My weekend movie – Double Bill: The Man Who Knew Too Much

 TooMuch3456The Man Who Knew Too Much ( L’uomo che sapeva troppo) – UK 1934

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Leslie Banks; Edna Best; Peter Lorre; Nova Pilbeam.

The Man Who Knew Too Much (L’uomo che sapeva troppo) – USA 1956

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: James Stewart; Doris Day; Christopher Olsen; Daniel Gelin; Brenda De Banzie; Bernard Miles.

The film that lived twice

“Let’s say the first version is the work of a talented amateur and the second was made by a professional.” This was, according to Hitchcock, the main difference between the two versions of The Man Who Knew Too Much, the spy-thriller he first made in 1934 and then remade 22 years later in 1956.

The Man Who Knew Too Much – 1934 (Photo Credit: Wikipedia)

This week I’m going to tell you about these two films fulfilled with the typical hitchcockian elements (a blonde, average people in a dangerous situation, double-dealers, famous landmarks used as co-protagonist in a key scene and off course a little bit of humour) that share the same title and more or less the same story: a nice family – a woman her husband and their child – on holiday abroad is accidentally involved in a spy intrigue when a recently made friend, a frenchman, is killed but before breathing his dying breath reveals to the husband that a diplomat is going to be assassined in London. The child is kidnapped to avoid the conspiracy could be revealed to the authorities, so the only thing the couple can do is fly to London…

Naturally, this doesn’t mean the two films are exactly the same.

SPOILER ALERT: if you’ve never watched these films, this is you’re last chance to remedy, otherwise you’ll read the rest of the article at your own risk…

The 1934 version, whose script written by Charles Bennett was very, very loosely based on a Bulldog Drummond story (Bulldog Drummond was a British fictional detective first appeared in early 1920’s) and titled after an unrelated short story by G. K. Chesterton, was filmed in England, starred Leslie Banks and Edna Best (good and well known actors but not superstars) and Peter Lorre (recently fled from Nazi Germany and in his first English speaking role) as the villain and was in black and white. With a new script written by John Michael Hayes and based on the previous film and a Hollywood complete makeover the 1956 version starred instead a couple of international stars, Hitchcock’s second favourite alter-ego James Stewart and Doris Day, had the glamour of Technicolor and VistaVision (the Paramount alternative to Cinemascope) and a much longer running time. There were also differences in setting, sex of the young brat, family nationality, husband and wife relation, villain characterisation and ending.

Peter Lorre as Abbott (Photo credit: Wikipedia)

The 1934 version of The Man Who Knew Too Much begins in Switzerland and the family in danger is British. Bob (Leslie Banks) and Jill Lawrence(Edna Best)  have a daughter, Betty, and in tune with the (cinematic) decade they “live” they seem two sophisticated comedy’s characters, rich enough to afford an holiday in Saint Moritz. Jill is (obviously) blonde, flirtatious, independent and sporty: she’s a clay pigeon shooting champion. Bob spends time with their daughter and seems quite pleased with all that (flirtatiousness included). The kidnapper and leader of the conspirators, a guy called Abbot (Lorre) is a slimy cartoon-like villain with a peculiar hairstyle and a forehead scar that seems ready to star in a James Bond’s film. Maybe banal but effective enough to have his face on the film posters. When in London, after a series of perilous events, Bob finds the conspirators den and Jill foils the diplomat assassination (but we’ll talk about that later).The film ends with a scene reminding contemporary American gangster movies, in particular the ending of Howard Hawks’ Scarface (released in 1932) though, according to Hitchcock, it was in fact based on the so called Siege of Sidney Street, a real event happened in London in 1911 involving an anarchic burglars gang besieged by the London police reinforced by the army that ended with two anarchists, three policemen and a firefighter dead and that caused some troubles to the then Home Secretary Winston Churchill who was there during the siege. In Hitchcock’s film Bob and Betty are stuck with the criminals in their besieged den. They will both survive off course, anyway at some point Betty is on the building roof held hostage by one of the criminals and, coup de theatre, Jill,who’s in the street, does what any men seems able to do: she takes a rifle and, like a real sniper, shoot dead the man.

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Doris Day and James Stewrt as Jo and Ben

The 1956 version of The Man Who Knew Too Much begins in Morocco, the family in danger is American and the child is a boy. Our heroes are Ben McKenna (Stewart), Jo(sephine) Convay  McKenna (Doris Day)and their son Hank. Ben and Jo are also in tune with the decade they “live”, the 1950’s, the era of women re-domestication. Ben, who’s an average doctor, not a luminary, is the breadwinner. Jo is his (blonde) “good wife” who has (momentarily?) given up her career as a singer (she was an international star) to become a housewife and full time mom. She is a bit frustrated with her now provincial life. He seems to believe she’s just a bit neurotic and despite her sacrifice he’s quite irritated even if she sing a song with her child. The man who kidnaps the (insufferable) brat, is this time an apparently average man called Edward Drayton (played by Bernard Miles) who travels with his supposed average wife (Brenda De Banzie). Nothing to do with the cartoon-like villain played more than twenty years before by Peter Lorre, anyway he seems even more insidious. Once in London Ben and Jo put aside their problems, find together the criminals den and almost together foil the conspiracy (once again I told you about that in a minute) but in the end there is no siege, nor shooting. The Mckennas has saved the Prime Minister of an unnamed foreign Country to which embassy they are invited. Hank is there with the Draytons. To rescue him Jo’s only weapon is her voice, she sings Que Sera, Sera (a song written for this movie that will become Doris Day trademark), the brat whistles like a mad so Ben can finally find and save him in a scene reminding to the ending of Notorious. The master of suspense liked to cite his own films.

Jill at the Royal Albert Hall

Jill at the Royal Albert Hall

Is it possible that Hitchcock remade The Man Who Knew Too Much (and also made an early attempt to produce a remake in 1941) to shoot again, like a professional this time, a single scene? Who knows. What’s sure there’s one scene repeated in both films: the failed assassination. According to the conspirators’ plans, during a concert at the Royal Albert Hall a sniper should kill a diplomat when cymbals crash. Jill/Jo goes there and, though knowing this will mean further danger for her child, foils the plot screaming just before the fatal sound is produced distracting this way the shooter who fails. Like Hitchcock told to Truffaut, in the 1956 version he carefully “prepared” the audience for that scene. The cymbals are cited in the opening credits, Drayton plays twice a record with the tune that will be played at the Albert Hall to instruct the killer (and the audience), every frame is more carefully planned and Ben is also at the concert hall trying to do something to alert the police making this way the scene much longer and multiplying the suspense.

Then, what’s the best The Man Who Knew Too Much version? It’s up to you to choose. The good new is that you can easily find both on DVD or online and the 1934 is also available for free download at the Internet Archive with a click HERE. Enjoy it.

A few free.associated movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Scarface – USA 1932 Directed by: Howard Hawks. Starring: Paul Muni; Ann Dvorak; George Raft; Karen Morley; Boris Karloff.

Ministry of fear – USA 1944 Directed by: Fritz Lang. Starring: Ray Milland; Marjory Reynolds; Carl Esmond; Dan Duryea.

Torn Curtain – USA 1966 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Paul Newman; Julie Amdrews; Gunter Strack; Lila Kedrova.

Marathon Man – USA 1976 Directed by: John Schlesinger. Starring: Dustin Hoffman; Laurence Olivier; Roy Scheider.

Frantic – USA/FR 1988 Directed by: Roman Polanski. Starring: Harrison Ford; Emmanuelle Seigner; Betty Buckley.


Il film che visse due volte

“Diciamo che la prima versione è stata fatta da un dilettante di talento, mentre la seconda da un professionista”. Questa era secondo Hitchcock la principale differenza tra le due versioni di L’uomo che sapeva troppo, il film che girò una prima volta nel 1934 e poi rifece ventidue anni dopo nel 1956.

The Man Who Knew Too Much 1956 (Photo Credit: Wikipedia)

Questa settimana vi parlerò di questi due film zeppi dei tipici elementi hitchcockiani (la bionda, persone comuni che si trovano ad affrontare situazioni pericolose, doppiogiochisti di cui diffidare, luoghi famosi che diventano dei comprimari e ovviamente un pizzico di humour) che hanno lo stesso titolo e raccontano più o meno la stessa storia: una bella famigliola – una donna suo marito e la loro creatura – in vacanza all’estero si trova coinvolta in un intrigo di spie quando un amico francese da poco conosciuto viene ucciso ma prima di esalare l’ultimo respiro rivela al marito che un diplomatico sta per essere assassinato a Londra. Per evitare che la coppia si rivolga alle autorità l’infante è rapito dai cospiratori e così i genitori non possono fare altro che volare a Londra…

Ovviamente questo non significa che i due film siano proprio identici.

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questi film, questa è la vostra ultima possibilità per colmare la lacuna, altrimenti leggete pure il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo….

La versione del 1934, la cui sceneggiatura scritta da Charles Bennett era molto, molto liberamente ispirata a una storia di Bulldog Drummond (detective Britannico di fantasia protagonista di vari racconti e romanzi a partire dai primi anni ’20) e il cui titolo riprendeva quello di un racconto di G. K. Chesterton (che però non c’entra nulla col film) era stata girata in Inghilterra, aveva per protagonisti Leslie Banks ed Edna Best (attori bravi e conosciuti ma non superstars) oltre a Peter Lorre (che dopo aver lasciato la Germania Nazista, faceva il suo esordio nei film di lingua Inglese) nel ruolo del cattivo ed era girato in bianco e nero. Con una sceneggiatura firmata da John Micheal Hayes ed ispirata alla storia del primo film, la versione del 1956 aveva subito un autentico restyling Hollywoodiano: i protagonisti erano due star internazionali, il secondo alter ego preferito di Hitchcock James Stewart e la canterina Doris Day, le immagini risplendevano nel glamour del Technicolor e del VistaVision (la versione Paramount del Cinemascope) e la durata era decisamente maggiore. C’erano inoltre differenze riguardo l’ambientazione, il sesso del pargolo, la nazionalità della famiglia, la relazione di coppia, la caratterizzazione del cattivo ed il finale.

Jill prende il fucile

Jill prende il fucile

La versione del 1934 di L’uomo che sapeva troppo inizia in Svizzera, e la famiglia coinvolta nell’intrigo è Inglese. Bob (Leslie Banks) e Jill Lawrence (Edna Best) hanno una figlia, Betty, e in perfetta sintonia col decennio (cinematografico) in cui vivono, sembrano dei personaggi da commedia sofisticata, ricchi quanto basta a permettersi le nevi di Saint Moritz. Jill è bionda (ma  guarda un po’…), indipendente e sportiva: flirta con qualsiasi uomo le piaccia ed è una campionessa col fucile nel tiro al piattello. Bob passa molto tempo con la figlia, e sua moglie gli piace così com’è (atteggiamento civettuolo compreso). Il rapitore, il leader dei cospiratori, è un tizio di nome Abbott (Peter Lorre): un cattivo da cartone animato viscido, con una pettinatura particolare e una cicatrice sulla fronte che sembra già pronto per un film di James Bond. Banale ma efficace quanto basta a conquistare il posto d’onore sui poster del film. Arrivati a Londra, Bob trova il covo dei cospiratori e Jill sventa l’omicidio (ma di questo ne parleremo dopo).

Winston Churchill (nel cerchio) a Sidney Street (Photo Credit: Wikipedia)

Il film si chiude con una scena che ricorda i gangster movie americani ed in particolare il finale dello Scarface di Howard Hawks del 1932, ma che, secondo Hitchcock, era in realtà ispirata all’assedio di Sidney Street, un fatto di cronaca nera Londinese risalente al 1911 che aveva coinvolto un gruppo di rapinatori anarchici assediato dalla polizia e poi dall’esercito e che era finito, dopo sei ore di sparatoria e un incendio, con la morte di due anarchici, tre poliziotti e un vigile del fuoco causando non pochi problemi all’allora ministro degli Interni Winston Churchill presente agli eventi. Nel film di Hitchock, Bob e Betty sono imprigioanti nel covo della banda che viene cinto d’assedio. Ovviamnente sopravviveranno, comunque a un certo punto Betty si trova sul tetto dell’edificio ostaggio di uno dei criminali e, colpo di scena, Jill che si trova in strada fa quello che nesun altro ha il coraggio di fare: imbraccia un fucile e, come un vero cecchino, fa fuori l’uomo che minaccia sua figlia.

James Stewart nel trailer del film (Photo credit: Wikipedia)

La versione del 1956 di L’uomo che sapeva troppo inizia in Marocco, la famiglia in pericolo questa volta è americana e l’erede è maschio. I nostri eroi sono Ben McKenna (James Stewart), Jo(sephine) Convay McKenna (Doris Day) e il loro figlio Hank. Anche Ben e Jo sono in sintonia con la decade in cui vivono, gli anni ’50 del ritorno delle donne al focolare domestico. Ben, che è un dottore qualsiasi, non un luminare, è quello che porta a casa lo stipendio. Jo è la brava moglie che ha gettato (momentaneamente?) alle ortiche una carriera di successo come cantante (era una star internazionale) per fare la casalinga e la mamma a tempo pieno. Lei trova frustante la vita provinciale, lui la considera solo un po’ nevrotica e mal sopporta di sentirla cantare anche se solo col suo bambino. L’uomo che rapisce l’insopportabile moccioso si chiama Edward Drayton (Bernard Miles), ed è un uomo apparentemente qualsiasi che viaggia con la sua presunta moglie qualsiasi (Brenda De Banzie). Niente a che fare col cattivo da fumetto interpreatato da Peter Lorre più di vent’anni prima, è però un cattivo in qualche modo persino più insodioso nella sua normalità. A Londra Ben e Jo mettono da parte i loro problemi, trovano assieme il covo dei criminali e sventano l’attentato (un minuto ancora e poi ve ne parlo), ma questa volta il film finisce senza assedi e senza sparatorie. I McKenna hanno salvato il Primo Ministro di un Paese sconosciuto che li invita alla sua ambasciata. Hank è proprio lì con i Drayton. Per trovarlo Jo usa la sola arma a sua disposizione, la sua voce. Canta a squarciagola Que Sera, Sera (canzone scritta per questo film che diventerà il cavallo di battaglia di Doris Day), il pargolo fischia come un disperato e Ben lo trova e lo porta in salvo nel corso di una scena che ricorda in qualche modo il finale di Notorious. Al maestro del brivido piaceva citare i suoi stessi film.

Alfred Hitchcock (Photo credit: Wikipedia)

Allora è possibile che Hitchcock abbia deciso di rifare L’uomo che sapeva troppo (e che abbia anche cercato una prina volta di produrre un remake nel 1941) solo per poter girare di nuovo, e questa volta da professionista, una singola scena? Chissà. Quello che è certo è che c’è una scena ripetuta in entrambi i film: il fallito assassinio. Secondo i piani dei cospiratori, durante un concerto alla Royal Albert Hall, un cecchino dovrebbe fare fuoco contemporaneamente al suono dei piatti. Jill/Jo va al concerto e, pur sapendo di far correre ulteriori rischi alla sua creatura, proprio un attimo prima del fatale suono lancia un grido che distrae il cecchino facendogli sbagliare il tiro. Come Hitchcock raccontò a Truffaut, nel film del 1956 fece tutto il possibile per “preparare” gli spettatori a questa scena rivista e “migliorata”. I piatti sono citati nei titoli di testa, per istruire il killer (e gli spettatori) Drayton fa suonare due volte il disco con il brano che sarà eseguito , ogni fotogramma è pianificato con cura e Ben è spedito anche lui alla Albert Hall in modo che i suoi tentativi di avvertire la polizia possano far dilatare la durata della scena moltiplicando la suspense.

Quindi, quale delle due versioni di L’uomo che sapeva troppo è la migliore? A voi la scelta. La buona notizia è che entrambi i film si possono trovare con facilità in DVD o online e che quello del 1934 potete addirittura scaricarlo gratis da Internet Archive (in inglese non sottotitolato) cliccando QUI. Buona visone.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Scarface-Lo sfregiato – USA 1932 Directed by: Howard Hawks. Starring: Paul Muni; Ann Dvorak; George Raft; Karen Morley; Boris Karloff.

Il prigioniero del terrore – USA 1944 Directed by: Fritz Lang. Starring: Ray Milland; Marjory Reynolds; Carl Esmond; Dan Duryea.

Il sipario strappato – USA 1966 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Paul Newman; Julie Amdrews; Gunter Strack; Lila Kedrova.

Il Maratoneta – USA 1976 Directed by: John Schlesinger. Starring: Dustin Hoffman; Laurence Olivier; Roy Scheider.

Frantic – USA/FR 1988 Directed by: Roman Polanski. Starring: Harrison Ford; Emmanuelle Seigner; Betty Buckley.


“We are the champions…”


From: We are the Champions, from the album News of the World – 1977

Istat, the Italian National Statistical Institute (not The Junior Woodchucks of the World), informed us today that the unemployment rate has raised in October to 13,2% (+0,3 compared to September, +1,0% in a year), a rate that brings us back to 1977 when in Italy there were student’s movement protests, the Loockeed bribery scandal, the Brigate Rosse, Francesco Cossiga was the Ministry of Interiors, the Epifany ceased (momentarily) to be a public holiday, RAI finally starts colour TV broadcast and Carosello (the advertisng show) ended.

@matteorenzi, the youngest Prime Minister in Italian history, who’s trying to reform stepbystep the land of Owls (our poor Italy) and successfully annihilated the Italian Left he was supposed to lead, not at all impressed with the highest level of abstention in Italian history (“it’s a fact that should worry everybody, but it’s not so important” he said when about the 60% of voters decided to stay home or go elsewhere last weekend instead of voting in Calabria and Emilia Romagna for local elections) and while making what he does better (a propaganda tour this time in Southern Italy), commented Istat report this way: “The unemployment rate is alarming. But the employees rate is in fact raising. In Italy there’s more people working today than when my government experience began. 100000 jobs more”. In a few words, it’s always true what has been said last month: unemployment rate is raising because as a matter of fact lots of lazy rascals finally decided to get their ass off their sofa and get out and try and find a job…

Anyway, @mateorenzi is right. It’s time to stop seeing the glass as half empty! Just consider what’s positive: through Eurozone there’s a stagnant unemployment rate, stuck between 10 and 11,5 % , only here in Italy there’s a significant rise, we are the champions! Ah… the Italian excellence!

“Siamo i campioni…”


Da: We are the champions, dall’album News of the World – 1977

L’Istat (non il Club delle Giovani Marmotte) ha diffuso oggi il dato sulla disoccupazione in Italia arrivata nel mese d’ottobre al 13,2% (+0.3 rispetto a Settembre, +1,0% in dodici mesi), una percentuale che ci riporta al 1977 l’anno dei movimenti studenteschi, dello scandalo Lockeed, delle Brigate Rosse, di Cossiga Ministro degli Interni, dell’abrogazione per legge della Befana, della TV a colori e della fine di Carosello.

Già incurante della più grande astensione della storia dell’Italia unita (“è un fatto che deve preoccupare tutti ma che è secondario”), @matteorenzi, il più giovane Presidente del Consiglio della storia dell’Italia unita, che dopo avere liquidato la sinistra italiana porta avanti l’ingrato compito di riformare la terra dei gufi (la nostra povera Italia), mentre faceva quello che gli riesce meglio, cioè girare “come una trottola l’Italia” (parole sue) per fare un po’ di sana propaganda (questa volta al Sud), ha commentato: “I dati della disoccupazione ci preoccupano. Ma il dato degli occupati in realtà sta crescendo. In Italia ci sono più persone che lavorano rispetto a quando abbiamo iniziato l’esperienza di governo. Ci sono più di centomila posti di lavoro in più”. Insomma, vale quanto detto il mese scorso: il fatto è che un sacco di fannulloni hanno finalmente scollato il sedere dal divano e si sono messi in cerca di un lavoro…

E comunque @matteorenzi ha ragione, è ora di finirla di guardare il bicchiere mezzo vuoto! Guardiamo le cose dal loro lato positivo: mentre nell’Eurozona il dato sulla disoccupazione ristagna e rimane invariato tra il 10 e l’11,5% noi primeggiamo con il più significativo balzo in avanti, siamo i campioni! Ah… le eccellenze italiane!

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“Workeeeeers… prrrrrrrrrrr!!!!”


From: I Vitelloni – 1953

“I’m envious of those who spend their time organizing strikes. I mean trade unionists, not workers. If their goal is to organize strikes they can do as they please. I take the trouble to let people work, cause here there’s a huge unemployment rate.”

“Instead of squandering time inventing new reasons to go on strike, I take the trouble to create new jobs. I deeply respect those who want to go on strike, because it’s a right written in the Constitution, but we’ll use all our energy to create new job opportunities. Then, if those who’s never went on strike before are going to go on strike today, well… Everybody’s happy. We said to those who wants to occupy factories that we wants to reopen them.”

“The Country is divided in two between those who are resigned and those who want to go ahead. But today in Italy those who resist are seeing the results. All around the world there’s an incredible hunger for Italy (in Italy there’s just an incredible hunger… but that’s just your humble writer’s note). I’m not resigned, whether those going on strike, trade unionists and owls like it or not.” (in Italy owl can mean jinx, a person who brings bad luck -writer’s note)

These are only a few among the many things said by @matteorenzi, the youngest Prime Minister in Italian history and leader of PD the party that once was the largest Left party in Italy and now it’s just a brand, about CGIL (the most representative trade Union in Italy) and UIL (another Union) who dared to call the general strike that will take place on 12 December against the so called Jobs Act (the next coming labour market reform)… and thanks heaven he deeply respects those who choose to go on strike… those dirty owls!



Da: I Vitelloni – 1953

“Invidio molto quelli che passano il tempo a organizzare gli scioperi. Mi riferisco ai sindacalisti, non ai lavoratori. Se il loro obiettivo è organizzare gli scioperi fanno benissimo a farli. Io mi occupo di far lavorare le persone, visto che abbiamo una disoccupazione pazzesca”

“Anziché passare il tempo a inventarsi ragioni per fare gli scioperi, io mi preoccupo di creare posti di lavoro. Per chi vuol far sciopero nutro profondo rispetto, perché si tratta di un diritto costituzionale garantito, ma noi metteremo tutte le energie nel creare occasioni di lavoro. Se poi quelli che non hanno mai scioperato in passato scioperano oggi, beh… Contenti tutti. A quelli che dicono che bisogna occupare le fabbriche, noi diciamo che vogliamo riaprirle”.

