My weekend movie: Pimpernel Smith (1941)


 Pimpernel Smith (La Primula Smith) – UK 1941

Directed by: Leslie Howard.

Starring: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

 Dear Nazis, you’re doomed…

An archaeologist fights against the Nazis…no, he’s name is not Indiana Jones, he’s not an adventurous, cheeky American treasure hunter and he won’t be saved by supernatural forces (oops, sorry…). Our hero’s name is Horatio Smith, he’s a professor in Cambridge and thanks to his absent-minded appearance he will rescue Jews from Nazi’s hands.

The film I’m going to tell you about ain’t in fact a funny 1980’s adventure movie, but an anti-nazi thriller, released in 1941, in the middle of WWII: it’s Pimpernel Smith (also known in the USA as Mister V), a British propaganda film produced an directed by its protagonist, Leslie Howard.

"Pimpernel" Smith

“Pimpernel” Smith (Photo credit: Wikipedia)

The British actor, who had been for more than two decades, between mid 1910’s to early 1940’s, a theatre and movie star in Britain and America, is now remembered for a role he detested and didn’t want to play, the wimpish Ashley Wilkes in Gone with the wind, too coward to find the time, in an almost four-hour long movie, to tell Scarlett he doesn’t love her and too gentleman to take advantage of her (Selznick to persuade him allowed him to co-produce Intermezzo: A love story, his last Hollywood film that also marked the American début of the then young Swedish actress Ingrid Bergman). At the outbreak of WWI Howard had left a job as a bank clerk to enlist with the British Cavalry (he was born in London in a Jewish-Hungarian family in 1893). Back home and suffering from severe shell-shock, following a doctor suggestion, he had decided to leave the much-hated bank job to follow his passion for theatre starting this way a successful career. At the outbreak of WWII he had chosen to leave Hollywood and use his international fame to help with the Allied war effort starring (but also producing and directing) in a number of war propaganda films (and, probably also serving in his Majesty secret service).

Pimpernel Smith is one of those propaganda films. The protagonist, as I already told you, is Horatio Smith (Leslie Howard) archaeologist and well respected professor in Cambridge, in love with the sculptured (for real) Aphrodite Kallipygos (don’t pay any attention to him, he’s not its discoverer…), at war with women made of flesh and blood  and apparently very absent-minded. But this is just a disguise, because Professor Smith is secretly (and apparently unofficially) working to rescue Jews from Nazi concentration camps…

SPOILE ALERT: if you’ve never seen this picture, go and fetch a copy now (you can also try on YouTube…), otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

Leslie Howard (actor)

Leslie Howard (actor) (Photo credit: Wikipedia)

The movie, set in Cambridge and Berlin (cause the professor seems a bit clumsy but is very bold and clever) in 1939 just before the outbreak of WWII, is a modernisation, with an heavy anti-nazi touch, of the classic The Scarlet Pimpernel, the adventure novel written by Baroness Orczy in 1905 and set during the French Revolution whose most famous film version was the 1934 picture starring Leslie Howard himself. In the original story the hero is an English aristocrat who leads a double life: silly and effete in front of the world, he’s in fact an elusive adventurer who’s risking his life (variously disguised) to spare to a number of French aristocrats a deadly rendez-vous with Madame Guillottine.

Professor Smith, like the original Pimpernel, likes to use a little humour to mock his enemies: to be able to go freely to and fro Germany (supported by the Nazi Propaganda Ministry), he organises a group of British students (unaware, at the beginning, of his mission) to help him in excavations to find the evidence of the Aryan origins of German civilisation (simply diabolical!). Smith, has to face General von Graun, the only Nazi who seems clever enough to catch him (even though he tries to assign the German citizenship to Shakespeare and can’t understand British humour). With the exception of him, Nazis are silly inefficient and incompetent, especially those working at the Propaganda Ministry with Joseph Goebbels, so you can be sure that in the end Professor Smith will defeat them and will also find a woman brave enough to deserve his love (romance always goes with propaganda, it’s a golden rule).

The most important moment in this movie arrives almost at the end when, just before the invasion of Poland, Smith, unmasked by the Gestapo General, makes a speech that seems thought to raise the English (but also American) audience’s spirits. “You will never rule the world…” he says to the General but talking to the entire Nazi Germany “ because you are doomed. (…)Tonight you will take the first step along a dark road from which there is no turning back.(…) you will find no horizon… and see no dawn… until at last you are lost and destroyed. You are doomed…”. (you can watch it HERE)

A piece of pure propaganda, sounding today as a sort of premonition.

But Leslie Howard didn’t live long enough to watch this premonition come true.

Goebbels, German Federal Archive photo

Goebbels, German Federal Archive photo (Photo credit: Wikipedia)

When Hitler killed himself in his bunker in Berlin on April 30, 1945, scared of the Red Army imminent invasion but also of ending like his fellow dictator Benito Mussolini, Howard was already dead as he was  the year before, missing the news about the Invasion of Normandie (whose 70th anniversary has been celebrated on June, 6) that was going to lead to the liberation of France.

In fact Leslie Howard died on june, 1st 1943, aged 50. He was flying from Lisbon to Bristol on KLM Royal Dutch Airlines/BOAC Flight 777, a civil flight. The plane was shot down by Luftwaffe‘s aircrafts over the Bay of Biscay. 17 people died. Many hypothesis have been made along the years about this attack: an error, the fact that Germans believed that Churchill was on that flight (apparently Howard’s manager, who was there with the actor, looked like the British Prime Minister) or even a plan conceived to kill Leslie Howard himself (who, according to some speculations, in the previous days was engaged in a secret mission to dissuade Franco from joining the Axis powers) and organized by, nonetheless, Joseph Goebbels. The Minister of Public Enlightenment and Propaganda in Nazi Germany, who knew too well how important cinema could be to influence the public opinion, considered Leslie Howard the most dangerous British propagandist and was probably enraged after being ridiculed in Pimpernel Smith (he was the only real Nazi leader mentioned with his name) along with the Nazis working at the propaganda ministry, all unable to face a bunch of students full of hormones, a clumsy professor and a handful of Jews.

Pimpernel Smith ain’t a masterpiece, Leslie Howard as a director was not a master of suspense like Hitchcock, but even if packed with propaganda (after all there was a war going on) this ain’t a bad film too, and after all knowing that probably succeeded in enraging Goebbles makes it, even today, definitely worth watching.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Scarlet Pimpernel – UK 1934 Directed by: Harold Young. Starring: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Directed by: Carol Reed. Starring: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

The Mortal Storm USA 1940 Directed by: Frank Borzage. Starring: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Foreign Correspondent – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

Mrs Miniver – USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

To Be or Not To Be – USA 1942 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

Raiders of the Lost Ark – USA 1981 Directed by: Steven Spielberg. Starring: Harrison Ford; Karen Allen.


Cari Nazisti, siete condannati a fallire…

Un archeologo si scontra con i nazisti… no, il suo nome non è Indiana Jones, non è un avventuroso e sfacciato cercatore di tesori americano e non sarà salvato dal provvidenziale intervento di forze soprannaturali (oops, scusate…). Il nome del nostro eroe è Horatio Smith ed è un dignitoso, ma sbadato professore di Cambridge che anche grazie alla sua aria stralunata riuscirà a salvare alcuni ebrei beffando la Gestapo.

Cropped screenshot of Leslie Howard from the t...

Leslie Howard è Ashley Wilkes in Via col Vento, il film che non avrebbe voluto interpretare (Photo credit: Wikipedia)

Quello di cui sto per parlarvi infatti non è uno scanzonato film d’avventura degli anni ’80, ma un thriller anti-nazista uscito nel 1941 nel bel mezzo della Seconda Guerra Mondiale. Si tratta di La primula Smith (Pimpernel Smith il titolo originale, Mister V quello per il mercato americano), film inglese di propaganda prodotto, diretto ed interpretato da Leslie Howard.

