rocco and his borthers, also released in 1960) an international movie star.

As you can guess the French actor is Tom Ripley a penniless American guy send to Italy to persuade an old friend, the idle rich Philip Greenleaf (Maurice Ronet), to return to United States. Philip’s father promised him 5000 $, but the mission soon proved to be impossible. Tom remains anyway with the friend, interfering between him and his girlfriend Marge (Marie Laforêt), becoming a sort of personal assistant (often humiliated) and most of all desiring to fill his friend’s shoes…

SPOILER ALERT: I warn you, if you’ve never watched this film before, this is the right moment to go and fetch a copy, otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

If my description of the story slightly reminds you to something you’ve already read or watched before, well this is not a coincidence.

Plein Soleil is in fact loosely based on The Talented Mr Ripley, the1955 novel (the first of five novels about Tom Ripley) written by Patricia Highsmith that was adapted again for cinema in 1999 (and if you’re not very, very young probably remember it): the movie, apparently a more faithful adaptation having the same book title (I can’t judge this cause I’ve never read the book, sorry), was directed by Anthony Minghella and starred Matt Damon as Ripley, Jude Law as Greenleaf (but correctly called Dickie) and Gwyneth Paltrow as Marge (plus Philip Seymour Hoffman and Cate Blanchett in minor roles).

The Talented Mr. Ripley

The Talented Mr. Ripley (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, Pein Soleil is completely different from The Talented Mr Ripley and, in my humble opinion, is also a better film.

Plein Soleil is more concise, we are spared the clichés about Italy and Italians (after all the movie is contemporary with the story and is a French-Italian production), as we are spared unrequired didactic explanations on why and how Ripley arrived in Italy or about his relationship with Greenleaf (Philip). As the movie starts, we meet Tom and Philip and immediately understand what’s going on: Philip Greenleaf is rich, Tom Ripley is poor. They both pretend to be friend: Greenleaf despises Ripley cause penniless and in need of his father’s money so he bullies him a bit. Ripley despises Greenleaf cause he has everything he wants. In Minghella’s version the relationship between Ripley and Dickie is (at least in Ripley’s mind) a sort of love affair, in Clément’s movie Ripley and Philip are playing cat and mouse: Greenleaf wants to see how far Ripley will go to make what he consider a little pocket money, while Ripley simply wants Greenleaf’s clothes, shoes, home, boat, girlfriend and life.

In both movies Ripley has a special talent for lies and impersonation. Anyway, Ripley/Damon seems to be at the mercy of circumstances: when Dickie (violently) rejects him, he kills him in a rage (but also in self-defence, appearing this way if not innocent at least less guilty) and then, distraught, remains for a long time beside his corpse before getting rid of it.

Alain Delon as Ripley (Photo Credit: Wikipedia)

On the other hand Ripley/Delon, threateningly charming as much as the French actor could be, knows too well what he wants: to fill Greenleaf’s shoes. He’s only waiting, disguised in a servile pose, for the right occasion, and possibly for a reason, to take action. During a yachting trip with Philip and Marge, the wealthy guy’s cruelty to him (and Marge too) prompts Ripley to action: he arranges things to cause an argument between the two lovers just to give Marge an excuse to go ashore, then once alone with Philip he kills him in cold blood, immediately get rid of his corpse and in the end, not at all distraught, eat something.

And what about the identity theft? Well, once again Ripley /Damon seems at the mercy of events: someone mistake him for Dickie and so he goes on improvising between (mortal) hitches and strokes of luck. Ripley/Delon made plans (the more you see, the more you understand it), he’s a proficient forger (the scene when he forges Philip passport and learn how to make his sign could be used in a crime academy), nothing happens by chance. And in the end, he (lethally) overcome obstacles and get what he wanted. Everything: house, boat, clothes, money and girl.

SPOILER ALERT: once again, if you’ve never watch this movie, you better skip the last few lines…

Critics and audiences liked Plein Soleil. Patricia Highsmith highly appreciated Alain Delon performance (after all as I told you this movie made him a star) but disliked the ending. In fact in this movie, after a real coup de théâtre, Ripley is caught by police enraging Highsmith who called this “a terrible concession to so-called public morality”. In my opinion anyway (sorry if I sound a bit presumptuous contradicting Ripley’s “mother”, but I’ve never read her novel so I simply judge the film) this ending with Ripley on the beach so satisfied with his newly conquered place in the sun, sure to have “the best” at his disposal who ends (unaware till the end and far from our sight) captured by police is a great ending.

Anyway, whether you like the ending or not Plein Soleil is a film you shouldn’t miss (and about The Talented Mr Ripley, well, do as you wish…),

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Spellbound – USA 1945 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

Vertigo – USA 1958 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

Woman of Straw – UK 1964 Directed by: Basil Dearden. Starring: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Trading Places – USA 1983 Directed by: John Landis. Starring: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Directed by: Jon Amiel. Starring: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

The Talented Mr Ripley – USA 1999 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Ripley’s game – ITA/UK/USA 2002 Directed by: Liliana Cavani. Starring: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.

pellicola2

La Lotta di Classe secondo Mr Ripley

Prendete un ricco viziato, studiatene il comportamento, le abitudini, le maniere, liberatevene (non è concessa alcuna pietà) e quindi sostituitevi a lui. Un genere molto particolare di Lotta di Classe, che ne dite?

Alain Delon nei primi anni ’60 (Photo credit: Wikipedia)

Questo comunque è più o meno il modo in cui Tom Ripley affronta le disparità sociali come scoprirete guardando Delitto in pieno sole (Plein Soleil il titolo originale), il thriller Francese del 1960 diretto da René Clément ed interpretato da Alain Delon, che grazie a questo film (ed a Rocco e i suoi fratelli di Luchino Visconti uscito nello stesso anno) attirò su di sé, a soli 25 anni, l’attenzione della critica (e del pubblico) internazionale.

Come avrete capito Alain Delon è Tom Ripley, uno squattrinato ragazzo Americano inviato in Italia per convincere un vecchio amico, il ricco e ozioso Philip Greenleaf (Maurice Ronet), a tornare negli Stati Uniti. Il padre di Philip gli ha promesso 5000 $, ma la missione si è ben presto rivelata impossibile. Tom comunque è rimasto a vivere con l’amico, intromettendosi nella sua relazione con Marge (Marie Laforêt), diventando una specie di tuttofare (spesso umiliato) e sopratutto desiderando di prendere un giorno il posto dell’amico…

ATTENZIONE SPOILER: vi avverto, se non avete mai visto questo film, questo è il momento giusto per procurarvene una copia, altrimenti continuate pure la lettura dell’articolo ma a vostro rischio e pericolo…

Se quello che vi ho detto fino a qui vi ricorda vagamente qualcosa che avete già visto o letto, beh non è una semplice sensazione.

The Talented Mr. Ripley (film)

The Talented Mr. Ripley  (Photo credit: Wikipedia)

Delitto in pieno sole è infatti liberamente tratto da Il Talento di Mr Ripley, romanzo del 1955 (il primo di una serie di cinque romanzi dedicati a Ripley) di Patricia Highsmith che nel 1999 (e a meno che non siate giovanissimi, probabilmente ve ne ricorderete) fu portato nuovamente sul grande schermo col suo titolo originale e una sceneggiatura apparentemente più fedele al romanzo (questo non lo posso giudicare perché non l’ho letto, mi spiace) dal regista inglese Anthony Minghella con Matt Damon nel ruolo di Ripley, Jude Law in quello di Greenleaf (che come nel libro però si chiama Dickie) e Gwyneth Paltrow in quello di Marge (oltre a Philip Seymour Hoffman e Cate Blanchett in ruoli minori).

Delitto in pieno sole ed Il talento di Mr Ripley sono però due film diversissimi e se posso permettermi un giudizio personale, il primo è un film migliore.

Delitto in pieno sole è più asciutto, la trasposizione meno didascalica, ci vengono risparmiate le cartoline dall’Italia (del resto il film, girato negli anni in cui è ambientato, è una produzione Franco-italiana), le spiegazioni sul perché e il percome Ripley sia arrivato in Italia e su come si sia sviluppato il rapporto tra lui e Greenleaf (Philip). Quando inizia il film trovandoci di fronte a Ripley e Greeleaf capiamo immediatamente quello che sta succedendo: Philip Greenleaf è ricco, Tom Ripley è povero. Entrambi fingono di essere grandi amici: Greenleaf disprezza Ripley perchè è povero e ha bisogno dei soldi di suo padre e approfitta della situazione per comportarsi un po’ da bullo. Ripley disprezza Greenleaf perchè, ha tutto quello che lui desidera. Se nel film di Minghella quella tra Ripley e Dickie è (almeno per Rypley) una storia d’amore, in quello di Clément Ripley e Philip giocano al gatto e il topo. Greenleaf vuole vedere fino dove si spingerà Ripley pur di guadagnare quelli che per lui sono pochi spiccioli. Ripley invece vuole gli abiti di Greenleaf, le sue scarpe, la sua casa, la sua barca a vela, la sua ragazza, la sua vita.

In entrambi i film Ripley è un ragazzo con un talento speciale per la simulazione e l’inganno. Ripley/Damon però sembra in balia delle circostanze: quando Dickie lo respinge (in malo modo, violentemente), lui lo uccide in preda alla rabbia (ma anche per autodifesa, cosa che agli occhi dello spettatore ne alleggerisce le responsabilità), e poi, sconvolto, veglia il cadavere prima di sbarazzarsene.

Patricia Highsmith

Patricia Highsmith (Photo credit: Wikipedia)

Ripley/Delon, affascinante ed inquietante tanto quanto l’attore francese, invece sa bene che quello che vuole è la vita di Philip, sta solo aspettando il momento giusto, la giusta ragione per passare all’azione e prendersela. Nell’attesa si nasconde dietro un atteggiamento mite e servile. Quando durante un viaggio in barca a vela con Philip e Marge, il ricco fannullone lo umilia oltre ogni limite (e poi fa lo stesso con la ragazza), Ripley decide di agire: fa in modo che Philip e Marge litighino per dare alla ragazza una ragione per sbarcare e una volta solo con l’amico lo uccide a sangue freddo, si disfa del cadavere, e poi, per niente sconvolto, mangia.

In quanto allo scambio di identità poi Ripley/Damon sembra ancora una volta in balia degli eventi: qualcuno lo scambia per l’amico e lui prosegue improvvisando tra contrattempi (mortali) e colpi di fortuna. Ripley/Delon invece ha un piano (e più ci addentriamo nella storia più la cosa diventa evidente), è un falsario provetto (la scena in cui falsifica il passaporto e impara a fare la firma dell’amico sono da accademia del crimine) e non lascia nulla al caso. E alla fine, superata la sua dose di contrattempi (mortali) ottiene quello che vuole. Tutto: casa, barca, vestiti, soldi e ragazza.

ATTENZIONE SPOILER: scusate per l’interruzione, ma se non avete ancora visto il film è meglio che saltiate le ultime righe….

Delitto in pieno sole piacque a pubblico e critica. Patricia Highsmith apprezzò molto l’interpretazione di Alain Delon (che del resto come vi ho già detto anche grazie a questo film divenne una star internazionale) ma si lamentò però del finale. Ripley infatti dopo un’autentico colpo di scena, quando ormai è sicuro di avercela fatta, viene catturato dalla polizia, una concessione eccessiva, secondo la scrittrice, alla morale comune che vuole sempre ogni delitto punito. A mio giudizio invece (e scusatemi per l’immodestia con la quale mi permetto di contraddire la “mamma” di Ripley, ma non avendo mai letto il suo romanzo giudico semplicemente un film), quel finale con Ripley sulla spiaggia, ormai sicuro di essersi conquistato un posto al sole e tutto preso ad assaporarsi la possibilità di avere solo il meglio, che credendo di dover rispondere ad una telefonata si getta ignaro tra le braccia della polizia (cosa che accadrà lontano dall’occhio indiscreto della macchina da presa) è una delle cose migliori del film.

In ogni caso, comunque la pensiate riguardo al finale, Delitto in pieno sole è un film che non dovreste perdervi (per Il talento di Mr Ripley invece fate come credete…).

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Io ti salverò – USA 1945 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

La donna che visse due volte – USA 1958 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

La donna di paglia – UK 1964 Diretto da: Basil Dearden. Con: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Una poltrona per due – USA 1983 Diretto da: John Landis. Con: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Diretto da: Jon Amiel. Con: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

Il talento di Mr Ripley – USA 1999 Diretto da: Anthony Minghella. Con: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Il gioco di Ripley – ITA/UK/USA 2002 Diretto da: Liliana Cavani. Con: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.

 

Fingerprints

 

“It has your fingerprints on it, remember?”

Tony Wendice

From: Dial M for Murder – 1954

 

No one, and I mean no one, was ready to write his name over that rule that will grant to the “new” Senators (those that we won’t be allowed to choose directly) the parliamentary privilege… remember?

Well, after incessantly repeating that no one wanted to approve it, the government (that apparently knew nothing about it…) expressed its favourable opinion and therefore the (almost)orphan amendment that will grant an equal parliamentary privilege to MPs and new Senators has been approved by a large majority: Democratic Party (Mr Renzi’s party), Forza Italia (MrB’s Party, with the exception of Senator Minzolini, absteined), New Centre-Right (Mr Alfano, minister of the interior, party), Scelta Civica (Civic Choice,Mr Monti’s party), Union of Christian and Centre Democrats and Northern League. Against the amendment: 5Stars Movement and SEL (Left Ecology and Freedom …or at least what remains of that left party after many of its members chose to join the winning Democratic Party, when one is commited to an ideal…).

In the end, at least we can say that this was not a case of authomatic writing. Now there are fingerprints to prove it.

“Ci sono sopra le tue impronte, ricordi?”

Tony Wendice

Da: Il Delitto Perfetto – 1954

Nessuno, ma proprio nessuno, voleva intestarsi la responsabilità della norma che assicurerà nel nuovo Senato riformato l’immunità ai senatori non più eletti direttamente dal popolo… Ricordate?

Bene, dopo tanto giurare che nessuno la voleva, il Governo (che non ne sapeva niente…) ha espresso parere favorevole e quindi oggi l’introduzione dell’emendamento che garantisce pari immunità a Deputati e Senatori la è stata approvata con una maggioranza molto ampia: Pd, Forza Italia (astenuto Minzolini), Ncd, Scelta civica, Popolari e Lega Nord. Contrari M5S e Sel (o quello che ne è rimasto…).

In fondo non sitrattava di un caso di scrittura automatica. Ora ci sono le impronte digitali a provarlo.

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My weekend movie: Path of Glory (1957)

Path of Glory 1957

Path of Glory (Orizzonti di Gloria) – USA 1957

Directed by: Stanley Kubrik.

Starring: Kirk Douglas; Adolphe Menjou; George Macready; Ralph Meeker; Joe Turkel; Timothy Carey.

“There are few things more fundamentally encouraging and stimulating than seeing someone else die…”

Sarajevo – June, 28 1914: Archduke Franz Ferdinand of Austria, heir presumptive to the Austro-Hungarian throne, and his wife Sophie, Duchess of Hohenberg, are killed by the Yugoslav nationalist Gavrilo Princip, a Bosnian Serb part of a group of six assassins.

It’s the end of the Belle Epoque.