“Il paese è diviso in due tra chi si rassegna e chi va avanti. Ma chi oggi in Italia continua a tener duro sta ottenendo risultati. In giro per il mondo c’è una incredibile fame d’Italia (in Italia invece c’è solo un’incredibile fame ndr). Io non mi rassegno, piaccia o non piaccia a chi fa gli scioperi, ai sindacalisti, ai gufi…”.

Solo alcuni dei pensieri che oggi di @matteorenzi, il presidente del consiglio più giovane dell’Italia Repubblicana e segretario di quello che un tempo fu ilpiù grande  partito della sinistra italiana, ha riservato a CGIL e UIL che contro il Jobs act hanno osato proclamare lo sciopero generale per il 12 Dicembre … e meno male che nutre profondo rispetto per chi sciopera… ‘sti gufi maledetti!

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My weekend movie: L’Oro di Napoli (1954)


L’Oro di Napoli (The Gold of Naples) – ITA 1954

Directed by: Vittorio De Sica.

Starring: Totò; Vittorio De Sica; Eduardo De Filippo; Silvana Mangano; Sophia Loren; Giacomo Furia; Paolo Stoppa; Tina Pica.

Neapolitan people are the gold of Naples…

Forty years have passed since, on 13 November 1974, Vittorio De Sica died. To remember this great Italian director and actor his week Ill talk you about L’Oro di Napoli (The Gold of Naples), a six-episodes tribute to Naples released in Italy in 1954, shown at the Cannes Film Festival the following year and finally arrived in the USA only in 1957 reduced to a four episodes film.

L’Oro di Napoli (Photo credit: Wikipedia)

L’Oro di Napoli, whose screenplay was written by Cesare Zavatini, is based on the 1947 short stories book with the same title written by the Neapolitan journalist and screenwriter Giuseppe Marotta and, though probably (especially abroad) is not one of the most famous De Sica’s movies, stars some of the most famous 1950’s Italian actors: the Neapolitan comedian Totò, Sophia Loren, Vittorio De Sica himself (he worked as an actor in more than 150 films), Silvana Mangano and the great Neapolitan playwright, actor director and poet Eduardo De Filippo.

The first episode Il Guappo (The Racketeer) stars Totò in a quite unusual dramatic role (some American critic compared him to Charlie Chaplin’s Tramp). Totò is Don Saverio Petrillo, a Pazzariello (once in Naples, a sort of a clown wearing a strange costume and working with a band to advertise products and shops round the town) oppressed by an old school mate, Don Carmine Savarone a racketeer feared in the whole neighbourhood, who once lost his wife had decided to settle into Saverio home becoming the master and reducing the whole Petrillo family to his servants. Saverio, fed up with ten years of arrogance and humiliations, finally plucks up the courage to throw him out and discovers he never lost his family affection (watch a scene HERE)…

Sophia Loren and Giacomo Furia /Photo credit: Wikipedia)

The second episode Pizze a credito (Pizza on Credit) is all around an unfaithful wife and a lost ring. With her husband Rosario (Giacomo Furia) Sofia sells fried pizzas in a alley (eat today, pay after 8 days is their motto…), one day her precious engagement ring disappears and, not to reveal she forgets it in her lover’s workshop, she lets her husband believe it has slip into the pizza dough, so Rosario starts a search to have the ring back (watch a scene HERE)…

This one is probably the most famous episode because the protagonist is a twenty-year-old Sophia Loren for the first time directed by De Sica (who later directed her in 7 more film and worked with her as an actor in many, many more other). Though this was not her first film or her first leading role, Sofia the “pizzaiola” ( more or less the pizza maker) has been Loren’s breakthrough role.

The third episode Il Funeralino (The Child’s Funeral), showing the funeral of a child with a white hearse followed by his mother and a bunch of children going through the Naples alleys and then in the main street, it’s the only episode starring a non professional actress, Teresa Vita a model De Sica picked up in a fashion show in Naples and who made only a few more films. This is one of the two episodes cut in the American version. This was also cut in Italy when the film was first released, but it is now possible to watch it in the version currently shown on the Italian TVs or in the Italian DVD.

The fourth episode I Giocatori (The Gamblers) tells about a Neapolitan aristocrat interdicted from using his family properties and money because of his excessive passion for gambling. He unsuccessfully tries to sponge his servants and ends up playing cards with a child, Gennarino the son of the doorman who’s forced into putting aside his child games and friends to please his father (watch a clip HERE). The star of this episode is Vittorio De Sica himself, who was a notorious gambler (one of the reasons why he played in so many commercial movies) and had to take up this almost autobiographical role playing in one of his films twelve years after Un Garibaldino al Convento when a famous Naples lawyer called Alfredo Jelardi rejected his offer to play the role.

Silvana Mangano as Teresa

Silvana Mangano as Teresa

The fifth episode Teresa, the saddest one in the whole movie, stars Silvana Mangano as a prostitute who agrees to marry an unknown man to leave the brothel she lives in (brothels in Italy were called “Case Chiuse” – Closed houses and became illegal in 1958). She believes (or pretends to believe) he fell in love after spotting her in a street of Naples but, soon after the marriage had taken place, she discovers that her husband wants to tell everybody where she comes from and how she used to live because he meant their marriage as a sort of punishment: a young girl who was in love with him committed suicide because he didn’t love her. At first Teresa rebels and leaves her new house, but in the end, seeing that she has no alternatives, she has no choice but retrace her steps (HERE is a clip).

Eduardo (Photo credit: Wikipedia)

The fnal episode, Il Professore (The Professor), stars Eduardo De Filippo. Here he’s Don Ersilio Miccio, a “pearls of wisdom dealer”. One day a delegation from his alley asks him how could be punished Duke Alfonso Maria di Sant’Agata dei Fornari, a conceited rich man who disturbs his poor neighbours going to and fro the alley with his big expensive car. Don Ersilio suggests a peculiar medicine they should administer twice a day: a “pernacchio” ending in O, not to be confused with a vulgar “pernacchia” ending in A (a raspberry). Because they may seem similar but a “pernacchio” is a work of art only a few man can perform and tells the recipient “You’re the lousiest of the lousiest, of the lousiest, of the lousiest of men!” (“Tu si’ ‘a schifezza d’ ‘a schifezza, d’ ‘a schifezza, d’ ‘a schifezza ‘e l’uommene!”, you’re the worst man  ever seen on heart). Great! Eduardo had been one of the greatest Twentieth Century’s Italian playwrights (he wrote, among many,many  others, Filumena Marturano the play on which is based De Sica’s Marriage Italian Style starring Sophia Loren and Marcello Mastroianni) but also a great theatre and cinema actor and a theatre and cinema director and a poet. A genius. Anyway the US audience could not appreciate his performance in L’Oro di Napoli, cause this is the second episode missing in the American version. Apparently the “pernacchio” was considered a thing that could confuse the American audiences even though Eduardo explains the question excellently. Is it possible that a story about poor people finding an ingenious way to rebel against a rich bully was too subversive for the USA? Who knows, after all it seems that even the sugary It’s a Wonderful Life annoyed the FBI cause the banker Potter, depicted as a too greedy man, was considered a typical example of communist propaganda… Unfortunately it seems that today this episode is still missing from the American DVD, anyway you can watch at least Don Ersilio’s lecture on pernacchio art (with english subtitles) clicking the following link:

In each and every episode the protagonists of L’Oro di Napoli have to face the harsh reality trying not to be overwhelmed by it and probably the real protagonist of the entire movie is the so called “arte di arrangiarsi”, the art of survival. For that reason even the stories apparently frivolous are in fact quite melancholic: Sofia’s husband has no choice but pretend to believe the ring ended in a pizza sold to a client who never bought it not to be considered in his neighbourhood a poor cuckold and the well respected Don Ersilio is just a poor devil who plays the violin in a restaurant.

L’Oro di Napoli cannot be called neorealist, De Sica was about to put aside that phase of his career, but it’s not even a comedy, surely it’s not the most famous or the best De Sica’s film, anyway I think you should watch it at least once (if you can).

A few related movies you could also like (click on the title to watch a cli or the trailer):

Maddalena… Zero in Condotta (Maddalena, Zero for Conduct) – ITA 1940 Directed by: Vittorio De Sica. Starring: Vittorio De Sica; Carla Del Poggio; Vera Bergman; Roberto Villa.

Non ti pago! – ITA 1942 Directed by: Carlo Ludovico Bragaglia. Starring: Eduardo De Filippo; Peppino De Filippo; Titina D Filippo; Paolo Stoppa.

Riso Amaro (Bitter Rice) – ITA 1949 Directed by: Giuseppe De Sanctis. Starring: Silvana Mangano; Vittorio Gassman; Raf Vallone; Doris Dowling.

Napoli Milionaria (Side Street Story) – ITA 1950 Directed by: Eduardo De Filippo. Starring: Eduardo De Filippo; Titina De Filippo; Totò; Leda Gloria; Delia Scala.

Filumana Marturano – ITA 1951 Directed by: Eduardo De Filippo. Starring: Eduardo De Filippo; Titina De Filippo; Tina Pca; Aldo Giuffré.

La Banda degli Onesti (The Band of Onest Men) – ITA 1956 Directed by: Camillo Mastrocinque. Starring: Totò; Peppino DeFilippo; Giacomo Furia.

La Ciociara (Two Women) – ITA 1960 Directed by: Vittorio De Sica. Starring: Sophia Loren; Jean Paul Belmondo; Raf Vallone; Eleonora Brown.

Matrimonio all’Italiana (Marriage Italian Style) – ITA 1964 Directed by: Vittorio De Sica. Starring: Sophia Loren; Marcelo Mastroianni; Aldo Puglisi; Tecla Scarano.


 I Napoletani sono l’oro di Napoli…

Sono trascorsi quarant’anni, era il 13 Novembre 1974, dalla morte di Vittorio De Sica. Per ricordarlo questa settimana vi invito a rivedere L’Oro di Napoli, tributo in sei episodi alla città di Napoli uscito nelle sale italiane nel 1954, presentato al Festival di Cannes l’anno successivo ed arrivato sugli schermi Americani, mutilato di due episodi, solo nel 1957.

Giuseppe Marotta (Photo credit: Wikipedia)

Il film, sceneggiato da Cesare Zavatini e tratto da una raccolta di racconti del 1947 scritti dal giornalista e sceneggiatore Giuseppe Marotta, forse non è (soprattutto all’estero) il più famoso film di De Sica regista ma ha tra i suoi protagonisti alcuni degli attori italiani più popolari degli anni ’50: Totò, Sophia Loren, lo stesso Vittorio De Sica, Silvana Mangano ed Eduardo De Filippo.

Il primo episodio Il Guappo ha per protagonista Totò, per una volta in un ruolo drammatico (negli Stati Uniti qualcuno lo paragonò al Vagabondo di Charlie Chaplin). Totò è Don Saverio Petrillo, di professione Pazzariello, un uomo tiranneggiato da un vecchio compagno di scuola, Don Carmine Savarone il guappo del rione Sanità, che dopo essere diventato vedovo ha deciso di trasferirsi a casa sua diventandone il padrone e facendo dell’intera famiglia Petrillo i suoi servi. Saverio, ormai stanco, dopo dieci anni di umiliazioni trova finalmente il coraggio di cacciare di casa“l’amico” e scopre di non aver perso l’affetto della sua famiglia (QUI potete vederne una parte)…

Il secondo episodio Pizze a Credito ruota tutto intorno ad una moglie infedele ed a un anello scomparso. Col marito Rosario (il caratterista Giacomo Furia) Sofia vende pizze fritte in un vicolo (il motto della ditta è mangiate ora e pagate tra otto giorni); un giorno il suo prezioso anello di fidanzamento scompare e per non rivelare di esserselo dimenticato nella bottega dell’amante, Sofia fa credere al marito che sia finito nell’impasto delle pizze. E Rosario parte alla ricerca dell’anello perduto …

Questo è sicuramente l’episodio più noto (se anche non avete mai visto il film per intero, qualche fotogramma di questo episodio l’avrete visto certamente altrimenti cliccate QUI) perché protagonista è l’allora ventenne Sofia Loren per la prima volta diretta da De Sica (che la dirigerà in altri 7 film e col quale reciterà in molte altre pellicole). Anche se questo non era il suo primo film né il suo primo ruolo da protagonista, quello di Sofia “la pizzaiola” fu il personaggio che lanciò definitivamente la carriera della Loren.

Vittorio De Sica e Cesare Zavattini (Photo Credit: Wikipedia)

Il terzo episodio Il Funeralino, mostra il corteo funebre per un bambino con il carro bianco trainato dai cavalli che passa per i vicoli e poi, come chiede la madre, sul corso principale. È l’unico episodio in cui la protagonista non è un nome noto del cinema italiano. Teresa Vita era stata infatti scoperta da De Sica ad una sfilata di moda tenutasi in un hotel di Napoli e partecipò solo a pochi altri film. Questo è uno dei due episodi tagliati nell’edizione americana. Fu tagliato anche in quella distribuita nelle sale italiane, ma oggi si può vedere nelle copie che passano in TV o nei DVD italiani.

Il quarto episodio I Giocatori racconta di un nobile napoletano fatto interdire dalla moglie perché malato di gioco d’azzardo che cerca di scroccare senza successo alla servitù qualche piccola somma da scommettere e si riduce a giocare a scopa (e a perdere il più delle volte) col piccolo Gennarino, il figlio del portiere costretto a rinunciare ai giochi con i suoi coetanei per compiacere il padre (una scena la potete vedere QUI). Il protagonista dell’episodio è lo stesso Vittorio De Sica, noto giocare incallito (proprio la passione per il gioco fu una delle ragioni che lo spinsero a recitare in un numero incredibile di film commerciali) che si ritrovò ad interpretare un ruolo quasi autobiografico e a tornare a recitare in uno dei suoi film dodici anni dopo Un Garibaldino al Convento, a causa della rinuncia del noto avvocato Napoletano Alfredo Jelardi al quale aveva offerto la parte.

Il quinto episodio, Teresa il più triste dell’intero film, ha per protagonista Silvana Mangano che interpreta il ruolo di una prostituta che accetta di sposare uno sconosciuto pur di lasciare la “casa chiusa” in cui vive (le “case chiuse” saranno chiuse con l’introduzione della legge Merlin nel 1958) credendo (o meglio cercando di convincersi) che lui si sia innamorato vedendola per strada. Solo dopo le nozze scopre che in realtà il neo sposo ha intenzione di rendere noto a tutti il suo passato perché col matrimonio vuole espiare la colpa di non avere ricambiato una ragazzina innamorata di lui che respinta si è suicidata. Teresa prima si ribella e lascia la sua nuova casa, poi, vedendosi senza alternative, torna sui suoi passi (ecco QUI una parte dell’episodio).

Eduardo e Totò nel 1956 (Photo credit: Wikipedia)

L’ultimo episodio, Il Professore, ha per protagonista Eduardo. . Qui interpreta il ruolo di Don Ersilio Miccio, un uomo che campa vendendo perle di saggezza al vicinato. Un giorno una delegazione degli abitanti del vicolo gli chiede come punire lo spocchioso Duca Alfonso Maria di Sant’Agata dei Fornari che disturba tutti con la sua macchinona con autista. Don Ersilio suggerisce una “medicina” da somministrare due volte al dì: un pernacchio, che non va però confuso con una volgare pernacchia. Perché il pernacchio è un arte conosciuta da pochi e lancia un messaggio a chi lo riceve che significa “Tu si’ ‘a schifezza d’ ‘a schifezza, da’ ‘a schifezza, da’ ‘a schifezza ‘e l’uommene!”. Geniale!

Eduardo oltre ad essere stato uno dei più importanti autori teatrali italiani del Novecento (sua anche Filumena Marturano da cui De Sica trasse nel 1964 il suo Matrimonio all’Italiana con la Loren e Mastroianni) era anche un grandissimo attore teatrale e cinematografico, ma anche regista teatrale e cinematografico e pure poeta (un genio). Il pubblico americano però non ebbe modo di apprezzare la sua interpretazione in L’Oro di Napoli. Che ci crediate o meno infatti è questo il secondo episodio tagliato dalla versione americana. Troppo oscuro il significato di un pernacchio per il pubblico americano (eppure Eduardo lo spiega benissimo) o forse troppo sovversivo mostrare a quel publico un gruppo di poveri diavoli che con uno sberleffo si ribellano a un ricco prepotente? Chissà. Del resto pare che persino lo smielato La vita è meravigliosa avesse attirato l’attenzione dell’FBI perchè il personaggio del banchiere Mr Potter era troppo avaro e meschino, un tipico esempio di propaganda comunista anticapitalista… Purtroppo ancora oggi circolano copie in DVD per il mercato americano prive di questo episodio (se anche voi non l’avete ancora visto potete vedere la sovversiva lezione di “pernacchio” a questo link: ).

In ogni storia di L’Oro di Napoli i protagonisti cercano di fare del loro meglio per riuscire ad adattarsi alla realtà che li circonda senza soccombere (si direbbe che qui la vera protagonista è la famosa arte di arrangiarsi) e così persino gli episodi più leggeri sono velati di malinconia: il pizzaiolo è costretto a fingere di credere che l’anello sia finito in una pizza mai venduta solo per amore della pace in famiglia (e per non fare la figura del “cornuto” di fronte a tutto il vicolo) e il tanto rispettato don Ersilio in fondo è un poveraccio che tira a campare e che fa il “posteggiatore” nei ristoranti.

L’Oro di Napoli non è un film neorealista, De Sica stava per archiviare quella fase della sua carriera ma non è nemmeno una vera commedia e sicuramente non è il film più famoso o più riuscito di De Sica, io comunque vi consiglio di vederlo almeno una volta.

 Alcuni film correlati che potrebbero piacervi(cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Maddalena… Zero in Condotta – ITA 1940 Diretto da: Vittorio De Sica. Con: Vittorio De Sica; Carla Del Poggio; Vera Bergman; Roberto Villa.

Non ti pago! – ITA 1942 Diretto da: Carlo Ludovico Bragaglia. Con: Eduardo De Filippo; Peppino De Filippo; Titina D Filippo; Paolo Stoppa.

Riso Amaro – ITA 1949 Diretto da: Giuseppe De Sanctis. Con: Silvana Mangano; Vittorio Gassman; Raf Vallone; Doris Dowling.

Napoli Milionaria – ITA 1950 Diretto da: Eduardo De Filippo. Con: Eduardo De Filippo; Titina De Filippo; Totò; Leda Gloria; Delia Scala.

Filumana Marturano – ITA 1951 Diretto da: Eduardo De Filippo. Con: Eduardo De Filippo; Titina De Filippo; Tina Pca; Aldo Giuffré.

La Banda degli Onesti – ITA 1956 Diretto da: Camillo Mastrocinque. Con: Totò; Peppino DeFilippo; Giacomo Furia.

La Ciociara – ITA 1960 Diretto da: Vittorio De Sica. Con: Sophia Loren; Jean Paul Belmondo; Raf Vallone; Eleonora Brown.

Matrimonio all’Italiana – ITA 1964 Diretto da: Vittorio De Sica. Con: Sophia Loren; Marcelo Mastroianni; Aldo Puglisi; Tecla Scarano.


“You’re a god damn genius!”

Drill Sergent

From: Forrest Gump – 1994

Yesterday, opening the Annual Bishop’s General Meeting, the president of the Italian Episcopal Conference and Archbishop of Genoa Angelo Bagnasco talked against same-sex marriages, saying the family (the “traditional” family: a husband, a wife and lots of children…) it’s a “source of future” and weakening it “creating new subjects, even using silly excuses, having the only purpose to mix up people’s minds and be a sort of a classic Trojan Horse, it’s irresponsible” (so true, such a catastrophe would corrupt indiscriminately everybody, even the righteous and holy men, and maybe, one day, something terrible will happen… for instance a priest wrongfully influenced could, one day, sexually harass a child… hoops… no, that already happened).

To defend and protect the Italian families against “ideological attacks” it’s also a mission for NCD (New Centre Right) the party (the very small party, 4,38% in last European elections) ruled by Angelino Alfano, the Minister of the Interior. Introducing the event organized by his party “in defence of Family and life” (go figure!) that will take place next Saturday in Rome, Mr Alfano said: “we don’t feel vintage saying a child needs a father and a mother, we don’t feel reactionary saying that family is made of a man and a woman…”.

Anyway, the best idea came from Mr Maurizio Sacconi, ex-socialist, ex- Forza Italia member and ex labour Minister in the last Berlusconi cabinet. Though safeguarding himself saying that the idea was nothing new and many people already discussed it (When? Where?), Mr Sacconi made a proposition that could enrich the next coming new electoral law (maybe not today, maybe not tomorrow, but soon…): “give to parents the opportunity, that will be properly regulated in the way they’ll alternate in this, to express a vote in proportion to the number of under age children depending on them” (sorry for my confusing translation, but Mr Sacconi speech was not very clear though he was speaking Italian). He finally said “every child will be an extra vote” that could be alternately expressed by the two parents (obviously, a man and a woman) or by one of them depending on their agreement. In a few words: 1child = 1extra vote; 2children = 2 extra votes etc… per couple. It ain’t quite clear if to be pregnant will mean an half extra vote, anyway it’s clear that according to Mr Sacconi’s proposal if you really, really want to vote, you can make many, many children…

Ingenious! Just imagine that those silly fascists during a twenty-year-long regime to protect the family, encourage marriages and childbirths (and punish the homosexuals) were only able to invent a law to tax bachelors (ageing from 25 to 65), mass marriages and birth rewards… but only because everybody already knew who was going to win the election.

“Sei un maledetto genio!”

Sergente Istruttore

Da: Forrest Gump – 1994

Ieri aprendo ad Assisi l’Assemblea dei Vescovi il Cardinale Bagnasco, presidente della Conferenza Episcopale Italiana, ha lanciato un duro ammonimento conto le nozze gay, ricordando che la famiglia (quella “tradizionale”: un marito, una moglie e tanti bei bambini…) è “sorgente di futuro” e che indebolirla “creando nuove figure, seppure con distinguo pretestuosi che hanno l’unico scopo di confondere la gente e di essere una specie di cavallo di Troia di classica memoria, è irresponsabile” (come dargli torto, tale catastrofe corromperebbe indiscriminatamente chiunque, anche le persone più pie, e chissà, magari un giorno, potrebbe succedere che persino un prete iniziasse, che so, a molestare dei bambini all’oratorio… hoops… no, quello è già successo).