L’attore passato alla storia del cinema per un personaggio che proprio non avrebbe voluto interpretare, il rammollito Ashley Wilkes di Via col Vento, troppo vigliacco per trovare il tempo, in quasi quattro ore di film, di dire a Rossella che non la ama e troppo signore per approfittare della situazione (Selznick lo convinse permettendogli di co-produrre Intermezzo, il suo ultimo film americano che segnò anche il debutto hollywoodiano della giovane Ingrid Bergman), per oltre due decenni, dalla seconda metà degli anni 10 del 900 fino alla prima metà degli anni ’40, era stato protagonista della scena teatrale e cinematografica inglese ed americana. Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale Leslie Howard (nato nel 1893 a Londra da genitori di origine ebraica-Ungherese) aveva lasciato un impiego in banca per correre ad arruolarsi nella Cavalleria Britannica. Tornato a casa e sofferente per quello che oggi viene definito disturbo post-traumatico da stress, ben consigliato da un medico, aveva abbandonato definitivamente l’odiata banca per fare della sua passione giovanile per la recitazione un mestiere, iniziando così una carriera di successo. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, ormai affermatissimo, si era infine lasciato alle spalle Hollywood per mettere la sua fama al servizio della causa alleata: programmi radio, documentari e film di propaganda (e chissà forse anche un incarico nei servizi segreti di sua Maestà).

La Primula Smith è appunto uno di quei film di propaganda. Il protagonista, come detto, è l’archeologo Horatio Smith (Leslie Howard appunto), rispettabile professore di Cambridge, innamorato della scultorea (nel vero senso della parola) Afrodite Callipigia (ma non dategli retta, non l’ha scoperta lui), in lotta con tutto il resto dell’universo femminile e apparentemente sempre con la testa tra le nuvole. Solo apparentemente però perché in realtà il Professor Smith è impegnato in una segretissima (e non ufficiale) operazione per salvare il maggior numero di ebrei possibile dall’internamento nei campi di concentramento…

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film correte a vederlo immediatamente (se non avete problemi con l’inglese vi consiglio un giro su YouTube…), altrimenti leggete il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo…

The Scarlet Pimpernel (1934 film)

The Scarlet Pimpernel (1934 film) (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato tra Cambridge e Berlino (ché il professore sembra imbranato e un po’ fuori di testa ma è assai audace) nel 1939 alla vigilia dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, è un adattamento in chiave moderna e anti-nazista di La Primula Rossa, il romanzo d’avventura scritto dalla Baronessa Orczy nel 1905 e ambientato invece all’epoca della Rivoluzione Francese, che aveva avuto la sua trasposizione cinematografica più riuscita nel 1934 con protagonista proprio Leslie Howard. In quel caso l’eroe era un nobile Inglese all’apparenza fatuo e superficiale che si rivelava in realtà un formidabile e inafferrabile avventuriero, mago dei travestimenti, impegnato in un’audace operazione per evitare ai nobili Francesi il mortale incontro con Madama Ghigliottina.

Il Professor Smith, come il protagonista dell storia originale, non manca di un certo senso dell’umorismo nel farsi beffe dei suoi nemici: per potere scorrazzare in lungo e in largo nella Germania Nazista, con tanto di benestare dell’onnipresente Ministero della Propaganda, organizza con i suoi studenti (inizialmente ignari delle sue vera attività) una spedizione di scavi alla ricerca delle prove delle origini ariane della civiltà germanica (diabolico!). Smith, tallonato dal generale von Graum, che sembra l’unico nazista con un po’ di sale in zucca (ma fino a un certo punto perché tenta di affibbiare  a Shakespeare la cittadinanza tedesca e non capisce lo humour inglese) in mezzo a un mare di incapaci (più o meno tutti i dipendenti del ministero della propaganda agli ordini di Joseph Goebbels) riuscirà, manco a dirlo, a battere in casa i nazisti e finirà col trovare una donna in carne ed ossa degna del suo amore (che si sa, un po’ di romanticismo va sempre a braccetto con dosi massicce di propaganda, è una regola d’oro).

Il momento più importante del film arriva poco prima del finale quando, alla vigilia dell’invasione della Polonia, il professore ormai smascherato dal generale della Gestapo che gli ha dato la caccia fa un discorso che sembra fatto apposta per risollevare il morale degli spettatori inglesi ed americani. “Non governerete mai il mondo…” dice al generale rivolgendosi però alla Germania nazista tutta “perché siete condannati a fallire. (…) Stanotte fate il primo passo lungo una strada buia da cui non c’è possibilità di ritorno (…) non troverete un orizzonte e non vedrete l’alba fino a quando alla fine non sarete sconfitti e distrutti. Siete condannati a fallire…”. (lo potete vedere QUI)

Winston Churchill in Downing Street giving his...

Winston Churchill in Downing Street giving his famous ‘V’ sign. (Photo credit: Wikipedia)

Un momento di pura propaganda, che oggi suona come una premonizione.

Leslie Howard però non vide mai l’avverarsi di quella premonizione.

Quando Hitler si suicidò come un vigliacco nel suo bunker di Berlino il 30 aprile del 1945, spaventato dal destino che era toccato in Italia al suo ispiratore e collega dittatore fascista Benito Mussolini e dall’imminente arrivo in città dell’ Armata Rossa, l’attore inglese non c’era più. Non c’era nemmeno l’anno prima quando gli alleati erano sbarcati sulle coste della Normandia per iniziare l’operazione che avrebbe portato alla liberazione della Francia e di cui in questi giorni si è celebrato il 70° anniversario.

Leslie Howard, era infatti morto il 1° Giugno 1943, a 50 anni, insieme agli altri 17 passeggeri del volo 777 della BOAC in volo da Lisbona a Bristol, intercettato ed abbattuto sul golfo di Biscaglia dagli aerei della Luftwaffe.

Negli anni si sono moltiplicate le ipotesi sulle ragioni dell’abbattimento di quel volo civile: tragico errore, la convinzione dei tedeschi che su quel volo viaggiasse anche Winston Churchill (pare che il manager di Howard, che viaggiava con lui, somigliasse al Primo Ministro Inglese), oppure un piano per sbarazzarsi proprio dell’attore inglese (che, secondo alcune fonti, sarebbe stato segretamente impegnato nei giorni precendenti in una segretissima missione per dissuadere il dittatore Franco dall’idea di unirsi alle forze dell’Asse) e architettato da Joseph Goebbels in persona. Il Ministro della propaganda Nazista, che ben conosceva il potere del cinema nel plasmare le menti e gli orientamenti politici, considerava Leslie Howard uno dei più pericolosi agenti della propaganda anti-nazista Britannica. Di certo non poteva aver apprezzato il modo in cui in La Primula Smith l’attore e regista si era preso gioco di lui (unico capo nazista nominato con nome e cognome) e dell’attività del suo ministero presidiato da un gruppo di incapaci che si fanno prendere in giro da dei ragazzi in preda agli ormoni, da un professore dall’aria stralunata e da un pungo di ebrei.

La Primula Smith non sarà un capolavoro, Leslie Howard regista non era un maestro del brivido alla Hitchcock e si vede, ma il film pure infarcito di propaganda (del resto era in corso una guerra) è comunque un buon film e sapere che all’epoca era riuscito a fare incazzare Goebbels è una ragione più che sufficiente per rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Primula Rossa – UK 1934 Diretto da: Harold Young. Con: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Diretto da: Carol Reed. Con: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

Bufera Mortale USA 1940 Diretto da: Frank Borzage. Con: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Il Prigioniero di Amsterdam (Corrispondente 17) – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

La Signora Miniver – USA 1942 Diretto da: William Wyler. Con: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

Vogliamo Vivere! – USA 1942 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

I Predatori dell’Arca Perduta – USA 1981 Diretto da: Steven Spielberg. Con: Harrison Ford; Karen Allen.


Enhanced by Zemanta

High Treason

“…but you always do forgive yourself.”

Lucy Honeychurch

From: A room with a view – 1987

“The trouble with corruption ain’t the laws against it, that already exist, but those laws that are not respected. In my opinion, a politician under investigation for corruption should be accused instead of high treason. One who takes a bribe betrays the trust, the honour upon which he had given his word.”