Path of Glory (Photo Credit: Wikipedia)

After a tense month, on July 28, the Austro-Hungarian Empire declares war to Serbia. In August, 7 countries are at war, more will follow and in a few weeks all the world’s economic Great Powers will be involved assembled in two opposing block: the Allies (France; British Empire; Russia; Serbia; Montenegro; Belgium; Italy – joining in 1915-; USA -1917- and others…) vs Central Powers (Austro-Hungarian Empire; Germany; Ottoman Empire; Bulgaria…). The war should be over in autumn, then in spring… it will go on till 1918 causing millions of deaths, the loss of a generation, and leaving many people wounded in their body and in their soul too. It will be remembered as the Great War, the First World War. Europe (even the winning Countries) will end weakened in its economic power and the USA will become the new World Power. The Central Powers defeat will cause the collapse of two Empires (Austro-Hungarian and Ottoman), a deep economic crisis, revolutions, chaos in the middle-east, the fascist dictatorship in Italy, the birth of Nazism in Germany and within 20 years a new deadliest war: War World II.

One hundred years after those events, I propose you to watch this week Path of Glory the 1957 war movie directed by Stanley Kubrik and starring Kirk Douglas (who also produced this film with Bryna Production).

Deutsch: Bildnis Franz Ferdinand, Erzherzog vo...

Franz Ferdinand of Austria with his wife Sophie and thier children Shopie and Maximilian in 1904 (Photo credit: Wikipedia)

Based on the book with the same title written by Humphrey Cobb, the film is set in France in 1916. The soldiers are stuck into trenches while every battle can only move the front line of a few hundred metres. Behind the front line, in a castle, Major General Georges Broulard (Adolphe Menjou) convinces Brigadier General Paul Mireau (George Macready) that it’s time to launch an assault (though it’s clear there’s little hope to succeed) to a well defended German position. Mirau goes to the battlefield and ignoring the opinion of Colonel Dax (Kirk Douglas), who advises him that there are only a few chances to win while heavy casualties are certain, commands the attack (safely remaining in the trenches). The battle ends in a defeat, many soldiers refused to leave the trenches. General Mirau, enraged, wants 100 soldiers, chosen at random, court-martialled for cowardice and almost surelly killed for that. General Broulard convinces him to reduce the number to three, one from each company that took part to the failed assault. Dax, once a lawyer, volunteers to defend the three, but it’s an impossible mission because their fate is already decided. To watch their buddy die will stimualte the other soldiers giving them the “courage” to go on in the battlefield.

English: Adolphe Menjou (left) & Kirk Douglas ...

Adolphe Menjou and  Kirk Douglas in Paths of Glory  (Photo credit: Wikipedia)

Trying to decide what WWI-related movie I could propose you, I chose this one not because I’m a big fan of Kubrik or Kirk Douglas (on the contrary, and I think I already told you this talking about Spartacus the second and last film they made together), but because I think this no frill film, adapted from a novel based on a true story, can help us to realize who absurd war is (and in particular how absurd WWI had been).

The situation depicted in Path of Glory, apart from the very tidy trench, was not unusual. The soldiers were used like impersonal dummies good to be sacrificed. Top ranking officers, always well protected behind the front line, demanded them to throw themselves against the enemy’s bullets with the menace to be killed by an “encouraging” friendly fire. Exemplary punishments, administered at random, were not infrequent (in every coalition) and, as the movie shows, officers sometimes refused to believe that in those conditions shell-shock could even exist. What’s more, the controversial release through Europe seems to confirm the veracity of what told in Path of Glory: in Germany it was shown in 1960, in France (though not officially censored) only in 1975.

As I told you many other times, a film is not a documentary but can arouse your curiosity, drive you to learn more, help you not to forget… because who ignore history is bound to repeat it.

A few more WWI-related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

All Quiet on the Western Front – USA 1930 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Directed by: George Fitzmaurice. Starring: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

A Farewell to Arms – USA 1932 Directed by: Frank Borzage. Starring: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusion – FRA 1937 Directed by: Jean Renoir. Starring: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Waterloo Bridge – USA 1940 Directed by: Mervyn LeRoy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

The Great War – ITA 1959 Directed by: Mario Monicelli. Starring: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Many Wars Ago – ITA 1970 . Directed by: Gianfranco Rosi. Starring: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

Johnny Got His Gun – USA 1971 Directed by: Dalton Trumbo. Starring: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.

pellicola2

Ci sono poche cose incoraggianti e stimolanti tanto quanto vedere qualcun altro che muore…”

Sarajevo – Giugno 1914: l’arciduca Franz Ferdinand d’Asburgo-Este, erede al trono dell’Impero Austro- Ungarico, e sua moglie Shopie, duchessa di Hohenberg, vengono uccisi da Gavrilo Princip, indipendentista serbo e membro di un gruppo di fuoco di sei persone.

È la fine della Belle Epoque.

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at...

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at Côte 304 (Hill 304), northwest of Verdun, in 1916 (Photo credit: Wikipedia)

Dopo un mese di tensioni diplomatiche il 28 Luglio l’Impero Austro-Ungarico dichiara guerra alla Serbia. In Agosto sette paesi sono già coinvolti nel conflitto, altri seguiranno ed in poche settimane le maggiori potenze Mondiali si schiereranno in due blocchi contrapposti: Alleati (Francia; Impero Britannico; Russia; Serbia e Montenegro; Belgio; Italia -dal 1915-; USA -dal 1917- e altri…) contro Imperi Centrali (Impero Austro-Ungarico; Germania; Impero Ottomano; Bulgaria…). Si diceva che quella guerra sarebbe durata solo fino all’autunno, poi che sarebbe finita entro la primavera… Quella guerra che passerà alla storia come la Grande Guerra, la Prima Guerra Mondiale, durerà invece fino al 1918 causando la morte di milioni di persone, la perdita di una generazione, lasciando milioni di uomini provati nel corpo e nell’anima. L’Europa sarà indebolita e ridimensionata nello scenario mondiale, gli Stati Uniti diventeranno la prima potenza Mondiale. La disfatta degli Imperi Centrali porterà alla fine di due imperi (quello Austro-Ungarico e quello Ottomano), ad una feroce crisi economica, ad una rivoluzione, al caos mediorientale, alla dittatura fascista in Italia, alla nascita nel nazismo in Germania ed in un ventennio, ad una guerra ancora più funesta: la Seconda Guerra Mondiale.

A cent’anni da quegli eventi, ho deciso di proporvi questa settimana la visione di Orizzonti di Gloria, il film diretto del 1957 dall’allora giovane Stanley Kubrik ed interpretato da Kirk Douglas (che lo produsse con la sua Bryna Production).

Kubrick, standing behind looking into camera, during production of Paths of Glory, showing filming of trench scene with reverse tracking method. (Photo credit: Wikipedia)

Tratto dall’omonimo romanzo di Humphrey Cobb, il film è ambientato in Francia nel 1916. I soldati vivono ormai da tempo in una situazione di stallo, bloccati nelle trincee mentre ogni nuova battaglia riesce a spostare la linea del fronte in una direzione o nell’altra solo di poche centinaia di metri. Nelle retrovie, in un castello, su sollecitazione del Generale Broulard (Adolphe Menjou), e con la prospettiva di un avanzamento di carriera, il Generale Mireau (George Macready) decide che è giunto il momento di lanciare l’attacco (che fin da subito appare come disperato) ad una strategica postazione tedesca. Mirau si reca sal fronte ed ignorando l’opinione del Colonnello Dax (Kirk Douglas) che lo avverte delle risicatissime possibilità di vittoria e della certezza di ingenti perdite, pretende che l’attacco venga lanciato. L’esito della battaglia è un disastro, molti soldati rifiutano di lasciare le trincee e il Generale, furioso, chiede al comando che la loro “codardia” venga punita con la decimazione: un soldato ogni dieci delle varie compagnie scelto a caso dovrebbe essere fucilato. Broulard gli concede che solo tre soldati, uno per ogni compagnia che ha preso parte all’assalto, vengano processati dalla corte marziale. Dax, avvocato nella sua vita precedente, ottiene di potersi occupare della difesa dei suoi uomini, ma è una missione impossibile, perché il loro destino è già segnato. Niente come vedere morire dei commilitoni potrà infondere negli altri soldati il “coraggio” necessario per continuare a combattere.

George Macready as General Mireau (Photo credit: Wikipedia)

Cercando di decidere quale film sulla Prima Guerra Mondiale proporvi, ho scelto questo non perché sia una grande fan di Kubrik o di Kirk Douglas (devo avervelo già detto parlandovi di Spartacus, il secondo ed ultimo film che i due girarono insieme), ma perché credo che questo film, girato senza troppi fronzoli e tratto da un romanzo ma ispirato ad una storia vera, permetta di rendersi conto di quanto mortalmente assurda possa essere la guerra (ed in particolare di quanto lo fu la Prima Guerra Mondiale).

La situazione in cui si trovano i soldati in Orizzonti di Gloria, a parte la trincea francamente un po’ troppo linda, non era affatto insolita. Trattati come inerte carne da cannone, i soldati venivano costretti da ufficiali sempre ben protetti nelle retrovie a gettarsi incontro ai proiettili sparati dal nemico con la minaccia di venire colpiti alle spalle da un “incoraggiante” fuoco amico. Le punizioni esemplari impartite a caso non erano infrequenti (e questo in ogni esercito e coalizione) e proprio come si vede nel film c’era persino il rifiuto di credere che in simili condizioni i militari potessero soffrire di quello che oggi chiameremmo disturbo post-traumatico. E la veridicità di quanto raccontato è confermata dal fatto che l’uscita del film fu osteggiata in alcuni paesi: in Germania uscì nel 1960, in Francia (sebbene non ufficialmente censurato) solo nel 1975.

Come vi ho detto altre volte, i film non sono documentari ma possono stimolare la curiosità a saperne di più e aiutare a non dimenticare… anche perché chi dimentica la storia spesso è condannato a ripeterla.

Altri film collegati alla Grande Guerra che potrebbero interessarvi (cliccate sui titoli per vedere una scena , il trailer o qualcosa di più):

Niente di Nuovo sul Fronte Occidentale – USA 1930 Diretto da: Lewis Milestone. Con: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Diretto da: George Fitzmaurice. Con: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

Addio alle Armi – USA 1932 Diretto da: Frank Borzage. Con: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusione – FRA 1937 Diretto da: Jean Renoir. Con: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Il Ponte di Waterloo – USA 1940 Diretto da: Mervyn LeRoy. Con: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

La Grande Guerra – ITA 1959 Diretto da: Mario Monicelli. Con: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Uomini Contro – ITA 1970 . Diretto da: Gianfranco Rosi. Con: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

E Johnny Prese il Fucile – USA 1971 Diretto da: Dalton Trumbo. Con: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.

Automatic writing

“…Cause you know sometimes words have two meanings…”

Led Zeppelin

From: Stairway to Heaven from the LP Led Zeppelin IV – 1971

The debate about the he Italian Institutions reforms is becoming increasingly interesting!

During the last weekend the hot topic was a sudden, shocking, discovery: in the draft for the Senate reform (the one that should make it a sort of politicians club, but will grant it anyway to maintain of a number of important prerogatives, only we won’t be allowed to vote its members…) an article will grant to the new Senators, chosen between Regional Councillors and Mayors, a parliamentary privilege.

As soon as the news spread around the media, each and every politician from right to left (well, left….) noticed that (alas!) this was a false move, at least not a clever one, especially after the recent scandals (EXPO and MOSE, I already told you about these) involving local councillors in Lombardy and Veneto. So, each and everyone from left to right (especially in the ex-Prime Minsiter, ex-Senator, ex-knight -MrB I mean- party ), immediately said that they got nothing to do with this privilege that could make very difficult to arrest a Regional Councillor/Mayor-Senator if he/she took, for instance, a bribe.

Well, now we only have to try and understand who, and in which circumstances, wrote the appalling article. A charming hypothesis is that one of the supervisors, just like happened with Robert Plant while writing the lyrics for Stairway to Heaven, found that his/her hand was writing out the words, in a sudden inspiration, having little control of the situation.

In the meanwhile, trying to solve this mystery, we hold our breath waiting for further news: who knows how many other shocking articles could be revealed if only we would be able to read the draft of that reform backward…

“…Perché lo sai a volte le parole hanno due significati…”

Led Zeppelin

Da: Stairway to Heaven dall’album Led Zeppelin IV – 1971

Sempre più appassionante il dibattito sulle riforme istituzionali!

La novità del fine settimana appena trascorso è stata l’improvvisa sconcertante scoperta che secondo la bozza della riforma nel nuovo Senato (quello che doveva essere una specie di dopo-lavoro, ma che pare manterrà alcune funzioni non proprio irrilevanti solo che noi non avremo più il diritto di eleggere i suoi membri…) dovrebbero sedere un manipolo di consiglieri regionali e sindaci non stipendiati (solo in quanto senatori) ma dotati di immunità parlamentare.

Come la notizia si è diffusa, tutti ma proprio tutti, di destra e soprattutto di sinistra(insomma, sinistra…) si sono accordi che, ohibò, la mossa era un tantino azzardata visti gli scandali (EXPO e MOSE) che hanno recentemente coinvolto diversi amministratori locali in Lombardia e Veneto. Quindi tutti, ma proprio tutti, di sinistra ma soprattutto di destra (col partito dell’ex-Presidente del Consiglio, ex-Senatore, Ex-cavaliere MrB in testa) hanno iniziato a dire di non avere niente a che fare con l’introduzione di quell’immunità che renderebbe assi difficile l’arresto di un consigliere regionale/sindaco-Senatore invischiato ad esempio in un giro di tangenti per l’assegnazione di qualche appalto.

Ora bisogna capire soltanto chi, e soprattutto in quali circostanze, abbia scritto la norma incriminata. L’ipotesi più suggestiva e che uno dei relatori, un po’ come accadde a Robert Plant quando scrisse il testo di Stairway to Heaven, ad un certo punto abbia iniziato a scrivere, mosso da un’improvvisa incontrollabile ispirazione, senza nemmeno rendesi conto di cosa stesse facendo.

Nel frattempo, cercando di trovare una soluzione del mistero, restiamo tutti col fiato sospeso in attesa di ulteriori sviluppi: chissà quali altre sconcertanti novità potrebbero palesarsi se leggessimo la bozza della riforma all’incontrario…

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My weekend movie: Rear Window (1954)

Rear Window 1954

Rear Window (La Finestra sul cortile) – USA 1954

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: James Stewart; Grace Kelly; Thelma Ritter; Raymond Burr.

The nosey parker, the blonde and the murderer…

Towns burning with hight temperatures, humidity, mosquitoes, computers fainting for heat exhaustion (obliging you to an internet diet…sorry), through windows, wide open day and night, noises, voices and smells invade your space while you are overexposed and always in sight …

This is more or less (apart from fainting computers…)  the setting of Rear Window, the 1954 thriller directed by the master of suspense Alfred Hitchcock and starring James Stewart and Grace Kelly, “the” Hitchcock blonde .

Rear Window (Photo Credit: Wikipedia)

The protagonist, the photojournalist L.B. “Jeff” Jeffereys (James Stewart), in normal circumstances an adventurous man, is trapped home with a broken leg. To kill time between a visit from the insurance nurse (the good character actress Thelma Ritter, Margot Channing’s friend and personal assistant in All About Eve) and a romantic raid launched by Lisa Freemont, socialite, fashion journalist and wannabe Mrs Jeffereys, too beautiful and perfect not to scare to death an intrepid man, “Jeff” got nothing better to do than spy form his window his neighbours till, one day, he thinks he has discovered that one of them have made something really terrible…

In a few words: Rear Window is the story of a voyeur, who can’t bear the idea to be in the shadow of a smart woman (who’s anyway and evidently a bit disturbed too, seeing that because of her age, social position and undoubted charm could aspire to something better…), but redeem himself in our eyes finding a way to turn his little vice into an honourable action made to defend his community .