Difendere e proteggere la famiglia italiana dagli “attacchi ideologici” è anche la nuova missione di NCD (Nuovo Centro Destra) il partito (assai “raccolto” – alle ultime europee ha fatto il 4,38%) del ministro dell’Interno Angelino Alfano, che oggi ha presentato la manifestazione in “difesa della famiglia e della vita” (e ti pareva…) che si terrà sabato 15 novembre a Roma ribadendo un concetto che aveva già espresso più volte: “non ci sentiamo vintage nel dire che il bambino ha bisogno di un papà e una mamma, non ci sentiamo oscurantisti nel dire che la famiglia è fatta da un uomo e da una donna…”.

L’idea migliore della giornata però è arrivata da Maurizio Sacconi ex-socialista, ex-forzista ed ex-ministro del lavoro e delle politiche sociali dell’ultimo Governo Berlusconi che, pur mettendo le mani avanti dicendo che non è un’idea originale ed è stata già più volte discussa in passato (da chi?), ha buttato lì una proposta per “arricchire” la nuova legge elettorale (anche se magari non subito, dopo una discussione più ampia…): “la consegna ai genitori, secondo modalità che dovrebbero essere poi opportunamente regolate… come si alternano tra di essi in questa capacità, di un voto proporzionato ai figli minori a carico dei genitori stessi” (scusate l’italiano zoppicante ho solo trascritto) precisando infine “per ogni figlio un voto in più” alternato tra i due genitori o secondo intesa tra di essi. In poche parole: 1 figlio = 1 voto in più, 2 figli = 2 voti in più etc… a coppia. Non è chiaro se essere incinte valga mezzo voto, comunque è chiaro che secondo l’idea di Sacconi se una o uno ha tanta, tanta voglia di votare fa tanti, tanti figli…

Geniale! Pensare che quei pirla dei fascisti in vent’anni di regime per difendere la famiglia, favorire i matrimoni, favorire le nascite (e punire gli omosessuali) si erano fatti venire in mente giusto la tassa sul celibato, i matrimoni di massa e i premi di natalità… ma giusto perché allora le elezioni si sapeva già come andavano a finire.

Related video/video correlato:

Legge Elettorale, la proposta di Sacconi: ”Un voto in più ai genitori per ogni figlio minore” (

My weekend movie: Roxie Hart (1942)


Roxie Hart (Condannatemi se vi riesce!) – USA 1942

Directed by: William A. Wellman.

Starring: Ginger Rogers; Adolphe Menjou; George Montgomery; Nigel Bruce.

Good girls go to heaven, bad girls go everywhere…

Last week I told you about an educational film for Ladies (if you’ve missed it, you can find it HERE), this week I’m going to tell you about an (almost)misleading film for Bad Girls: Roxie Hart, a 1942 comedy directed by William A.Wellman and starring Ginger Rogers and Adolphe Menjou.

Roxie Hart – 1942 (Photo Credit: Wikipedia)

Here is the story: Ginger, in an unusual red hairstyle (well, you must trust me cause the film is in Black and White), is Roxie Hart a young wife who lives in Chicago planning a career in show business that one day (accidentally?) kills a man who promised her to make her a star. At first her husband covers up for her confessing the crime but it’s 1927, Chicago it’s the cradle of organized crime and Roxie, instructed by the newspaperman Jake Callahan (Lynne Overman) and then by the shady lawyer Billy Flynn (Adolphe Menjou), soon finds out that, after all, a little homicide wouldn’t wreck a smart girl’s complexion…

Does this sound familiar? Have you already heard about Roxie Hart and Billy Flynn? Well, I bet your answer is yes and you’re thinking to the musical or to the 2002 musical film Chicago , the one with Renée Zellweger, Richard Gere and Catherine Zeta-Jones. Well done! Roxie Hart tells in fact the same story being based on the same 1926 play called Chicago and written by the American journalist and playwright Maurine Dallas Watkins, who found inspiration in a couple of famous (but unrelated) murder cases she covered in 1924 for the Chicago tribune. The first one the “Belva Gaertner case”, inspiring the character of Velma Kelly (the one played in Chicago by Catherine Zeta-Jones) involved a three time divorced cabaret singer (Belva) known professionally as Belle Brown who, on 11 March 1924, allegedly shot and killed her lover, Walter Law who was found the following morning in her car with a bottle of gin and a gun beside him. In Belva’s appartment were found blood soaked clothes on the floor, she said she has no memory of what happened and was arrested. She never confessed the crime saying to Maurine Dallas Watkins: “No woman can love a man enough to kill him. They aren’t worth it…”. The world was full of other men. An all-men jury found her “not guilty”.


Beulah Annan

The case providing the inspiration for our Roxie Hart was the “Beulah Annan case”. Beulah was a young woman from Kentucky who had moved to Chicago in 1920 with her second husband, a car mechanic called Al Annan. In Chicago she was a bookkeper in a laudry where she met Harry Kalstedt and began an affair. On 3 April 1924, in her bedroom, Beulah shot Kalstedt in the back. At first, admitting the murder, she said they were drinking and then had an argument trying and reach a gun (mysteriously) on the bed. She reached the gun first and shot “in self-defence” (on his back!) while he was leaving. At this point, after spending the following four hour drinking and listening to a tune called Hula Lou (listen to it HERE), she had called her husband telling him the man had tried to “make love” to her. Beulah changed her version many times, also announcing she was pregnant (but in the end there was no baby), with her husband always by her side an spending all his savings to get her the best lawyers. Beulah was found not guilty on 25 May 1924 and the day after the sentence she left her husband saying: “He’s too slow.” The press covered with enthusiasm the two stories: Belva was called “Cook County’s most stylish murderess”, Beulah was called the “prettiest woman ever charged with murder in Chicago”. (To learn more about this you can click the following link and read an article about the book “The Girls from Murder City” by Douglas Perry from

Differently from the first movie ever based on Maurine Dallas Watkins’ play (a 1927 silent movie titled Chicago an starring Phyllis Harver) and the following musicals, Roxie Hart puts aside the story of Belva/Velma (who appears only for a few seconds) to focus on Beulah/Roxie and the story is told in a series of flashbacks. It starts in 1942 in a Chicago bar where a reporter (George Montgomery) remembers the first murder he ever covered fifteen years earlier, when he also fell in love with the murderess.

Clara Bow in 1927 (Photo credit: Wikipedia)

The role of Roxie wasn’t meant to Ginger Rogers, but when she knew Alice Fay the one chosen by Fox (the studio producing the film,) had to give up cause pregnant, she decided to take advantage of her new signed contract with RKO allowing her to appear in any film she wanted and to work with other studios, to took up the role. Her unusual hairstyle (red, short and curly) is surely meant to remind us Clara Bow (mentioned in this movie),. The hottest “Jazz baby in film”, the prototype of a flapper, the original “IT girl” was in fact a sensation in 1927, enjoying a howling success (and about to become a victim of that success) while in theatres were shown among the others IT and the first Oscar winning film Wings, this last silent picture directed by Roxie Hart’s director William A. Wellman.

Roxie is a flapper, has no scruples, calls her lawyer (a nice guy who should have performed in vaudeville) “daddy”, throws press conferences like a debutante could throw a party, when is about to lose the press favour plays the sweet mother to be and finally plays the shy wife in court never forgetting to show her legs to the all-men jury. For all those reasons Ginger as Roxie is cheeky, naughty, sexy and a little overacting. The film is not a musical, anyway Ginger Rogers, who was in 1927 a 16-year-old Vaudeville performer thanks to a Charleston contest won the previous year, has here a couple of remarkable dancing numbers: a Charleston scene involving all the journalists during a press conference, and a tap dance on a metal case in the prison with no accompaniment, only the tap shoes’ and hand claps’ sounds. This is a scene Ginger Rogers suggested and was very proud of. If you like her as a dancer, well, this make the film worth watching.

Obviously i’s not the only reason to watch Roxie Hart, which is a satire on the American judiciary system but also on the way the press used to cannibalize crimes and criminals to make money (there are things that never change!). It’s also a satire that couldn’t please the censorship fearing this film could represent “an attack on American Institution and way of life”. Almost surely the censorship should be blamed for the greatest fault of Roxie Hart: its terrible, sugary, moralistic ending (my lips are sealed you must watch it yourself and judge it).

Anyway, though it’s not Ginger Rogers or William A. Wellman best movie, I’m pretty sure that Roxie Hart is a film you could like.

A few related movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

It – USA 1927 Directed by: Clarence G. Badger. Starring:Clara Bow; Antonio Moreno; William Austin.

Die Büchse der Pandora (Pandora’s box) – GER 1929 Directed by: G.W. Pabst. Starring: Louise Brooks; Fritz Kortner; Alice Roberts; Francis Lederer; Carl Goetz; Gustav Diessl.

I’m no Angel – USA 1933 Directed by: Wesley Ruggles- Starimg: Mae West; Cary Grant; Edward Arnold; Gregory Ratoff.

The Story of Temple Drake – USA 1933 Directed by: Stephen Roberts. Starring: Miriam Hopkins; Jack La Rue.

His Girl Friday – USA 1940 Directed by: Howard Hawks. Starring: Cary Grant; Rosalind Russell; Ralph Bellamy.

The Fortune Cookie – USA 1966 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Walter Matthau; Ron Rich; Judi West.

Chicago – USA 2002 Directed by: Rob Marshall. Starring: Renée Zellweger; Catherine Zeta.Jones; Richard Gere; John C. Reilly; Queen Latifah; Lucy Liu.


Le brave ragazze vanno in paradiso, le cattive ragazze vanno dappertutto…

La scorsa settimana vi ho parlato di un film educativo per Signore (se ve lo siete perso, potete trovarlo QUI), questa settimana vi parlerò di un film (quasi)diseducativo per cattive ragazze. Si tratta di Condannatemi se vi riesce! (il titolo originale è Roxie Hart) una commedia del 1942 diretta da William A. Wellman ed interpretata da Ginger Rogers ed Adolphe Menjou.

Ginger Rogers as Roxie (Photo credit: Wikipedia)

Questa, in estrema sintesi, è la storia: Ginger, con un’inusuale acconciatura corta ed i capelli rossi (insomma, dovete credermi sulla parola, il film è in bianco e nero), è Roxie Hart una giovane moglie che vive a Chicago pianificando una carriera nel mondo dello spettacolo ed un bel giorno uccide (accidentalmente?) un uomo che le aveva promesso di fare di lei una star. All’inizio suo marito confessa il crimine ma è il 1927, Chicago è la culla del crimine organizzato e Roxie, istruita dal reporter Jake Callahan (Lynne Overman) e poi dall’avvocato senza scrupoli Billy Flynn (Adolphe Menjou), ci mette poco a capire che in fondo un piccolo omicidio non è una cosa che possa rovinare l’incarnato a una ragazza in carriera…

Vi suona familiare? Avete già sentito i nomi di Roxie Hart e Billy Flynn? Scommetto che la risposta è si e che state pensando al musical ed al film del 2002 Chicago, quello con Renée Zellweger, Richard Gere and Catherine Zeta-Jones. Bravi! Condannatemi se vi riesce! racconta infatti la stessa storia e come il musical (e il film del 2002) è tratto dalla commedia teatrale Chicago di Maurine Dallas Watkins, commediografa e giornalista che si ispirò a un paio di casi che seguì nel 1924 per il Chicago Tribune. Il primo, il caso di Belva Gaertner, quello che ha ispirato il personaggio di Velma Kelly (interpretato da Catherine Zeta-Jones nel film del 2002), riguardava una cantante di cabaret (Belva. A proposito, il nome è vero) che si faceva chiamare Belle Brown, era stata sposata già tre volte ed era sospettata di avere ucciso l’11 marzo 1924 il suo amante Walter Law, il cui cadavere era stato rinvenuto la mattina seguente nella sua macchina (di Belva) con accanto una bottiglia di gin e una pistola. Sul pavimento dell’appartamento di Belva la polizia aveva trovato i suoi vestiti impregnati di sangue, ma lei aveva detto di non ricordare nulla di quello che era successo la sera prima. Non confessò mai e disse a Maurine Dallas Watkins: “Nessuna donna può amare un uomo al punto da ucciderlo. Non valgono tanto…”. Il mondo era pieno di altri uomini. Una giuria di soli uomini la assolse: non colpevole fu il verdetto.

Chicago – il film muto del 1927 (Photo credit: Wikipedia)

Il caso che servì da ispirazione per la nostra Roxie Hart fu quello di Beulah Annan. Beulah era una giovane donna del Kentucky che nel 1920 si era trasferita a Chicago con il secondo marito, il meccanico Al Annan. A Chicago lavorava come contabile in una lavanderia dove aveva conosciuto Harry Kalstedt col quale aveva iniziato una relazione. Il 3 Aprile del 1924, nella sua camera da letto, Beulah aveva ucciso Kalsted sparandogli nella schiena. All’inizio ammettendo l’omicidio, aveva detto che loro due stavano bevendo e poi avevano iniziato a litigare contendendosi una pistola che (misteriosamente) si trovava sul letto. Lei l’aveva afferrata per prima ed aveva sparato per “autodifesa” (nella schiena di lui!) mentre Kalsted stava andandosene. A quel punto, dopo aver passato le quattro ore seguenti bevendo ed ascoltando un brano intitolato Hula Lou (potete ascoltarla cliccando QUI), Beulah aveva chiamato suo marito e gli aveva detto che l’uomo aveva cercato di “fare l’amore” con lei. Beulah cambiò la versione dei fatti molte volte, e temendo la condanna dichiarò anche di essere incinta (ma non nacque mai nessun bambino) mentre suo marito le rimaneva vicino e spendeva tutti i suoi risparmi per pagarle gli avvocati. Il 23 maggio del 1924 fu dichiarata non colpevole. Il giorno dopo la sentenza mollò il marito e dichiarò: “È troppo lento”. Per la stampa che seguiva con entusiasmo i due casi Belva era “la più elegante assassina della Cook County”, Beulah invece era “la donna più bella mai accusata di omicidio a Chicago”. (Se volete sapere qualcosa di più cliccando il seguente link potete leggere un articolo sul libro “The Girls from Murder City” di Douglas Perry dal sito

Diversamente dal primo film mai trato dalla commedia di Maurine Dallas Watkins (un film muto del 1927 intitolato Chicago con protagonista Phyllis Harver) e dai musical, Condannatemi se vi riesce! Mette da parte la storia di Belva/Velma (che fa solo una fugacissima apparizione) per concentrarsi su Beulah/Roxie e la storia, raccontata in una serie di flashback, ha inizio nella Chicago del 1942 dove un reporter (George Montgomery) racconta del suo primo caso di omicidio che ha seguito quindici anni prima quando si è anche innamorato dell’assassina.

Chicago – il poster del musical del 2002 (Photo credit: Wikipedia)

Il ruolo di Roxie non era pensato per Ginger Rogers, ma quando lei venne a sapere che Alice Faye, l’attrice scelta dalla Fox (che produceva il film) aveva dovuto rinunciare perché incinta, decise di sfruttare a suo vantaggio il nuovo contratto appena siglato con RKO, che le permetteva di scegliere i film da interpretare e di lavorare con altri studios, per ottenere la parte. La sua inconsueta acconciatura (capelli rossi, corti e ricci) era sicuramente un omaggio a Clara Bow (che è anche menzionata nel film). La più sexy “Jazz baby” del cinema, il prototipo di ogni flapper, la prima e autentica “It girl” viveva infatti nel 1927 uno straordinario successo (del quale stava però per diventare una vittima) mentre nei cinema tra gli altri venivano proiettati IT (Cosetta il titolo italiano) e il primo film premio Oscar Wings (Ali), quest’ultimo diretto dal regista di Condannatemi se vi riesce! William A. Wellman.

Roxie è una “flapper” (una maschietta si diceva all’epoca in Italia), non ha scrupoli, chiama il suo avvocato (un tizio che sarebbe stato benissimo in un teatro di avanspettacolo) “papi”, partecipa alle conferenze stampa come una debuttante parteciperebbe a dei balli, quando sta per perdere i favori della stampa si mette a recitare la parte della mammina in attesa e poi davanti alla corte interpreta quella della mogliettina timida e modesta ma senza mai dimenticare di mostrare le gambe alla giuria di soli uomini. Questo è il motivo per cui Ginger Rogers in questo film è sfacciata, sexy e pure un po’ sopra le righe. Il film non è un musical, ma Ginger Rogers, che nel 1927, a 16 anni, già si esibiva nei Vaudeville in giro per gli Stati Uniti dopo aver vinto l’anno prima un concorso di Charleston, ha comunque un paio di numeri danzanti di tutto rispetto: uno scatenato Charleston al quale partecipano tutti i giornalisti durante una conferenza stampa e poi uno strepitoso tip tap su una scala di metallo all’interno della prigione ballato col solo accompagnamento del suono delle scarpe e del battito delle mani. Questa era una scena suggerita da Ginger Rogers, che ne andava particolarizzante fiera. Se apprezzate soprattutto le sue doti di ballerina, questa scena, come si suol dire, da sola può valere il costo del biglietto.

Ovviamente no è la sola ragione per vedere Condannatemi se vi riesce!, che è una satira sul sistema giudiziario americano che non dimentica di farsi beffe del modo in cui la stampa usava cannibalizzare i crimini ed i criminali pur di far soldi (estendendo l’osservazione ai nuovi media si potrebbe dire che ci sono cose che non cambiano mai!). È anche un tipo di satira che non poteva certo piacere alla censura che considerava questo film “un attacco alle Istituzioni Americane e al nostro sistema di vita”. Quasi certamente è proprio la censura ad essere responsabile del più grave difetto del film: un finale bruttissimo, zuccheroso e moralistico (ma le mie labbra sono cucite, guardatevi il film e giudicate voi).

Comunque, anche se certamente non è il miglior film di Ginger Rogers e nemmeno di William A. Wellman, sono sicura che Condannatemi se vi riesce! è un film che potrebbe piacervi.

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Cosetta (It) – USA 1927 Diretto da: Clarence G. Badger. Con: Clara Bow; Antonio Moreno; William Austin.

Lulù-Il vaso di Pandora – GER 1929 Diretto da: G.W. Pabst. Con: Louise Brooks; Fritz Kortner; Alice Roberts; Francis Lederer; Carl Goetz; Gustav Diessl.

Non sono un angelo – USA 1933 Diretto da: Wesley Ruggles. Con: Mae West; Cary Grant; Edward Arnold; Gregory Ratoff.

Perdizione – USA 1933 Diretto da: Stephen Roberts. Con: Miriam Hopkins; Jack La Rue.

La signora del venerdì – USA 1940 Diretto da: Howard Hawks. Con: Cary Grant; Rosalind Russell; Ralph Bellamy.

Non per soldi… ma per denaro – USA 1966 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Walter Matthau; Ron Rich; Judi West.

Chicago – USA 2002 Diretto da: Rob Marshall. Con: Renée Zellweger; Catherine Zeta.Jones; Richard Gere; John C. Reilly; Queen Latifah; Lucy Liu.



“The rich are lonelier, cause they are more uncommon. There are lots of poor people, they all are friends, always together… those lazy rascals who never let you be… As Our Lord Jesus said… He said: “Blessed are the poor, who will seat at my right”. Now, if there were no rich to cheat the poor, the poor would not exist, and Jesus… he can’t seat there all alone… how can I say… just like a poor christ…

Am I clear?”

Romolo Catenacci

From: We All Loved Each Other So Much (C’eravamo tanto amati) – 1974

He can’t express his thoughts in the same sublime way Romolo Catenacci does, not yet at least, but @matteorenzi is doing his best… yesterday talking to a friendly audience made of industrialists (while outside workers and students were demonstrating against him. Those lazy rascals!) he accused those opposing his Labour Market reform (therefore the Unions, or better CGIL, the most representative union, and FIOM the affiliated federation representing metalworkers. Other incorrigible lazy rascals!) to try and divide the Country in two  using  the unemployed people’s sorrow. What’s more, he said that this is a conspiracy… Today he said “I’ll never give up!” (Mussolini used to say- more or less- “Curse the one who gives up)…

After twenty years of Berlusconism, I thought I’d seen everything… but I was wrong, I hadn’t seen, not yet, the reverse class struggle and I hadn’t seen this other thing too: the most representative Left Party (the emocratic Party) reduced to a mere Trademark, climbed by an ambitious young man (who can’t accept internal oppositions) and used against workers and the Unions representing them…

I don’t know what you could think about this, I try to act as nothing is happening but, frankly, lately I felt quite dizzy and nauseated.

Am I clear?

“Il ricco è più solo perché è più raro. I poveri son tanti, tutti amici, sempre assieme… ‘sti lazzaroni che nun te fanno più campa’… Come disse Nostro Signore Gesù… Egli disse: “Beati i poveri, che se metteranno a sede alla mia destra”. Mo, se non ce fossero li ricchi che fregano li poveri, li poveri nun esisterebbero, e Gesù… quello può mica rimane’ a sede da solo… diciamo… come un povero cristo…

Non so se mi spiego.”

Romolo Catenacci

Da: C’eravamo tanto amati – 1974

Non è ancora arrivato alle sublimi vette di Romolo Catenacci, ma @matteorenzi sembra sulla strada buona… ieri di fronte ad una platea “amica” composta da industriali (mentre fuori operai e antagonisti lo contestavano. ‘Sti lazzaroni! ) ha accusato chi si oppone alla sua riforma del mercato del lavoro (leggi i sindacati, o meglio ancora leggi CGIL e FIOM, altri lazzaroni inemendabili) di volere spaccare in due il Paese e di sfruttare il dolore di cassintegrati e disoccupati. Di più, ha evocato il complotto… Oggi tornando sull’argomento ha ribadito “Non mollo” (boia chi molla?!?!?)…

Dopo vent’anni di Berlusconismo pensavo di averle viste tutte,… invece mi mancava la lotta di classe al contrario e pure questa roba qui: il principale partito della Sinistra ridotto a un marchio, scalato da un giovane ambizioso che non sopporta le minoranze interne e schierato contro il sindacato e i lavoratori…

Io non so voi, ma io anche se cerco di darmi un tono sono settimane che provo una certa nausea.