That’s more or less what told by the young Prime Minister Matteo Renzi about the new scandal that brought to 35 arrests over alleged corruption in connection with the new flood barriers built to protect Venice that should be completed (?) in 2016 (among the arrested people there’s also the Mayor, Mr Orsoni).

The trouble ain’t the laws (they exist?), nor the thieves (they do little to hide themselves), the trouble is that every time someone discovers that behind the slow inconclusive pace of public infrastructure’s works there are stories of corruption and bribery, there’s always someone other extremely flabbergasted who declares himself full of righteous indignation (but then, maybe, is ready to reprise the negotiations about the reforms of the Italian Institutions with a man who had to leave the Senate because sentenced for tax fraud …just to give to the populist 5Stars movement something they could use…).

“… ma poi ti perdoni sempre.”

Lucy Honeychurch

Da: Camera con vista – 1987

“Il problema della corruzione non sono le regole che non ci sono, sono quelle che non si rispettano. Un politico che viene indagato per corruzione lo indagherei per alto tradimento, se dovesse dipendere da me. Uno che prende tangenti tradisce la fiducia, l’onore su cui aveva giurato”

Così, da Bruxelles, dove si trova per il G7, Matteo Renzi risponde a chi gli chiede lumi sullo scandalo Mose, la nuova tangentopoli veneta.

Il problema non sono le leggi (che ci sono?), nè i ladri (che non fanno poi molto per dissimulare), il problema è che ogni volta che si scopre che dietro a una grande opera che si è trascinata inconcludentemente per alcuni anni (o magari per decenni) si nasconde un giro di tangenti, appalti truccati e corruzione ci sia ancora qualcuno che sgrana gli occhioni un istante prima di cader dal pero dichiarandosi indignato (e poi magari è pronto a voltarsi dall’altra parte per ricominciare le trattative sulle riforme delle istituzioni con un signore che è stato costretto a uscire dal senato per una condanna per frode fiscale …così, giusto per dar altri argomenti ai populisti a cinque stelle).

Related articles/articoli correlati:


Enhanced by Zemanta

My weekend movie: Monkey Business (1952)


Monkey Business (Il Magnifico Scherzo) – USA 1952

Directed by: Howard Hawks.

Starring: Cary Grant; Ginger Rogers; Marilyn Monroe; Charles Coburn.

You’re old only when you forget you’re young.

Are you feeling old and ready to be junked? (Probably not, if you don’t live in Italy…) Would you like to try a miraculous rejuvenating product? Well, Dr Barnaby Fulton and Oxley Chemical got something for you, an elixir of youth that will give you back your lost vigour and enthusiasm. There’s only a little problem… this is just a movie.

Monkey Business (1952 film)

Monkey Business (1952 film) (Photo credit: Wikipedia)

The development of an elixir of youth is in fact the starting point for Monkey Business, the screwball comedy directed by the veteran and versatile Howard Hawks starring Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn and a young Marilyn Monroe.

The story is simple and a little zany. Doctor Fulton (Cary Grant), an absent-minded middle-aged chemist married to the very patient Edwina (Ginger Rogers) and to Oxley Chemical, is trying to develop a new rejuvenating product, goad into it by his boss, Mr Oxley (Charles Coburn), a seventy-year-old man aching all over but not yet insensitive to the “animal magnetism” his secretary, Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), a blonde bombshell with some typing problem, spread round the office. After a series of failed experiments, just before Doctor Fulton could test on himself his last “potion”, one of the chimps used as a guinea pig escapes from its cage and, repeating the actions seen many times, mixes ingredients creating a chemical compound that ends into the water cooler. Fulton drinks the water (mixing it with his potion) and all of a sudden he (and then Edwina and others) starts feeling younger, and younger, and younger…

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois shows a new chemical product to Dr Fulton (Photo credit: Wikipedia)

Monkey Business was the fifth and last movie starring Cary Grant directed by Howard Hawks (mostly comedies – Bringing up Baby; His Girl Friday; I Was a Male War Bride – and the drama Only Angels Have Wings) and was written by nonetheless Ben Hecht (Design for living, Nothing Sacred; His Girl Friday; Spellbound; Notorious and many, many others), Charles Lederer (His Girls Friday; I Was a Male War Bride; The Thing from Another World; Gentlemen Prefer Blondes; Ocean’s 11…) and I.A.L. Diamond (later, co-writer with Wilder of 12 of his films screenplays from Love in the Afternoon till Buddy Buddy with the only exception of Witness for the Prosecution), who had to face censorship intrusion.

Howard Hawks

Howard Hawks (Photo credit: Wikipedia)

The first version of the script was considered a bit too naughty in a period when leading ladies were real sex-bombshells but hypocrisy on sex-related subjects was reaching its peak, so all the fuss about the potion’s possible aphrodisiac side effects was simply removed, the elixir was called B-4 instead of Cupidone, Mr Oxley’s interest on Lois was softened while everybody reacted to the drug behaving first like silly teenagers and then like annoying kids.

Despite good actors and writers Monkey Business, that a year after its release was called by Jacques Rivette in his essay The Genius of Howard Hawks one of Hawks’ best films, left the director disappointed. He shared the American critics point of view: the premise was too absurd to sustain the whole story, after a while the gags became too repetitive and the film a bit dull. Too bad, because the couple Grant-Monroe worked particularly well as noticed by critics and Hawks himself, who regretted not having used Marilyn Monroe as the leading actress instead of Ginger Rogers (who had probably some responsibility in the final result. To sign the contact for this movie, she insisted hat her character could share Dr Fulton’s rejuvenation experience).  Probably Hawks was right: even today Monkey Business DVD, Blu-ray and Downloads are sold exploiting Marilyn image.

Anyway if you love screwball comedies, nonsense, dumb blondes and can’t wait to see Cary Grant playing at indians, I bet you’ll enjoy this film (and will discover that ageing ain’t such a drama).

A few related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Dy Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

The Invisible Man – USA 1933 Directed by: James Whale. Starring: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

More Than a Secretary – USA 1936 Directed by: Alfred E. Green. Starring: Jean Arthur; George Brent.

Bringing Up Baby – USA 1938 Directed by: Howard Hawks. Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Lover, Come Back – USA 1961 Directed by: Delbert Mann. Starring: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

The Absent-Minded Professor – USA 1961 Directed by: Robert Stevenson. Starring: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

The Nutty Professor – USA 1963 Directed by: Jerry Lewis. Starring: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.


Sei vecchio solo quando ti dimentichi che sei giovane.

Iniziate a sentirvi vecchi e pronti per la rottamazione? Vi piacerebbe provare un nuovo miracoloso prodotto ringiovanente? Bene, il Dottor Barnaby Fulton e la Oxley Chemical hanno qualcosa che fa al caso vostro: un elisir di giovinezza che vi restituirà il vigore e l’entusiasmo dei vostri diciott’anni. C’è solo un piccolissimo problema… questo è solo un film.

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois and Dr Fulton choose a new car(Photo credit: Wikipedia)

Lo sviluppo di un elisir di giovinezza è infatti la premessa intorno alla quale gira Il Magnifico Scherzo (Monkey Business il titolo originale) la commedia del 1952 diretta dal veterano e versatile Howard Hawks che ha per protagonisti Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn e una giovane Marilyn Monroe.