SPOILER ALERT: if because of an incredible accident you’ve never seen this movie or you’ve never heard of it (for instance, if you’ve been abducted by aliens and the odd green creatures deleted your memory…), this is the right moment to go and fetch a copy to fill the gap, otherwise you’re going to read the rest of the article at your own risk…

1954 ... 'Rear Window'

Hitchcock with James Stewart and Grace Kelly on the set of Rear Window (Photo credit: x-ray delta one)

Naturally, the picture, loosely based on a 1942 Cornell Woolrich‘s short story titled “It had to be murder” (retitled Rear Windows after the movie release), is much more complicated than this and it is packed with all those elements turning a thriller into an Hitchock movie: a dashing blonde (inner fire behind a cold surface…); a single setting (Jeff’s apartment and the rear courtyard) to increase tension; a policeman who’s, if not incompetent, not precisely smart; a mega-McGuffin (the plot device, but we’ll talk about it later); a little bit of humour and a common person involved in a dangerous situation, even if for once we can’t call this person “innocent” (and in fact in the end Hitchcock finds a way to “punish” him). Anyway, thanks to Hitchcock, it’s easy to put ourselves in Jeff’s shoes, and ain’t just because the one who plays him is James Stewart, who was, like the injured photojournalist, a real war hero and had such a good guy reputation to make you forget any other thought about our likeable voyeur  slimy nature. The scene he watches from his window (the beautiful scenery built at the Paramount Studios) seems a collage made with many different screens showing at the same time many different movies and Jeff is one of us, he’s sitting in a chair to watch a movie. We all are spying other peoples lives.

But what excites his and our fantasy ain’t what we can watch, but something that could have been happened while Jeff, heat exhausted, fell asleep (so that we also couldn’t watch what happened). A morning, his attention is caught by the sudden change of scene in one of the apartments: there’s a character missing, the bedridden domineering wife of an unhappy salesman is mysteriously vanished into thin air. Has she left the apartment, or maybe did she died killed by his husband? How could he get rid of her body? In how many little pieces he had to cut it to take it outside?

Cropped screenshot of James Stewart from the t...

James Stewart in Rear Window (Photo credit: Wikipedia)

With all those questions around that supposed crime inspired, as Hitchcock told to Truffaut, to a couple of famous murders happened in England years before (the Dr Crippen Case – London,1910 – and the Patrick Mahon Case – the Crumbles, 1924 – two feminicides. In both cases the victimms’ bodies had been dismembered in a clumsy  attempt to wipe out all evidences), the master of suspense is simply staging his mega-McGuffin, a diversion to disguise his true goal: to talk about the complicated relation between Jeff and Lisa, the charming(?) middle-aged bachelor who loves adventure and is now wounded in a wheel chair and the beautiful socialite too good to be true who’s trying to take advantage of her prey’s momentary weakness.

The stories screened in the courtyard facing Jeff’s window, at least the vast majority of this collection of (almost)silent pictures, got in fact something to do with the two mismatched lovers. They seems prequels, development and sequels of Jeff and Lisa’s story: the young and sexy dancer always surrounded by suitors (like Lisa, at least if we believe in Jeff’s opinion); the newlyweds love enthusiasts (who will be soon love exhausted); the old couple who had replaced children with a dog; the solitary spinster Miss lonelyheart, an omen of what could happen to an unmarried girl (but Lisa is too much everything to end this way) and above all the unhappy married couple ending (literally) into pieces.

Grace Kelly poses in an evening gown designed ...

Grace Kelly poses in an evening gown designed by Edith Head. (Photo credit: Wikipedia)

Jeff has too many time to brood over all those things he watches and that’s probably the reason why he resists very little graciously to each and every matrimonial assault of Lisa who’s even too explicit in throwing herself to him (especially because it’s 1954). To catch her prey the super-girl has no choice, she has to support him and comply with his little manias: she helps him with the investigation becoming his legs andproving herself audacious, and in the end the strategic move to win Jeff’s heart and admiration is breaking and entering into the murderer’s apartment to find the crime evidences (and risk her life) becoming this way herself someone to spy on.

If Rear Window at the time of its first release received good reviews – with the exception of the London Observer critic Miss Lejeune who called it “orrible” because there was in it a man watching all the time from his window, the only review Hitchcock mentioned in the interview with Truffaut – today this beautiful film made, as Hitchcock himself revealed, in a period when he was particularly full of energy, is probably the most cited among his works, re-told, referenced and spoofed many, many times. (And if you are eager to know what Hitchcock had to say about this movie to Truffaut you can listen to it with a click on the following link:

https://soundcloud.com/franceinter/hitchcock-truffaut-un-point-de)

Probably it is also the best synthesis of the entire master of suspense’s works, but for  sure Rear Window is another of those movies you should watch at least once in your life (if aliens have no objections).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dead End – USA 1937 Directed by: William Wyler. Starring: Joel McCrea; Silvya Sydney; Wendy Barrie; Humphrey Bogart; the “Dead End Kids”.

Blow-up – ITA/UK/USA 1966 Directed by. Michelangelo Antonioni. Starring: David Hemmings; Vanessa Redgrave.

Body Double – USA 1984 Directed by: Brian De Palma. Starring: Craig Wasson; Melanie Griffith; Gregg Henry.

Women on the verge of a nervous breakdown (Mujeres al borde de un ataque de nervios) – ESP 1988 Directed by: Pedro Almodovar. Starring: Carmen Maura; Antonio Banderas; Rossy De Palma; Maria Barranco; Julieta Serrano.

Manhattan Murder Mystery – USA 1993 Directed by: Woody Allen. Starring: Woody Allen; Dane Keaton; Alan Alda; Angelica Huston.

American Beauty – USA 1999 Directed by: Sam Mendes. Starring: Kevin Spacey; Annette Bening; Thora Birch; Wes Bentley; Mena Suvari.

What Lies Beneath – USA 2000 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Michelle Pfeiffer; Harrison Ford.

pellicola2

Il ficcanaso, la bionda e l’assassino…

Città roventi per le alte temperature, l’umidità, le zanzare, i computer che “svengono” per il caldo (lasciandovi, così senza preavviso, disconnessi per una settimana…), le finestre spalancate giorno e notte, i rumori, le voci e gli odori che invadono il vostro mondo e voi sempre più esposti agli sguardi degli altri…

Cropped screenshot from the trailer for the fi...

Trying to catch an injured prey (Photo credit: Wikipedia)

Quello che vi ho descritto (computer imbizzarriti a parte) è più o meno lo scenario in cui si svolge La finestra sul cortile (Rear Window), il film del 1954 diretto dal maestro del brivido Alfred Hitchcock ed interpretato da James Stewart e da Grace Kelly, la bionda hitchcockiana per eccellenza.

Il protagonista, il fotoreporter L.B. “Jeff” Jeffereys (James Stewart), un uomo avezzo all’avventura, è intrappolato in casa con una gamba rotta. Tra una visita dell’infermiera dell’assicurazione (la brava Thelma Ritter già fidata assistente e amica di Margo Channing in Eva contro Eva) e un’incursione della bionda Lisa Freemont, salottiera giornalista di moda ed aspirante signora Jeffereys tanto bella e perfetta (ed infatti è Grace Kelly) da spaventare un intrepido uomo d’azione, “Jeff” non trova niente di meglio da fare che passare il tempo “spiando” dalla sua finestra tutti i movimenti dei vicini di casa fino quando un giorno crede di aver scoperto che uno di loro ha fatto qualcosa di davvero terribile…

In poche parole: La finestra sul cortile è la storia di un guardone, che mal sopporta di avere intorno una donna tanto in gamba da rischiare di metterlo in ombra (ma anche lei chiaramente è un po’ disturbata visto che per età, posizione sociale ed indubbia avvenenza potrebbe trovare di meglio…), ma che si riscatta agli occhi di noi spettatori trasformando il suo vizietto in un’opera di pubblica utilità.

ATTENZIONE SPOILER: se per un incredibile caso del destino non avete mai visto questo film e nemmeno ne avete sentito parlare (che so, siete stati vittime di un rapimento alieno e le simpatiche creature verdi vi hanno cancellato la memoria…), questo è il momento per procurarvene una copia e colmare la lacuna, altrimenti continuate a leggere il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo…

Grace Kelly

Grace Kelly (Photo credit: thefoxling)

Ovviamente il film, liberamente ispirato a un racconto di Cornell Woolrich del 1942 intitolato “It had to be murder” (reintitolato Rear Window, dopo l’uscita del film), è molto più complicato di così, ed altrettanto ovviamente è pieno zeppo di tutti quegli elementi che fanno di un thriller qualsiasi un autentico film di Hitchcock: una bionda strepitosa (fuoco che arde dietro a una superficie gelida…), l’azione svolta in un luogo ristretto  (l’appartamento di Jeff e il cortile su cui si affacciano le sue finestre) per accrescere la tensione, un poliziotto che si rivela se non proprio incompetente almeno non troppo sveglio, un mega-McGuffin (di cui parleremo dopo), uno spruzzo di humour e una persona comune coinvolta in una storia troppo complicata che però per una volta non è del tutto innocente (e infatti alla fine in qualche modo il buon Jeff verrà punito). Anche così però Hitchcock riesce a fare in modo che provare una certa simpatia per il simpatico guardone sia facile, e non solo perché ad interpretarlo è James Stewart, che in comune col fotoreporter infortunato aveva un passato da eroe di guerra e che con la sua aria da bravo ragazzo faceva passare in secondo piano ogni retropensiero sulla natura un poco viscida del suo personaggio. La scena che lui osserva (la magnifica scenografia del cortile costruita negli studi della Paramount) è quasi un collage di tanti piccoli schermi sui quali vengono proiettati diversi film: Jeff è uno di noi, anche lui seduto su una poltrona a guardare un film. Stiamo tutti “spiando” le vite di altre persone, non possiamo sentirci moralmente superiori.

Ad eccitare la sua e la nostra fantasia però non è tanto quello che effettivamente vediamo, quanto quello che potrebbe essere accaduto su uno di quegli “schermi” mentre Jeff sfinito dal caldo si è fatalmente addormentato (impedendo quindi anche a noi di vedere). In uno degli appartamenti, su uno degli schermi, c’è ad un certo punto un improvviso cambio di scenario, manca uno dei protagonisti: una donna invalida che fino al giorno prima dal suo letto comandava a bacchetta il marito sembra svanita nel nulla. Sarà partita, oppure sarà morta, magari uccisa dal marito? Come avrà fatto l’uomo a sbarazzarsi del cadavere? In quanti piccoli pezzi l’avrà ridotta per poterla fare uscire di casa inosservato?

Con questi interrogativi che ruotano intorno a un possibile omicidio ispirato, come confidò lo stesso Hitchcock a Truffaut, ad un paio di efferati delitti avvenuti in Inghilterra molti anni prima (i casi del Dottor Crippen – Londra, 1910 – e di Patrick Mahon – the Crumbles,1924 – due fattacci di sangue, due femminicidi finiti con lo smembramento dei cadaveri nel maldestro tentativo di far sparire ogni prova) il maestro del brivido sta semplicemente mettendo in scena il suo McGuffin, quell’artificio narrativo fatto apposta per sviare la nostra attenzione da quello che è il vero fulcro della storia: il rapporto tra Jeff e la bionda Lisa, il fascinoso(?) scapolone di mezz’età votato all’avventura ferito nel compimento del dovere e la giovane regina dei salotti troppo bella per essere vera che cerca di approfittare della momentanea debolezza della sua preda.

English: Studio publicity photo of Alfred Hitc...

English: Studio publicity photo of Alfred Hitchcock. (Photo credit: Wikipedia)

Quasi tutte le storie proiettate sugli “schermi” che circondano Jeff hanno infatti qualcosa a che fare con loro due, sono prequel, svolgimento e possibili sequel del film di cui loro sono i protagonisti: la giovane ballerina sexy circondata (come Lisa a sentir Jeff) di “pretendenti”; la coppia di sposini in luna di miele (che presto esuariranno il miele per sfinimento); la vecchia coppia senza figli attaccatissima al cane; la zitella della porta accanto, Miss cuore solitario, che sembra il presagio di quello che potrebbe accadere a Lisa se non si sposasse (ma una come lei ha troppo di tutto per fare una fine tanto malinconica!) e soprattutto la coppia infelice che alla fine finisce (letteralmente) in pezzi.

Jeff, forse riflettendo su quello che lo circonda, resiste senza troppa grazia ad ogni tentativo della super-ragazza di trascinarlo all’altare mentre lei gli si offre sfacciatamente (fin troppo, in fondo siamo nel 1954). Per conquistarlo a Lisa non resta altro da fare che assecondare le sue manie, partecipare alle sue attività investigative, diventare le sue gambe e farsi sempre più audace nel tentativo di smascherare l’assassino. E alla fine la mossa strategica che (forse) le fa guadagnare l’ammirazione di Jeff è l’introdursi nell’appartamento di fronte per trovare le prove dell’omicidio (ma rischiando di fare a sua volta la fine della signora scomparsa) diventando finalmente a sua volta un soggetto da spiare.

Se quando uscì per la prima volta nelle sale cinematografiche La finestra sul cortile fu in generale ben accolto da critica e pubblico – se si esclude però la critica del London Observer, Miss Lejeune (l’unica che Hitchcock ricordi nell’intervista con Truffaut) che lo definì un film “orribile” perché un tizio guardava costantemente dalla finestra – nel tempo è diventato il più “citato” tra i film del regista Inglese, rifatto, rivisitato e anche preso in giro.

Forse La finestra sul cortile è la migliore sintesi dell’opera di Hitchcock ed infatti fu realizzato, come rivelò il regista, in un periodo per lui particolarmente felice e creativo (a proposito, se siete interessati a sapere quello che aveva da dire su questo film il maestro del brivido in persona, potete ascoltare l’audio dell’intervista col regista francese cliccando su questo link: https://soundcloud.com/franceinter/hitchcock-truffaut-un-point-de).

Sicuramente è uno di quei film che proprio non potete fare a meno di vedere almeno una volta nella vita (interferenze aliene permettendo).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Strada Sbarrata – USA 1937 Diretto da: William Wyler. Con: Joel McCrea; Silvya Sydney; Wendy Barrie; Humphrey Bogart; the “Dead End Kids”.

Blow-up – ITA/UK/USA 1966 Diretto da. Michelangelo Antonioni. Con: David Hemmings; Vanessa Redgrave.

Omicidio a Luci Rosse – USA 1984 Diretto da: Brian De Palma. Con: Craig Wasson; Melanie Griffith; Gregg Henry.

Donne sull’orlo di una crisi di nervi – ESP 1988 Diretto da: Pedro Almodovar. Con: Carmen Maura; Antonio Banderas; Rossy De Palma; Maria Barranco; Julieta Serrano.

Misterioso Omicidio a Manhattan – USA 1993 Diretto da: Woody Allen. Con: Woody Allen; Dane Keaton; Alan Alda; Angelica Huston.

American Beauty – USA 1999 Diretto da: Sam Mendes. Con: Kevin Spacey; Annette Bening; Thora Birch; Wes Bentley; Mena Suvari.

Le Verità Nascoste – USA 2000 Diretto da: Robert Zemeckis. Con: Michelle Pfeiffer; Harrison Ford.

Fresh air needed

I just want some fresh air.”

Fran Kubelik

From: The Apartament – 1960

“We do not allow any veto. What really counts it’s the Italian people’s will, it is much more important than any veto coming from those politicians who only want to stop the reforms. And seeing that what really counts it’s the Italian people’s vote, I can assure you that we’ll go on and we will be proud.” that’s what The Youngest Italian Prime Minister in the last 150something years, Mr Renzi, said yesterday.

Today, replying to those who showed their indignation (included 14 senators from his party – PD) after the substitution in the Senate Commission on Constitutional Affairs of Senators Vannino Chiti and Corradino Mineo (both PD members), whose guilt was to be against the institutional reforms as they were conceived by the Prime Minister’s “team”, Mr Renzi added: “ I didn’t made the 41% to let the future of the Country in Mineo’s hands.”.