Non so se mi spiego.

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My weekend movie: Mr. Skeffington (1944)


Mr. Skeffington (La Signora Skeffington) – USA 1944

Directed by: Vincent Sherman.

Starring: Bette Davis; Claude Rains; Walter Abel.

A woman is beautiful when she has eight hours’ sleep and goes to the beauty parlor every day…

Is there anything more important in a woman’s life than being really, really, really ridiculously good looking? Not in Fanny Trellis life. Back in 1914 in New York, that beautiful creature seems to leave her dressing table only to give her suitors the opportunity to admire and adore her. But, alas, Fanny, who pretends to be a rich heiress though her fortune has gone, has a soft spot for her tricky brother Trippy. She loves him so much that when he gets into troubles (the kind of troubles that can make you a jailbird) with his boss, the rich Jewish stockbroker Job Skeffington, she commits a loveless marriage only to save him. Fortunately Skeffington is really understanding and her suitors still flock to their house to her delight. Everything changes when first the ungrateful Trippy, disgusted by her marriage, leaves to fight the war in Europe (and get killed) and then Fanny get pregnant. It’s a catastrophe cause, you know, children grow up and mothers find every day more difficult to cheat people about their age…

Mr. Skeffington (Photo Credit: Wikipedia)

This are the premises for Mr. Skeffington a 1944 melodrama, very moralist and quite sexist, based on the 1940 novel with the same title written by the Australian-born British novelist Elizabeth von Armin and adapted for the silver screen by the twin brothers Julius and Philip Epstein (those who wrote with Howard Koch the Oscar winning script for Casablanca). It’s a black and white moral lesson for women about the deleterious effects of an excess of vanity directed by Vincent Sherman and starring Claude Rains, as Mr Skeffington, and Bette Davis, as the frivolous and egocentric Fanny. The film production was quite tormented. Bette Davis had accepted the role after a number of actresses had turned it down, had sponsored Claude Rains as Skeffington and was ready to work once again with Sherman, with whom she had already worked in Old Acquaintance, when her second husband Arthur Farnsworth suddenly died. Warner Brothers offered her to delay the start of the shooting, Bette only took a week long hiatus. The shooting was a nightmare and took much longer than expected. Bette was insufferable (someone also poisoned her eyewash) and according to Sherman, who was married to a “very sophisticated and most intelligent” woman, he had to make the great sacrifice to start an affair with her in order to calm her down when needed (a natural born gentleman…). Anyway all that didn’t affect the movie who was a huge success in 1944 granting to its protagonists an Academy Award nomination (Bette Davis as Best Actress, Claude Rains as Best Supporting Actor). Clearly in 1944 women used to love Bette Davis (she closed the top ten list of money making stars that year) and a mix of moralism and sexism (always if they could be able to spot it) didn’t disturb them.

But what could Mr.Skeffington teach to women?

Obviously that they might know their place, recognize their husbands moral and intellectual superiority and above all that they might act their age accepting the fact that to get older for a woman also means to become invisible.

Bette Davis in 1940 (Photo Credit: Wikipedia)

Fanny, who after all only does with excessive zeal what she has been programmed for (being pretty), is portrayed as a monster: selfish, superficial, insensitive, vain and even about thirty years ain’t enough to change her. She carelessly ill-treats her girl friends, her suitors and above all her husband, poor soul! She simply can’t love that wonderful man. OK, he’s short, not very charming and quite old (but every decent woman shouldn’t be influenced by those things cause when a man, no matter how he looks, offers her his precious heart she should simply be grateful and thank him….) but he’s kind and gentle and loves their daughter. And who cares if he fell in love with her only cause she was that beautiful, he’s a man and has an important lesson about vanity to teach her: a woman is beautiful only when she’s loved…. And guess who’s the one to blame if good old Skeffington is caught having multiple affairs with his secretaries? Obviously Fanny, that shameless vain woman who’s such a bad mother. Everybody knows it: since Adam and Eve were thrown out the Garden of Eden women has driven men to sin. Is she ashamed or repentant, does she try to redeem herself? Of course not! She wants to be independent, files for divorce, lets the little daughter to her ex-husband who leaves for Germany already packed with Nazis (ahi! he’s Jewish), hires a bunch of beauticians to take care of her ageing body and face and once again surround herself with suitors. And at this point, obviously, to make clear in women’s minds that this is a bad behaviour, a series of disasters befall her without warning. First, her daughter, a young and pretty woman, comes back home and stole (and then marries) her last (young) beau (do not touch the young guys, old ladies!). Then she gets ill (diphtheria not a disfiguring illness…) and puff!!!!… her beauty suddenly leaves her for good: the seducing siren suddenly and alarmingly resembles to Baby Jane, only with a tider hairstyle (congratulations to the makeup artists for the impressive preview). Does she finally accept her age? Not yet, she needs a brutal psychiatrist (a man obviously and who knows which philosophy he follows…) to tell her she’s old and has no reasons of vanity any more. Then she has to meet all her old suitors to see in their eyes the horror her decaying body causes (she should be about 50…). Only after that cruel treatment she finally understand it’s time to hang up her faux cils.

The reward for her (late) repentance? Her ex-husband, incredibly and miraculously survived and released from a Nazi concentration camp (it was 1944, I suppose they were a bit confused and had no idea on how a Nazi concentration camp worked…) mysteriously comes back home penniless and blind giving her the opportunity to offer him her hospitality so that, quite relieved cause he will never see her devastated beauty, she can end in glory and say, like a real good woman, this film’s motto: A woman is beautiful only when she’s loved.

Understood the lesson?

But beware girls, do not believe that you could watch Mr.Skeffington feeling superior to all this just because today in 2014 you can expand your horizon beyond your house walls. Today beauty is a valuable thing even in politics (at least according to Alessandra Moretti, Member of the European Parliament, Democratic Party’s member and woman), but to put too much energy in cultivating it is still a major sin. Just think about all the words written lately to comment the 44-year-old René Zellwegger new look… (and then just think that usually nobody seems to notice how the 50-uear-old Tom Cruise looks incredibly young).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Jezebel – USA 1937 Directed by: William Wyler. Starring: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lindsay; Donald Crisp; Fay Bainter.

Wuthering Heights – USA 1939 Directed by: William Wyler. Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark gable; Olivia De Havilland; Leslie Howard; Hattie McDaniel.

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

Madame Bovary – USA 1949 Directed by: Vincente Minnelli. Starring: Jennifer Jones; Jmes Mason; Van Heflin; Louis Jourdan.

A Streetcar Named Desire – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.


Una donna è bella se ha dormito quattro ore di seguito e se va sempre all’istituto di bellezza…

Nella vita di una donna c’è qualcosa di più importante dell’essere bella, bella, bella, bella in modo assurdo? Certamente se si parla di Fanny Trellis la risposta è una sola: no. Nella New York del 1914, questa rara bellezza sembra infatti allontanarsi dal suo tavolino da toilette solo per una ragione: dare ai suoi molti ammiratori l’opportunità di ammirarla ed adorarla. Purtroppo Fanny, che finge di essere ancora una ricca ereditiera anche se la sua fortuna è finita da tempo, ha un punto debole: ama quel furfante di suo fratello Trippy al punto che quando lui si mette nei guai (guai da galera) col suo capo, il finanziere ebreo Job Skeffington, lei pur di salvarlo si infila in un matrimonio senza amore. Skeffington però è un tipo comprensivo e gli ammiratori di Fanny continuano a riempire la loro casa. Tutto cambia quando prima Trippy, l’ingrato, disgustato dal matrimonio di convenienza parte per la guerra (per farsi ammazzare) e poi Fanny resta incinta. Una catastrofe. Perché i figli crescono e le mamme faticano a barare sull’età…

Claude Rains in Notorious (Photo Credit: Wikipedia)

Queste sono le premesse di La Signora Skeffington (Mr. Skeffington era il titolo originale, ma quello italiano forse è più azzeccato), melodramma del 1944, alquanto moralista e piuttosto sessista, tratto dal romanzo omonimo del 1940 scritto dall’autrice inglese di origini Australiane Elizabeth von Armin e sceneggiato dai gemelli Julius e Philip Epstein (quelli che scrissero con Howard Koch la sceneggiatura premio Oscar di Casablanca). Una lezione morale per signore in bianco e nero sui deleteri effetti di un’eccessiva vanità diretta da Vincent Sherman e interpretata da Claude Rains, nei panni di Mr Skeffington, e da Bette Davis in quelli della fatua ed egocentrica Fanny. La produzione di La Signora Skeffington fu piuttosto tormentata. Bette Davis aveva accettato la parte dopo che diverse attrici l’avevano rifiutata, aveva appoggiato Claude Rains perché fosse scelto per il ruolo di Skeffington ed era più che pronta a lavorare nuovamente con Sherman che l’aveva già diretta in L’amica (Old Acquaintance) ma, quando la lavorazione stava per cominciare, il suo terzo marito morì improvvisamente. La Warner offrì di posporre la lavorazione. Bette si prese solo una settimana di riposo. Le riprese furono un incubo e si protrassero ben oltre il previsto. Bette era intrattabile (al punto che qualcuno corresse il suo struccante per gli occhi con una sostanza irritante) e stando ai racconti dello stesso Sherman lui, sposato con una donna “sofisticata” e “molto intelligente”, fu costretto a sacrificarsi per il bene del film iniziando con lei una relazione che ebbe la durata della lavorazione e la frequenza delle crisi di Bette (come direbbe Totò, Signori si nasce e lui modestamente…). Tutto ciò comunque non compromise il successo del film né quello dei protagonisti, entrambi nominati all’Oscar (Bette Davis come attrice protagonista, Claude Rains come attore non protagonista). Le signore del 1944 evidentemente amavano Bette Davis (in quell’anno lei chiudeva la top ten delle stelle che garantivano i maggiori incassi) e non erano troppo disturbate dal tono moraleggiante e sessista (sempre che fossero in grado di accorgersene) del film.

Ma cosa cercava di insegnare alle donne La Signora Skeffington?

Ovviamente a stare al loro posto, ma anche a riconoscere la superiorità morale ed intellettuale del consorte e ad accettare l’inevitabile e cioè che giunte ad una certa età sarebbero semplicemente diventate invisibili, inutile opporsi.

Vincent Sherman

Vincent Sherman

Fanny, che in fondo mette solo un po’ troppo zelo nel fare quello per cui era stata “programmata” ( e cioè essere carina) è dipinta, nel corso di una trentina d’anni, come un mostro di egoismo, superficialità, insensibilità e vacuità. Tratta male e senza alcuna considerazione le amiche, gli ammiratori e, soprattutto il marito, poverino! Non riesce proprio ad amare quella pasta d’uomo. Sarà pure bassetto, bruttino e vecchiotto (caratteristiche che non dovrebbero mai influenzare il giudizio di una donna che di fronte ad un uomo che le offre il suo cuoricino non dovrebbe mai fermarsi alla volgare apparenza, ma solo ringraziare commossa…) ma è tanto buono e gentile e vuole tanto bene alla loro bambina (lui). E chi se importa se si è innamorato di lei solo perché era bella, da uomo si può permettere di farle la lezioncina sulla vanità: una donna è bella solo quando è amata… E indovinate un po’ di chi è la colpa se il buon Skeffington poi fa gli “straordinari” con le segretarie? Ma naturalmente di quella sfrontata di Fanny che è pure una pessima madre. Lo sanno tutti fin dall’epoca della cacciata di Adamo ed Eva dal giardino dell’Eden: sono le donne a spingere l’uomo verso il peccato. E al posto di pentirsi, abbattersi e redimersi lei che fa? Cerca l’indipendenza (peccatomortale!) col divorzio, molla la marmocchia molesta all’ex-consorte che opportunamente emigra nella natia Germania nel frattempo piena di Nazisti (ahi! lui è ebreo…), si affida alle cure di un battaglione di estetiste per combatte l’immane lotta contro il tempo che passa e si ri-circonda di ammiratori. E qui, ovviamente, perché le signore capiscano che tutto ciò non è bene, una serie di sciagure le si abbattono addosso improvvise. Prima la figlia ormai donna e carina torna e le porta via il suo ultimo giovane spasimante (e no ragazze, non si corrompono i giovanotti!); poi lei si ammala (di difterite, mica di una malattia sfigurante…) e improvvisamente puff!!!… la bellezza l’abbandona di colpo e da seducente sirena si ritrova a somigliare in maniera preoccupante a Baby Jane, ma con i capelli (perlopiù finti) in ordine (complimenti ai truccatori per l’azzeccata previsione). Si arrende all’età? Non ancora. Ha bisogno di essere strapazzata da uno psicologo (chissà di quale scuola) che a muso duro le dice che è una vecchia e non ha più diritto alla vanità e poi di vedere coi suoi occhi tutti i suoi ex-ammiratori inorriditi da cotanto decadimento. Solo allora appende finalmente le ciglia finte al chiodo.

E finalmente arriva anche la ricompensa del tardivo ravvedimento. L’ex-marito, miracolosamente scampato e rilasciato da un lager nazista (era il 1944, avevano le idee un po’ confuse su come funzionassero i lager…) fa, non si sa bene come, ritorno in America in miseria e cieco. Lei lo accoglie in casa e, assai sollevata dal fatto che mai potrà vedere il suo volto devastato dalla vecchiaia, può finalmente fare un figurone da dama della carità e recitare il motto del film: Una donna è bella solo quando è amata.

Capita la lezione? Ma attente ragazze a non guardare La Signora Skeffington con una certa aria di superiorità solo perché nel 2014 il nostro orizzonte si è allargato oltre le mura domestiche. Oggi la bellezza è un valore aggiunto persino in politica (parola di Alessandra Moretti, eurodeputata PD), ma guai a coltivarla troppo! Pensate al fiume di inchiostro (virtuale e non) versato negli ultimi tempi per commentare l’aspetto del viso della quarantaquattrenne Reneé Zelwegger… (e poi fate mente locale su quanti di solito si preoccupano di commentare l’aspetto incredibilemente giovane del viso del cinquantenne Tom Cruise).

Alcuni film liberamente associati che potrebero piaceri (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

La Figlia del Vento – USA 1937 Diretto da: William Wyler. Con: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lindsay; Donald Crisp; Fay Bainter.

La voce nella tempesta (Cime tempestose) – USA 1939 Diretto da: William Wyler. Con: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Olivia De Havilland; Leslie Howard; Hattie McDaniel.

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

Madame Bovary – USA 1949 Diretto da: Vincente Minnelli. Con: Jennifer Jones; James Mason; Van Heflin; Louis Jourdan.

Un tram che si chiama Desiderio – USA 1951 Diretto da : Elia Kazan. Con: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

The Great Illusion

“Everything you have seen here has been an illusion.”


From: The Illusionist – 2006

Good, good news!!!!

Today @matteorenzi (the youngest prime minister…) twittered:

Jobs on the raise: 82thousand more last month; 150thousand more since last april. Only with work #italyrestarts

Wow, that’s it…there’s a light at the end of the tunnel, a wonderful future at our fingertips, the crisis is almost defeated and when the Jobs Act (the labour market reform…) will be a law you’ll see how faster it will fly away! Who said we need the Unions, those old relics from the past good for reactionaries and idle loafers who has a fixation for permanent jobs…

to be true a nitpicker (or a owl as @matteorenzi uses to call that sort of people) could object that today ISTAT (the Italian National Statistical Institute) informed us that unemployment rate has raised to 12,6%, but there’s nothing to get worried about, it’s just an illusion: it’s just because (at last!!) people has decided to get a move on, get their ass off their sofa and get out and try and find a job.

Well, now I bet that the million workers who marched in Rome last weekend against the Jobs Act and especially those other workers who a couple of days ago, always in Rome, were demonstrating to try and save thier job and were beaten by the police are an illusion too.

“Tutto quello che avete visto era un’illusione.”


Da: The Illusionist-L’Illusionista – 2006

Buone, buone notizie!!!!

Ce l’ha cinguettato oggi @matteorenzi:

Aumentano i posti di lavoro: più 82mila sul mese scorso, più 150mila da aprile. Solo con il lavoro #italiariparte

Wow, è fatta… la luce è laggiù in fondo al tunnel, un radioso avvenire è lì a portata di mano, la crisi è quasi battuta e quando il Jobs Act sarà legge vedrete che se la darà a gambe levate! Ma a cosa servono ormai i sindacati, ‘sti vecchi arnesi del passato buoni per nostalgici e fannulloni con la fissa del posto fisso…

… certo a voler cercare il pelo nell’uovo (o come direbbe @matteorezi a voler gufare…) si potrebbe anche volgere lo sguardo verso l’altro dato diffuso oggi dall’Istat e cioè che il tasso di disoccupazione è arrivato al 12,6%, ma non c’è niente di cui preoccuparsi, è solo un’illusione ottica: è perché più gente ha deciso finalmente di darsi una mossa, scollare il sedere dal divano e cercarsi finalmente un lavoro.

Oddio, vuoi vedere che il milione di lavoratori in piazza contro il Jobs Act dell’ultimo fine settimana e quei manifestanti della Ast di Terni che a Roma per difendere il loro posto di lavoro due giorni fa si sono presi anche le manganellate in testa erano illusioni ottiche pure loro?

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Jobs Act, la Fiom al contrattacco. Sciopero generale di 8 ore (

My weekend movie: Ed Wood (1994)


Ed Wood – USA 1994

Directed by: Tim Burton.

Starring: Johnny Depp; Martin Landau; Sarah Jessica Parker; Bill Murray; Patricia Arquette; Lisa Marie; Jeffrey Jones.

Ladies and Gentlemen… the worst director in history!

Who’s the worst director of all times? According to The Golden Turkey Award, a 1980 book celebrating bad cinema written by film critic Michael Medved with his brother Harry, the answer is Edward Davis Wood Jr writer, producer and director of the infamous1956 sci-fi Plan 9 from Outer Space, awarded as Worst Film Ever. The little enviable posthumous award (Wood was dead in 1978 aged 54) brought new interest round that master of 1950’s Z movies, the “Orson Welles of low budget pictures” as once called him the leading lady of his early movies (and then girlfriend) Dolores Fuller. His films were once again shown on TV and in 1994 was released Ed Wood aa comedy-drama biopic conceived by writers Scott Alexander and Larry Karaszewski, directed by Tim Burton and starring Johnny Depp an Martin Landau.

Ed Wood (Photo Credit: Wikipedia)

It’s a film about cinema, set in Hollywood and following the life of Ed Wood (Johnny Depp) during the 1950’s from the shooting of his first film, Glen or Glenda the story of a man who likes women as much as wearing their clothes (and underclothes) in which Wood also starred as the protagonist, till the World première of his horror-sci-fi “masterpiece” Plan 9 from Outer Space. It tells about Wood’s attempts to make a name for himself in motion picture, his struggles to raise money to finance his movies, his indestructible optimism, his passion for cross-dressing and the angora sweaters fetishism, his troubled relations with women and his incredible crew made of transvestites, an unlikely psychic (the Amazing Criswell), the sexy TV starlette Vampira, the wrestler Tor Johnson and a bunch of untalented wannabe artists. But above all the film tells about his friendship with Bela Lugosi (Martin Landau), the most famous Count Dracula of all times, who in his last years of life became a regular in early Ed Wood’s movies to pay his bills and his morphine addiction.

The scenes of Ed Wood’s movies ( Glen or Glenda, Bride of the Monster and Plan 9 are those considered) and the very unlikely special effects he used are recreated quite faithfully (the resemblance between Johnny Depp and Ed Wood in Glen or Glenda is amazing) but obviously this movie, like every biopic does, it’s not completely faithful to reality. Surely Ed optimism and enthusiasm are a bit exaggerated (Johnny Depp said that preparing his portrayal he watched several Reagan speeches: the ex President of the United States had thata kind of blind optimism perfect for Ed Wood) and Tim Burton admitted that he was a bit too sympathetic but he had no intention to ridicule someone who had already been ridiculed enough. Probably also the relationship between Ed and Bela Lugosi is embellished, showing the exploitation of Lugosi image made by Wood to try and promote his movies like a mere side effect of true friendship and kind generosity.

Ed Wood as Glenda in “Glen or Glenda” – 1953 (Photo Credit: Wikipedia)

Ed Wood, first released in autumn 1994, was a critical success and Johnny Depp was called for his performance “a certified great actor”. Before it could be shown at the 48th Cannes Film Festival on June 1995, Ed Wood had already won two Academy Awards, one for Best Makeup and hairstyle to Rick Baker and another for Best Supporting Actor to Martin Landau for his great performance as Bela Lugosi. Despite those good premises Ed Wood turned out to be a box office disappointment. The reason why? Difficult to tell, I can only offer my personal experience. I remember I went to the cinema with a distant (in miles) cousin I had to entertain while in town (Why I remember it after so many years? It was practically the last time we were together in the same town…). Johnny Depp in early 1990’s was young and a real sensation , but when my cousin discovered which film I had chosen she said she didn’t like him cause he looked dirty, she added a note on Tim Burton: he looked strange. When the film began, with Criswell emerging from a coffin, she produced a sort of undistinguished noise (a sound I heard again and again). When the film ended she declared it was weird, especially the part when Ed was wearing the angora sweater, and than complained about the lack of colour (I forgot to tell you thisis a black and white movie). Probably my cousin wasn’t exactly a cinephile, probably she would have preferred to watch something else. Probably that year many people preferred to watch something else.

On the contrary, I enjoyed Ed Wood and I think it will please the fans of classic horror movies with their romantic monsters (as Lugosi calls them) or 1950’s sci-fi movies with their space oddities and I’m sure it will stimulate your curiosity about those genres. Anyway, the best way to learn something more about Ed Wood’s movie and to discover if he was in fact the worst director ever and if his movies were really so bad is to watch some of them with your own eyes. If you’re curious I suggest you to start with the list below.

 I almost forgot… if you’re looking for some inspiration for Hallowen, this is your film.

Here are a few Ed Wood movies you could dare to watch (just click on the titles, don’t hesitate):

Glen or Glenda – USA 1953 Directed by: Edward D. Wood Jr. Starring: Bela Lugosi; Daniel Davies (Ed Wood); Dolores Fuller; Lyle Talbot.