La storia è semplice e un po’ demenziale. Il dottor Fulton (Cary Grant), chimico di mezz’età con la testa tra le nuvole sposato alla paziente Edwina (Ginger Rogers) e alla Oxley Chemical, sta cercando di sviluppare un nuovo prodotto in grado di restituire il vigore dalla gioventù pungolato dal suo capo Mr Oxley (Charles Coburn), settantenne un po’ acciaccato ma non ancora insensibile al fascino di Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), la sua segretaria dalle forme esplosive e con qualche problema alla macchina da scrivere. Dopo una serie infinita di esperimenti falliti, proprio mentre Fulton sta per testare su se stesso l’ultima “pozione”, una delle scimmie usate come cavie evade dalla sua gabbia e ripetendo i suoi gesti crea un composto che finisce col mescolarsi con l’acqua potabile e che il chimico beve. E così Fulton (e poi Edwina ed altri) inizia a sentirsi sempre più giovane…

Cover of "Monkey Business"

Marilyn sells! Cover of Monkey Business DVD

Il Magnifico Scherzo è il quinto e ultimo film in cui Cary Grant fu diretto da Howard Hawks (quasi tutte commedie le loro collaborazioni – Susanna, La Signora del venerdì, Ero uno sposo di guerra – ad eccezione del drammatico Avventurieri dell’aria) ed è stato sceneggiato da nientemeno che Ben Hecht (Partita a quattro; Niente sul serio; La Signora del venerdì; Io ti salverò; Notorious e molti, molti altri), Charles Lederer (La Signora del Venerdì; Ero uno sposo di guerra; La Cosa da un altro mondo; Gli uomini preferiscono le bionde; Colpo Grosso…) e I.A.L. Diamond (in seguito co-sceneggiatore con Billy Wilder di 12 dei suoi film da Arianna a Buddy Buddy con l’unica eccezione di Testimone d’accusa), che dovettero affrontare anche  le intrusioni della censura. La prima stesura della sceneggiatura era apparsa un po’ troppo birichina in un periodo in cui le dive erano maggiorate esplosive ma il moralismo imperava (“donne tornate al focolare e sposatevi” era il messaggio che andava per la maggiore), e così tutta l’eccitazione a proposito di collaterali effetti afrodisiaci era stata semplicemente eliminata, l’elisir chiamato B-4 (before, prima) invece che Cupidone, l’interesse di Mr Oxley per la procace Lois reso meno evidente mentre tutti erano ridotti dalla magica pozione prima in folli teenagers e poi in insopportabili bambini.

Nonostante la buona prova degli attori Il Magnifico Scherzo, che l’anno seguente alla sua uscita fu anche celebrato da Jacques Rivette nel suo saggio Il Genio di Howard Hawks come uno dei miglori film del regista, deluse Hawks che condivideva il punto di vista dei critici americani: la premessa era troppo assurda per riuscire a sostenere l’intera storia, dopo un po’ le gag diventavano ripetitive e il film si sgonfiava. Peccato, perché la coppia Grant-Monroe funzionava particolarmente bene, come notarono all’epoca sia i critici che lo stesso Hawks che rimpiangeva di non aver fatto della bionda bomba sexy la protagonista femminile del film al posto di Ginger Rogers (che forse aveva qualche responsabilità per il risultato finale, visto che per firmare il contratto aveva preteso che il suo personaggio condividesse con il Dottor Fulton l’esperienza del ringiovanimento). Hawks aveva proprio ragione: ancora oggi si vendono DVD, Blu-Ray e download del film sfruttando proprio l’immagine di Marilyn.

Comunque, se vi piacciono le commedie brillanti, il nonsense, le bionde svampite e non vedete l’ora di vedere Cary Grant giocare agli indiani, questo film riuscirà sicuramente a divertirvi (e vi farà capire che in fondo invecchiare, ma solo un po’, non è un dramma).

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il etrailer):

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

L’uomo invisibile – USA 1933 Diretto da: James Whale. Con: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

Cercasi segretaria – USA 1936 Diretto da: Alfred E. Green. Con: Jean Arthur; George Brent.

Susanna – USA 1938 Diretto da: Howard Hawks. Con: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Amore, ritorna! – USA 1961 Diretto da: Delbert Mann. Con: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

Un professore fra le nuvole – USA 1961 Diretto da: Robert Stevenson. Con: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

Le folli notti del dottor Jerryll – USA 1963 Diretto da: Jerry Lewis. Con: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.

Enhanced by Zemanta


“That’s it, big man. You’ve won, congratulations.”

Sherlock Holmes

From: Sherlock Holmes – 2009

Congratulations to the Youngest Italian Prime Minister ever who, in the middle of the populist attack that’s threatening the Union, won hands down the European election (and the local election too). Leader among leaders, winning 40% he doubled the internet Guru (Mr Grillo, 5Stars Movement leader), thrashed MrB, shrunk the left (the real left) and resuscitate he long time dead “White Whale” (this way was once called the Christian Democracy Party)…

Congratulations for his always extraordinary coherence. He said that this was not a referendum about his government and in fact now he says that after the vote nobody (I suppose especially the members of “his” party, the supposed leftist Democratic Party) has a alibi, “his” reforms has to be approved: Constitution, electoral law, labour regulations, tax and judiciary systems (things that you people – and MrB too – wouldn’t believe)…

Congratulations to the Italians too, because for once things seems going better for us than for our French  “cousins” or for our British friends…

The sun shines over the Bel Paese and a bright future is ahead of us: the elders will be junked, the young will walk with their delicate fragile legs, the poor will rejoice… so, why ain’t I happy?

“Basta grand’uomo… finito. Hai vinto. Congratulazioni!”

Sherlock Holmes

Da: Sherlock Holmes – 2009

Congratulazioni al più giovane Presidente del Consiglio che, nel bel mezzo della carica populista che minaccia l’Unione, ha vinto le Europee (e le amministrative) a mani basse. Leader tra i leader Europei ha doppiato il santone della rete, stracciato MrB, ridotto al lumicino la sinistra (quella vera) e fatto risorgere la Balena Bianca…

Congratulazioni per la sua sempre straordinaria coerenza. L’aveva detto che non sarebbe stato un referendum sul governo e infatti ora dice che dopo questo voto nessuno (immaginiamo specialmente nessuno del “suo” partito…) ha più alibi, vanno subito approvate le sue riforme: costituzione, legge elettorale, lavoro, fisco e giustizia (cose che voi umani -compreso MrB nei suoi sogni più audaci- non potreste immaginare)…

Congratulazioni anche a noi che una volta tanto sembriamo passarcela un po’ meglio dei cugini Francesi e degli amici britannici…

Il sole risplende sul Bel Paese e un futuro radioso si attende: i vecchi saranno rottamati, i giovani cammineranno sulle loro gracili gambine, i poveri gioiranno… e allora perché io non sono felice?

Related aricles/articoli correlati:


Enhanced by Zemanta

My weekend movie: M*A*S*H (1970)


M*A*S*H – USA 1970

Directed by: Robert Altman.

Starring: Donald Sutherland; Elliott Gould; Tom Skerritt; Sally Kellerman; Robert Duvall.

Attention! Tonight movie will show you the best combat surgeons cutting and stitching behind the front lines…

After the 67th Cannes International Film Festival ended with Winter Sleep, the Turkish movie directed by Nuri Bilge Ceylan, winning the Palme D’Or, I propose you to watch again the movie winning the Gran Prix du Festival (the current Palme D’Or) in 1970: M*A*S*H, the satirical comedy directed by Robert Altman.

MASH (film)

MASH (film) (Photo credit: Wikipedia)

The film, set in a Mobile Army Surgical Hospital (M.A.S.H) during the Korean War, tells about the medical team working there. Capt. Benjamin Franklin “Hawkeye” Pierce (Donald Sutherland), Capt. Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) and Capt. John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) are a trio of indisciplined womanisers, all recently drafted into the U.S. Army Medical Corps, able to prove that excellence in combat surgery is in inverse proportion to the respect of the army rules. The favourite victims of their pranks are the over pious (and not very brilliant surgeon) Major Frank Burns (Robert Duvall) and the newly assigned chief nurse of the camp, Major Margaret Houlihan (Sally Kellerman), who has a real fixation for rules and military discipline and earns the nickname “Hot Lips” after her “brief encounter” with the righteous Major is aired over the public address system…

The movie is based on the 1968 novel MASH: A Novel About Three Army Doctors written by Richard Hooker (the pen name for Dr. H. Richard Hornberger and writer W. C. Heinz). The screenplay is by Ring Lardner, Jr, an american journalist and screenwriter blacklisted during the so called “Red Scare” of 1950’s, who, despite earning an Academy Award for Best Adapted Screenplay, distanced himself from the film due to the many changes made by director Robert Altman. In fact, in his peculiar and unorthodox style, Altman used the script as a draft and encouraged improvisation (not an astounding novelty. Gregory La Cava made exactly the same with Stage Door, the beautiful film about theatre world released in 1937), a directing style that caused tension between the director and the cast (apparently during principal photography Gould and Sutherland spent most of their time trying to get rid of Altman), but also produced a film apparently made of loosely linked episodes. To frame them and give the movie more structure, following the suggestion of editor Danford Greene, Altman used loudspeaker announcements making of this gadget another character and the real trademark of this movie.