Well, I think there’s something I’m missing, probably it’s because of this heat wave that’s melting my brain…maybe a brief résumé could help me:

  • Italy is a Parliamentary Republic.

  • Our Constituion, (art. 67“Each Member of Parliament represents the Nation and carries out his/her duties without a binding mandate”), assures to every MP and Senator the right to do what they think is right even against their party’s wishes.

  • Mr Renzi became the Youngest Italian Prime Minister etc… when he received the task to form a new government from the President of the Italian Republic (as prescribed in the Italian Constitution, nothing to object) following the resignation of Enrico Letta (who had become the Prime Minister following the same procedure). The Italian people took no part in that choice. Mr Renzi had just won a primary election to become the new Democratic Party leader, but the previous year, before the General Election took place, he had lost the primary election the Democratic Party organized to choose its Prime Minister candidate (Mr Bersani won this). Mr Renzi also chose not to run as MP.

  • 41 (40.8)% is the percentage of people (among those who went to the polls) who voted for the Democratic Party at the last European Election.

  • During the European Election campaign The Youngest Italian Prime Minister etc… said that the vote got nothing to do with his government’s fate.

  • With the European Election, local election in some cities and regions took place too, anyway any sort of referendum or informal vote to ask to the Italian people what they thought about the much anticipated reforms took place.

As I already said, I guess there’s something I’m missing… I just want some fresh air, cause, I must confess, the one I smell around ain’t so pleasant (and not because of the heat wave).

“Voglio solo un po’ d’aria fresca”

Fran Kubelik

Da: L’Appartamento – 1960

“Non lasciamo a nessuno il diritto di veto. Conta molto di più il voto degli italiani che il veto di qualche politico che vuole bloccare le riforme. E siccome conta di più il voto degli italiani, vi garantisco che andremo avanti a testa alta” così diceva ieri il Presidente del Consiglio Italiano più giovane degli ultimi 150anni e qualcosa.

Oggi, replicando a chi si indignava (compresi 14 Senatori PD autosospesi dal gruppo democratico al Senato) per la sostituzione in commissione affari costituzionali dei Senatori Vannino Chiti e Corradino Mineo, colpevoli di non gradire il progetto di riforme costituzionali così come sono state concepite dalla sua squadra, Renzi ha aggiunto: “non HO preso il 41% per lasciare il futuro del Paese a Mineo”.

Ora, credo che mi stia sfuggendo qualcosa e probabilmente dev’essere colpa di questo caldo che mi fa funzionare a rilento il cervello… magari potrebbe essermi utile un breve riassunto della situazione:

  • la nostra è una Repubblica Parlamentare.

  • l’articolo 67 della costituzione (“Ogni membro del Parlamento rappresenta la Nazione ed esercita le sue funzioni senza vincolo di mandato”) assicura a ogni parlamentare di agire come meglio crede senza dover dire sempre si alla volontà del partito o del caporione di turno.

  • Matteo Renzi è diventato Presidente del Consiglio quando il mandato gli è stato affidato dal Presidente della Repubblica (come stabilito dalla Costituzione, niente da eccepire) dopo che Enrico Letta (nominato nello stesso modo) aveva dato le dimissioni. Gli italiani non hanno espresso in alcun modo la loro volontà a riguardo. Renzi aveva da poco vinto le primarie del suo partito per diventarne il segretario, ma prima delle ultime politiche aveva perso quelle per diventare il candidato premier del PD (contro Bersani) e non si era nemmeno candidato alle elezioni.

  • 41 (40,8)% è la percentuale dei voti attribuiti dai cittadini italiani (che sono andati a votare) al Partito Democratico alle ultime Elezioni Europee.

  • Prima delle suddette elezioni il Presidente del Consiglio italiano più giovane ecc… aveva detto che quel voto non aveva niente a che fare col suo governo.

  • In abbinamento con le elezioni Europee si sono svolte a macchia di leopardo le elezioni locali in alcuni comuni e regioni della nostra penisola, non si è invece svolto alcun referendum o nessun altro tipo di consultazione (nemmeno informale) riguardo le riforme.

Come detto, credo che mi stia sfuggendo qualcosa… Vorrei soltanto un po’ d’aria fresca perché confesso che quella che si respira ora è piuttosto sgradevole (e non per l’elevato tasso d’umidità).

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My weekend movie: Pimpernel Smith (1941)

PimpernelSmith1941

 Pimpernel Smith (La Primula Smith) – UK 1941

Directed by: Leslie Howard.

Starring: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

 Dear Nazis, you’re doomed…

An archaeologist fights against the Nazis…no, he’s name is not Indiana Jones, he’s not an adventurous, cheeky American treasure hunter and he won’t be saved by supernatural forces (oops, sorry…). Our hero’s name is Horatio Smith, he’s a professor in Cambridge and thanks to his absent-minded appearance he will rescue Jews from Nazi’s hands.

The film I’m going to tell you about ain’t in fact a funny 1980′s adventure movie, but an anti-nazi thriller, released in 1941, in the middle of WWII: it’s Pimpernel Smith (also known in the USA as Mister V), a British propaganda film produced an directed by its protagonist, Leslie Howard.

"Pimpernel" Smith

“Pimpernel” Smith (Photo credit: Wikipedia)

The British actor, who had been for more than two decades, between mid 1910′s to early 1940′s, a theatre and movie star in Britain and America, is now remembered for a role he detested and didn’t want to play, the wimpish Ashley Wilkes in Gone with the wind, too coward to find the time, in an almost four-hour long movie, to tell Scarlett he doesn’t love her and too gentleman to take advantage of her (Selznick to persuade him allowed him to co-produce Intermezzo: A love story, his last Hollywood film that also marked the American début of the then young Swedish actress Ingrid Bergman). At the outbreak of WWI Howard had left a job as a bank clerk to enlist with the British Cavalry (he was born in London in a Jewish-Hungarian family in 1893). Back home and suffering from severe shell-shock, following a doctor suggestion, he had decided to leave the much-hated bank job to follow his passion for theatre starting this way a successful career. At the outbreak of WWII he had chosen to leave Hollywood and use his international fame to help with the Allied war effort starring (but also producing and directing) in a number of war propaganda films (and, probably also serving in his Majesty secret service).

Pimpernel Smith is one of those propaganda films. The protagonist, as I already told you, is Horatio Smith (Leslie Howard) archaeologist and well respected professor in Cambridge, in love with the sculptured (for real) Aphrodite Kallipygos (don’t pay any attention to him, he’s not its discoverer…), at war with women made of flesh and blood  and apparently very absent-minded. But this is just a disguise, because Professor Smith is secretly (and apparently unofficially) working to rescue Jews from Nazi concentration camps…

SPOILE ALERT: if you’ve never seen this picture, go and fetch a copy now (you can also try on YouTube…), otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

Leslie Howard (actor)

Leslie Howard (actor) (Photo credit: Wikipedia)

The movie, set in Cambridge and Berlin (cause the professor seems a bit clumsy but is very bold and clever) in 1939 just before the outbreak of WWII, is a modernisation, with an heavy anti-nazi touch, of the classic The Scarlet Pimpernel, the adventure novel written by Baroness Orczy in 1905 and set during the French Revolution whose most famous film version was the 1934 picture starring Leslie Howard himself. In the original story the hero is an English aristocrat who leads a double life: silly and effete in front of the world, he’s in fact an elusive adventurer who’s risking his life (variously disguised) to spare to a number of French aristocrats a deadly rendez-vous with Madame Guillottine.

Professor Smith, like the original Pimpernel, likes to use a little humour to mock his enemies: to be able to go freely to and fro Germany (supported by the Nazi Propaganda Ministry), he organises a group of British students (unaware, at the beginning, of his mission) to help him in excavations to find the evidence of the Aryan origins of German civilisation (simply diabolical!). Smith, has to face General von Graun, the only Nazi who seems clever enough to catch him (even though he tries to assign the German citizenship to Shakespeare and can’t understand British humour). With the exception of him, Nazis are silly inefficient and incompetent, especially those working at the Propaganda Ministry with Joseph Goebbels, so you can be sure that in the end Professor Smith will defeat them and will also find a woman brave enough to deserve his love (romance always goes with propaganda, it’s a golden rule).

The most important moment in this movie arrives almost at the end when, just before the invasion of Poland, Smith, unmasked by the Gestapo General, makes a speech that seems thought to raise the English (but also American) audience’s spirits. “You will never rule the world…” he says to the General but talking to the entire Nazi Germany “ because you are doomed. (…)Tonight you will take the first step along a dark road from which there is no turning back.(…) you will find no horizon… and see no dawn… until at last you are lost and destroyed. You are doomed…”. (you can watch it HERE)

A piece of pure propaganda, sounding today as a sort of premonition.

But Leslie Howard didn’t live long enough to watch this premonition come true.

Goebbels, German Federal Archive photo

Goebbels, German Federal Archive photo (Photo credit: Wikipedia)

When Hitler killed himself in his bunker in Berlin on April 30, 1945, scared of the Red Army imminent invasion but also of ending like his fellow dictator Benito Mussolini, Howard was already dead as he was  the year before, missing the news about the Invasion of Normandie (whose 70th anniversary has been celebrated on June, 6) that was going to lead to the liberation of France.

In fact Leslie Howard died on june, 1st 1943, aged 50. He was flying from Lisbon to Bristol on KLM Royal Dutch Airlines/BOAC Flight 777, a civil flight. The plane was shot down by Luftwaffe‘s aircrafts over the Bay of Biscay. 17 people died. Many hypothesis have been made along the years about this attack: an error, the fact that Germans believed that Churchill was on that flight (apparently Howard’s manager, who was there with the actor, looked like the British Prime Minister) or even a plan conceived to kill Leslie Howard himself (who, according to some speculations, in the previous days was engaged in a secret mission to dissuade Franco from joining the Axis powers) and organized by, nonetheless, Joseph Goebbels. The Minister of Public Enlightenment and Propaganda in Nazi Germany, who knew too well how important cinema could be to influence the public opinion, considered Leslie Howard the most dangerous British propagandist and was probably enraged after being ridiculed in Pimpernel Smith (he was the only real Nazi leader mentioned with his name) along with the Nazis working at the propaganda ministry, all unable to face a bunch of students full of hormones, a clumsy professor and a handful of Jews.

Pimpernel Smith ain’t a masterpiece, Leslie Howard as a director was not a master of suspense like Hitchcock, but even if packed with propaganda (after all there was a war going on) this ain’t a bad film too, and after all knowing that probably succeeded in enraging Goebbles makes it, even today, definitely worth watching.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Scarlet Pimpernel – UK 1934 Directed by: Harold Young. Starring: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Directed by: Carol Reed. Starring: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

The Mortal Storm USA 1940 Directed by: Frank Borzage. Starring: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Foreign Correspondent – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

Mrs Miniver – USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

To Be or Not To Be – USA 1942 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

Raiders of the Lost Ark – USA 1981 Directed by: Steven Spielberg. Starring: Harrison Ford; Karen Allen.

pellicola2

Cari Nazisti, siete condannati a fallire…

Un archeologo si scontra con i nazisti… no, il suo nome non è Indiana Jones, non è un avventuroso e sfacciato cercatore di tesori americano e non sarà salvato dal provvidenziale intervento di forze soprannaturali (oops, scusate…). Il nome del nostro eroe è Horatio Smith ed è un dignitoso, ma sbadato professore di Cambridge che anche grazie alla sua aria stralunata riuscirà a salvare alcuni ebrei beffando la Gestapo.

Cropped screenshot of Leslie Howard from the t...

Leslie Howard è Ashley Wilkes in Via col Vento, il film che non avrebbe voluto interpretare (Photo credit: Wikipedia)

Quello di cui sto per parlarvi infatti non è uno scanzonato film d’avventura degli anni ’80, ma un thriller anti-nazista uscito nel 1941 nel bel mezzo della Seconda Guerra Mondiale. Si tratta di La primula Smith (Pimpernel Smith il titolo originale, Mister V quello per il mercato americano), film inglese di propaganda prodotto, diretto ed interpretato da Leslie Howard.

L’attore passato alla storia del cinema per un personaggio che proprio non avrebbe voluto interpretare, il rammollito Ashley Wilkes di Via col Vento, troppo vigliacco per trovare il tempo, in quasi quattro ore di film, di dire a Rossella che non la ama e troppo signore per approfittare della situazione (Selznick lo convinse permettendogli di co-produrre Intermezzo, il suo ultimo film americano che segnò anche il debutto hollywoodiano della giovane Ingrid Bergman), per oltre due decenni, dalla seconda metà degli anni 10 del 900 fino alla prima metà degli anni ’40, era stato protagonista della scena teatrale e cinematografica inglese ed americana. Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale Leslie Howard (nato nel 1893 a Londra da genitori di origine ebraica-Ungherese) aveva lasciato un impiego in banca per correre ad arruolarsi nella Cavalleria Britannica. Tornato a casa e sofferente per quello che oggi viene definito disturbo post-traumatico da stress, ben consigliato da un medico, aveva abbandonato definitivamente l’odiata banca per fare della sua passione giovanile per la recitazione un mestiere, iniziando così una carriera di successo. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, ormai affermatissimo, si era infine lasciato alle spalle Hollywood per mettere la sua fama al servizio della causa alleata: programmi radio, documentari e film di propaganda (e chissà forse anche un incarico nei servizi segreti di sua Maestà).

La Primula Smith è appunto uno di quei film di propaganda. Il protagonista, come detto, è l’archeologo Horatio Smith (Leslie Howard appunto), rispettabile professore di Cambridge, innamorato della scultorea (nel vero senso della parola) Afrodite Callipigia (ma non dategli retta, non l’ha scoperta lui), in lotta con tutto il resto dell’universo femminile e apparentemente sempre con la testa tra le nuvole. Solo apparentemente però perché in realtà il Professor Smith è impegnato in una segretissima (e non ufficiale) operazione per salvare il maggior numero di ebrei possibile dall’internamento nei campi di concentramento…

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film correte a vederlo immediatamente (se non avete problemi con l’inglese vi consiglio un giro su YouTube…), altrimenti leggete il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo…

The Scarlet Pimpernel (1934 film)

The Scarlet Pimpernel (1934 film) (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato tra Cambridge e Berlino (ché il professore sembra imbranato e un po’ fuori di testa ma è assai audace) nel 1939 alla vigilia dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, è un adattamento in chiave moderna e anti-nazista di La Primula Rossa, il romanzo d’avventura scritto dalla Baronessa Orczy nel 1905 e ambientato invece all’epoca della Rivoluzione Francese, che aveva avuto la sua trasposizione cinematografica più riuscita nel 1934 con protagonista proprio Leslie Howard. In quel caso l’eroe era un nobile Inglese all’apparenza fatuo e superficiale che si rivelava in realtà un formidabile e inafferrabile avventuriero, mago dei travestimenti, impegnato in un’audace operazione per evitare ai nobili Francesi il mortale incontro con Madama Ghigliottina.

Il Professor Smith, come il protagonista dell storia originale, non manca di un certo senso dell’umorismo nel farsi beffe dei suoi nemici: per potere scorrazzare in lungo e in largo nella Germania Nazista, con tanto di benestare dell’onnipresente Ministero della Propaganda, organizza con i suoi studenti (inizialmente ignari delle sue vera attività) una spedizione di scavi alla ricerca delle prove delle origini ariane della civiltà germanica (diabolico!). Smith, tallonato dal generale von Graum, che sembra l’unico nazista con un po’ di sale in zucca (ma fino a un certo punto perché tenta di affibbiare  a Shakespeare la cittadinanza tedesca e non capisce lo humour inglese) in mezzo a un mare di incapaci (più o meno tutti i dipendenti del ministero della propaganda agli ordini di Joseph Goebbels) riuscirà, manco a dirlo, a battere in casa i nazisti e finirà col trovare una donna in carne ed ossa degna del suo amore (che si sa, un po’ di romanticismo va sempre a braccetto con dosi massicce di propaganda, è una regola d’oro).