Bride of the Monster – USA 1955 Directed by: Edward D. Wood Jr. Starring: Bela Lugosi; Toni McCoy; Loretta King; Tor Johnson.

Plan 9 from Outer Space – USA 1959 Directed by: Edward D. Wood Jr. Starring: Bela Lugosi; Vampira; Lyle Talbot; Tor Jonson; Gregory Walcott; Criswell.

Night of the Ghouls – USA 1959 Directed by: Edward D. Wood Jr. Starring: Kenne Duncan Tor Johnson; Duke Moore; Valda Hansen; Criswell.


Signore e signori… ecco a voi il peggior regista di tutti i tempi!

Chi è il peggiore regista cinematografico di tutti i tempi? Secondo il libro del 1980 The Golden Turkey Award, scritto dal critico Michael Medved insieme al fratello Harry per celebrare il peggio di Hollywood, la risposta è Edward Davis Wood Jr (Ed Wood) sceneggiatore, produttore e regista del famigerato film di fantascienza del 1956 intitolato Plan 9 from Outer Space, a sua volta vincitore nella categoria Peggior Film di Tutti i Tempi. Il poco invidiabile riconoscimento postumo (Wood era morto nel 1978 a soli 54 anni) rinnovò l’interesse intorno alla figura di questo maestro dei film anni ’50 di serie Z, l’Orson Welles dei film a basso costo come lo definì la protagonista dei suoi primi film (ed ex fidanzata) Dolores Fuller. I suoi film furono riscoperti dalla TV e nel 1994 uscì nelle sale americane Ed Wood il film biografico ideato dagli sceneggiatori Scott Alexander e Larry Karaszewski, diretto da Tim Burton ed interpretato da Johnny Depp e Martin Landau.

Edward Davis Wood Jr (Photo credit: Wikipedia)

È un film sul cinema ambientato ad Hollywood che segue la vita di Ed Wood nel corso degli anni ’50, da quando riesce a dirigere il suo primo film, Glen or Glenda la storia di un uomo che ama le donne quanto ama vestirsi come loro di cui Wood fu anche interprete nel ruolo primcipale, fino alla prima del suo “capolavoro” fantascientifico Plan 9 from Outer Space. Racconta dei tentativi di Ed Wood (Johnny Depp) di sfondare nel mondo del cinema, degli espedienti usati per trovare finanziatori per i suoi film, del suo incrollabile ottimismo, della sua passione per gli abiti e l’intimo femminile e dell’ossessione feticista per i maglioncini d’angora, delle sue tormentate relazioni con le donne e del suo incredibile entourage che metteva insieme travestiti, un inverosimile veggente (l’Incredibile Criswell), una starlette della TV (Vampira), un lottatore di wrestling (Tor Johnson) e tutta una serie di improbabili aspiranti artisti senza talento. Ma soprattutto il film racconta dell’amicizia tra Ed e Bela Lugosi (Martin Landau), il più famoso Dracula di tutti i tempi, che nei suoi ultimi anni di vita diventò un interprete regolare dei primi film di Wood per poter pagare i conti e la sua dipendenza dalla morfina.

Le scene dei film di Ed Wood (Glen or Glenda, Bride of the Monster e Plan 9 sono quelli presi in esame) e gli scombinati effetti speciali a basso costo dell’epoca sono ricreati piuttosto fedelmente (la somiglianza tra Johnny Depp e Ed Wood in Glen or Glenda è incredibile), ma questo film come qualsiasi altro film biografico non è completamente fedele alla realtà. Sicuramente l’ottimismo e l’entusiasmo di Ed sono stati un po’ esasperati (Johnny Depp disse che per preparasi alla parte aveva visto diversi discorsi di Ronald Reagan: l’ex Presidente degli Stati Uniti aveva secondo lui quel genere di cieco ottimismo perfetto per Ed Wood). Tim Burton inoltre ammise che era stato un po’ troppo gentile nei confronti di Wood ma disse anche che non aveva nessuna intenzione di ridicolizzare qualcuno che nella sua vita era già stato ridicolizzato abbastanza. Probabilmente anche la relazione tra Ed e Bela Lugosi era stata un po’ “abbellita”, presentando lo sfruttamento dell’immagine di Lugosi fatto da Wood per pubblicizzare in qualche modo i suoi film come una sorta di effetto collaterale del suo affetto e della sua generosità verso l’amico.

Johnny Depp in early 1990’s (Photo credit: Wikipedia)

Ed Wood, arrivato nelle sale statunitensi nell’autunno del 1994, piacque molto alla critica e Johnny Depp, fu definito per la sua interpretazione “un grande attore certificato”. Prima che fosse presentato in concorso al 48° Festival di Cannes nel maggio del 1995, Ed Wood aveva già vinto due Oscar, uno per il Miglior Trucco a Rick Baker)ed un altro per il Migliore Attore non protagonista a martin Landau per il suo straordinario ritratto di Bela Lugosi.

Nonostante queste premesse positive Ed Wood si rivelò un discreto fiasco commeciale. Perché? Difficile a dirsi. Io posso solo offrirvi la mia personale esperienza. Ricordo di essere andata al cinema a vedere questo film con una mia lontana (in chilometri) cugina che dovevo intrattenere mentre si trovava in città (lo ricordo bene dopo tanti anni perché è stata praticamente l’ultima volta che ci siamo viste “dal vivo”…). Johnny Depp all’epoca non era solo giovane, era anche uno degli attori preferiti dalle ragazzine, comunque quando mia cugina scoprì quale film avessi scelto, esordì dicendo che non le piaceva perché aveva un aria sporca. Aggiunse un commento su Tim Burton: era strambo. Quando il film iniziò, con la scena in cui Criswell emerge da una cassa da morto, lei produsse una specie di rantolo (suono che ascoltai ancora ed ancora). Quando il film finì, dichiarò che era molto strano, specie la parte in cui Ed indossava il maglioncino di angora e si lamentò per la mancanza di colore (dimenticavo di dirvi che il film è in bianco e nero). Mia cugina non è una cinefila e probabilmente avrebbe preferito vedere un altro film. Probabilmente quell’anno molte persone hanno semplicemente preferito vedere altri film.

Invece a me Ed Wood è piaciuto e credo che piacerà ai fan dei classici dell’horror con i loro mostri romantici (come li definiva Lugosi) e anche ai fan dei film di fantascienza anni ’50 con le loro stramberie spaziali. Sono certa che stimolerà la vostra curiosità riguardo a questi generi. Comunque il modo migliore per sapere qualcosa di più su Ed Wood e per scoprire se lui era davvero il peggior regista di sempre e se i suoi film sono davvero tanto brutti è vederli con i vostri occhi. Se capite l’inglese (ma vi assicuro che i dialoghi non sono il pezzo forte, quindi questo potrebbe essere un problema relativo) vi suggerisco di iniziare con i film dell’elenco qui sotto.

Ecco alcuni film che potreste avere il coraggio di vedere (cliccate sul titolo senza esitare): 

Glen or Glenda (Due vite in una) – USA 1953 Diretto da: Edward D. Wood Jr. Con: Bela Lugosi; Daniel Davies (Ed Wood); Dolores Fuller; Lyle Talbot.

La sposa del mostro – USA 1955 Diretto da: Edward D. Wood Jr. Con: Bela Lugosi; Toni McCoy; Loretta King; Tor Johnson.

Plan 9 from Outer Space – USA 1959 Diretto da: Edward D. Wood Jr. Con: Bela Lugosi; Vampira; Lyle Talbot; Tor Jonson; Gregory Walcott; Criswell.

La notte degli spettri – USA 1959 Diretto da: Edward D. Wood Jr. Con: Kenne Duncan Tor Johnson; Duke Moore; Valda Hansen; Criswell.


The end of the world!!

“It’s the end of the world as we know it

and I feel fine”


From the song: It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine) – 1987

I must confess it: I was struck dumb. Well, in fact lately there was something in the air…

“Our Country hinges upon traditional family, but more than that it hinges upon love, respect and dignity” this way MrB(erlusconi) announced that his party has prepared a bill for a new law on civil partnerships similar to the German law allowing registered life partnerships for same-sex couples. He also shockingly revealed that Forza Italia, his party, has always been a guarantor of civil rights.

But he said even more than this. In fact MrB also talked about migrant children citizenship right, saying that to grant them the Italian citizenship it’s “right and proper, especially when they have completed a course of study that allows them to learn our language and know our history”. Wow!! Great!!

Finally someone who’s so brave and determined to say those things and to defy the traditional family’s sentinels and the racists too. Finally MrB lent to the youngest Prime Minister in the Italian history his helping hand to realize those reforms that will make Italy a normal modern Country… Could you believe it? In the last twenty years I so dreadfully misjudged him, I was so wrong thinking he was allied with ultra-catholics and racists. What’s more, he also offered the youngest Prime Minister etc… the opportunity to realize together the electoral law’s reform and to finally choose those two Judges in the Constitutional Court of Italy apparently so hard to elect…

It’s the end of the world! A wonderful end of the world. I feel fine!

(well,fine… To be true, a little mischievous voice in the back of my mind – surely the poisonous fruit of twenty years spent misjudging the Right and Forza Italia – is spoiling this happy atmosphere whispering: what he wants in exchange for all that?)

“È la fine del mondo come lo conosciamo

e io mi sento bene”


Dalla canzone: It’s the End of the World as We Know It (And I Feel Fine) – 1987

Lo confesso, ci sono rimasta di sasso. Non che non ci fosse già qualcosa nell’aria…

“La famiglia tradizionale è il cardine del nostro Paese, ma ancora di più lo sono l’amore, il rispetto e la dignità” così MrB(erlusconi) ha annunciato che il suo partito ha pronto un progetto di legge per le unioni civili sul modello tedesco, completando il tutto con la scioccante rivelazione che Forza Italia è sempre stata in prima linea sul fronte dei diritti civili e della loro tutela.

E non finisce qui, perché MrB ha parlato pure di diritto alla cittadinanza per i figli degli immigrati “doveroso, soprattutto al termine di un ciclo scolastico di studi che gli consente di parlare la nostra lingua e conoscere la nostra storia”. Wow!! Grande!

Finalmente, qualcuno ha il coraggio di dire queste cose sfidando le sentinelle della famiglia tradizionale e i razzisti. Finalmente MrB offre al giovane Presidente del Consiglio l’appoggio per realizzare quelle riforme che finalmente renderanno l’Italia un normale Paese moderno.. e io che per vent’anni l’avevo mal giudicato credendolo erroneamente alleato a ultracattolici e razzisti di ogni sorta. E poi ha pure l’offerto al più giovane ecc… di lavorare insieme per fare la nuova legge elettorale e anche per sbloccare finalmente l’elezione dei giudici costituzionali…

Roba da fine del mondo! Ma fine del mondo bella. Io mi sento bene!

(ecco, quasi bene… peccato che dal fondo del mio cervello una maliziosa vocina – residuo maligno di tanti anni passati a pensar male della destra e di Forza Italia – rovina tanta letizia sussurrandomi: ma che cosa vorrà in cambio?)

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My weekend movie: Love in the Afternoon (1957)


Love in the Afternoon (Arianna) – USA 1957

Directed by: Billy Wilder.

Starring: Audrey Hepburn; Gary Cooper; Maurice Chevalier.

In Paris everybody does it…

Audrey Hepburn, Gary Cooper, the charming French chansonier Maurice Chevalier, a band of gypsies, Billy Wilder, a naughty plot line and… Paris!. The ingredients for a huge success? Wrong. The elements of a memorable flop? Not exactly. But surely the protagonists of a commercial failure: Love in the afternoon.

Love in the Afternoon poster (Photocredit: Wikioedia)

The film is loosely based on a 1920 novel written by Claude Anet (a pseudonym for the French tennis player and writer Jean Schopfer) and titled Ariane, Juene fille russe, the story of a young Russian girl who falls in love with a Don Juan (an earlier adaptation called Ariane had been filmed in Germany in 1931). But in Love in the Afternoon there are no Russian girls involved, Ariane (Audrey Hepburn) is a Parisian girl, the only daughter of a widower private detective called Claude Chavasse (Maurice Chevalier in his first no-singing role), who falls in love with a mature American Don Juan, a millionaire called Frank Flannagan (the very, very mature Gary Cooper). She’s inexperienced. He’s a master of seduction. She has spent her youth playing cello and reading the saucy stories her father’s archive files tell. He has spent his entire life seducing every sort of woman all around the world and being the protagonist of most of the stories in Monsieur Chavasse archive. They first meet after Ariane, eavesdropping a conversation between her father and a client (their very tiny apartment is also M. Chavasse office), discovers that a jealous husband is planning to kill Flannagan in his hotel room at the Ritz that very night and decides to save him. After her lesson at the conservatoire she rushes to the Ritz and arrives just in time to take the place of the unfaithful wife. Once saved, Flannagan has only one thing in his mind: conquer the intriguing and unusual girl who’s determined not to reveal her name and seems to know too much about his life and habits. When he proposes her another rendez-vous, Arianna offers very feeble resistance and agrees to meet him again the following day, but only in the afternoon. This will be their only encounter in a year cause Flannagan immediately leaves Paris. When he comes back they spend more afternoons together. Ariane plays the femme fatale for her mature Don Juan and, finding inspiration in the stories read in her father’s archive, she manages to let him believe that she has had many other lovers and he’s not so special to her, just one like the others. Ariane wins this way Flannagan’s attention. The unusual situation drives him so mad with jealousy (and makes him so insecure because of the possible comparisons) that he decides it’s time to hire a private detective and discover the identity of his mysterious afternoon companion. Someone recommends him Claude Chavasse…

Audrey Hepburn in Sabrina her first film with Wilder (Photo Credit: Wikipedia)

It was June 1957 when Love in the afternoon, the 15th movie directed by Billy Wilder and the first co-written with I. A.L. Diamond (they will co-write other 10 films included Some like it Hot and The Apartment), was released in America and the critics, liking that movie, quite enthusiastically compared Wilder to Ernst Lubitsch, the never forgotten director with a special touch for sophisticated comedy (Bosley Crowther, then New York Time film critic said “In the manner of Lubitsch, Mr. Wilder employs a distinctive style of subtle sophisticated slapstick to give the fizz to his brand of champagne….”).

Love in the Afternoon like many Lubitsch’s film was set in Europe, though not among eccentric true or false aristocrats. To capture the French atmosphere Billy Wilder had managed to film it entirely in Paris (the interiors at the Studio de Boulogne) and, if you speak French, clicking on the following link, you can watch a Wilder itself explaining in an interview the reason for his choice:

Love in the Afternnon also reminds to Lubitsch because of  its moderately naughty plot . Wilder, who had worked with Lubitsch as writer in Bluebeard’s Heighth Wife and Ninotchka and had to face now the 1950’s censorship watchdogs, was so good at avoiding any vulgarity or any explicitly sinful situation that to try and understand what really happens at the Ritz during those afternoons we have to make treasure of the only scene when Ariane before leaving searches the room for a missing shoe (therefore, probably, at some point she undressed…) and decode it using our mischievous fantasy. For that reason the critics in Europe called Love in The Afternoon a love movie without love, but the Hollywood censorship found it scandalous enough to threaten a C rating, for “Condemned”. To grant the picture a B rating (morally objectionable in part) Wilder had to add to the American version’s ending  a voice-over narration by Chevalier/Chavasse stating that the two lovers finally married (in the Italian dubbed version there’s only music, we are allowed to use our fantasy).

But why Love in the Afternoon was only the 68th movie at the American box office in 1957?

Gary Cooper in his heydays (Photo credit: Wikipedia)

The majority of people seem to agree that this was all Gary Cooper’s fault. Billy Wilder, who (as already happened for Sabrina) at first had offered the mature Don Juan role to Cary Grant (who once again refused the offer), finally cast Gary Cooper cause they got on so well with each other that he thought Cooper could be good company while in France. The trouble was that Gary Cooper, who was 55 (after all only a couple of years older than George Clooney today), hadn’t aged graciously, looking at him was hard to recognize the handsome guy he used to be in 1930’s and 1940’s pictures, he looked older than his age. Even if Wilder often shot him in shadow, the comparison with the then 27-year old Audrey Hepburn, so thinner than ever (and, in some crucial scene, wearing her hair in bunches like a kid… ) to look like a real innocent teenager, ended to make him look too old to play the serial womanizer.

Anyway, the comedy is funny and in it you’ll find at least a couple of bright ideas. First, the Band of Gypsies helping Flannagan, when in Paris, in his seductions and following him everywhere (even when he takes a sauna…) and then the scene starting with Ariane dictating to Flannagan’s Dictaphone the list of her lovers and ending with Flannagan who listens to it at first amused, then irritated, then again enraged and in the end downhearted and desperately drunk (while the gipsies still play their tunes)… Enough to make every film memorable.

Whether you’ll find Cooper too old or not (believe me after so many years of elegant dinners’s reports he seems quite youthful…), this is a film you will enjoy.

A few free-associated movies you could also like (click onthe title to watch a clip or the trailer):

The Major and the Minor – USA 1942 Directed by: Billy Wilder. Starring: Ray Milland; Ginger Rogers.

Sabrina – USA 1954 Directed by: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humprey Bogart.

Lolita – USA 1962 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: James Mason; Sue Lion; Shelley Winters; Peter Sellers.

Four Weddings and a Funeral – UK 1994 Directed by: Mike Newell. Starring: Hugh Grant; Andie McDowell; Kristin Scott Thomas; John Hannah; Simon Callow.

An Education – UK/USA 2009 Directed by: Lone Scherfig. Starring: Carrie Muligan; Peter Sarsgaard; Alfred Molina; Olivia Williams.

Tamara Drewe – UK 2010 Directed by: Steven Frears. Starring: Gemma Arterton; Roger Allam; Dominic Cooper; Luke Evans.

A Parigi lo fanno tutti…

Audrey Hepburn, Gary Cooper, l’affascinante chansonier francese Maurice Chevalier, un quartetto tzigano, Billy Wilder, una trama maliziosa e… Parigi! Gli ingredienti di un colossale successo? Sbagliato! Gli elementi di un flop memorabile? Non proprio. Sicuramente i protagonisti di un fiasco commerciale: Arianna.

Il poster francese di Arianna (Photo credit: Wikipedia)

Il film è liberamente tratto dal un romanzo del 1920 scritto da Claude Anet (uno pseudonimo usato dal tennista e scrittore francese Jean Schopfer) e intitolato Ariane, jeune fille russe, la storia di una giovane russa che si innamora di un Dongiovanni (un altro adattamento era stato girato in Germania nel 1931 col titolo Ariane).

Nel film di cui vi parlo oggi però non troverete ragazze russe, Arianna (Audrey Hepburn), la figlia unica del vedovo e detective privato Claude Chavasse (Maurice Chevalier per la prima volta in un ruolo non canterino), è una ragazza parigina che si innamora di un maturo Dongiovanni americano, il milionario Frank Flannagan (il mooolto maturo Gary Cooper). Lei è inesperta, lui è un seduttore seriale. Lei ha passato l’adolescenza suonando il violoncello e leggendo avidamente le storie contenute nei fascicoli chiusi nell’archivio del padre. Lui ha trascorso tutta la vita seducendo ogni genere di donna intorno al mondo e spesso è stato il protagonista delle storie chiuse nell’archivio di Monsieur Chavasse. Il primo incontro avviene dopo che Arianna, origliando una conversazione tra il padre e un cliente (il loro minuscolo appartamento è anche l’ufficio di M. Chavasse), scopre che un marito geloso sta progettando di uccidere Flannagan quella notte stessa nella sua stanza al Ritz e decide di salvarlo. Dopo la sua lezione al conservatorio, Arianna corre al Ritz e arriva giusto in tempo per prendere il posto della moglie infedele. Una volta salvo Flannagan ha una sola cosa in testa: riuscire a sedurre la misteriosa e intrigante ragazza tanto determinata a non dire il suo nome quanto bene informata sulla sua vita e le sue abitudini. Arianna accetta di incontrarlo il pomeriggio seguente, ma quello rimarrà il loro solo incontro nel corso di un anno intero visto che subito dopo Flannagan lascia Parigi. Quando lui torna gli incontri pomeridiani riprendono. Arianna recita per l’attempato Dongiovanni la parte della donna fatale e, prendendo spunto dalle storie lette nell’archivio del padre, riesce a fargli credere che lui in fondo non è niente di speciale per lei, solo uno dei suoi tanti amanti. In questo modo riesce ad ottenere tutta l’attenzione di Flannagan che pazzo di gelosia (e reso insicuro dal confronto con la concorrenza) decide che è giunto il momento di ingaggiare un investigatore privato per scoprire la vera identità della sua compagna del pomeriggio. E qualcuno gli suggerisce il nome di Claude Chavasse…

Era il giugno del 1957 quando negli Stati Uniti uscì Arianna (Love in the afternoon), 15° film diretto da Billy Wilder e primo co-sceneggiato con I.A.L. Diamond (ne seguiranno altri 10 compresi A qualcuno piace caldo e L’appartamento). Il film piacque alla critica americana che non perse l’occasione per paragonare Wilder al mai dimenticato Ernst Lubitsch, il regista che aveva un tocco speciale per la commedia sofisticata e con cui Wilder aveva collaborato come sceneggiatore in L’ottava moglie di Barbablu e Ninotchka (Bosley Crowter, l’allora critico cinematografico del New York Times, scrisse “ Alla maniera di Lubistch, Wilder ha uno stile tutto suo di sottile e sofisticata farsa per far frizzare il suo champagne…”).