Sally Kellerman at the premiere of Bette Midle...

Sally Kellerman (Photo credit: Wikipedia)

To avoid any references to the then already underway Vietnam War, 20th Century Fox requested the addiction, at the beginning of the movie, of a caption making clear that the film was set during the previous Korean War (though everybody caught the similarity). Clearly it wasn’t fair to poke fun at the army and its obtuse hierarchy in the middle of a bloody, dirty war that was already causing many protests, not to mention that dead bodies and wounded people were shown in a dirty battlefield hospital whose operating room resembled to a slaughterhouse and whose staff could preserve its mental health in the middle of the war horror only cynically poking fun at everything and everyone, gambling, drinking a glass of martini after the other, and seducing nurses.

M*A*S*H was a huge success. In addiction to the already mentioned Gran Prix du Festival de Cannes and Academy Award for best adapted screenplay M*A*S*H won 4 more Oscar nominations (Best Film; Director; Editing; Supporter Actress – Sally Kellerman), a Golden Globe for Best Motion Picture-Musical or Comedy(and 4 nominations more), many others awards and, in addiction, inspired the very successful TV series M*A*S*H, starring Alan Alda as “Hawkeye” Pierce and broadcasted on CBS from 1972 till 1983 (in Italy the series arrived in 1979 aired on RAI Uno, the first channel of our Pubblic Television). The TV series produced in turn a couple of spin-offs: AfterMASH (only one and a half seasons following the end of MASH) and the quite successful Trapper John, MD, aired from 1979 to 1986 on CBS and showing the M*A*S*H character, but twenty eight years older, working in a San Francisco hospital.

I warn you, I think that M*A*S*H ain’t aged gracefully (frankly there’s too much machismo to my taste), but it’s anyway a worthwatching film.

A few free-assosiated movies you oculd also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Duck Soup – USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operation Petticoat – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Private Benjamin – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.


Attenzione! Il film di questa sera vi mostrerà i migliori chirurghi di guerra intenti a tagliare e ricucire nelle retrovie…

Archiviata la 67a edizione del Festival Internazionale del Cinema di Cannes con la vittoria del film turco Winter Sleep diretto Nuri Bilge Ceylan, vi propongo di rivedere il film che vinse il Gran Prix du Festival (l’odierna Palma D’oro) nel 1970: M*A*S*H, il film satirico diretto da Robert Altman.

1969 Canadian paperback edition of the first book.

MASH: A Novel About Three Army Doctors -1969 Canadian paperback edition of the first book. (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato in un ospedale da campo Americano (Mobile Army Surgical Hospital; MASH per l’appunto) durante la Guerra di Corea, racconta la storia dell’equipe medica che lì lavora. Il Capitano Benjamin Franklin “Occhiodifalco” Pierce (Donald Sutherland), il capitano Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) e il capitano John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) formano un trio di indisciplinati dongiovanni, tutti recentemente richiamati nel Corpo Sanitario Militare dell’esercito degli Stati Uniti, ed in breve tempo riescono a provare che l’abilità nella chirurgia d’emergenza in tempo di guerra è inversamente proporzionale al rispetto delle regole militari. Le vittime preferite dei loro scherzi da caserma (o sarebbe meglio dire da ospedale da campo) sono l’ultra-pio (e poco capace chirurgo) Maggiore Frank Burns (Robert Duvall) e la nuova capo-infermiera del campo, il Maggiore Margaret Houlihan (Sally Kellerman), una vera maniaca del rispetto di regole e disciplina militari, che dopo essere stata sorpresa col virtuoso Maggiore nel corso di un incontro amoroso (diffuso via megafono in tutto il campo) si guadagna il nomignolo di “Bollore”…

Il film è l’adattamento cinematografico del romanzo omonimo di Richard Hooker (pseudonimo di H. Richard Hornberger e Wilfred Charles Heinz) del 1968 (MASH: A Novel About Three Army Doctors, il titolo originale). La sceneggiatura è firmata da Ring Lardner Jr, giornalista e sceneggiatore americano finito nelle liste nere durante il periodo della “Paura Rossa” negli anni ’50, che nonostante la vittoria dell’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale finì col prendere le distanze dal film per le molte modifiche apportate dal regista nel corso delle riprese. In effetti nel suo tipico e poco ortodosso stile Altman, usò la sceneggiatura come un semplice canovaccio incoraggiando l’improvvisazione (non una sconvolgente novità visto che Gregory La Cava, ad esempio, aveva già fatto la stessa cosa con Palcoscenico, il film sul mondo del teatro da lui diretto nel 1937), e questa scelta causò una certa tensione tra lui e il cast (a quanto pare durante le riprese Gould e Sutherland dedicarono gran parte del loro tempo al tentativo di far licenziare il regista), e rese il film piuttosto frammentato, composto di una serie di episodi un po’ slegati. Su suggerimento del montatore Danford Greene, Altman decise quindi di usare gli annunci dell’altoparlante del campo per dare maggiore unità alla storia, facendo di quell’aggeggio uno dei protagonisti e il “marchio di fabbrica” del film.

English: Publicity photo from the M*A*S*H seas...

English: Publicity photo from the M*A*S*H season premiere, 1974. Pictured are: Loretta Swit, Larry Linville, Wayne Rogers, Gary Burgoff, Alan Alda (driver of jeep), and MacLean Stevenson. (Photo credit: Wikipedia)

Fu invece per evitare ogni diretto riferimento alla guerra del Vietnam, in quel momento ancora lontana da una soluzione, che la 20th Century Fox richiese un’esplicita menzione nei titoli di testa del fatto che il film fosse ambientato durante la precedente Guerra di Corea (anche se a nessuno sfuggirono le similitudini tra le due guerre). Evidentemente mentre una sanguinosa, sporca e contestatissima guerra era in corso non stava bene prendere in giro l’esercito e l’ottusità delle sue gerarchie, per di più mostrando morti e feriti in un ospedale da campo lurido e tanto somigliante a una macelleria in cui l’unico modo per tenersi sani di mente di fronte a tanto orrore era prendersi gioco cinicamente di ogni cosa, bere litri di martini, giocare d’azzardo e sedurre le infermiere.

M*A*S*H fu un successo di critica e pubblico. Oltre ai già citati Gran Prix del Festival di Cannes ed all’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale si guadagnò altre 4 nomination all’Oscar (miglior film; regia; montaggio e attrice non protagonista – Sally Kellerman), il Golden Globe come miglior film nella categoria commedie e musical (oltre ad altre quattro nomination), tutta una serie di altri premi e fu d’ispirazione per la fortunatissima serie televisiva, M*A*S*H, con protagonista Alan Alda nel ruolo di “Occhiodifalco” Pierce, trasmessa in America su CBS dal 1972 al 1983 (in Italia su RAI Uno dal 1979). La serie a sua volta produsse un paio di spin-off: AfterMASH (una stagione e mezza iniziate dopo la fine della serie principale) e Trapper John, serie trasmessa con successo dal 1979 al 1986 nel quale il personaggio di M*A*S*H, invecchiato di ben 28 anni, è medico in un ospedale di San Francisco (anche questa fu trasmessa in Italia prima da RAI Uno e poi da Canale 5).

Vi avverto, a mio parere M*A*S*H non è invecchiato molto bene (il machismo è a tratti insopportabile) ma vale comunque la pena di rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Guerra Lampo dei Fratelli Marx– USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operazione Sottoveste – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Il dottor Stranamore – Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Soldato Giulia agli ordini – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.

Enhanced by Zemanta

Thank God, it’s (almost) Sunday…

“What else can we do on Sunday?”