Il momento più importante del film arriva poco prima del finale quando, alla vigilia dell’invasione della Polonia, il professore ormai smascherato dal generale della Gestapo che gli ha dato la caccia fa un discorso che sembra fatto apposta per risollevare il morale degli spettatori inglesi ed americani. “Non governerete mai il mondo…” dice al generale rivolgendosi però alla Germania nazista tutta “perché siete condannati a fallire. (…) Stanotte fate il primo passo lungo una strada buia da cui non c’è possibilità di ritorno (…) non troverete un orizzonte e non vedrete l’alba fino a quando alla fine non sarete sconfitti e distrutti. Siete condannati a fallire…”. (lo potete vedere QUI)

Winston Churchill in Downing Street giving his...

Winston Churchill in Downing Street giving his famous ‘V’ sign. (Photo credit: Wikipedia)

Un momento di pura propaganda, che oggi suona come una premonizione.

Leslie Howard però non vide mai l’avverarsi di quella premonizione.

Quando Hitler si suicidò come un vigliacco nel suo bunker di Berlino il 30 aprile del 1945, spaventato dal destino che era toccato in Italia al suo ispiratore e collega dittatore fascista Benito Mussolini e dall’imminente arrivo in città dell’ Armata Rossa, l’attore inglese non c’era più. Non c’era nemmeno l’anno prima quando gli alleati erano sbarcati sulle coste della Normandia per iniziare l’operazione che avrebbe portato alla liberazione della Francia e di cui in questi giorni si è celebrato il 70° anniversario.

Leslie Howard, era infatti morto il 1° Giugno 1943, a 50 anni, insieme agli altri 17 passeggeri del volo 777 della BOAC in volo da Lisbona a Bristol, intercettato ed abbattuto sul golfo di Biscaglia dagli aerei della Luftwaffe.

Negli anni si sono moltiplicate le ipotesi sulle ragioni dell’abbattimento di quel volo civile: tragico errore, la convinzione dei tedeschi che su quel volo viaggiasse anche Winston Churchill (pare che il manager di Howard, che viaggiava con lui, somigliasse al Primo Ministro Inglese), oppure un piano per sbarazzarsi proprio dell’attore inglese (che, secondo alcune fonti, sarebbe stato segretamente impegnato nei giorni precendenti in una segretissima missione per dissuadere il dittatore Franco dall’idea di unirsi alle forze dell’Asse) e architettato da Joseph Goebbels in persona. Il Ministro della propaganda Nazista, che ben conosceva il potere del cinema nel plasmare le menti e gli orientamenti politici, considerava Leslie Howard uno dei più pericolosi agenti della propaganda anti-nazista Britannica. Di certo non poteva aver apprezzato il modo in cui in La Primula Smith l’attore e regista si era preso gioco di lui (unico capo nazista nominato con nome e cognome) e dell’attività del suo ministero presidiato da un gruppo di incapaci che si fanno prendere in giro da dei ragazzi in preda agli ormoni, da un professore dall’aria stralunata e da un pungo di ebrei.

La Primula Smith non sarà un capolavoro, Leslie Howard regista non era un maestro del brivido alla Hitchcock e si vede, ma il film pure infarcito di propaganda (del resto era in corso una guerra) è comunque un buon film e sapere che all’epoca era riuscito a fare incazzare Goebbels è una ragione più che sufficiente per rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Primula Rossa – UK 1934 Diretto da: Harold Young. Con: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Diretto da: Carol Reed. Con: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

Bufera Mortale USA 1940 Diretto da: Frank Borzage. Con: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Il Prigioniero di Amsterdam (Corrispondente 17) – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

La Signora Miniver – USA 1942 Diretto da: William Wyler. Con: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

Vogliamo Vivere! – USA 1942 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

I Predatori dell’Arca Perduta – USA 1981 Diretto da: Steven Spielberg. Con: Harrison Ford; Karen Allen.

 

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High Treason

“…but you always do forgive yourself.”

Lucy Honeychurch

From: A room with a view – 1987

“The trouble with corruption ain’t the laws against it, that already exist, but those laws that are not respected. In my opinion, a politician under investigation for corruption should be accused instead of high treason. One who takes a bribe betrays the trust, the honour upon which he had given his word.”

That’s more or less what told by the young Prime Minister Matteo Renzi about the new scandal that brought to 35 arrests over alleged corruption in connection with the new flood barriers built to protect Venice that should be completed (?) in 2016 (among the arrested people there’s also the Mayor, Mr Orsoni).

The trouble ain’t the laws (they exist?), nor the thieves (they do little to hide themselves), the trouble is that every time someone discovers that behind the slow inconclusive pace of public infrastructure’s works there are stories of corruption and bribery, there’s always someone other extremely flabbergasted who declares himself full of righteous indignation (but then, maybe, is ready to reprise the negotiations about the reforms of the Italian Institutions with a man who had to leave the Senate because sentenced for tax fraud …just to give to the populist 5Stars movement something they could use…).

“… ma poi ti perdoni sempre.”

Lucy Honeychurch

Da: Camera con vista – 1987

“Il problema della corruzione non sono le regole che non ci sono, sono quelle che non si rispettano. Un politico che viene indagato per corruzione lo indagherei per alto tradimento, se dovesse dipendere da me. Uno che prende tangenti tradisce la fiducia, l’onore su cui aveva giurato”

Così, da Bruxelles, dove si trova per il G7, Matteo Renzi risponde a chi gli chiede lumi sullo scandalo Mose, la nuova tangentopoli veneta.

Il problema non sono le leggi (che ci sono?), nè i ladri (che non fanno poi molto per dissimulare), il problema è che ogni volta che si scopre che dietro a una grande opera che si è trascinata inconcludentemente per alcuni anni (o magari per decenni) si nasconde un giro di tangenti, appalti truccati e corruzione ci sia ancora qualcuno che sgrana gli occhioni un istante prima di cader dal pero dichiarandosi indignato (e poi magari è pronto a voltarsi dall’altra parte per ricominciare le trattative sulle riforme delle istituzioni con un signore che è stato costretto a uscire dal senato per una condanna per frode fiscale …così, giusto per dar altri argomenti ai populisti a cinque stelle).

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My weekend movie: Monkey Business (1952)

MonkeyBusiness1952

Monkey Business (Il Magnifico Scherzo) – USA 1952

Directed by: Howard Hawks.

Starring: Cary Grant; Ginger Rogers; Marilyn Monroe; Charles Coburn.

You’re old only when you forget you’re young.

Are you feeling old and ready to be junked? (Probably not, if you don’t live in Italy…) Would you like to try a miraculous rejuvenating product? Well, Dr Barnaby Fulton and Oxley Chemical got something for you, an elixir of youth that will give you back your lost vigour and enthusiasm. There’s only a little problem… this is just a movie.

Monkey Business (1952 film)

Monkey Business (1952 film) (Photo credit: Wikipedia)

The development of an elixir of youth is in fact the starting point for Monkey Business, the screwball comedy directed by the veteran and versatile Howard Hawks starring Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn and a young Marilyn Monroe.

The story is simple and a little zany. Doctor Fulton (Cary Grant), an absent-minded middle-aged chemist married to the very patient Edwina (Ginger Rogers) and to Oxley Chemical, is trying to develop a new rejuvenating product, goad into it by his boss, Mr Oxley (Charles Coburn), a seventy-year-old man aching all over but not yet insensitive to the “animal magnetism” his secretary, Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), a blonde bombshell with some typing problem, spread round the office. After a series of failed experiments, just before Doctor Fulton could test on himself his last “potion”, one of the chimps used as a guinea pig escapes from its cage and, repeating the actions seen many times, mixes ingredients creating a chemical compound that ends into the water cooler. Fulton drinks the water (mixing it with his potion) and all of a sudden he (and then Edwina and others) starts feeling younger, and younger, and younger…

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois shows a new chemical product to Dr Fulton (Photo credit: Wikipedia)

Monkey Business was the fifth and last movie starring Cary Grant directed by Howard Hawks (mostly comedies – Bringing up Baby; His Girl Friday; I Was a Male War Bride – and the drama Only Angels Have Wings) and was written by nonetheless Ben Hecht (Design for living, Nothing Sacred; His Girl Friday; Spellbound; Notorious and many, many others), Charles Lederer (His Girls Friday; I Was a Male War Bride; The Thing from Another World; Gentlemen Prefer Blondes; Ocean’s 11…) and I.A.L. Diamond (later, co-writer with Wilder of 12 of his films screenplays from Love in the Afternoon till Buddy Buddy with the only exception of Witness for the Prosecution), who had to face censorship intrusion.

Howard Hawks

Howard Hawks (Photo credit: Wikipedia)

The first version of the script was considered a bit too naughty in a period when leading ladies were real sex-bombshells but hypocrisy on sex-related subjects was reaching its peak, so all the fuss about the potion’s possible aphrodisiac side effects was simply removed, the elixir was called B-4 instead of Cupidone, Mr Oxley’s interest on Lois was softened while everybody reacted to the drug behaving first like silly teenagers and then like annoying kids.

Despite good actors and writers Monkey Business, that a year after its release was called by Jacques Rivette in his essay The Genius of Howard Hawks one of Hawks’ best films, left the director disappointed. He shared the American critics point of view: the premise was too absurd to sustain the whole story, after a while the gags became too repetitive and the film a bit dull. Too bad, because the couple Grant-Monroe worked particularly well as noticed by critics and Hawks himself, who regretted not having used Marilyn Monroe as the leading actress instead of Ginger Rogers (who had probably some responsibility in the final result. To sign the contact for this movie, she insisted hat her character could share Dr Fulton’s rejuvenation experience).  Probably Hawks was right: even today Monkey Business DVD, Blu-ray and Downloads are sold exploiting Marilyn image.

Anyway if you love screwball comedies, nonsense, dumb blondes and can’t wait to see Cary Grant playing at indians, I bet you’ll enjoy this film (and will discover that ageing ain’t such a drama).

A few related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Dy Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

The Invisible Man – USA 1933 Directed by: James Whale. Starring: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

More Than a Secretary – USA 1936 Directed by: Alfred E. Green. Starring: Jean Arthur; George Brent.

Bringing Up Baby – USA 1938 Directed by: Howard Hawks. Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Lover, Come Back – USA 1961 Directed by: Delbert Mann. Starring: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

The Absent-Minded Professor – USA 1961 Directed by: Robert Stevenson. Starring: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

The Nutty Professor – USA 1963 Directed by: Jerry Lewis. Starring: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.

pellicola2

Sei vecchio solo quando ti dimentichi che sei giovane.

Iniziate a sentirvi vecchi e pronti per la rottamazione? Vi piacerebbe provare un nuovo miracoloso prodotto ringiovanente? Bene, il Dottor Barnaby Fulton e la Oxley Chemical hanno qualcosa che fa al caso vostro: un elisir di giovinezza che vi restituirà il vigore e l’entusiasmo dei vostri diciott’anni. C’è solo un piccolissimo problema… questo è solo un film.

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois and Dr Fulton choose a new car(Photo credit: Wikipedia)

Lo sviluppo di un elisir di giovinezza è infatti la premessa intorno alla quale gira Il Magnifico Scherzo (Monkey Business il titolo originale) la commedia del 1952 diretta dal veterano e versatile Howard Hawks che ha per protagonisti Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn e una giovane Marilyn Monroe.

La storia è semplice e un po’ demenziale. Il dottor Fulton (Cary Grant), chimico di mezz’età con la testa tra le nuvole sposato alla paziente Edwina (Ginger Rogers) e alla Oxley Chemical, sta cercando di sviluppare un nuovo prodotto in grado di restituire il vigore dalla gioventù pungolato dal suo capo Mr Oxley (Charles Coburn), settantenne un po’ acciaccato ma non ancora insensibile al fascino di Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), la sua segretaria dalle forme esplosive e con qualche problema alla macchina da scrivere. Dopo una serie infinita di esperimenti falliti, proprio mentre Fulton sta per testare su se stesso l’ultima “pozione”, una delle scimmie usate come cavie evade dalla sua gabbia e ripetendo i suoi gesti crea un composto che finisce col mescolarsi con l’acqua potabile e che il chimico beve. E così Fulton (e poi Edwina ed altri) inizia a sentirsi sempre più giovane…

Cover of "Monkey Business"

Marilyn sells! Cover of Monkey Business DVD

Il Magnifico Scherzo è il quinto e ultimo film in cui Cary Grant fu diretto da Howard Hawks (quasi tutte commedie le loro collaborazioni – Susanna, La Signora del venerdì, Ero uno sposo di guerra – ad eccezione del drammatico Avventurieri dell’aria) ed è stato sceneggiato da nientemeno che Ben Hecht (Partita a quattro; Niente sul serio; La Signora del venerdì; Io ti salverò; Notorious e molti, molti altri), Charles Lederer (La Signora del Venerdì; Ero uno sposo di guerra; La Cosa da un altro mondo; Gli uomini preferiscono le bionde; Colpo Grosso…) e I.A.L. Diamond (in seguito co-sceneggiatore con Billy Wilder di 12 dei suoi film da Arianna a Buddy Buddy con l’unica eccezione di Testimone d’accusa), che dovettero affrontare anche  le intrusioni della censura. La prima stesura della sceneggiatura era apparsa un po’ troppo birichina in un periodo in cui le dive erano maggiorate esplosive ma il moralismo imperava (“donne tornate al focolare e sposatevi” era il messaggio che andava per la maggiore), e così tutta l’eccitazione a proposito di collaterali effetti afrodisiaci era stata semplicemente eliminata, l’elisir chiamato B-4 (before, prima) invece che Cupidone, l’interesse di Mr Oxley per la procace Lois reso meno evidente mentre tutti erano ridotti dalla magica pozione prima in folli teenagers e poi in insopportabili bambini.

Nonostante la buona prova degli attori Il Magnifico Scherzo, che l’anno seguente alla sua uscita fu anche celebrato da Jacques Rivette nel suo saggio Il Genio di Howard Hawks come uno dei miglori film del regista, deluse Hawks che condivideva il punto di vista dei critici americani: la premessa era troppo assurda per riuscire a sostenere l’intera storia, dopo un po’ le gag diventavano ripetitive e il film si sgonfiava. Peccato, perché la coppia Grant-Monroe funzionava particolarmente bene, come notarono all’epoca sia i critici che lo stesso Hawks che rimpiangeva di non aver fatto della bionda bomba sexy la protagonista femminile del film al posto di Ginger Rogers (che forse aveva qualche responsabilità per il risultato finale, visto che per firmare il contratto aveva preteso che il suo personaggio condividesse con il Dottor Fulton l’esperienza del ringiovanimento). Hawks aveva proprio ragione: ancora oggi si vendono DVD, Blu-Ray e download del film sfruttando proprio l’immagine di Marilyn.

Comunque, se vi piacciono le commedie brillanti, il nonsense, le bionde svampite e non vedete l’ora di vedere Cary Grant giocare agli indiani, questo film riuscirà sicuramente a divertirvi (e vi farà capire che in fondo invecchiare, ma solo un po’, non è un dramma).

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il etrailer):

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

L’uomo invisibile – USA 1933 Diretto da: James Whale. Con: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

Cercasi segretaria – USA 1936 Diretto da: Alfred E. Green. Con: Jean Arthur; George Brent.

Susanna – USA 1938 Diretto da: Howard Hawks. Con: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Amore, ritorna! – USA 1961 Diretto da: Delbert Mann. Con: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

Un professore fra le nuvole – USA 1961 Diretto da: Robert Stevenson. Con: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

Le folli notti del dottor Jerryll – USA 1963 Diretto da: Jerry Lewis. Con: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.