Arianna, come molti dei film di Lubitsch, è ambientato in Europa, anche se non più quella di fantasia popolata di veri e falsi aristocratici. Per catturare al meglio l’atmosfera “francese” Billy Wilder aveva deciso di giralo interamente a Parigi (anche gli interni girati negli studi di Boulogne), come lui stesso spiega nell’intervista che potete vedere cliccando sul seguente link (attenzione è in francese):

Billy Wilder (Photo credit: Wikipedia)

La storia poi, sempre come nei film di Lubitsch, è moderatamente piccante e qui Wilder, sicuramente stimolato dalla censura Hollywoodiana degli anni ’50, è talmente bravo ad evitare ogni volgarità ed ogni accenno a situazioni peccaminose che per capire quello che succede tra i due nei lunghi pomeriggi al Ritz bisogna aggrapparsi all’unica scena in cui Arianna prima di andarsene cerca per tutta la stanza una scarpa (allora se si deve rivestire, prima i vestiti se li era tolti!) ed elaborare il tutto con molta fantasia e malizia. La critica europea, a questo proposito molto meno entusiasta di quella americana, descrisse Arianna come un film d’amore senza amore, ma alla censura americana gli sforzi di Wilder dovettero sembrare insufficienti visto che per evitare che il film fosse classificato con una C (cioè “condemned” proibito) ed ottenere invece una B (cioè moralmente opinabile in alcune parti) in America fu costretto ad aggiungere sul finale la voce narrante di Maurice Chevalier che rassicurava il pubblico delle avvenute nozze tra i due amanti (nella versione italiana niente voce narrante, c’è solo la musica e possiamo immaginare quello che ci pare).

Ma come mai Arianna fu appena 68° nella classifica dei campioni d’incasso americani del 1957? L’opinione più diffusa è che la colpa del mancato successo commerciale del film sia di Gary Cooper. Wilder, che (come già aveva fatto per Sabrina) aveva offerto in prima battuta il ruolo del maturo seduttore a Cary Grant (che però ancora una volta aveva rifiutato), aveva scelto Cooper perché andavano d’accordo e pensava sarebbe stato una compagnia piacevole durante il soggiorno a Parigi. Il problema però era che Gary Cooper, che aveva 55 anni (in fondo solo un paio d’anni di più di quanti ne ha oggi George Clooney…) era invecchiato male, era difficile riconoscere in lui il bel ragazzo dei film degli anni ’30 e ’40, sembrava più vecchio della sua età. Anche se Wilder aveva avuto l’accortezza di filmarlo quasi sempre in penombra o in campo lungo, vicino all’allora 27enne Audrey Hepburn, che più piatta e magra che mai (ed in alcune scene persino con le codine) sembrava davvero un’innocente ragazzina, finiva col sembrare davvero troppo vecchio per la parte del seduttore seriale.

La commedia però è divertente e contiene almeno un paio di trovate brillanti: innanzitutto il gruppo di violinisti Tzigani che a Parigi fa da spalla a Flannagan durante i suoi “incontri” e che lo segue ovunque come un ombra (persino nella sauna) e poi la scena che inizia con Arianna che registra sul dittafono di Flannagan l’elenco dei suoi amanti e prosegue con lui che lo ascolta prima divertito, poi indispettito, poi ancora arrabbiato e infine abbattuto e disperatamente ubriaco (mentre gli tzigani continuano a suonare)… Abbastanza da rendere qualsiasi film memorabile. Sia che troviate Gary Cooper troppo vecchio oppure no (del resto dopo anni di cronache di cene eleganti sembra quasi un romantico ragazzino in gran forma…), questo è un film che non vi deluderà.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Frutto Proibito – USA 1942 Diretto da: Billy Wilder. Con: Ray Milland; Ginger Rogers.

Sabrina – USA 1954 Diretto da: Billy Wilder. Con: Audrey Hepburn; William Holden; Humprey Bogart.

Lolita – USA 1962 Diretto da: Stanley Kubrick. Con: James Mason; Sue Lion; Shelley Winters; Peter Sellers.

Quattro matrimoni e un funerale – UK 1994 Diretto da: Mike Newell. Con: Hugh Grant; Andie McDowell; Kristin Scott Thomas; John Hannah; Simon Callow.

An Education – UK/USA 2009 Diretto da: Lone Scherfig. Con: Carrie Muligan; Peter Sarsgaard; Alfred Molina; Olivia Williams.

Tamara Drewe-Tradimenti all’inglese – UK 2010 Diretto da: Steven Frears. Con: Gemma Arterton; Roger Allam; Dominic Cooper; Luke Evans.


“Just one more tiny favour…”

Simon Dermott

From: How to steal a million – 1966

These days in Italy:

heavy rain caused floods in Northern and Central Italy (and while the so called “mud’s angels”, the young and less young volunteers, were shovelling the mud @matteorenzi betrayed for once twitter to write on Facebook, cause 140 character ain’t enough to reassure us that his reforms will save us from the Flood too…); the Unions are organizing protests against the Jobs Act; it has been announced the government budget 2014 that probably will not save Italy but almost surely will lower the chances of survival for the health care system, the public transport system, the welfare system…; in Milan took place the Asia-Europe Summit; the hysteria over the Ebola danger is rising not to mention the concern for the eastern wars…

Knowing this, it’s quite clear the reason why nobody seemed very interested when the appeal court in Milan announced the reasons why last July MrB(erlusconi) was acquitted of the charges against him (child prostitution and abuse of office) in the so called Rubygate trial. And it’s a pity because this sentence is quite interesting. First, it seems clear the fact that MrB paid for sex with young Ruby but seeing that he apparently didn’t know the girl’s real age, he can’t be accuse of child prostitution and therefore the fact is not a crime. Then, it’s also quite sure that on May 2010, when he was the Italian Prime Minister, MrB, once informed that the young girl had been arrested in Milan accused of stealing, personally called the officer in charge at the police headquarters to arrange her release (he said she was the niece of former Egyptian leader Mubarak), but there’s no evidence that to obtain this he threatened some way the official. If something not perfectly legal happened, it happened because of the official’s excessive zeal. If you are the Prime Minister and you ask someone, maybe a public official (who perhaps is also particularly impressionable…), to do you a “favour” and this person decides to do you that favour, there’s nothing wrong with it, this is not a crime. Good to know…

Anyway today, judge Enrico Tranfa, one of the three judges who had to take a decision on MrB’s appeal, announced he’s going to resign leaving the magistracy…


“Solo un ultimo, piccolo favore…”

Simon Dermott

Da: Come rubare un milione di dollari e vivere felici – 1966

In questi giorni è successo: piogge monsoniche hanno provocato alluvioni a macchia di leopardo nel nord e centro Italia (e la protezione civile è stata “salvata” dagli “angeli del fango”, mentre @matteorenzi per una volta ha mollato Twitter in favore di Facebook, perché 140 caratteri non bastano per dire che le sue riforme ci salveranno pure dal diluvio universale…); si parla di scioperi contro il Jobs act; è stata presentata la legge di stabilità che se non salverà la nostra povera Italia quasi certamente tramortirà la sanità pubblica, i trasporti, i servizi sociali…; si è tenuto a Milano il vertice Euroasiatico; la paura per l’Ebola aumenta senza contare i timori per le guerre sul fronte orientale…

È quindi più che naturale che il fatto che siano state rese note le motivazioni della sentenza d’appello del cosiddetto Rubygate che ha assolto MrB(erlusconi) dall’accusa di prostituzione minorile e concussione non abbia suscitato grande clamore. Eppure in quella sentenza si dicono un paio di cose interessanti. Pare sia vero che ad Arcore tra la giovane Ruby e MrB ci siano stati dei rapporti a pagamento, ma MrB non era (così pare) a conoscenza della vera età della ragazza, quindi cade l’accusa di prostituzione minorile. È poi certo che nel maggio 2010 MrB, allora Presidente del Consiglio, una volta avvisato del fatto che la giovane era trattenuta in Questura a Milano con l’accusa di furto sia intervenuto personalmente chiamando al telefono il capo di gabinetto della Questura per fare rilasciare la ragazza (“nipote di Munbarak”), ma si deve escludere che per ottenere lo scopo MrB lo abbia in qualche modo minacciato. Se qualcosa di poco cristallino è avvenuto, è avvenuto a causa di un eccesso di zelo da parte del funzionario. Quindi, se da Presidente del Consiglio in carica chiedi un “favore” a un tuo sottoposto e quello (che magari per ragioni tutte sue si fa impressionare dalla tua carica) decide di fartelo, questo non è un reato. Buono a sapersi.

Comunque oggi il giudice Enrico Tranfa, presidente del collegio d’Appello alla seconda sezione del Tribunale di Milano, quella che ha giudicato MrB, si è dimesso dalla magistratura…

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My weekend movie: Pygmalion (1938)

Pygmalion 1938

Pygmalion (Pigmalione) – UK 1938

Directed by: Anthony Asquith; Leslie Howard.

Starring: Leslie Howard, Wendy Hiller; Wilfrid Lawson; Marie Lohr; Scott Sunderland.

That’s an extreme make over!!!

Almost certainly you’ve noticed it, it’s Nobel Prize season and this week the Nobel Prize Academy announced the names of 2014 recipients. As announced on Thursday, this year Nobel Prize for Literature went to French author Patrick Modiano, a novelist who also sporadically worked as a screenwriter. Well, back in time there’s another Nobel Prize for Literature recipient who, not only (quite unwillingly) gave his contribute to cinema, but also won an Academy Award for this: George Bernard Shaw. The film I’m going to tell you about this week is the one that made of him the only writer who ever won both Nobel and Oscar. I’m talking about Pygmalion, the 1938 picture directed by Anthony Asquith and Leslie Howard who also starred in it along with Wendy Hiller, a delightful silver screen adaptation of 1913 George Bernard Shaw’s theatre play.

Leslie Howard as Henry Higgins in Pygmalion (Photo Credit: Wikipedia)

Probably you know more or less the story not only because it’s a modern transposition of the ancient legend of Pygmalion, the sculptor who fell in love with one of his sculptures (Galatea he called her) which then came to life, but also because this story has been brought to the silver screen many times, in many adaptations and variations from hard core pornography to teenage movies, not forgetting the famous stage and screen musical My Fair Lady.

This 1938 adaptations of the comedy that pokes fun at British class system, portraying the upper class in all its superficiality, is perhaps one of the most faithful and it’s set, like the original play,  London. There, phonetic professor Henry Higgins, an arrogant, self-centred confirmed bachelor, bets with his friend Colonel Pickering, who shares his passion for phonetics, that he will be able to train cockney flower girl Eliza Dolittle’s so that, thanks to the study of etiquette and, above all, a perfect English pronunciation, she could pass for a Duchess at an Ambassador garden party. Higgins obviously wins the bet and for a night a bunch of snobbish nobs takes Eliza for a Princess but then, once come to life like Galatea, the girl claims her independence…

Wendy Hiller as Eliza (Photo Credit: Wikipedia)

George Bernard Shaw was quite reluctant at the idea to allow the adaptation of his plays into movies at least until Hungarian producer Gabriel Pascal directly approached him for Pygmalion’s film rights. Probably Shaw changed his mind because with a British production Pascal offered him the opportunity to exercise a strict control over this silver screen version of his creature. The task to write the screenplay was given to British screenwriters William Lipscomb (Les Miserables, A Tale of Two Cities, The Garden of Allah…) and Cecil Lewis but the new scenes and dialogue needed (for instance the scene at the Ambassador ball happening off scene in the stage version) were written by Shaw himself.

Shaw also chose the female lead, Wendy Hiller, who had already appeared in a stage production of Pygmalion, but he had to accept a compromise for Henry Higgins. His first choice was Charles Laughton and not Leslie Howard, cause he disliked his “matinée idol” appeal, so familiar to West End and Broadway audiences, not to mention cinema goers. Shaw feared his presence could make the story a bit too romantic, and he was not completely wrong seeing the (almost)sugary film ending differing from the original play and showing Eliza, who after achieving her emancipation and deserting Higgins, comes back voluntarily. Anyway Leslie Howard, who also co-directed the film along with Anthony Asquith, proved to be a good and funny Professor Higgins winning the Volpi Cup as best actor at the 6th Venice Film Festival.

The movie itself became a great success on both sides of the Atlantic, received Academy Awards nomination for Best Picture, Best Actor (Leslie Howard) and Best Actress (Wendy Hiller) and, obviously, won the Oscar for Writing (adapted screenplay). About this “honour” Shaw, who was a famous and celebrated author (he won the Nobel in 1925) in his eighties, said: “It’s an insult for them to offer me any honour, as if they had never heard of me before – and it’s very likely they never have. They might as well send some honour to George for being King of England.”

Pygmalion despite the ending, which is its only fault, remains a delightful movie you should watch again. The good news is that you can easily find it online and that it’s also available for free download at the Internet Archive (click HERE).

Now you have no excuses.

A few free-associated movies you could also like (click on the titles to watch aclip or the trailer):

Stage Door – USA 1937 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Katharine Hepburn; Ginger Rogers; Gail Patrick; Adolphe Menjou; Andrea Leeds; Lucille Ball; Eve Arden.

Now, Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Born Yesterday – USA 1950 Directed by: George Cukor. Starring: Judy Holliday; William Holden; Broderick Crawford.

Sabrina – USA 1954 Directed by: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humphrey Bogart.

Anastasia – USA 1956 Directed by: Anatole Litvak. Starring: Ingrid Bergman; Yul Brinner; Helen Hayes.

Vertigo – USA 1958 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

My Fair Lady – USA 1964 Directed by: George Cukor. Starring: Audrey Hepburn; Rex Harrison; Stanley Holloway; Gladis Cooper.

Pretty Woman – USA 1990 Directed by: Garry Marshall. Starring: Julia Roberts; Richard Gere; Ralph Bellamy; Laura San Giacomo.


Questa si che è una trasformazione estrema!!!

Quasi certamente l’avrete notato, siamo nel pieno della stagione dei Nobel e in questi giorni l’Accademia Reale di Svezia ha annunciato i nomi dei vincitori dei Premi 2014. Come annunciato giovedì, il Premio Nobel per la letteratura è andato quest’anno all’autore francese Patrick Modiano, romanziere sporadicamente prestato al cinema. Scavando a ritroso nel tempo possiamo trovare un altro vincitore del Premio Nobel per la Letteratura che, non solo ha (piuttosto controvoglia) collaborato con il mondo del cinema, ma ha pure vinto per questo un Oscar: George Bernard Shaw. Il film di cui vi parlerò questa settimana è proprio quello che lo rese l’unico scrittore ad aver mai vinto sia un Nobel che un Oscar:. Si tratta di Pigmalione, il film del 1938 diretto da Anthony Asquith e Leslie Howard ed interpretato dallo stesso Howard e da Wendy Hiller, un delizioso adattamento cinematografico dell’omonima commedia teatrale di Shaw del 1913.

Eliza (Photo credit: Wikipedia)

Probabilmente conoscete già la storia non solo perché è una trasposizione in chiave moderna dell’antica leggenda di Pigmalione, lo scultore che si innamorò di una sua statua (Galatea l’aveva chiamata) che poi si trasformò in una donna reale, ma anche perché è stata portata sullo schermo molte volte ed in molte varianti che hanno toccato quasi tutti i generi cinematografici, dalla pornografia ai film per adolescenti, senza dimenticare il famoso musical teatrale e cinematografico My Fair Lady.

Questa versione del 1938 è forse l’adattamento più fedele della commedia che si fa beffe del rigido classismo inglese ritraendo la classe dominante in tutta la sua superficialità. Come l’opera originale è ambientata a Londra  dove il professore di fonetica Henry Higgins, un arrogante scapolone che pensa che il mondo ruoti intorno a lui e ai suoi studi, ha scommesso con il Colonnello Pickering, un amico che condivide la sua passione per la fonetica, che riuscirà a far passare la popolana Eliza Dolittle, di professione fioraia, per una Duchessa al Ballo di un Ambasciatore, insegnandole l’etichetta ma, soprattutto, l’arte di parlare l’inglese con l’accento raffinato delle classi più elevate. Higgins, naturalmente, vince la scommessa e per una sera dei nobili molto snob scambiano Eliza addirittura per una Principessa ma poi la ragazza, che come Galatea ha preso coscienza di sé, decide di reclamare la sua indipendenza…

George Bernard Shaw era sempre stato piuttosto riluttante all’idea di permettere l’adattamento cinematografico dei suoi lavori, almeno fino a quando il produttore ungherese Gabriel Pascal lo contattò direttamente per assicurarsi i diritti cinematografici di Pigmalione. Probabilmente Shaw cambiò idea perché, con una produzione Inglese, Pascal gli offriva l’opportunità di esercitare uno stretto controllo sulla versione cinematografica della sua creatura. Il compito di scrivere la sceneggiatura fu affidato agli inglesi William Lipscomb (Il sergente di fero; Le Due Città; Il giardino di Allah…) e Cecil Lewis, ma quando fu necessario aggiungere delle nuove scene e dei nuovi dialoghi (ad esmpio la scena del ballo che nella versione teatrale era assente) fu lo stesso Shaw a scriverli.

George Bernard Shaw in 1936 (Photo credit: Wikipedia)

Lo scrittore scelse anche la protagonista femminile, Wendy Hiller, che era già apparsa in una produzione teatrale di Pigmalione (nella sua lunga carriera durata quasi 60 anni la Hiller è stata soprattutto un’attrice di teatro), ma fu costretto ad accettare un compromesso quando si trattò di scegliere l’attore che avrebbe interpretato il Professor Higgins. La sua prima scelta infatti era Charles Laughton e non Leslie Howard, di cui non apprezzava la fama da idolo del pubblico femminile che l’aveva reso un nome ed un volto familiare al pubblico del West End Londinese e di Broadway senza contare gli appassionati di cinema sparsi per il mondo. Shaw temevainfatti  che la sua presenza avrebbe reso il film un po’ troppo romantico ed i suoi  timori si rivelarono non del tutto infondati visto che il finale del film è (quasi)zuccheroso e diverso dall’originale e mostra Eliza che, dopo essersi dichiarata emancipata e aver abbandonato Higgins lasciandolo solo e abbacchiato torna, volontariamente, sui suoi passi. Comunque Leslie Howard, che oltre a recitare nel film lo co-diresse insieme ad Antony Asquith, si rivelò un ottimo e divertente Professor Higgins vincendo la Coppa Volpi come miglior Attore alla 6a Mostra Internazionale di Arte Cinematografica di Venezia.

Il film ebbe un grande successo su entrambe le sponde dell’Atlantico, ricevette le nomination all’Oscar nelle categorie Miglior Film, Miglior Attore (Leslie Howard) e Migliore Attrice (Wendy Hiller) ed ovviamente vinse quello per la Migliore Sceneggiatura non originale, un “onore” così accolto dall’ormai ultraottantenne e celebrato (il Nobel risaliva al 1925) George Bernard Shaw: “È insultante per loro farmi questo onore, come se non avessero mai sentito parlare di me prima d’ora – cosa peraltro molto probabile. Potrebbero anche inviare un premio a George per essere il Re d’Inghilterra”.

Pigmalione nonostante il finale, che è la sua unica e vera pecca, rimane ancora oggi un film delizioso che dovreste vedere. La buona notizia (se capite bene l’inglese) è che lo potete facilmente trovare online e lo potete pure scaricare gratis dal sito Internet Archive (cliccate QUI).

Ora non avete scuse.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero persino piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Palcoscenico – USA 1937 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Katharine Hepburn; Ginger Rogers; Gail Patrick; Adolphe Menjou; Andrea Leeds; Lucille Ball; Eve Arden.

Perdutamente tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Nata Ieri – USA 1950 Diretto da: George Cukor. Starring: Judy Holliday; William Holden; Broderick Crawford.

Sabrina – USA 1954 Diretto da: Billy Wilder. Starring: Audrey Hepburn; William Holden; Humphrey Bogart.

Anastasia – USA 1956 Diretto da: Anatole Litvak. Starring: Ingrid Bergman; Yul Brinner; Helen Hayes.

La donna che visse due volte – USA 1958 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

My Fair Lady – USA 1964 Diretto da: George Cukor. Starring: Audrey Hepburn; Rex Harrison; Stanley Holloway; Gladis Cooper.

Pretty Woman – USA 1990 Diretto da: Garry Marshall. Starring: Julia Roberts; Richard Gere; Ralph Bellamy; Laura San Giacomo.


“One small step for a man,

one giant leap for mankind.”

Neil Armstrong

July 20, 1969

@matteorenzi (the youngest Prime minister….) is right: Italian citizens are sick and tired of those silly games! It’s time to put aside the old rites: who cares of parliamentary debates when a confidence motion is the only thing needed to approve a new bill (every sort of bill). No need to squander time. Take for instance the Jobs Act, the labour market reform enraging CGIL, the most important Italian Union, and so liked by the Right, the Italian Employer’s Federation and Frau Merkel. The Unions have been silenced in an hour or so, the opposition defeated while Democratic Party (@matteorenzi’s party) dissidents practically annihilated. #passodopopasso #italiariparte (which means #stepbystep #italyrestarts, as @matteorenzi twittered). Well, now the only other thing needed is a revolution in @matteorenzi’s party itself. Clearly in it there’s very little leftist left, but there’s a problem with the name: Democratic Party. Even a child would understand this, above all Democratic, but also Party, are old words, they doesn’t mean nothing today, nobody cares for them… Mmmm… Forza Italia has already been used, but something so evocative is needed…

Found! #matteoalé ( #longlivematteo); simple, direct and easy to twitter!

“Un piccolo passo per un uomo,

ma un balzo da gigante per l’umanità.”

Neil Armstrong

20 Luglio 1969

@matteorenzi ha ragione: i cittadini sono stufi di assistere a ‘ste sceneggiate! È ora di finirla con i vecchi riti: ma chi se ne importa dei dibattiti parlamentari quando basta mettere la fiducia e si riesce a far passare qualsiasi (o proprio qualsiasi!) provvedimento senza inutili perdite di tempo. Visto cos’è successo col Jobs Act, la riforma del mercato del lavoro che fa arrabbiare la CGIL e tanto piace alla destra, agli industriali e a Frau Merkel? Sindacati zittiti in un’oretta, opposizioni sbaragliate, dissidenti del PD praticamente annichiliti. #passodopopasso #italiariparte. Ora ci vorrebbe una rivoluzione anche nel partito di @matteorenzi. La distanza dalla sinistra ormai è presa una volta per tutte, resta il problema del nome: Partito Democratico. Lo capirebbe anche un bambino, Partito e soprattutto Democratico sono parole vecchie che non vogliono dire più niente e non interessano più a nessuno….mmmm Forza Italia no, già sfruttato, bisognerebbe però trovare qualcosa di altrettanto evocativo…

Trovato! #matteoalè: semplice, diretto e facile da cinguettare!

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My weekend movie: Blonde Venus (1932)

Blonde Venus 1932Blonde Venus (Venere Bionda) – USA 1932

Directed by: Josef von Sternberg.