Thomas Crown

From: The Thomas Crown Affair – 1968

Today, with voters casting their balots in UK and Netherlands, starts the European election, which means that, thanks heaven, in Italy too the most indecent and coarse campaign in decades (at least the most indecent I can remember) is about to come to an end. A man banned from taking public office (MrB) is campaigning; the internet guru (Mr Grillo) almost proudly compares himself to Hitler (but than tries to fix up things), enlists in his movement poor Mr Berlinguer (the Italian Communist Party leader from 1972 till his death in 1984 who “broke” with Soviet Union and talked about morality in politics) and launched an obscene internet “popular” trial (he estimate it will last at least one year) in which journalists, politicians and (new entry) businessmen will be judged on his HolyBlog by a jury made of 5Starsmovement “certified” members (the crème de la crème of moral rectitude); the youngest Prime Minister in the Italian history (Mr Renzi) who takes advantage of his government action to campaign, doesn’t miss an electoral meeting, twitters like a teenager and takes part in the competition made of insults but then says the European election got nothing to do with the destiny of his government; and the other competitors? Well, apparently they are lost in a very thick fog because they are almost disappeared from the media coverage…

Anyway, very, very reluctantly I have to join young Mr Renzi to launch an appeal to my compatriots: on Sunday do as you wish, but please do not vote for a buffoon…

and please don’t stare at my words that way, I know… it’s a mission (almost) impossible.

“Cos’altro potremmo fare domenica?”

Thomas Crown

Da: Il Caso Thomas Crown – 1968

Oggi in Gran Bretagna e Paesi Bassi si è iniziato a votare per il rinnovo del Parlamento Europeo, questo significa che anche nel nostro paese siamo finalmente arrivati alle battute finali della più indecente e sguaiata campagna elettorale degli ultimi decenni (sicuramente la più indecente che io ricordi). Un interdetto che fa campagna elettorale; un santone della Rete che si vanta di somigliare a Hitler (salvo aggiustare il tiro in corsa) e poi arruola nel suo movimento il povero Berlinguer ma non prima di aver lanciato l’osceno processo popolare mediatico a giornalisti, politici e (nuova entrata) industriali rei dello sfacelo del paese che saranno giudicati sul SacroBlog da un manipolo di pentastellati “certificati” (la crème de la crème della rettitudine morale); il più giovane presidente del consiglio di tutti i tempi che usa ed abusa dell’azione del suo governo per far campagna elettorale, gira per comizi come una trottola, twitta, e partecipa alla gara di insulti ma poi dice che il risultato elettorale non avrà nulla a che fare con la tenuta del suo governo; e tutti gli altri contendenti inghiottiti da una spessissima nebbia e praticamente spariti dall’orizzonte…

Devo però a malincuore unirmi al giovane Renzi per farvi un appello: domenica fate quello che ritenete più giusto, ma per favore non votate per i buffoni…

e non fate quella faccia, lo so anch’io che è un’impresa quasi impossibile.

Related articles/articoli correlati:


My weekend movie: To Catch a Thief (1955)


To Catch a Thief (Caccia al ladro) – USA 1955

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring:  Cary GrantGrace KellyJessie Royce Landis;  John Williams;

Brigitte Auber.

“The” Blonde, the thief and the French Riviera.

The 67th Cannes Film Festival opened this week with the long delayed Grace of Monaco, the biopic directed by Olivier Dahan and starring Nicole Kidman as Grace Kelly the Hollywood star who became a Princess.

To Catch a Thief (Photo Credit: Wikipedia)

The film, focused on the period when the ex-actress had to reject the Hitchcock’s offer to star as the frigid compulsive thief in Marnie because of the Monaco national interest, enraged the Monaco royal family (Albert II, Prince of Monaco, the reigning monarch of the Principality of Monaco, is the first-born son of Rainier III, Prince of Monaco, and the American actress) and was slammed by critics (the most generous called it “a timeless camp classic”) but provides a pretext to watch once again To Catch a Thief the 1955 film directed by the master of suspense, set in the French Riviera and starring Grace Kelly and Cary Grant.

To Catch a Thief tells about John Robie “the cat” (Cary Grant), a retired cat burglar who used to “work” in France before WWII. Once caught, he escaped the prison after a bombing and joined the underground becoming a resistance hero a fact that grated him the freedom on parole. Now he has to momentarily leave his villa and his vinyard on the French Riviera to unmask a thief who’s imitating his “style” and menacing his freedom. With the help of a Lloyd’s of London’s insurance agent (John William), an eccentric millionairess (Jessie Royce Landis) and her charming and elegant daughter Francie (Grace Kelly), Robie will try and catch the new “cat”…

SPOILER ALERT: if, because of a mysterious astral conjunction, you’ve never cross paths with this movie, you better go and fetch a copy immediately, otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

In his long conversation with Truffaut, Hitchcock called To Catch a Thief, the picture loosely based on a novel by David Dodge, a light-hearted movie, and in fact both story and setting, the Arsenio Lupin-like thief, the French Riviera, the Grand Hotel, the witty conversations and naughty situations (causing some headaches to the cemsors, preoccupied with the correct timing of dissolving kisses) remind to Lubitsch‘s world and screwball comedies.

English: Screenshot of Grace Kelly and Cary Gr...

Grace Kelly and Cary Grant in To Catch a Thief (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, To Catch a Thief mixes humour and lots of the typical hitchcockian elements:

first of all Robie, the retired “cat”, is the innocent man wrongly accused; then the whole ex-underground gang is a bunch of characters that cannot be trusted; but above all the Blonde is a sensation and the whole fuss over the stolen jewels is just a mega-McGuffin (if you don’t know yet what a McGuffin is, Hitchcock himself will explain it to you HERE).

Hitchcock seems in fact little interested in catching the false “cat”, and the solution of this mystery is quite obvious: ok, the new cat is a girl, but you can smell it in the air since the young and mischievous Danielle Foussard (Brigitte Auber), the daughter of one of the old resistance mates now so hostile, appears for the first time on screen…. The thief Hitchcock wants to see caught is instead Robie himself and the one who’s chasing him is Francie, who hunts implacably the man who could be her father (after all the girl has lost his father, it’s her right to suffer from oedipus complex) till his final capitulation in a ending that Hitchcock called in his typical humour “almost tragic”: the ex-thief, who dared to confess he stole jewels to live the easy life, will marry the charming heiress and will live (probably the rest of his life) with his mother in law.

English: Screenshot of Grace Kelly and Cary Gr...

Fire behind a cold surface (Photo credit: Wikipedia)

To launch this special manhunt Hitchock could count on his favourite alter ego Cary Grant, who thanks to this movie decided to postpone his retirement, and above all on his favourite blonde, Grace Kelly, who’s here at her third and final collaboration with him. Hitchcock thought that suspense, surprise was fundamental in sex like in any other thing in life and if the protagonists of his movie were sex-bombshells like Marilyn, Brigitet Bardot, Sophia Loren or Jane Rusell, the sex written on their faces would have spoilt the suprise. In To Catch a Thief, as ìn the previous Dial M for Murder and Rear Window, Grace Kelly is instead the perfect embodiment of Hitchock’s ideal woman: a very elegant, sophisticated woman, a lady who’s able to become a whore once in the bedroom (Hitchcock’s words). Inner fire behind a cold surface.

Obviously, though Hitchcock thought the only interesting thing about this film were his troubles with Technicolor (he was dissatisfied with the shadow of blue in the night sky), much more could be said about the picture and its making, the beautiful costumes designed by Edith Head, the casting, the shooting on location in France (no, Grace didn’t meet her Prince in that occasion), the troubles with the French cast… and if you want to know more about that you could visit the Hitchcock Wiki at this link:

But more important, you should watch To Catch a Thief  to meet the perfect Hitchcock blonde and to watch once again Grace Kelly, the one and only, in action.

A few free-associated movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Trouble in Paradise – USA 1932 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Herbert Marshall; Miriam Hopkins; Kay Francis; Edward Everett Horton.