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Congratulations

“That’s it, big man. You’ve won, congratulations.”

Sherlock Holmes

From: Sherlock Holmes – 2009

Congratulations to the Youngest Italian Prime Minister ever who, in the middle of the populist attack that’s threatening the Union, won hands down the European election (and the local election too). Leader among leaders, winning 40% he doubled the internet Guru (Mr Grillo, 5Stars Movement leader), thrashed MrB, shrunk the left (the real left) and resuscitate he long time dead “White Whale” (this way was once called the Christian Democracy Party)…

Congratulations for his always extraordinary coherence. He said that this was not a referendum about his government and in fact now he says that after the vote nobody (I suppose especially the members of “his” party, the supposed leftist Democratic Party) has a alibi, “his” reforms has to be approved: Constitution, electoral law, labour regulations, tax and judiciary systems (things that you people – and MrB too – wouldn’t believe)…

Congratulations to the Italians too, because for once things seems going better for us than for our French  “cousins” or for our British friends…

The sun shines over the Bel Paese and a bright future is ahead of us: the elders will be junked, the young will walk with their delicate fragile legs, the poor will rejoice… so, why ain’t I happy?

“Basta grand’uomo… finito. Hai vinto. Congratulazioni!”

Sherlock Holmes

Da: Sherlock Holmes – 2009

Congratulazioni al più giovane Presidente del Consiglio che, nel bel mezzo della carica populista che minaccia l’Unione, ha vinto le Europee (e le amministrative) a mani basse. Leader tra i leader Europei ha doppiato il santone della rete, stracciato MrB, ridotto al lumicino la sinistra (quella vera) e fatto risorgere la Balena Bianca…

Congratulazioni per la sua sempre straordinaria coerenza. L’aveva detto che non sarebbe stato un referendum sul governo e infatti ora dice che dopo questo voto nessuno (immaginiamo specialmente nessuno del “suo” partito…) ha più alibi, vanno subito approvate le sue riforme: costituzione, legge elettorale, lavoro, fisco e giustizia (cose che voi umani -compreso MrB nei suoi sogni più audaci- non potreste immaginare)…

Congratulazioni anche a noi che una volta tanto sembriamo passarcela un po’ meglio dei cugini Francesi e degli amici britannici…

Il sole risplende sul Bel Paese e un futuro radioso si attende: i vecchi saranno rottamati, i giovani cammineranno sulle loro gracili gambine, i poveri gioiranno… e allora perché io non sono felice?

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My weekend movie: M*A*S*H (1970)

MASH1969

M*A*S*H – USA 1970

Directed by: Robert Altman.

Starring: Donald Sutherland; Elliott Gould; Tom Skerritt; Sally Kellerman; Robert Duvall.

Attention! Tonight movie will show you the best combat surgeons cutting and stitching behind the front lines…

After the 67th Cannes International Film Festival ended with Winter Sleep, the Turkish movie directed by Nuri Bilge Ceylan, winning the Palme D’Or, I propose you to watch again the movie winning the Gran Prix du Festival (the current Palme D’Or) in 1970: M*A*S*H, the satirical comedy directed by Robert Altman.

MASH (film)

MASH (film) (Photo credit: Wikipedia)

The film, set in a Mobile Army Surgical Hospital (M.A.S.H) during the Korean War, tells about the medical team working there. Capt. Benjamin Franklin “Hawkeye” Pierce (Donald Sutherland), Capt. Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) and Capt. John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) are a trio of indisciplined womanisers, all recently drafted into the U.S. Army Medical Corps, able to prove that excellence in combat surgery is in inverse proportion to the respect of the army rules. The favourite victims of their pranks are the over pious (and not very brilliant surgeon) Major Frank Burns (Robert Duvall) and the newly assigned chief nurse of the camp, Major Margaret Houlihan (Sally Kellerman), who has a real fixation for rules and military discipline and earns the nickname “Hot Lips” after her “brief encounter” with the righteous Major is aired over the public address system…

The movie is based on the 1968 novel MASH: A Novel About Three Army Doctors written by Richard Hooker (the pen name for Dr. H. Richard Hornberger and writer W. C. Heinz). The screenplay is by Ring Lardner, Jr, an american journalist and screenwriter blacklisted during the so called “Red Scare” of 1950′s, who, despite earning an Academy Award for Best Adapted Screenplay, distanced himself from the film due to the many changes made by director Robert Altman. In fact, in his peculiar and unorthodox style, Altman used the script as a draft and encouraged improvisation (not an astounding novelty. Gregory La Cava made exactly the same with Stage Door, the beautiful film about theatre world released in 1937), a directing style that caused tension between the director and the cast (apparently during principal photography Gould and Sutherland spent most of their time trying to get rid of Altman), but also produced a film apparently made of loosely linked episodes. To frame them and give the movie more structure, following the suggestion of editor Danford Greene, Altman used loudspeaker announcements making of this gadget another character and the real trademark of this movie.

Sally Kellerman at the premiere of Bette Midle...

Sally Kellerman (Photo credit: Wikipedia)

To avoid any references to the then already underway Vietnam War, 20th Century Fox requested the addiction, at the beginning of the movie, of a caption making clear that the film was set during the previous Korean War (though everybody caught the similarity). Clearly it wasn’t fair to poke fun at the army and its obtuse hierarchy in the middle of a bloody, dirty war that was already causing many protests, not to mention that dead bodies and wounded people were shown in a dirty battlefield hospital whose operating room resembled to a slaughterhouse and whose staff could preserve its mental health in the middle of the war horror only cynically poking fun at everything and everyone, gambling, drinking a glass of martini after the other, and seducing nurses.

M*A*S*H was a huge success. In addiction to the already mentioned Gran Prix du Festival de Cannes and Academy Award for best adapted screenplay M*A*S*H won 4 more Oscar nominations (Best Film; Director; Editing; Supporter Actress – Sally Kellerman), a Golden Globe for Best Motion Picture-Musical or Comedy(and 4 nominations more), many others awards and, in addiction, inspired the very successful TV series M*A*S*H, starring Alan Alda as “Hawkeye” Pierce and broadcasted on CBS from 1972 till 1983 (in Italy the series arrived in 1979 aired on RAI Uno, the first channel of our Pubblic Television). The TV series produced in turn a couple of spin-offs: AfterMASH (only one and a half seasons following the end of MASH) and the quite successful Trapper John, MD, aired from 1979 to 1986 on CBS and showing the M*A*S*H character, but twenty eight years older, working in a San Francisco hospital.

I warn you, I think that M*A*S*H ain’t aged gracefully (frankly there’s too much machismo to my taste), but it’s anyway a worthwatching film.

A few free-assosiated movies you oculd also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Duck Soup – USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operation Petticoat – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Private Benjamin – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.

pellicola2

Attenzione! Il film di questa sera vi mostrerà i migliori chirurghi di guerra intenti a tagliare e ricucire nelle retrovie…

Archiviata la 67a edizione del Festival Internazionale del Cinema di Cannes con la vittoria del film turco Winter Sleep diretto Nuri Bilge Ceylan, vi propongo di rivedere il film che vinse il Gran Prix du Festival (l’odierna Palma D’oro) nel 1970: M*A*S*H, il film satirico diretto da Robert Altman.

1969 Canadian paperback edition of the first book.

MASH: A Novel About Three Army Doctors -1969 Canadian paperback edition of the first book. (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato in un ospedale da campo Americano (Mobile Army Surgical Hospital; MASH per l’appunto) durante la Guerra di Corea, racconta la storia dell’equipe medica che lì lavora. Il Capitano Benjamin Franklin “Occhiodifalco” Pierce (Donald Sutherland), il capitano Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) e il capitano John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) formano un trio di indisciplinati dongiovanni, tutti recentemente richiamati nel Corpo Sanitario Militare dell’esercito degli Stati Uniti, ed in breve tempo riescono a provare che l’abilità nella chirurgia d’emergenza in tempo di guerra è inversamente proporzionale al rispetto delle regole militari. Le vittime preferite dei loro scherzi da caserma (o sarebbe meglio dire da ospedale da campo) sono l’ultra-pio (e poco capace chirurgo) Maggiore Frank Burns (Robert Duvall) e la nuova capo-infermiera del campo, il Maggiore Margaret Houlihan (Sally Kellerman), una vera maniaca del rispetto di regole e disciplina militari, che dopo essere stata sorpresa col virtuoso Maggiore nel corso di un incontro amoroso (diffuso via megafono in tutto il campo) si guadagna il nomignolo di “Bollore”…

Il film è l’adattamento cinematografico del romanzo omonimo di Richard Hooker (pseudonimo di H. Richard Hornberger e Wilfred Charles Heinz) del 1968 (MASH: A Novel About Three Army Doctors, il titolo originale). La sceneggiatura è firmata da Ring Lardner Jr, giornalista e sceneggiatore americano finito nelle liste nere durante il periodo della “Paura Rossa” negli anni ’50, che nonostante la vittoria dell’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale finì col prendere le distanze dal film per le molte modifiche apportate dal regista nel corso delle riprese. In effetti nel suo tipico e poco ortodosso stile Altman, usò la sceneggiatura come un semplice canovaccio incoraggiando l’improvvisazione (non una sconvolgente novità visto che Gregory La Cava, ad esempio, aveva già fatto la stessa cosa con Palcoscenico, il film sul mondo del teatro da lui diretto nel 1937), e questa scelta causò una certa tensione tra lui e il cast (a quanto pare durante le riprese Gould e Sutherland dedicarono gran parte del loro tempo al tentativo di far licenziare il regista), e rese il film piuttosto frammentato, composto di una serie di episodi un po’ slegati. Su suggerimento del montatore Danford Greene, Altman decise quindi di usare gli annunci dell’altoparlante del campo per dare maggiore unità alla storia, facendo di quell’aggeggio uno dei protagonisti e il “marchio di fabbrica” del film.

English: Publicity photo from the M*A*S*H seas...

English: Publicity photo from the M*A*S*H season premiere, 1974. Pictured are: Loretta Swit, Larry Linville, Wayne Rogers, Gary Burgoff, Alan Alda (driver of jeep), and MacLean Stevenson. (Photo credit: Wikipedia)

Fu invece per evitare ogni diretto riferimento alla guerra del Vietnam, in quel momento ancora lontana da una soluzione, che la 20th Century Fox richiese un’esplicita menzione nei titoli di testa del fatto che il film fosse ambientato durante la precedente Guerra di Corea (anche se a nessuno sfuggirono le similitudini tra le due guerre). Evidentemente mentre una sanguinosa, sporca e contestatissima guerra era in corso non stava bene prendere in giro l’esercito e l’ottusità delle sue gerarchie, per di più mostrando morti e feriti in un ospedale da campo lurido e tanto somigliante a una macelleria in cui l’unico modo per tenersi sani di mente di fronte a tanto orrore era prendersi gioco cinicamente di ogni cosa, bere litri di martini, giocare d’azzardo e sedurre le infermiere.

M*A*S*H fu un successo di critica e pubblico. Oltre ai già citati Gran Prix del Festival di Cannes ed all’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale si guadagnò altre 4 nomination all’Oscar (miglior film; regia; montaggio e attrice non protagonista – Sally Kellerman), il Golden Globe come miglior film nella categoria commedie e musical (oltre ad altre quattro nomination), tutta una serie di altri premi e fu d’ispirazione per la fortunatissima serie televisiva, M*A*S*H, con protagonista Alan Alda nel ruolo di “Occhiodifalco” Pierce, trasmessa in America su CBS dal 1972 al 1983 (in Italia su RAI Uno dal 1979). La serie a sua volta produsse un paio di spin-off: AfterMASH (una stagione e mezza iniziate dopo la fine della serie principale) e Trapper John, serie trasmessa con successo dal 1979 al 1986 nel quale il personaggio di M*A*S*H, invecchiato di ben 28 anni, è medico in un ospedale di San Francisco (anche questa fu trasmessa in Italia prima da RAI Uno e poi da Canale 5).

Vi avverto, a mio parere M*A*S*H non è invecchiato molto bene (il machismo è a tratti insopportabile) ma vale comunque la pena di rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Guerra Lampo dei Fratelli Marx– USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operazione Sottoveste – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Il dottor Stranamore – Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Soldato Giulia agli ordini – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.

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Thank God, it’s (almost) Sunday…

“What else can we do on Sunday?”

Thomas Crown

From: The Thomas Crown Affair – 1968

Today, with voters casting their balots in UK and Netherlands, starts the European election, which means that, thanks heaven, in Italy too the most indecent and coarse campaign in decades (at least the most indecent I can remember) is about to come to an end. A man banned from taking public office (MrB) is campaigning; the internet guru (Mr Grillo) almost proudly compares himself to Hitler (but than tries to fix up things), enlists in his movement poor Mr Berlinguer (the Italian Communist Party leader from 1972 till his death in 1984 who “broke” with Soviet Union and talked about morality in politics) and launched an obscene internet “popular” trial (he estimate it will last at least one year) in which journalists, politicians and (new entry) businessmen will be judged on his HolyBlog by a jury made of 5Starsmovement “certified” members (the crème de la crème of moral rectitude); the youngest Prime Minister in the Italian history (Mr Renzi) who takes advantage of his government action to campaign, doesn’t miss an electoral meeting, twitters like a teenager and takes part in the competition made of insults but then says the European election got nothing to do with the destiny of his government; and the other competitors? Well, apparently they are lost in a very thick fog because they are almost disappeared from the media coverage…

Anyway, very, very reluctantly I have to join young Mr Renzi to launch an appeal to my compatriots: on Sunday do as you wish, but please do not vote for a buffoon…

and please don’t stare at my words that way, I know… it’s a mission (almost) impossible.

“Cos’altro potremmo fare domenica?”

Thomas Crown

Da: Il Caso Thomas Crown – 1968

Oggi in Gran Bretagna e Paesi Bassi si è iniziato a votare per il rinnovo del Parlamento Europeo, questo significa che anche nel nostro paese siamo finalmente arrivati alle battute finali della più indecente e sguaiata campagna elettorale degli ultimi decenni (sicuramente la più indecente che io ricordi). Un interdetto che fa campagna elettorale; un santone della Rete che si vanta di somigliare a Hitler (salvo aggiustare il tiro in corsa) e poi arruola nel suo movimento il povero Berlinguer ma non prima di aver lanciato l’osceno processo popolare mediatico a giornalisti, politici e (nuova entrata) industriali rei dello sfacelo del paese che saranno giudicati sul SacroBlog da un manipolo di pentastellati “certificati” (la crème de la crème della rettitudine morale); il più giovane presidente del consiglio di tutti i tempi che usa ed abusa dell’azione del suo governo per far campagna elettorale, gira per comizi come una trottola, twitta, e partecipa alla gara di insulti ma poi dice che il risultato elettorale non avrà nulla a che fare con la tenuta del suo governo; e tutti gli altri contendenti inghiottiti da una spessissima nebbia e praticamente spariti dall’orizzonte…

Devo però a malincuore unirmi al giovane Renzi per farvi un appello: domenica fate quello che ritenete più giusto, ma per favore non votate per i buffoni…

e non fate quella faccia, lo so anch’io che è un’impresa quasi impossibile.

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My weekend movie: To Catch a Thief (1955)

Tocatchathief

To Catch a Thief (Caccia al ladro) – USA 1955

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring:  Cary GrantGrace KellyJessie Royce Landis;  John Williams;

Brigitte Auber.

“The” Blonde, the thief and the French Riviera.

The 67th Cannes Film Festival opened this week with the long delayed Grace of Monaco, the biopic directed by Olivier Dahan and starring Nicole Kidman as Grace Kelly the Hollywood star who became a Princess.