Starring: Marlene Dietrich; Herbert Marshall; Cary Grant.

Venus is a mother and has a heart of gold

“It is regrettable that Miss Dietrich, Mr. Marshall and others should have been called upon to appear in such a vehicle.” This is one of the most merciful remarks Mordaunt Hall, the first regularly assigned motion picture critic for The New York Times (from1924 to 1934) could make about Blonde Venus when, in September 1932, he wrote his review of the new Josef von Sternberg’s film just released in American theatres. Though saving the actors performances (Cary Grant, the other male lead, is mentioned by Hall to say he was worthy a better role), he also called the film “a muddled, unimaginative and generally hapless piece of work”, judged the scenes “unedifying, without(…) a common sense idea of psychology” and “any attempt at levity (…) silly”.

Blonde Venus

Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Well, I must be sincere: there’s little to argue against this. Blonde Venus ain’t in fact particularly original and probably, especially if you resemble me a little and have a heart of stone while a child on the silver screen is enough to cause you nettlerush, you’ll find this movie more funny than weepy.

But, first of all, what are we talking about?

Blonde Venus is essentially a one-woman show: the one and only protagonist is Marlene Dietrich. Herbert Marshall and, above all, Cary Grant are just mere, though very charming, straight men. In her fifth film in a row (the fourth in Hollywood for Paramount, there will be two more) with Josef von Sternberg, the man who practically invented her cinematic persona, Marlene Dietrich plays one of the many variation of her typical character: the femme fatale who, after crossing the Atlantic and then travelling to Hollywood, has found a slender figure and a heart of gold but disguises it beneath an elaborate makeup and glamorous outfits.

Here Marlene is Helen a German cabaret singer who, while swimming completely naked in a pond with girl friends (also naked, ça va sans dire, it was a must in pre-code Hollywood movies), meets the American student Ned Faraday, an unlikely Herbert Marshall disguised under a cap, who immediately tries to seduce the seducing swimming Venus. Believe it or not he succeeds and in the following scene Helen is in New York bathing the fruit of their sanctified and registered love (yes they are married, cause it’s a pre-code film but…). A very edifying scene but…alas, Ned discovers he’s very ill cause his work as chemist exposed him to radio poisoning, a deadly disease that will kill him in a few months if not expensively and experimentally cured in Europe. Well, what a former cabaret singer turned into a full time mom and housewife good at embroidery could do to save her beloved husband? Naturally, a glorious comeback!

Even at the start of her film career, Dietrich...

Marlene Dietrich (Photo credit: Wikipedia)

And guess who’s there to watch her in her debut night? But, obviously, her Fairy Godmother who’s not short, fat and nuts but billionaire, dark, tall, handsome (and Cary Grant…), a guy called Nick Townsend (by the way, if out there there’s some dark, tall, handsome and millionaire Fairy Godmother left… well, here I’m!). He immediately offers his help but, to provide the magic pumpkin to save Ned’s life, he wants something in exchange (and you know what he wants, though nobody mentions it…). Helen considers the offer for a (little) while only to decide in the end that her beloved husband’s life is worth the sacrifice (and what a sacrifice…) and obtains this way the sum to send him to Europe. The trouble is that while Ned’s away, a sacrifice today, a sacrifice tomorrow (the cure takes time and money…), Helen develops a taste for the company of the sexiest Fairy Godmother ever and when, poor thing, the cure turns out to be effective the real sacrifice is to spontaneously decide to go back to her old life, while the Fairy Godmother has to console himself going to Europe. But, alas, Ned comes back a day earlier (never trust ocean liners!), finds out the truth and decides, careless of all sacrifices Helen made, to leave her immediately. Helen pretends to accept to give him their child custody only to have time to take the little brat whit her and run away. And here is when Helen’s story becomes a real odyssey. Alone with her child and chased by police, Helen goes from town to town starting with works in nightclubs every time a little more shady and ending by becoming a professional “street walker”, till she decides she has had enough and to save at least the little brat she sends him back to his father. But this is a film and this is just the beginning of her raise. Don’t ask me how, but completely broke as she is, Helen manages to go to Europe and in a wink of an eye she becomes a cabaret star, then quite obviously she meets once more her Fairy Godmother and with him she returns to America to get married and, at least, meet once again her little child. But once in the same continent, Country, city and room with Ned and the brat, she decides to stay with them. The End.

Josef von Sternberg

Josef von Sternberg (Photo credit: Wikipedia)

After this very exhaustive résumé, you’ll easily understand that the story, though Helen never thinks she has to feel guilty for something and is always the real master of her destiny, is a bit obvious (you’ll find tonnes of movies made in the same period telling more or less the same story), there are gaps in the plot (but probably the real cause for this were continuous clashes between Josef von Sternberg and producer B.P. Schulberg, not to mention the extensive screenplay rewriting because of the fear of possible censors interferences) and an absurd, unlikely ending. Which woman completely sane in mind and body would choose spontaneously to desert a rich millionaire who could help her to legally obtain her child custody to go back to a man who’s a complete shit (pardon my French) and when is afraid to die accepts her money along with her unlikely excuses to explain how she got it and once cured  reduces her in misery and separates her from her child?

Anyway, Blonde Venus will give you the opportunity to watch the young Archibald Leach engrossed with his mission to turn himself into Cary Grant and will prove you that the coolest movie star ever was not discovered by Mae West as she loved to tell around (She done him wrong, their first film together was made a year after Blonde Venus). But you should watch this movie also to admire Marlene Dietrich outfits (the dimensions of dead animals skins round her neck vary according to Helen’s fortune or misfortune) and what Mordaunt Hall called two or three songs, which are in fact worth watching numbers. Apart from the usual number in drag (Dietrich’s number in drag was like Harpo Marx’s harp number) here you’ll find Marlene singing and dancing Hot Voodoo: at first she goes around disguised in a gorilla costume, then she remains in a more glamorous outfit wearing the most absurd blonde afro wig surrounded by chorus girls wearing what are supposed to be very scanty tribal costumes. Definitely worth watching, but forget modern political correctness and try and think to this as a product of its time. Just the way you have to consider the whole film to appreciate it. Don’t worry it wont take long, and if you won’t take it too seriously, maybe you’ll also be able to find it quite funny.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Blue Angel GER 1930 Directed by: Josef von Sternberg. Starring: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Susan Lenox (Her fall and rise) – USA 1931 Directed by: Robert Z. Leonard. Starring: Greta Garbo; Clark Gables.

Rockabye – USA 1932 Directed by: George Cukor. Starring: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Directed by: Clarence Brown. Starring: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nothing Sacred – USA 1936 Directed by: William A. Wellman. Starring: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Directed by: Bob Fosse. Starring: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.


Venere è mamma e ha un cuore d’oro

“È un peccato che a Marlene Dietrich, Herbert Marshall e altri sia stato chiesto di prendere parte a una cosa simile.” Questa è una delle cose più carine che Mordaunt Hall, il primo critico cinematografico fisso del New York Times (dal 1924 al 1934), riuscì a dire a proposito di Venere Bionda scrivendo, nel settembre del 1932, la recensione del nuovo film di Josef von Sternberg appena arrivato nei cinema americani. Pur salvando gli attori (di Cary Grant, l’altro protagonista maschile, Hall disse che avrebbe meritato un ruolo migliore) e le loro performance, Hall non si limitò a quello: definì il film “confuso, privo di immaginazione e in generale un lavoro infelice”, giudicò le scene come “non edificanti, del tutto prive di un qualsiasi spessore psicologico” e “ogni tentativo di levità (…) sciocco”.

English: Marlene Dietrich in Blonde Venus

Marlene Dietrich singing Hot Voodoo in Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Ebbene, voglio essere del tutto sincera: c’è ben poco da obiettare. Venere Bionda infatti è tutt’altro che originale e probabilmente, specialmente se mi somigliate un po’, avete un cuore di pietra come il mio e i bambini sul grande schermo vi provocano l’orticaria, potreste trovare la storia più divertente che strappalacrime.

Ma, innanzitutto, di cosa siamo parlando?

Venere Bionda è un one-woman show: la vera e unica protagonista è Marlene Dietrich. Herbert Marshall e soprattutto Cary Grant sono solo delle semplici, anche se affascinanti, spalle. Nel suo quinto film consecutivo (il quarto ad Hollywood per la Paramount, ne seguiranno altri due) con Josef von Sternberg, l’uomo che ha praticamente inventato la sua immagine cinematografica, Marlene interpreta una delle infinite varianti del suo tipico personaggio: la femme fatale che, dopo aver attraversato l’Atlantico e aver viaggiato fino ad Hollywood, si è ritrovata con una figura snella e un cuore d’oro ma ben dissimulato sotto un trucco elaborato e degli abiti da favola.

Qui Marlene è Helen una cantante di cabaret tedesca che un bel giorno, mentre se ne sta tutta nuda a fare il bagno con le sue amiche ( nella Hollywood pre-codice Hays era un vero must) in uno stagno in Germania, conosce lo studente Americano Ned Faraday, un improbabile Herbert Marshall nascosto sotto un berretto, che immediatamente cerca di sedurre la seducente venere al bagno. Che ci crediate o no, ha successo e infatti nella scena successiva Helen è a New York intenta a fare il bagno a un moccioso, il frutto dell’amore santificato e certificato tra lei e Ned (si, si sono sposati anche se il codice Hays non aveva ancora stretto le sue maglie). Una scena davvero edificante ma… purtroppo Ned scopre di essere molto malato: a causa del suo lavoro di chimico è rimasto avvelenato dal radio e morirà in pochi mesi se non seguirà una costosissima cura sperimentale in Europa.

Herbert Marshall con Miriam Hopkins in un altro film del 1932, Mancia Competente (Photo Credit: Wikipedia)

Ora, cosa potrà mai fare una ex-cantante ormai dedita al suo moccioso, alle faccende domestiche e al ricamo, pur di salvare l’amato consorte? Naturalmente, tornare a calcare le scene! E indovinate un po’ chi incontra la sera del suo debutto? Ma, ovviamente, la sua fata Madrina che, guarda un po’, non è una signora bassa, grassoccia e pazzerella ma un baldo milionario alto, bruno, bello (e Cary Grant…) che di nome fa Nick Townsend (a proposito, se là fuori è rimasto un qualche esemplare di fata madrina siffatto, cioè alto, bruno, bello e magari pure milionario… io sono qui!). Lui si offre subito di aiutarla però, per allestire la zucca che porterà in salvo Ned, vuole qualcosa (e voi ovviamente capite bene cosa, anche se nessuno lo dice apertamente…) in cambio. Helen ci riflette un po’ su, ma poi decide che la salvezza di Ned val bene il sacrificio (e sai che sacrificio…) e ottiene così il necessario per spedire l’amato in Europa. Il problema è che, mentre Ned è lontano, sacrificati oggi e risacrificati domani (che la cura è lunga e costosa), Helen un po’ ci prende gusto a passare il tempo con sto’ pezzo di fata madrina e quando, ahilei, la cura si rivela efficace il sacrificio è decidere di tornare al domestico tran-tran, mentre la fata madrina corre a consolarsi in Europa. Peccato che Ned torni a casa un giorno prima (vatti a fidare dei piroscafi!) e scopra tutto decidendo all’istante, incurante di tutti i sacrifici che lei ha fatto per lui, di mollare la povera Helen. Lei finge di accettare di lasciargli il figlio per tenerlo buono giusto il tempo di prendersi il moccioso e scappare lontano. E qui il film prende la piega di un’autentica odissea. La povera Helen, con bimbo al seguito, passa di città in città prima cantando in locali sempre più malfamati e poi, causa polizia alle calcagna, adescando per strada chi capita (ma è sempre bellissima e truccatissima) fino a quando decide di non poterne più e fa chiamare Ned per salvare almeno il piccolo. Ma questo è un film quindi da questo momento inizia la sua rinascita. Non chiedetemi come, ma da un pidocchioso ricovero, e poverissima (che dà via l’assegno che Ned le ha dato), riesce ad arrivare in Europa, diventa in un battibaleno una stella del varietà, ritrova la fata madrina e torna con lui in America decisa a sposarlo e almeno a rivedere il bambino. Poi però quando si trova nello stesso continente, nello stesso Paese, nella stessa città e soprattutto nella stessa stanza con Ned e il moccioso (che intanto non è cresciuto di un centimetro) decide di restare con loro. Fine.

Cary Grant

Cary Grant

Dopo questo esaustivo riassunto è facile capire che la storia, nonostante la mancanza di sensi di colpa di Helen che appare come la vera padrona del suo destino, è un po’ banale (di film con trame così in quegli anni ne venivano prodotti a bizzeffe), c’è qua e là qualche lacuna nello svolgimento (ma questo è dovuto anche alle liti tra von Sternberg e il produttore B.P. Schulberg oltre che alle molte riscritture della sceneggiatura per timore di possibili censure) e il finale è completamente assurdo. Quale donna sana di mente mollerebbe su due piedi un milionario ricco che la potrebbe anche aiutare a riprendersi legalmente il figlio per rimettersi con uno stronzo (perdonate il francese) che quando ha paura di morire non fa domande su come lei si procura i soldi per curarlo e poi una volta guarito le fa la morale, la riduce alla fame e le porta via il figlio?

A parte il piacere di poter vedere in azione il giovane Archibald Leach intento a trasformarsi in Cary Grant e poter constatare con i propri occhi che l’uomo più affascinante della storia del cinema non è stato scoperto da Mae West come lei amava raccontare (il loro primo film insieme, Lady Lou, fu girato un anno dopo Venere Bionda), vale la pena rivedere questo film anche per le mise sfoggiate da Marlene Dietrich (le dimensioni variabili delle pelli di animali morti intorno al suo collo segnano fortune e sfortune della bella Helen) e per quelle che Mordaunt Hall liquidava come due o tre canzoni cantate da Marlene Dietrich, che invece sono tra le cose migliori del film. Oltre a un numero en travesti (un classico per Marlene, un po’ come il numero con l’arpa per Harpo Marx) c’è la scena in cui canta Hot Voodoo: prima gira tra il pubblico travestita da gorilla e poi si spoglia restando in uno scintillante costume molto più succinto mentre in testa indossa una assurda parrucca afro di color biondo platino per cantare circondata da un coro di ragazze in altrettanto succinti costumi tribali. Vale la pena di vederla, bisogna però dimenticarsi completamente del politically correct e cercare di entrare nello spirito dell’epoca. Che poi è la cosa giusta da fare per godersi il film. In fondo dura poco e se lo guardate senza prendere tutto terribilmente sul serio potreste persino divertirvi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi(cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

L’Angelo Azzurro GER 1930 Diretto da: Josef von Sternberg. Con: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Cortigiana – USA 1931 Diretto da : Robert Z. Leonard. Con: Greta Garbo; Clark Gables.

Labbra Proibite – USA 1932 Diretto da: George Cukor. Con: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Diretto da: Clarence Brown. Con: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nulla sul serio– USA 1936 Diretto da: William A. Wellman. Con: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Diretto da: Bob Fosse. Con: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.


It seems, and I insist it seems (cause sometimes the truth is a question of points of view), that the new and sparkling Democratic Party (PD, the largest supposed-left party in Italy) led by the Youngest Prime Minister in the Italian history, is having some little problem. It seems, an I want to be clear it seems, that PD registered members are, so far, 400.000 less than they were last year. Rubbish! There’s no point (not to mention how vulgar it will be) in trying and insinuate that this happens because in the new and sparkling PD there’s very little that could remind to a Left party. No need to dramatise the situation, after all the Youngest etc… is making a revolution that will turn our old Italy into a new business-friendly-Country and you can be sure that when finally employers will be able to sack their employees whenever they’ll want with no bounds every businessman on earth will flock to Italy (and if we’ll give them, for instance, the opportunity to own slaves, the legal property of their employees’ children, and the right to decide about their employees life or death, I bet someone will arrive from Mars too…). Our young untameable Leader is only trying to build a new and closer relation with the Italian people (and in fact, when he has to talk to workers he has already decided that the mediation of Unions is completely useless). After all, who cares if his Party counts a few thousands registered members less: on Twitter @matteorenzi has 1.327.262 followers…

*each word means more or less the same thing: something having no importance. Totò, the famous italian comedian, used this expression in different films (WATCH). Pinzillacchere is a word invented by Totò himself .

“Bezzecole, quisquilie..pinzellacchere!”*


Pare, e sottolineo pare (a volte la realtà è questione di visuali più o meno panoramiche), che il PD giovane e frizzante del Presidente più giovane della storia dell’Italia Unita, abbia un piccolo problema di tesseramento. Pare, e sottolineo pare, che al momento i tesserati siano scesi di, più o meno, 400.000 unità. Bazzecole! Inutile (e pure un po’ volgare) insinuare che dipenda dal fatto che di Sinistra nel nuovo PD frizzantino non sia rimasto più niente. Non è il caso di drammatizzare, dopo tutto, impegnato com’è in una rivoluzione che finalmente renderà l’Italia un Paese business-friendly (meglio adeguare il vocabolario…) dove, finalmente, grazie alla possibilità di licenziare senza troppi vincoli tutti, ma proprio tutti, vorranno venire a fare affari (se poi si introducessero, tanto per fare un esempio un po’ forte, la schiavitù, il diritto di proprietà sulla prole dei lavoratori e il diritto di vita e di morte sugli stessi, c’è da giuraci che arriverebbero pure i marziani…), l’indomabile giovane leader è in cerca di un contatto più diretto e nuovo con il popolo italiano (e infatti a che servono quei vecchi arnesi dei sindacati, meglio il confronto diretto coi lavoratori, uno per uno, no?). E poi, del resto, cosa saranno mai un po’ di tessere in meno: su Twitter, @matteorenzi ha 1.327.262 followers…

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My weekend movie: What Ever Happened to Baby Jane? (1962)

Baby Jane 1962

What Ever Happened to Baby Jane? (Che fine ha fatto Baby Jane?) – USA 1962

Directed by: Robert Aldrich.

Starring: Bette Davis; Joan Crawford; Victor Buono; Maidie Norman.

Baby Jane was planning her comeback…

SPECIAL WARNING!!! Do not watch this movie if: you’re depressed; you’re taking care of a sick relative; you’re sick and someone is taking care of you; you’re a woman and you’re ageing; you avoid looking your face into the mirror not to find new wrinkles; you’re upset because you noticed a new white hair this morning; you miss the good old days; you only want to think about nice things; now and then you drink a drop too much; you have a sister but you don’t like her; your sister doesn’t like you; you are vegan but above all…you’re a former child star!

Well, if none of those things are affecting your day you can blithely read this article, unless…

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this movie before this is your last occasion to go and fetch a copy, otherwise you read this article at your own risk.

What even happened to Baby Jane? (Photo credit: Wikipedia)

What ever happened to Baby Jane?, the 1962 psychological-thriller directed by Robert Aldrich and based on the 1960 novel written by the American novelist and screenwriter Henry Farrell, tells the most famous case of sibling rivalry ever shown on a silver screen, the story of  Blanche and Baby Jane Hudson once wealthy and famous and now forced into a very uncomfortable, sick and secluded cohabitation. Jane had been the first to become a star and raise a fortune in late 1910’s when she was just a child (the reason why she was called Baby Jane) singing and dancing in Vaudevilles with her father for adoring children fans flocking from all over the country to see her and buy her gadgets, while her older sister Blanche could only live, completely ignored, in her shadow. Later Blanche had her occasion to be the one who was in the spotlight. In 1930’s she became one of the most famous film stars, so powerful to impose to the Studio she worked with to employ Baby Jane (but rigorously in B-movies). But all came to an end after a tragic car accident that left her paraplegic. Almost thirty years later Blanche, still on a wheelchair, and Baby Jane, probably involved in the accident and now an hopeless alcoholic, live together in a big decaying house and their bitter cohabitation is at risk when Blanche’s films start to be shown on TV arousing Baby Jane’s jealousy and resentment…

Joan Crawford as Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Believe it or not, despite the reciprocal dislike, was Joan Crawford the one who suggested to cast Bette Davis as Baby Jane. According to Bette Davis, Joan Crawford told her about that book bought by Aldrich to make a film that had parts for them: a great occasion. Passed fifty (Joan was 58, Bette 54 therefore younger than Madonna or Sharon Stone today) their careers were at stake. The only thing Bette Davis needed to know was that Aldrich was not sentimentally involved with Joan (she feared he could favour her…) but Aldrich’s laughter and the reassurance he could not imagine any other Baby Jane convinced her to take up the role and cut her salary (for a percentage of profits obviously). But Bette went over. Thinking that makeup could be important to show Baby Jane’s despair and madness, and feeling that any makeup artist could go as far as needed, she decided to do her own makeup (Aldrich and the production feared it might be a bit too over the top). “I did my best to look my worst” she said confessing that after seeing herself as Baby Jane she couldn’t help crying “I’d been so successful in making myself a horror, I frightened myself”. And she really had been successful. The film was a hit, received positive reviews and granted her an Academy Award Nomination as Best Actress. But all this produced a side effect: Crawford and Davis reciprocal dislike fatally turned into a real feud. According to Bette Davis, Joan Crawford campaigned against her Oscar. Whether true or false, what’s sureis that  Crawford contacted other Best Actress nominees offering to accept the award on their behalf if unable to attend the ceremony. When Anne Bancroft, who was performing a play in Broadway, won for The Miracle Worker Joan Crawford went on stage to pick up the Oscar (HERE). Not surprising that the following attempt to reunite Joan and Bette in Hush..hush, sweet Charlotte aborted (Joan left the set and Olivia De Havilland took up her role).

What ever happened to Baby Jane? provides a good dose of suspense thanks to Baby Jane’s overwhelming crescendo of cruelty and insanity but, frankly, the progressive discovery that the nutty jailer has been helped in her descent into madness and the sweet dignified victim ain’t such an angel is not so surprising. If you pay attention to the first part of the movie, you can understand everything even before the two prima donnas finally make their entrance. Anyway, there are still two good reasons you should watch again this movie: Joan Crawford and, above all, Bette Davis. You own her. (But if your case is one of those contemplated in the opening special warning… you’ve exemption from this film).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip aor the trailer):

In This Our Life – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Sunset Blvd – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

A Streetcar Named Desire – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Hush… HushSweet, Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Dead Ringer – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mommy Dearest – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.