Duck Soup – USA 1933 Directed by: Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico e Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Raffles – USA 1939 Directed by: Sam Wood. Starring: David Niven; Olivia de Havilland; Dame May Whitty.

Midnight – USA 1939 Directed by: Mitchell Leisen. Starring: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Maty Astor.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine, Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

The Pink Panther – USA 1963 Directed by: Blake Edward. Starring: Peter Sellers; David Niven; Robert Wagner; Capucine; Claudia Cardinale.

How to Steal a Million – USA 1966 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Peter O’Toole; Hugh Griffith.


“La” Bionda, il ladro e la Costa Azzurra.

Il 67° Festival di Cannes è iniziato questa settimana con la proiezione di Grace of Monaco, il film biografico diretto da Olivier Dahan in cui Nicole Kidman interpreta Grace Kelly, la stella di Hollywood che diventò una principessa.

Wedding dress of Grace Kelly

Grace Kelly in her wedding dress (Photo credit: Wikipedia)

Il film, che racconta del periodo in cui l’attrice per la ragion di stato decise di rinunciare al ritorno sulle scene declinando l’offerta di Hitchcock di intrerpetare l’algida cleptomane Marnie, ha fatto infuriare la famiglia Grimaldi (Alberto II Principe di Monaco, attuale Sovrano del Principato di Monaco, è il figlio primogenito di Ranieri III di Monaco e dell’attrice americana) ed è stato stroncato dalla critica (“classico kitch intramontabile”, “qua e là divertente…peccato non sia una commedia”) ma ci offre comunque un ottimo pretesto per rivedere Caccia al ladro, il film del 1955 diretto dal maestro del brivido e ambientato proprio sulla Costa Azzurra che ha per protagonisti la Kelly e Cary Grant.

Caccia al ladro parla di John Robie “il gatto” (Cary Grant), un ex ladro acrobata americano attivo in Francia prima della guerra e ritiratosi da anni sulla Costa Azzurra dopo aver beneficiato della libertà sulla parola per aver partecipato alla resistenza francese, che deve momentaneamente rinunciare alla quiete dei suoi vigneti per smascherare un ladro che lo imita facendogli rischiare la prigione. Con l’aiuto di un agente delle assicurazioni Lloyd’s di Londra (John Williams), di un’eccentrica milionaria Americana (Jessie Royce Landis) e della sua bella ed elegante figlia Francie (Grace Kelly) Robie cercherà di catturare il nuovo “gatto”…

ATTENZIONE SPOILER: Se per colpa di una qualche strana congiunzione astrale non vi siete mai imbattuti in questo film, vi consiglio di procurarvene una copia ora, oppure proseguite la lattura a vostro rischio e pericolo…

Nella sua lunga conversazione con Truffaut, Hitchcock definì Caccia al ladro, libera trasposizione cinematografica di un romanzo del 1952 di David Dodge, un film piuttosto leggero, ed infatti sia la storia che la sua ambientazione, il ladro all’Arsenio Lupin, la Costa Azzurra, il Grand Hotel, gli scambi di battute brillanti e le situazioni piccanti (che causarono grattacapi ai censori preoccupati del perfetto tempismo di baci e provvidenziali dissolvenze) ricordano il mondo di Lubitsch e la commedia sofisticata.

To Catch a Thief (1955) features Hitchcock on ...

Hitchcock’s cameo in To Catch a Thief (Photo credit: Wikipedia)

Eppure Caccia al Ladro contiene mescolati a una certa dose di humour tutti i tipici elementi del cinema hitchcockiano:

innanzitutto Robie, il “gatto” in pensione, è il classico uomo innocente ingiustamente accusato, poi l’intera ex-banda con cui Robie ha combattuto durante la resistenza si rivela un insieme di personaggi di cui è bene non fidarsi; la bionda è sensazionale e tutta la storia intorno ai gioielli rubati non è altro che un mega-McGuffin (se ancora non sapete cosa sia ve lo spiega Hitchcock QUI, oppure potete leggerlo QUI).

Hitchcock infatti sembra poco interessato alla caccia al finto “gatto”, che del resto si risolverà senza troppe sorprese: ok il gatto è una ragazza, ma si capisce appena entra in scena Danielle Foussard (Brigitte Auber), la figlia di uno qi quegli ex compagni di resistenza che sembrano tanto ostili, che quella giovane e maliziosa  francese non la racconta giusta….

Cary and Grace in To Catch a Thief, 1955

Tha Cat has been caught(Photo credit: thefoxling)

In realtà il ladro a cui dare la caccia, quella caccia a cui Hitchcock è interessato sul serio, è proprio Robie e la cacciatrice è Francie, che si mette alle costole del fascinoso “gatto” che potrebbe tranquillamente essere suo padre (del resto la ragazza è orfana di padre, può permettersi un bel complesso edipico) e lo bracca implacabile fino alla sua definitiva capitolazione in quello che, con il suo tipico humour, Hitchcock definisce un finale quasi tragico: all’orizzonte per l’ex ladro, che non si vergogna di confessare di aver rubato per permettersi la bella vita, si prospettano matrimonio e convivenza con la suocera (presumibilmente finché morte non li separi).

Per questa specialissima caccia al ladro Hitchcock ha a sua disposizione il suo alter ego preferito Cary Grant, convinto proprio da questo film a posporre di qualche anno il suo ritiro dalle scene, e soprattutto la sua bionda preferita, Grace Kelly, qui al suo terzo e ultimo film con lui. Per Hitchcock la suspense doveva comandare ogni cosa, anche il sesso e quindi le protagoniste dei suoi film non potevano certo essere bombe sexy come Marilyn, la Bardot, la Loren o Jane Russell, non ci sarebbe stato alcun mistero. Grace Kelly invece in Caccia al Ladro è, forse persino in maniera un po’ più esplicita che nei precedenti Il Delitto Perfetto e La Finestra sul Cortile, la perfetta incarnazione del suo ideale di donna: una donna di mondo, apparentemente fredda elegante e sofisticata, una vera signora capace di diventare una puttana (sono parole del maestro) in camera da letto. Fuoco che arde dietro a una superficie gelida.

Ovviamente, anche se secondo Hitchcock la sola cosa interessante da dire su questo film riguardava i suoi problemi tecnici col Technicolor (proprio non gli piaceva il tono del blu nel cielo notturno), molto altro si potrebbe dire sulla sua realizzazione, sui bei costumi disegnati da Edith Head, sulla scelta degli attori, le riprese in Francia (che no, non furono galeotte, Grace Kelly non conobbe  Ranieri in quell’occasione) o i problemi col cast francese…quindi se volete saperne di più potete consultare il sito Hitchcock Wiki a questo link:

Quello che conta però è rivedere Caccia al ladro per scoprire la perfetta bionda hitchcockiana e per vedere ancora una volta Grace Kelly, quella vera, in azione.

Alcuni film liberamente associati che potrebberopiacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Mancia Competente – USA 1932 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Herbert Marshall; Miriam Hopkins; Kay Francis; Edward Everett Horton.

La Guerra Lampo dei Fratelli Marx – USA 1933 Diretto da: Leo McCarey. Con: Groucho, Harpo, Chico e Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Raffles – USA 1939 Diretto da: Sam Wood. Con: David Niven; Olivia de Havilland; Dame May Whitty.

La Signora di Mezzanotte – USA 1939 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Maty Astor.

Rebecca-La prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine, Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

La Pantera Rosa – USA 1963 Diretto da: Blake Edward. Con: Peter Sellers; David Niven; Robert Wagner; Capucine; Claudia Cardinale.

Come rubare un milione di dollari e vivere felici – USA 1966 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Peter O’Toole; Hugh Griffith.

Enhanced by Zemanta

A conspiracy

“Conspiracy theorists of the world unite.”

Robert Clayton Dean

From: Enemy of the State – 1998

Thanks heaven sometimes someone writes a new book that rehabilitate poor MrB(erlusconi)’s honour.