To Catch a Thief (Photo Credit: Wikipedia)

The film, focused on the period when the ex-actress had to reject the Hitchcock’s offer to star as the frigid compulsive thief in Marnie because of the Monaco national interest, enraged the Monaco royal family (Albert II, Prince of Monaco, the reigning monarch of the Principality of Monaco, is the first-born son of Rainier III, Prince of Monaco, and the American actress) and was slammed by critics (the most generous called it “a timeless camp classic”) but provides a pretext to watch once again To Catch a Thief the 1955 film directed by the master of suspense, set in the French Riviera and starring Grace Kelly and Cary Grant.

To Catch a Thief tells about John Robie “the cat” (Cary Grant), a retired cat burglar who used to “work” in France before WWII. Once caught, he escaped the prison after a bombing and joined the underground becoming a resistance hero a fact that grated him the freedom on parole. Now he has to momentarily leave his villa and his vinyard on the French Riviera to unmask a thief who’s imitating his “style” and menacing his freedom. With the help of a Lloyd’s of London’s insurance agent (John William), an eccentric millionairess (Jessie Royce Landis) and her charming and elegant daughter Francie (Grace Kelly), Robie will try and catch the new “cat”…

SPOILER ALERT: if, because of a mysterious astral conjunction, you’ve never cross paths with this movie, you better go and fetch a copy immediately, otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

In his long conversation with Truffaut, Hitchcock called To Catch a Thief, the picture loosely based on a novel by David Dodge, a light-hearted movie, and in fact both story and setting, the Arsenio Lupin-like thief, the French Riviera, the Grand Hotel, the witty conversations and naughty situations (causing some headaches to the cemsors, preoccupied with the correct timing of dissolving kisses) remind to Lubitsch‘s world and screwball comedies.

English: Screenshot of Grace Kelly and Cary Gr...

Grace Kelly and Cary Grant in To Catch a Thief (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, To Catch a Thief mixes humour and lots of the typical hitchcockian elements:

first of all Robie, the retired “cat”, is the innocent man wrongly accused; then the whole ex-underground gang is a bunch of characters that cannot be trusted; but above all the Blonde is a sensation and the whole fuss over the stolen jewels is just a mega-McGuffin (if you don’t know yet what a McGuffin is, Hitchcock himself will explain it to you HERE).

Hitchcock seems in fact little interested in catching the false “cat”, and the solution of this mystery is quite obvious: ok, the new cat is a girl, but you can smell it in the air since the young and mischievous Danielle Foussard (Brigitte Auber), the daughter of one of the old resistance mates now so hostile, appears for the first time on screen…. The thief Hitchcock wants to see caught is instead Robie himself and the one who’s chasing him is Francie, who hunts implacably the man who could be her father (after all the girl has lost his father, it’s her right to suffer from oedipus complex) till his final capitulation in a ending that Hitchcock called in his typical humour “almost tragic”: the ex-thief, who dared to confess he stole jewels to live the easy life, will marry the charming heiress and will live (probably the rest of his life) with his mother in law.

English: Screenshot of Grace Kelly and Cary Gr...

Fire behind a cold surface (Photo credit: Wikipedia)

To launch this special manhunt Hitchock could count on his favourite alter ego Cary Grant, who thanks to this movie decided to postpone his retirement, and above all on his favourite blonde, Grace Kelly, who’s here at her third and final collaboration with him. Hitchcock thought that suspense, surprise was fundamental in sex like in any other thing in life and if the protagonists of his movie were sex-bombshells like Marilyn, Brigitet Bardot, Sophia Loren or Jane Rusell, the sex written on their faces would have spoilt the suprise. In To Catch a Thief, as ìn the previous Dial M for Murder and Rear Window, Grace Kelly is instead the perfect embodiment of Hitchock’s ideal woman: a very elegant, sophisticated woman, a lady who’s able to become a whore once in the bedroom (Hitchcock’s words). Inner fire behind a cold surface.

Obviously, though Hitchcock thought the only interesting thing about this film were his troubles with Technicolor (he was dissatisfied with the shadow of blue in the night sky), much more could be said about the picture and its making, the beautiful costumes designed by Edith Head, the casting, the shooting on location in France (no, Grace didn’t meet her Prince in that occasion), the troubles with the French cast… and if you want to know more about that you could visit the Hitchcock Wiki at this link:

http://hitchcock.zone/wiki/To_Catch_a_Thief_(1955)

But more important, you should watch To Catch a Thief  to meet the perfect Hitchcock blonde and to watch once again Grace Kelly, the one and only, in action.

A few free-associated movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Trouble in Paradise – USA 1932 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Herbert Marshall; Miriam Hopkins; Kay Francis; Edward Everett Horton.

Duck Soup – USA 1933 Directed by: Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico e Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Raffles – USA 1939 Directed by: Sam Wood. Starring: David Niven; Olivia de Havilland; Dame May Whitty.

Midnight – USA 1939 Directed by: Mitchell Leisen. Starring: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Maty Astor.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine, Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

The Pink Panther – USA 1963 Directed by: Blake Edward. Starring: Peter Sellers; David Niven; Robert Wagner; Capucine; Claudia Cardinale.

How to Steal a Million – USA 1966 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Peter O’Toole; Hugh Griffith.

pellicola2

“La” Bionda, il ladro e la Costa Azzurra.

Il 67° Festival di Cannes è iniziato questa settimana con la proiezione di Grace of Monaco, il film biografico diretto da Olivier Dahan in cui Nicole Kidman interpreta Grace Kelly, la stella di Hollywood che diventò una principessa.

Wedding dress of Grace Kelly

Grace Kelly in her wedding dress (Photo credit: Wikipedia)

Il film, che racconta del periodo in cui l’attrice per la ragion di stato decise di rinunciare al ritorno sulle scene declinando l’offerta di Hitchcock di intrerpetare l’algida cleptomane Marnie, ha fatto infuriare la famiglia Grimaldi (Alberto II Principe di Monaco, attuale Sovrano del Principato di Monaco, è il figlio primogenito di Ranieri III di Monaco e dell’attrice americana) ed è stato stroncato dalla critica (“classico kitch intramontabile”, “qua e là divertente…peccato non sia una commedia”) ma ci offre comunque un ottimo pretesto per rivedere Caccia al ladro, il film del 1955 diretto dal maestro del brivido e ambientato proprio sulla Costa Azzurra che ha per protagonisti la Kelly e Cary Grant.

Caccia al ladro parla di John Robie “il gatto” (Cary Grant), un ex ladro acrobata americano attivo in Francia prima della guerra e ritiratosi da anni sulla Costa Azzurra dopo aver beneficiato della libertà sulla parola per aver partecipato alla resistenza francese, che deve momentaneamente rinunciare alla quiete dei suoi vigneti per smascherare un ladro che lo imita facendogli rischiare la prigione. Con l’aiuto di un agente delle assicurazioni Lloyd’s di Londra (John Williams), di un’eccentrica milionaria Americana (Jessie Royce Landis) e della sua bella ed elegante figlia Francie (Grace Kelly) Robie cercherà di catturare il nuovo “gatto”…

ATTENZIONE SPOILER: Se per colpa di una qualche strana congiunzione astrale non vi siete mai imbattuti in questo film, vi consiglio di procurarvene una copia ora, oppure proseguite la lattura a vostro rischio e pericolo…

Nella sua lunga conversazione con Truffaut, Hitchcock definì Caccia al ladro, libera trasposizione cinematografica di un romanzo del 1952 di David Dodge, un film piuttosto leggero, ed infatti sia la storia che la sua ambientazione, il ladro all’Arsenio Lupin, la Costa Azzurra, il Grand Hotel, gli scambi di battute brillanti e le situazioni piccanti (che causarono grattacapi ai censori preoccupati del perfetto tempismo di baci e provvidenziali dissolvenze) ricordano il mondo di Lubitsch e la commedia sofisticata.

To Catch a Thief (1955) features Hitchcock on ...

Hitchcock’s cameo in To Catch a Thief (Photo credit: Wikipedia)

Eppure Caccia al Ladro contiene mescolati a una certa dose di humour tutti i tipici elementi del cinema hitchcockiano:

innanzitutto Robie, il “gatto” in pensione, è il classico uomo innocente ingiustamente accusato, poi l’intera ex-banda con cui Robie ha combattuto durante la resistenza si rivela un insieme di personaggi di cui è bene non fidarsi; la bionda è sensazionale e tutta la storia intorno ai gioielli rubati non è altro che un mega-McGuffin (se ancora non sapete cosa sia ve lo spiega Hitchcock QUI, oppure potete leggerlo QUI).

Hitchcock infatti sembra poco interessato alla caccia al finto “gatto”, che del resto si risolverà senza troppe sorprese: ok il gatto è una ragazza, ma si capisce appena entra in scena Danielle Foussard (Brigitte Auber), la figlia di uno qi quegli ex compagni di resistenza che sembrano tanto ostili, che quella giovane e maliziosa  francese non la racconta giusta….

Cary and Grace in To Catch a Thief, 1955

Tha Cat has been caught(Photo credit: thefoxling)

In realtà il ladro a cui dare la caccia, quella caccia a cui Hitchcock è interessato sul serio, è proprio Robie e la cacciatrice è Francie, che si mette alle costole del fascinoso “gatto” che potrebbe tranquillamente essere suo padre (del resto la ragazza è orfana di padre, può permettersi un bel complesso edipico) e lo bracca implacabile fino alla sua definitiva capitolazione in quello che, con il suo tipico humour, Hitchcock definisce un finale quasi tragico: all’orizzonte per l’ex ladro, che non si vergogna di confessare di aver rubato per permettersi la bella vita, si prospettano matrimonio e convivenza con la suocera (presumibilmente finché morte non li separi).

Per questa specialissima caccia al ladro Hitchcock ha a sua disposizione il suo alter ego preferito Cary Grant, convinto proprio da questo film a posporre di qualche anno il suo ritiro dalle scene, e soprattutto la sua bionda preferita, Grace Kelly, qui al suo terzo e ultimo film con lui. Per Hitchcock la suspense doveva comandare ogni cosa, anche il sesso e quindi le protagoniste dei suoi film non potevano certo essere bombe sexy come Marilyn, la Bardot, la Loren o Jane Russell, non ci sarebbe stato alcun mistero. Grace Kelly invece in Caccia al Ladro è, forse persino in maniera un po’ più esplicita che nei precedenti Il Delitto Perfetto e La Finestra sul Cortile, la perfetta incarnazione del suo ideale di donna: una donna di mondo, apparentemente fredda elegante e sofisticata, una vera signora capace di diventare una puttana (sono parole del maestro) in camera da letto. Fuoco che arde dietro a una superficie gelida.

Ovviamente, anche se secondo Hitchcock la sola cosa interessante da dire su questo film riguardava i suoi problemi tecnici col Technicolor (proprio non gli piaceva il tono del blu nel cielo notturno), molto altro si potrebbe dire sulla sua realizzazione, sui bei costumi disegnati da Edith Head, sulla scelta degli attori, le riprese in Francia (che no, non furono galeotte, Grace Kelly non conobbe  Ranieri in quell’occasione) o i problemi col cast francese…quindi se volete saperne di più potete consultare il sito Hitchcock Wiki a questo link:

http://hitchcock.zone/wiki/To_Catch_a_Thief_(1955)

Quello che conta però è rivedere Caccia al ladro per scoprire la perfetta bionda hitchcockiana e per vedere ancora una volta Grace Kelly, quella vera, in azione.

Alcuni film liberamente associati che potrebberopiacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Mancia Competente – USA 1932 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Herbert Marshall; Miriam Hopkins; Kay Francis; Edward Everett Horton.

La Guerra Lampo dei Fratelli Marx – USA 1933 Diretto da: Leo McCarey. Con: Groucho, Harpo, Chico e Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Raffles – USA 1939 Diretto da: Sam Wood. Con: David Niven; Olivia de Havilland; Dame May Whitty.

La Signora di Mezzanotte – USA 1939 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Maty Astor.

Rebecca-La prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine, Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

La Pantera Rosa – USA 1963 Diretto da: Blake Edward. Con: Peter Sellers; David Niven; Robert Wagner; Capucine; Claudia Cardinale.

Come rubare un milione di dollari e vivere felici – USA 1966 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Peter O’Toole; Hugh Griffith.

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A conspiracy

“Conspiracy theorists of the world unite.”

Robert Clayton Dean

From: Enemy of the State – 1998

Thanks heaven sometimes someone writes a new book that rehabilitate poor MrB(erlusconi)’s honour.

This time MrB’s rescuer is nonetheless Mr Timothy Geithner, US Secretary of the Treasury under President Obama between 2009 and 2013, who wrote in the recently published book Stress Test that in autumn 2011 a few unidentified European officials tried to involve the USA in a plot to end the government lead by MrB. The greatest statesman in the Italian history reacted to the news with his usual composure shouting that he was overthrown in a putsch and asking for a parliamentary inquiry…

Are you having a feeling of déjà vu? Well, in fact something similar already happened a few months ago when, in a book titled Ammaziamo il Gattopardo (Kill the Leopard), the American journalist Alan Friedman wrote about an international conspiracy involving President Giorgio Napolitano and a number of European leaders and meant to get rid of MrB and replace him with Mario Monti (the evidence was, according to Friedman, the fact that months before MrB’s resignation President Napolitano asked to Mr Monti if he could be interested in forming a possible technocrats government in the future…)

Once again it could be useful to refresh your memory about 2011 events. In summer 2011 while our dear MrB repeated that the crisis was just a leftist pessimistic fixation, IMF and ECB, fearing the Greek crisis contagion, were asking to the Italian government for concrete measures to cut the debt. In autumn 2011 during the G20 meeting in Cannes some Countries tried to persuade Italy to accept an IMF loan (and therefore its supervision on our economic policy). In the same occasion the German Chancellor Angela Merkel and the French President Nicolas Sarkozy got rid of the greatest statesman in the Italian history with a mocking smile (laughing at the whole Country and showing a complete disregard…) during a press conference (HERE)… In the meanwhile MrB’s government was constantly threatened to come to an end because of troubles on the right-wing coalition and because of the greatest statesman’s judiciary troubles…

Mr Geithner should clarify his not very surprising revelations but, anyway, his incredible sense of timing is truly praiseworthy: his book arrived just in time to revive MrB’s European election campaign. Unfortunately it also prick the bubble of the great statesman respected all over the world…

“Teorici della cospirazione di tutto il mondo unitevi.”

Robert Clayton Dean

Da: Nemico Pubblico – 1998

Meno male che ogni tanto qualcuno scrive un libro capace di riscattare il macchiato onore del povero MrB.