Baby Jane stava preparando il suo ritorno alle scene…

AVVERTENZA SPECIALE!!! Non guardare questo film se: sei depressa/o; stai prendendoti cura di un parente malato; sei malata/o e un tuo parente si sta prendendo cura di te; sei una donna e stai invecchiando; eviti di guardarti allo specchio per non trovare nuove rughe; sei preoccupata/o perché stamattina hai notato un nuovo capello bianco nella tua chioma; hai nostalgia dei bei tempi andati; vuoi pensare solo a cose belle; ogni tanto ti fai un goccetto di troppo; hai una sorella ma non ti piace; tu non piaci a tua sorella; sei vegana/o ma soprattutto… sei un ex-bambina prodigio!

Bene, se nessuna di queste cose ti sta rovinando la giornata puoi almeno tranquillamente leggerti l’articolo, a meno che…

ATTENZIONE SPOILER: se non hai mai visto questo film prima d’ora questa è la tua ultima occasione di procurartene una copia, altrimenti leggiti pure il resto dell’articolo a tuo rischio e pericolo.

Baby Jane and Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Che fine ha fatto Baby Jane?, il film del 1962 diretto da Robert Aldrich, interpretato da Bette Davis e Joan Crawford e tratto dal romanzo omonimo del 1960 dello scrittore americano Heny Farrell, racconta il più famoso caso di rivalità tra sorelle mai apparso sul grande schermo. È la storia di Blanche (Joan Crawford) e Baby Jane Hudson (Bette Davis), un tempo ricche e famose e ora costrette ad un’insopportabile, malata convivenza da semi-recluse. Jane è stata la prima a conoscere la fama quando bambina (e perciò chiamata Baby Jane) alla fine degli anni ’10 del novecento cantava e danzava col padre nei Vaudeville (qualcosa di molto simile ai nostri teatri di varietà o all’avanspettacolo) per folle adoranti di piccoli fan disposti anche ad acquistare i più assurdi gadget che la ritraevano, mentre la sorella maggiore Blanche viveva del tutto ignorata nella sua ombra. Più tardi, mentre quella fama sbiadiva sempre più, era arrivato il turno di Blanche che negli anni ’30 era diventata una delle più brillanti stelle del cinema, potente al punto da imporre la presenza di Baby Jane nelle produzioni (ma rigorosamente di serie B) dello Studio che l’aveva sotto contratto. Il mondo era ai suoi piedi, ma tutto era finito tragicamente quando un incidente d’auto l’aveva lasciata paralizzata. Quasi trent’anni dopo Blanche, che è sempre sulla sedia a rotelle, e Baby Jane, che forse ha avuto un ruolo nel suo incidente ed è ormai un’incurabile alcolizzata, vivono insieme in una grande casa che come loro sta cadendo a pezzi e la convivenza difficile e gli equilibri precari sembrano arrivare al punto di rottura quando la TV inizia a trasmettere i vecchi film di Blanche rinverdendone la fama e scatenando la gelosia di Baby Jane…

Bette Davis as Baby Jane (Photo credit: Wikipedia)

Che ci crediate o meno, nonostante la nota e reciproca avversione, fu Joan Crawford a suggerire il nome di Bette Davis per il ruolo di Baby Jane. Secondo quanto raccontò Bette Davis fu prorpio Joan Crawford a parlarle di questo libro di cui Aldrich aveva acquisito i diritti per farne un film e che aveva due parti adatte a loro. Un’occasione da non perdere visto che passati i cinquant’anni (Joan Crawford aveva 58 anni, Bette Davis 54, meno di quanti ne hanno ora Madonna e Sharon Stone) era un momento difficile per la carriera di entrambe. La sola cosa che Bette Davis aveva bisogno di sapere era che Aldrich non fosse sentimentalmente legato a Joan Crawford (aveva paura che potesse favorirla, roba da dive…), ma una risata di Aldrich e la rassicurazione che lui non poteva proprio immaginare un’altra attrice nel ruolo di Baby Jane la convinsero ad accettare la parte e a tagliarsi il salario (ovviamante per una percentuale dei profitti). Ma Bette andò molto oltre. Considerando il trucco un elemento importante per rendere visibile la disperazione e la follia di Baby Jane, ed essendo convinta che nessun truccatore avrebbe osato fare quello che era necessario fare, decise di far da sé (spaventando Aldrich e la produzione che temettero stesse un po’ esagerando). “Ho fatto del mio meglio per apparire al mio peggio” disse confessando anche che dopo essersi vista nei panni di Baby Jane non era riuscita ad evitare di piangere “Sono stata talmente brava nel trasformarmi in un autentico orrore che mi facevo paura da sola”. E la sua bravura portò a un vero successo. Il film fu apprezzato da pubblico e critica, e fece ottenere a Bette Davis una nomination per l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista ma, fatalmente, trasformò la reciproca avversione tra Bette e Joan in una vera e propria faida. Secondo Bette Davis, Joan Crawford si diede da fare per convincere i membri dell’Academy a negarle l’Oscar. Quel che è certo è che Joan Crawford si mise a disposizione delle altre candidate offrendosi di ritirare l’Oscar al loro posto se impossibilitate a partecipare alla cerimonia. Quando fu annunciata ala vittoria di Anne Bancroft, impegnata con una commedia a Broadway, per Anna dei Miracoli fu così Joan Crawford a salire sul palco e ritirare l’Oscar al suo posto (QUI). Niente di sorprendente quindi se il successivo tentativo di rimettere insieme Bette e Joan in Piano…Piano, dolce Carlotta abortì (Joan Crawford abbandonò il set e fu sostituita da Olivia De Havilland).

Che fine ha fatto Baby Jane? contiene un bel po’ di suspense soprattutto grazie all’inarrestabile crescendo di follia di Baby Jane ma, francamente, la progressiva scoperta che il merito per la sua riuscitissima discesa all’inferno non sia tutto suo e quella che in fondo Blanche, la dolce vittima, non è la santa che potrebbe sembrare non sono affatto sorprendenti. Basta fare un po’ d’attenzione alla prima parte del film e si capisce tutto prima ancora che le due primedonne entrino in scena. Comunque ci sono due buone ragioni per rivedere questo film: Joan Crawford e, soprattutto, Bette Davis. E lei si che si merita un po’ del tuo tempo. (ma se il tuo caso rientra in uno di quelli elencati nelle avvertenze speciali… puoi considerarti esentata/o).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

In questa nostra vita – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Viale del Tramonto – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

Un tram che si chiama Desiderio – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Chi giace nella mia bara? – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mammina Cara – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.


“I don’t, I don’t believe it…”

Luke Skywalker

From: The Empire Strikes back – 1980

These are dreadful times and even trying to forget (or being determined not to talk about) the most alarming aspects of our days what remains ain’t pretty comforting: the never ending crisis, a continuous flood of desperate people risking their lives into the sea trying to escape from war, poverty rising, workers’ rights threatened and a supposed left government determined to defeat the Unions, not to mention security issues…

But, anyway there’s still someone ready to spend a night or even a few days of his/her precious time in a queue, just to be the first to buy (full price.. and what a full price!) a new electronic device he/she probably even doesn’t really need. Please tell me it’s just a very well conceived publicity stunt. It have to be so, cause I simply don’t want to believe this is true, I want still believe in people, I want to think that human mind can’t be so easily manipulated (and just to sell silly stuff…)…

“Non posso crederci…”

Luke Skywalker

Da: L’Impero colpisce ancora – 1980

Questi sono tempi terribili e persino cercando di dimenticare o essendo determinate a non parlare dei più spaventosi eventi dei nostri giorni quello che resta è piuttosto sconfortante: la crisi senza fine, il flusso continuo di disperati che rischiano la vita cercando di attraversare il mediterraneo per scappare ai conflitti e a tutto quello che ne consegue, la povertà che aumenta, i diritti dei lavoratori minacciati e un supposto governo di sinistra determinato a distruggere il sindacato, senza parlare delle minacce alla nostra sicurezza…

E nonostante tutto c’è ancora chi è disposto a passare una notte o persino qualche preziosissimo giorno della sua vita in una coda, solo per poter essere il primo o la prima a comprare (a prezzo pieno… e che prezzo pieno!) un nuovo apparecchio elettronico di cui molto probabilmente non ha nemmeno bisogno. Vi prego, ditemi che è solo una ben orchestrata campagna pubblicitaria. Deve essere così, perché io non voglio credere che sia vero. Voglio continuare a credere negli esseri umani, contro ogni evidenza voglio continuare a pensare che la mente umana non possa essere manipolata così facilmente (e solo per vendere un po’ di fuffa)…

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Code e follie nell’i***** day italiano (

My weekend movie: Suspicion (1941)

Suspicion 1941

Suspicion (Il Sospetto) – USA 1941

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Cary Grant; Joan Fontaine; Nigel Bruce; Dame May Whitty.

The sight of an eligible male was a rare treat in that part of the Country…

A plain young woman, destined to perpetual spinsterhood, meets by chance on a train one of the most charming eligible bachelors of the Country and decides not to miss the boat. He seems to fall in love, the only trouble is that she has no idea he’s also an incurable liar, a scoundrel and maybe even something more terrifying…

Suspicion )Photo credit: Wikipedia)

This is the premise of Suspicion, Alfred Hitchcock’s fourth american movie, made and released in 1941, a psychological thriller set in the pre-WWII England (at least the cliché pre-WWII England that could be reproduced in Hollywood) and not very faithfully based on Before the fact a 1932 novel written by Frances Iles (one of the several pen names used by the English crime writer Anthony Berkeley Cox). It’s the second and final collaboration with Rebecca’s star Joan Fontaine and the first with his favourite alter ego: Cary Grant.

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this film before, here is your last chance to go and fetch a copy…otherwise you are going to read the rest of this article at your own risk.

The story is all about Lina (Joan Fontaine), a young and inexperienced woman coming from a very good family who, discovering one day that her overprotecting parents are preparing for her a quiet country life as a dignified spinster, decides to throw herself to Johnny Aysgarth (Cary Grant), a very charming and notorious womaniser she hardly knows. Against her family wishes Lina elopes to happily live a whirlwind romance, but once the honeymoon comes to an end she has to face reality: her beloved husband is nothing but a serial sponger who loves the easy life, luxury and horse racings, and thinks he could live on her income. Sadly, Johnny has to face reality too: Lina’s income ain’t what he expected so he has to work or at least try to work, or maybe pretend to work… At first, Lina seems to find Johnny’s attitude quite funny and believes he’s on his way to change for good, but when she meets Beaky, one of her husband’s oldest friends, she finds out that he has no intention to change. Then a series of events, included Beaky’s very mysterious death happened before he could dissolve a society made with Johnny (Beaky provided the money, Johnny the ideas), make her suspicious: maybe she married an assassin….

Suspicion left Hitchcock dissatisfied, disappointed and with some regret. What was the trouble?

Lina and Johnny (Photo credit: Wikipedia)

Surely not the leading lady. Joan Fontaine was absolutely perfect, even a bit too perfect to play the fragile and insecure girl who falls in love with a scoundrel and then is consumed with the doubt he could be a murderer. Lina after all was a sister, or at least a cousin, of young Mrs de Winter, the protagonist of Rebecca, the first movie she had made with Hitchcock in 1940, the one that had projected her into Hollywood stardom after many disappointing years when she was overshadowed by her sister Olivia de Havilland who had made a name for herself starring alongside Errol Flynn in Warner Brothers movies (not to mention, of course, Gone with the Wind). The idea to cast Joan Fontaine proved to be so good that in 1942 she became the only actor to ever win an Academy Award in a film directed by Hitchcock, winning as Best Leading Actress five years before her older sister could achieve the same goal in 1947 for To Each His Own (anyway someone said this was a compensation for the Oscar lost the previous year when she was nominated for Rebecca).

So, what was the trouble? Maybe the fact that the two protagonists didn’t get on well (years later Joan will say that Cary Grant simply didn’t understand that the protagonist was Lina)? Maybe the trouble was the set, too artificial and not very British, or the too glossy photography Hitchcock complained about years later in Truffaut’s interview? (by the way, many thanks to the French director for his long interview!) Well, all those things was probably a part of it, but the real trouble was… Cary Grant!

Cary Grant in 1941 (photo credit: Wikipedia)

According to Hitchcock in fact the actor, that later became his favourite alter ego, was probably the main reason (along with Hollywood censorship) for the numerous changes made to the original story. In Frances Iles’ novel Johnny was an impenitent libertine (before and after the marriage), and above all was a real murderer and… Cary Grant could not be a murderer! Audiences didn’t want him to be a murderer and RKO, the Studio producing the film (Hitchcock had been happily lent by David O. Selznick, the man who brought him to Hollywood in 1939), didn’t want him to be a murderer too and in fact trying to cut every scene suggesting Johnny’s evil nature reduced the movie to a 55 minute length but then restored Hitchcock version because that way the film simply didn’t make sense. If you watch the movie you’ll understand why nobody wanted the coolest man ever turned into a murderer: the scene when, after catching Lina trying to persuade Beaky not to become his buisiness partner, Johnny scolds her in a menacing tone following her up the stairs is one of the most disturbing Cary Grant ever performed. Better not to turn Cary into a murderer, at least not in 1941. Unfortunately that way Hitchcock had to put aside the final scene he had imagined, made to perfectly match the famous “milk scene” with Johnny carrying upstairs in half-light a glass of glowing milk (Hitchcock asked to put a light bulb in it to draw our attention to the glass) to finally put it beside Lina’s bed while his wife fears it’s poisoned. The never-made scene (apparently closer to the novel’s mood) had to show Lina, perfectly knowing the milk is poisoned and yet ready to swallow it, asking Johnny to post a letter she wrote to her mother. The following morning when Lina is already dead, a cheerful Johnny post the letter not knowing that in it Lina revealed to her mother that he was her assassin.

Here you can find the Hitchcock- Truffaut long conversation:

Suspicion ain’t Hitchcock’s best film, surely all the faults Hitchcock saw in it are real (after all, I wouldn’t dare to contradict the master), and surely the ending is weak, and yet it’s a charming film. Maybe it’s because of Cary Grant, or maybe cause it reminds me to Rebecca (which is one of my favourite movies and the first Hitchcock’s film I’ve ever seen, but I already told you about that), but this is one of those movies I can’t ignore and watch again now and then. I suggest you to do the same.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Now, Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Secret beyond the door – USA 1947 Directed by: Fritz Lang. Starring: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

How to murder your wife – USA 1965 Directed by: Richard Quine. Starring: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

A New Leaf – USA 1971 Directed by: Elaine May. Starring: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.


La vista di un buon partito era un piacere piuttosto raro in quella parte del Paese…

Una giovane donna scialba, destinata a perpetuo zitellaggio, incontra per caso su un treno uno dei più ambiti scapoli del Paese e decide di non farselo scappare. Lui incredibilmente sembra innamorarsene, l’unico problema è che lei non ha idea del fatto che sia anche un inguaribile bugiardo, un imbroglione e, forse, persino qualcosa di molto più terribile…

Joan Fontaine in full colour (Photo credit: Wikipedia)

Queste sono le premesse di Il Sospetto (Suspicion), il quarto film americano di Alfred Hitchcock girato e distribuito nel 1941, un thriller psicologico ambientato in Inghilterra prima della seconda guerra mondiale (o almeno in quell’Inghilterra da cliché Hollywoodiano che poteva essere riprodotta sotto il sole della California) e tratto non molto fedelmente dal romanzo Before the Fact (tradotto in italiano in Il Sospetto, come il film) scritto da Frances Iles (uno dei tanti pseudonimi usati dallo scrittore di gialli inglese Anthony Berkeley Cox) e pubblicato nel 1932, che segna la seconda e ultima collaborazione del Maestro del brivido con la protagonista di Rebecca Joan Fontaine e la prima con il suo alter ego preferito: Cary Grant.

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film questa è la vostra ultima occasione per procurarvene una copia o visitare il sito RAI Cinema dove per il momento lo potrete vedere – in italiano – gratis (cliccate QUI)… altrimenti continuate pure a leggere il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo.

La storia ruota tutta intorno a Lina (Joan Fontaine), giovane di buona famiglia senza esperienza che, scoprendo che i suoi genitori le stanno preparando una placida esistenza da zitella nella campagna inglese, decide di buttarsi tra le braccia di Johnny Aysgarth (Cary Grant), affascinante sciupafemmine appena conosciuto. Contro la volontà dei suoi fugge di casa e lo sposa, ma appena finita la luna di miele deve affrontare la realtà: il suo amato maritino è uno scroccone seriale che ama la bella vita, il lusso, le corse e pensa di poter vivere della sua rendita. Anche Johnny però deve affrontare la realtà e quando scopre che la rendita di Lina non è cospicua quanto sperava si vede costretto a lavorare o almeno a cercare di lavorare, o a fingere di lavorare… All’inizio Lina trova quasi divertente quello che ha scoperto e crede sinceramente che Johnny possa cambiare, ma quando conosce Beaky, uno dei più cari amici del marito, scopre che non cambierà mai. E una serie di eventi, compresa la misteriosa morte di Beaky prima che potesse sciogliere una società fondata con Johnny (l’amico ovviamente metteva i soldi Johnny le idee), fanno crescere in lei il sospetto di avere sposato un assassino…

Il Sospetto lasciò Hitchcock insoddisfatto, deluso e con qualche rimpianto. Ma qual era il problema?

Joan with Gary Cooper and the Oscar (Photo credit: Wikipedia)

Sicuramente non la protagonista. Joan Fontaine era semplicemente perfetta, persino un po’ troppo perfetta per il ruolo della giovane fragile e insicura che perde la testa per un imbroglione e poi si tormenta con l’idea che possa essere un assassino. Lina in fondo era la sorella, o almeno la cugina, della giovane Signora de Winter, la protagonista di Rebecca il primo film che aveva girato con Hitchcock e che nel 1940, un anno prima dell’uscita de Il Sospetto, aveva fatto di lei una star dopo anni si semi-anonimato trascorsi all’ombra dell’allora più famosa sorella Olivia De Havilland che nel frattempo si era costruita una solida carriera alla Warner Brothers al fianco di Errol Flynn (senza contare, ovviamente, Via col Vento). Scegliere Joan Fontaine per Il Sospetto era stata una mossa decisamente azzeccata. Nel 1942 infatti, unica tra gli e le interpreti dei film di Hitchcock e ben cinque anni prima della sorella maggiore Olivia, Joan vinse l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista (anche se qualcuno lo considerò una specie di ricompensa per la mancata vittoria dell’anno prima quando era stata candidata per Rebecca).

Quindi, qual era il problema? Forse il fatto che sul set la Fontaine e Cary Grant non andassero molto d’accordo (anni dopo, lei fece notare che forse il buon Cary non aveva capito che la protagonista della storia era Lina)? Oppure le scene troppo artificiali e poco British e la fotografia un po’ troppo luminosa di cui Hitchcock ancora si lamentava con Truffaut? (e meno male che il regista francese spese tanto del suo tempo in quella lunga intervista…) In parte, ma il vero problema era un altro… Cary Grant!

Alfred Hitchcock (Photo credit: Wikipedia)

Infatti, sempre secondo quanto Hitchcock raccontò a Truffaut l’attore, poi diventatoil suo l’alter ego preferito, fu probabilmente (assieme alla censura di Hollywood) una delle principali cause dei molti cambiamenti apportati alla storia originale. Nel romanzo Johnny era un impenitente libertino (prima e dopo il matrimonio) ma soprattutto era realmente un assassino e… Cary Grant non poteva essere un assassino! Non lo volevail pubblico e non lo veleva la RKO che produceva il film (Hitchcock era stato “prestato” molto volentieri da David O. Selznick che l’aveva messo sotto contratto e portato in America nel 1939 ma col quale non andava d’accordo) e che nel tentativo di eliminare le scene in cui Cary Grant sembrava troppo cattivo aveva sforbiciato la pellicola riducendone la durata a 55 minuti salvo, per fortuna, cambiare idea perché così il film non aveva più alcun senso. Non è difficile però capire perché nessuno volesse vedere l’uomo più cool di tutti i tempi trasformato in un assassino. Basta vedere il film: la scena in cui Johnny, dopo aver sorpreso Lina che tenta di dissuadere Beaky dal mettersi in affari con lui, la rimprovera e la segue su per la scalinata con fare minaccioso è una delle più disturbanti mai interpretate da Cary Grant. Molto meglio non fare di Cary un assassino, almeno non nel 1941. Purtroppo però in questo modo Hitchcock dovette rinunciare al finale che aveva immaginato (che a quanto pare era molto più aderente alla storia originale) e che sarebbe stato la perfetta prosecuzione della famosa “scena del latte”, quella in cui Cary/Johnny sale nella penombra le scale con un vassoio su cui è posato un bicchiere di latte che brilla nel buio (perché Hitchcock ci aveva fatto mettere una luce dentro in modo da attrarre la nostra attenzione su quel particolare) che poi posa sul comodino di fianco al letto della moglie che crede sia avvelenato. Nel finale mai girato Lina, consapevole del fatto che il latte era realmente avvelenato e pronta comunque a trangugiarlo, avrebbe consegnato a Johnny una lettera indirizzata a sua madre. Il mattino seguente con Lina ormai morta, un Johnny piuttosto allegro avrebbe imbucato la lettera del tutto ignaro del fatto che l’accusava del delitto.

Qui potete sentire in inglese e francese la conversazione originale tra Hitchcock e Truffaut:

Il Sospetto non è il miglior film di Hitchcock, sicuramente ha tutti i difetti di cui si lamentava il maestro (del resto chi sono io per contraddirlo?), è vero che il finale è decisamente il suo punto debole, eppure è un film affascinante. Sarà perché c’è Cary Grant, oppure perché in qualche modo ricorda Rebecca (che è uno dei miei film preferiti oltre che il primo film di Hictchcock che abbia mai visto, ma di questo vi ho già parlato), ma questo è uno di quei film che non riesco ad ignorare e ogni tanto rivedo. Vi consiglio di fare lo stesso.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Perdutamente Tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Dietro la porta chiusa – USA 1947 Diretto da: Fritz Lang. Con: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

Come uccidere vostra moglie – USA 1965 Diretto da: Richard Quine. Con: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

È ricca, la sposo e l’ammazzo – USA 1971 Diretto da: Elaine May. Con: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.