Questa volta ci ha pensato nientepopodimeno che Timothy Geithner, tra il 2009 e il 2013 segretario al Tesoro degli Stati Uniti, che nel suo nuovo libro Stress Test (uscito in questi giorni) ha rivelato che nell’autunno 2011, nei giorni dello spread stellare alcuni (a quanto pare non meglio identificati) “funzionari europei” l’avrebbero avvicinato per proporgli un piano per far cadere il governo legittimamente eletto presieduto da MrB, il più grande statista italiano di tutti i tempi che, con la sua consueta garbata pacatezza, ha reagito gridando al golpe e chiedendo una commissione d’inchiesta parlamentare…

Provate una sensazione di dèjà vu? Beh, in effetti qualcosa di simile era già successo qualche mese fa quando in un altro libro, Ammazziamo il Gattopardo, il giornalista americano Alan Friedman evocò un complotto internazionale ordito dal Presidente Napolitano in combutta con le cancellerie di mezza Europa per eliminare dalla scena politica MrB e sostituirlo con Mario Monti sondato (e questa sarebbe la prova regina del complotto) fin dal giugno del 2011…

Ancora una volta va ricordato a chi avesse problemi di memoria che nell’estate del 2011 mentre per il buon MrB la crisi esisteva solo nelle teste dei pessimisti di sinistra, FMI e BCE, allarmati dal pericolo di contagio della crisi Greca, chiedevano all’Italia di adottare misure concrete per tagliare il debito pubblico. Nell’autunno del 2011 al G20 di Cannes, nel corso del quale alcuni paesi avrebbero voluto che l’Italia accettasse un prestito del FMI (e finisse così sotto tutela), Angela Merkel e Nicolas Sarkozy liquidarono con un paio di sorrisini beffardi il più grande statista italiano di tutti i tempi (sbertucciando senza ritegno e rispetto tutto il nostro paese) di fronte alle telecamere di tutto il mondo nel corso di una conferenza stampa… Nel frattempo l’esistenza del governo Italiano era costantemente minacciata da problemi tutti interni alla coalizione di centro destra che lo sosteneva e dai guai giudiziari del grande statista che lo presiedeva…

Le poco sorprendenti “rivelazioni” di Geithner necessiterebbero di qualche precisazione, ne va lodato però l’eccezionale tempismo: arrivano giusto in tempo per rianimare la campagna elettorale di MrB, peccato che smascherino una volta per tutte la balla dello statista universalmente rispettato…

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To refresh your memory:

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My weekend movie: This Above All (1942)

This Above All 1942

This Above All (Sono un Disertore) – USA 1942

Directed by: Anatole Litvak.

Starring: Joan Fontaine; Tyrone Power; Thomas Mitchell; Nigel Bruce; Gladys Cooper; Philip Merivale.

A pleasant surprise

Sometimes a film may surprise you, exactly the effect that had on me This Above All the war romance, directed by Anatole Litvak in 1942 and based on the 1941 novel written by Eric Knight, I (incredibly) only recently discovered .

This Above All (film)

This Above All (film) (Photo credit: Wikipedia)

The film set in England at the beginning of WWII, after the battle of France and the Dunkirk evacuation (between May and June 1940), tells about love, class conflicts, courage and patriotism.

The protagonists are Joan Fontaine, who had just won an Oscar for Hitchcock’s Suspicion and wasn’t very happy to play in this movie, and Tyrone Power, the dark and handsome who was about to enlist in the Marine Corps. They play the young upper-class girl Prudence Cathaway, who joins for an almost childlike patriotism the Woman’s Auxiliary Air Force (WAAF) defying conventions and her family, and the young working-class guy Clive Briggs, who quite inexplicably is not wearing a uniform. They meet thanks to a blind date (probably the blindest date ever, seeing that it happens during a war black out and they can hardly see each other) a Prudence’s friend organized. They decide to meet again in the sunlight, they like each other in spite of those class differences Prudence seems to ignore and Clive is obsessed with, and finally end by going together in Dover to spend there the first Prudence’s licence. During this (very unseemly) vacation the girl discovers that Clive is in fact a soldier and a courageous one too (so one of his comrade they meet there tells her) who had been in Dunkirk. But Clive doesn’t want to talk about war at least until he reveals to Prudence how he’s disgusted by the way war is run by generals (all coming from upper-class) and by the fact that not even war is able, and never will be, to break the classism pervading the British society. Prudence puts all her heart in a passionate patriotic speech, but she seems unable to move Clive who still believes there’s no point in fighting a war that won’t change the society in its foundations. One day waking up the girl discovers that Clive has gone leaving a letter telling he’s not going to join the regiment. He’s now a deserter. Obviously a story written and turned into a movie in wartime can’t end this way, so after a while Clive comes to his senses and decides to return to his regiment but first he wants to marry Prudence… Once again very obviously, a series of unfortunate events obstruct his path. First an arrest followed by a temporary release (because of previous heroism), then a bombing, an emergency operation performed by Prudence’s father (I forgot to tell you he’s a very respected surgeon…), a marriage in (almost)extremis, the final repentance. The only thing that remains a bit obscure is Clive’s final destiny.

Tyrone Power, Motion Picture magazine, Septemb...

Tyrone Power, from Motion Picture magazine, September 1940 (Photo credit: The Bees Knees Daily)

What really surprised me was the way Clive, the deserter, is described: he’s not a shady and coward little man who only thinks to save himself, but a handsome, courageous guy and above all he’s also an idealist maybe a bit disillusioned. His unpatriotic behaviour is the product of a society in which social injustice is the rule and that idea is repeated more than once. What makes him change his mind is Prudence’s love (well, maybe…) and the fact that now the Nazis are the enemies to beat: for class struggle there will be time later.

Not very surprising was to discover that This Above All had many troubles with censorship, but unexpectedly it seems that censors were not worried about the too pleasant deserter or the continuous talking of class conflicts (these sort of things will become serious problems a decade later with the spread of the red scare), something else captured their attention: the affair between two young unmarried people. Apparently in Eric Knight’s novel everything was a great deal more explicit and the result was Prudence’s pregnancy (and here is the reason why an improvised marriage was needed …). The script had to be revised many times to meet the Production Code Administration‘s requirements, and that’s the reason why now we can see Prudence and Clive sleeping in separate rooms in Dover and we are forced to use our imagination to guess what they will do during the bombing when they are passing the night in the same room. Clearly, war couldn’t beat social iniquity (on the contrary…), and was powerless against Hollywood stupid censorship too.

But if this movie has some fault, is not the censorship to be blamed for. The film weakens a bit in its final part, it becomes a bit too predictable, too many troubles for our young heroes while too much propaganda determines Clive’s actions… but after all there was a war going on.

Anyway, This Above All is a surprisingly delightful movie you will love if you love romance.

Enjoy it (you’ll easily find it on DVD).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dark Journey – UK 1937 Directed by: Victor Saville. Starring: Vivien Leigh; Conradt Veidt; Joan Gardner.

Waterloo Bridge – USA 1940 Directed by: Mervyn Leroy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Lucille Watson.

Mrs Miniver USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Witty; Henry Travers; Richard Ney.

Casablanca – USA 1942 directed by: Michael Curtiz. Starring: Humphrey Bogart; Ingrid Bergman; Paul Henreid; Claude Rains; Conradt Veidt; Peter Lorre; Sydney Greenstreet.

Cold Mountain USA 2003 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Jude Law; Nicole Kidman; Renée Zellweger; Philip Seymour Hoffman.

Atonement UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Nightley; James McAvoy; Vanessa Redgrave; Saoirse roan; Romola Garai.

pellicola2

Una bella sorpresa.

A volte un film può sorprendervi, proprio come mi ha sorpresa piacevolmente Sono un disertore (This Above All), il romantico film di guerra diretto da Anatole Litvak nel 1942 e tratto dal romanzo omonimo di Eric Knight (l’autore di Lassie) del 1941, che ho scoperto solo di recente (possibile?).

Il film ambientato in Inghilterra all’inizio della Seconda Guerra Mondiale, dopo la battaglia di Francia e l’ evacuazione di Dunkerque (tra maggio e giugno 1940), parla d’amore, conflitti di classe, coraggio e patriottismo.

English: Gary Cooper and Joan Fontaine holding...

Gary Cooper and Joan Fontaine holding their Oscars at an Academy Awards after party in 1942. (Photo credit: Wikipedia)

I protagonisti del film sono Joan Fontaine, che aveva appena vinto un Oscar per Il Sospetto di Hitchcock ed accettò con una certa riluttanza l’ingaggio, e Tyrone Power, il bel tenebroso che pochi mesi dopo l’uscita del film si arruolerà nei marines. Qui interpretano la giovane e aristocratica Prudence Cathaway che per una sorta di infantile patriottismo si è arruolata nei corpi ausiliari dell’aeronautica (Woman’s Auxiliary Air Force – WAAF) sfidando e convenzioni e la sua famiglia e il giovane proletario Clive Briggs che inspiegabilmente non veste invece nessuna uniforme. I due si incontrano grazie a un appuntamento al buio (davvero al buio visto che c’è l’oscuramento) organizzato da una compagna di Prudence. Decidono di rivedersi alla luce del sole, si piacciono nonostante le differenze di classe che non sembrano pesare alla ragazza ma che disturbano assai Clive, e finiscono coll’andare a Dover per passare assieme la prima licenza di Prudence. Durante questa (assai sconveniente) vacanza Prudence scopre che Clive è un soldato e che si trovava a Dunkerque. Un commilitone del ragazzo incontrato sul posto lo dipinge come un eroe, ma lui rifiuta di parlare della guerra almeno fino a quando non rivela alla ragazza del suo disgusto per il modo cui l’esercito viene condotto da incapaci generali provenienti dalla buona società e per il fatto che nemmeno la guerra riesca a scalfire il classismo della società Britannica. Prudence si lancia in un appassionato discorso patriottico, ma Clive continua comunque a pensare che sia inutile combattere in una guerra che non cancellerà le iniquità. Quando una mattina la ragazza si sveglia scoprendo che Clive l’ha lasciata trova una lettera in cui lui le rivela che non ha nessuna intenzione di tornare al suo reparto. Ormai è un disertore. Ovviamente una storia scritta e tradotta in film in tempo di guerra non può finire così e quindi dopo un po’ Clive riacquista la “ragione” e decide di consegnarsi, ma non prima di essersi riabilitato agli occhi dell’amata e di averla sposata… ed altrettanto ovviamente una serie di eventi si metteranno di traverso per ostacolare i suoi progetti: un arresto, un rilascio sulla parola per pregresso manifesto eroismo, un bombardamento, un’operazione d’urgenza eseguita dal padre di Prudence (che non ve l’avevo detto, ma ovviamente è un eminente chirurgo…), un matrimonio in punto di (quasi)morte e il rinsavimento finale di Clive sul cui destino rimane però un incognita.

Anatole Litvak

Anatole Litvak (Photo credit: Wikipedia)

La cosa che mi ha davvero sorpreso è il modo in cui viene descritto Clive, il disertore: non un uomo viscido e pavido che pensa solo a salvarsi la pelle magari a scapito di qualcun altro, ma un bel ragazzo coraggioso e idealista, forse un po’ disilluso. Il suo comportamento poco patriottico è in realtà il prodotto di un Paese in cui regna l’ingiustizia sociale e il concetto è ripetuto più di una volta. A farlo tornare sui suoi passi sono l’amore per Prudence (beh, forse…) e la consapevolezza del fatto che il nemico da battere ora sono i nazisti (che se vincessero sicuramente produrrebbero una società persino più ingiusta): per la lotta di classe ci sarà tempo a guerra finita.

Davvero poco sorprendente è stato scoprire che Sono un disertore ebbe parecchi problemi con la censura ma inaspettatamente, a quanto pare, a preoccupare terribilmente i censori non furono né i ripetuti accenni ai conflitti sociali né il disertore fin troppo piacevole (queste sono questioni che preoccuperanno molto di più i censori nella decade successiva), ma altro: la sconveniente relazione tra due giovani non sposati! Nel romanzo di Eric Knight (che francamente a questo punto mi piacerebbe leggere ma che proprio non riesco a trovare in giro) la relazione tra Prudence a Clive era narrata in maniera più esplicita e finiva col produrre una gravidanza indesiderata (ecco perché dovevano sposarsi…). Il copione fu riscritto più volte fino a che non fu ritenuto accettabile dalla Production Code Adminitration, e questo è il motivo per cui ora noi possiamo vedere Prudence e Clive che a Dover dormono in camere rigorosamente separate mentre quello che fanno quando si ritrovano abbracciati (e quindi entrambi nella stessa stanza!) durante un bombardamento viene lasciato alla nostra immaginazione. Evidentemente la guerra non solo non era in grado di modificare gli assetti sociali, ma nemmeno di ammorbidire un po’ la bacchettona censura Hollywoodiana.

Va detto però che se il film ha qualche difetto la colpa non va data alla censura. Sono un Disertore si “sgonfia” un po’ nel finale, diventa un po’ troppo prevedibile con tutta quella sequela di sventure che minacciano il futuro dei due innamorati ma soprattutto con le massicce iniezioni di propaganda che teleguidano le azioni del buon Clive. Ma in fondo si era in tempo di guerra, sarebbe stato difficile evitarlo.

Comunque Sono un Disertore rimane un film sorprendentemente delizioso che piacerà soprattutto a chiunque possieda uno spirito romantico. Se volete vederlo lo potete tranquillamente trovare in DVD, ma se prima volete farvene un’idea (e l’inglese non è un problema) potete farvi un giro su YouTube.

Buona visione.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Le Tre Spie – UK 1937 Directed by: Victor Saville. Starring: Vivien Leigh; Conradt Veidt; Joan Gardner.

Il Ponte di Waterloo – USA 1940 Directed by: Mervyn Leroy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Lucille Watson.

La Signora Miniver USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Witty; Henry Travers; Richard Ney.

Casablanca – USA 1942 directed by: Michael Curtiz. Starring: Humphrey Bogart; Ingrid Bergman; Claude Rains; Paul Henreid; Peter Lorre; Sydney Greenstreet.

Ritorno a Cold Mountain USA 2003 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Jude Law; Nicole Kidman; Renée Zellweger; Philip Seymour Hoffman.

Espiazione – UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Nightley; James McAvoy; Vanessa Redgrave; Saoirse roan; Romola Garai.

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As time goes by…

“It’s still the same old story…”

Sam

From: Casablanca – 1942

It’s so nice to see how calmly (and detachedly I dare say) the youngest Prime Minister in the Italian history reacted to the news that in Milan 7 people have been arrested for bribery in relation to the organization of EXPO Milano 2015. It is also great to hear that “Politics shouldn’t meddle with the inquiry”.

Among the people arrested there are at least a couple (Stefano Frigerio, former regional secretary of the late Christian Democracy – deceased since 1994 – and Primo Greganti ex member or late PCI) linked to the old inquiry called Tangentopoli (from tangente = bribe) that caused in early 1990′s the end of the so-called First Republic. Which means that unfortunately in our country there are things that never change just like the people who make them.

Frankly, when something like “The image of our Country is not the one connected to inquiries…”, as if corruption is just an irrelevant question (and as if outside our Country nobody notices how our economy is burdened with corruption), is said by the same man (the youngest…) who has a great hurry to change our institutions and who’s changing the labour laws (multiplying precarious jobs) imposing his “job act” whit a series of confidence votes and saying to the Unions, with his usual contemptuous manners, that “now music has changed” (which means: forget that I will consult you), well, I feel a little perplexed.

“E sempre la stessa storia…”

Sam

Da: Casablanca – 1942

Fa piacere vedere con quanta serenità (ma verrebbe pure da dire con quale distacco) il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita ha reagito alla notizia che a Milano 7 persone sono state arrestate per reati vari (dalla turbativa d’asta alla corruzione) collegati all’organizzazione di Expo Milano 2015 e conforta una volta tanto sentir dire “La politica non metta il becco nelle indagini”.

Tra gli arrestati figurano almeno un paio di nomi (l’ex segretario lombardo della DC Stefano Frigerio e l’ex PCI/DS Primo Greganti) legati nientepopodimeno che all’inchiesta su Tangentopoli che all’inizio degli anni novanta mandò a gambe all’aria la cosiddetta Prima Repubblica, come dire che nel nostro Paese certe cose non cambiano mai e nemmeno le persone che le fanno.

Francamente sentir dire che “L’immagine del Paese non è quella legata alle indagini giudiziarie…”, come se la corruzione fosse un problema di scarso rilievo (e come se all’estero nessuno si accorgesse del peso che ha sull’economia del nostro paese), dallo stesso uomo che ha una fretta indiavolata di cambiare le istituzioni e che vuole riformare il mondo del lavoro (favorendo il precariato) a colpi di voti di fiducia e invitando sprezzantemente i sindacati a starsene al loro posto che “la musica è cambiata”, lascia un cicinin (già che si parla di Milano…) perplessi.

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