This time MrB’s rescuer is nonetheless Mr Timothy Geithner, US Secretary of the Treasury under President Obama between 2009 and 2013, who wrote in the recently published book Stress Test that in autumn 2011 a few unidentified European officials tried to involve the USA in a plot to end the government lead by MrB. The greatest statesman in the Italian history reacted to the news with his usual composure shouting that he was overthrown in a putsch and asking for a parliamentary inquiry…

Are you having a feeling of déjà vu? Well, in fact something similar already happened a few months ago when, in a book titled Ammaziamo il Gattopardo (Kill the Leopard), the American journalist Alan Friedman wrote about an international conspiracy involving President Giorgio Napolitano and a number of European leaders and meant to get rid of MrB and replace him with Mario Monti (the evidence was, according to Friedman, the fact that months before MrB’s resignation President Napolitano asked to Mr Monti if he could be interested in forming a possible technocrats government in the future…)

Once again it could be useful to refresh your memory about 2011 events. In summer 2011 while our dear MrB repeated that the crisis was just a leftist pessimistic fixation, IMF and ECB, fearing the Greek crisis contagion, were asking to the Italian government for concrete measures to cut the debt. In autumn 2011 during the G20 meeting in Cannes some Countries tried to persuade Italy to accept an IMF loan (and therefore its supervision on our economic policy). In the same occasion the German Chancellor Angela Merkel and the French President Nicolas Sarkozy got rid of the greatest statesman in the Italian history with a mocking smile (laughing at the whole Country and showing a complete disregard…) during a press conference (HERE)… In the meanwhile MrB’s government was constantly threatened to come to an end because of troubles on the right-wing coalition and because of the greatest statesman’s judiciary troubles…

Mr Geithner should clarify his not very surprising revelations but, anyway, his incredible sense of timing is truly praiseworthy: his book arrived just in time to revive MrB’s European election campaign. Unfortunately it also prick the bubble of the great statesman respected all over the world…

“Teorici della cospirazione di tutto il mondo unitevi.”

Robert Clayton Dean

Da: Nemico Pubblico – 1998

Meno male che ogni tanto qualcuno scrive un libro capace di riscattare il macchiato onore del povero MrB.

Questa volta ci ha pensato nientepopodimeno che Timothy Geithner, tra il 2009 e il 2013 segretario al Tesoro degli Stati Uniti, che nel suo nuovo libro Stress Test (uscito in questi giorni) ha rivelato che nell’autunno 2011, nei giorni dello spread stellare alcuni (a quanto pare non meglio identificati) “funzionari europei” l’avrebbero avvicinato per proporgli un piano per far cadere il governo legittimamente eletto presieduto da MrB, il più grande statista italiano di tutti i tempi che, con la sua consueta garbata pacatezza, ha reagito gridando al golpe e chiedendo una commissione d’inchiesta parlamentare…

Provate una sensazione di dèjà vu? Beh, in effetti qualcosa di simile era già successo qualche mese fa quando in un altro libro, Ammazziamo il Gattopardo, il giornalista americano Alan Friedman evocò un complotto internazionale ordito dal Presidente Napolitano in combutta con le cancellerie di mezza Europa per eliminare dalla scena politica MrB e sostituirlo con Mario Monti sondato (e questa sarebbe la prova regina del complotto) fin dal giugno del 2011…

Ancora una volta va ricordato a chi avesse problemi di memoria che nell’estate del 2011 mentre per il buon MrB la crisi esisteva solo nelle teste dei pessimisti di sinistra, FMI e BCE, allarmati dal pericolo di contagio della crisi Greca, chiedevano all’Italia di adottare misure concrete per tagliare il debito pubblico. Nell’autunno del 2011 al G20 di Cannes, nel corso del quale alcuni paesi avrebbero voluto che l’Italia accettasse un prestito del FMI (e finisse così sotto tutela), Angela Merkel e Nicolas Sarkozy liquidarono con un paio di sorrisini beffardi il più grande statista italiano di tutti i tempi (sbertucciando senza ritegno e rispetto tutto il nostro paese) di fronte alle telecamere di tutto il mondo nel corso di una conferenza stampa… Nel frattempo l’esistenza del governo Italiano era costantemente minacciata da problemi tutti interni alla coalizione di centro destra che lo sosteneva e dai guai giudiziari del grande statista che lo presiedeva…

Le poco sorprendenti “rivelazioni” di Geithner necessiterebbero di qualche precisazione, ne va lodato però l’eccezionale tempismo: arrivano giusto in tempo per rianimare la campagna elettorale di MrB, peccato che smascherino una volta per tutte la balla dello statista universalmente rispettato…

Related articles/articoli correlati:

To refresh your memory:

Enhanced by Zemanta

My weekend movie: This Above All (1942)

This Above All 1942

This Above All (Sono un Disertore) – USA 1942

Directed by: Anatole Litvak.

Starring: Joan Fontaine; Tyrone Power; Thomas Mitchell; Nigel Bruce; Gladys Cooper; Philip Merivale.

A pleasant surprise

Sometimes a film may surprise you, exactly the effect that had on me This Above All the war romance, directed by Anatole Litvak in 1942 and based on the 1941 novel written by Eric Knight, I (incredibly) only recently discovered .

This Above All (film)

This Above All (film) (Photo credit: Wikipedia)

The film set in England at the beginning of WWII, after the battle of France and the Dunkirk evacuation (between May and June 1940), tells about love, class conflicts, courage and patriotism.

The protagonists are Joan Fontaine, who had just won an Oscar for Hitchcock’s Suspicion and wasn’t very happy to play in this movie, and Tyrone Power, the dark and handsome who was about to enlist in the Marine Corps. They play the young upper-class girl Prudence Cathaway, who joins for an almost childlike patriotism the Woman’s Auxiliary Air Force (WAAF) defying conventions and her family, and the young working-class guy Clive Briggs, who quite inexplicably is not wearing a uniform. They meet thanks to a blind date (probably the blindest date ever, seeing that it happens during a war black out and they can hardly see each other) a Prudence’s friend organized. They decide to meet again in the sunlight, they like each other in spite of those class differences Prudence seems to ignore and Clive is obsessed with, and finally end by going together in Dover to spend there the first Prudence’s licence. During this (very unseemly) vacation the girl discovers that Clive is in fact a soldier and a courageous one too (so one of his comrade they meet there tells her) who had been in Dunkirk. But Clive doesn’t want to talk about war at least until he reveals to Prudence how he’s disgusted by the way war is run by generals (all coming from upper-class) and by the fact that not even war is able, and never will be, to break the classism pervading the British society. Prudence puts all her heart in a passionate patriotic speech, but she seems unable to move Clive who still believes there’s no point in fighting a war that won’t change the society in its foundations. One day waking up the girl discovers that Clive has gone leaving a letter telling he’s not going to join the regiment. He’s now a deserter. Obviously a story written and turned into a movie in wartime can’t end this way, so after a while Clive comes to his senses and decides to return to his regiment but first he wants to marry Prudence… Once again very obviously, a series of unfortunate events obstruct his path. First an arrest followed by a temporary release (because of previous heroism), then a bombing, an emergency operation performed by Prudence’s father (I forgot to tell you he’s a very respected surgeon…), a marriage in (almost)extremis, the final repentance. The only thing that remains a bit obscure is Clive’s final destiny.

Tyrone Power, Motion Picture magazine, Septemb...

Tyrone Power, from Motion Picture magazine, September 1940 (Photo credit: The Bees Knees Daily)

What really surprised me was the way Clive, the deserter, is described: he’s not a shady and coward little man who only thinks to save himself, but a handsome, courageous guy and above all he’s also an idealist maybe a bit disillusioned. His unpatriotic behaviour is the product of a society in which social injustice is the rule and that idea is repeated more than once. What makes him change his mind is Prudence’s love (well, maybe…) and the fact that now the Nazis are the enemies to beat: for class struggle there will be time later.

Not very surprising was to discover that This Above All had many troubles with censorship, but unexpectedly it seems that censors were not worried about the too pleasant deserter or the continuous talking of class conflicts (these sort of things will become serious problems a decade later with the spread of the red scare), something else captured their attention: the affair between two young unmarried people. Apparently in Eric Knight’s novel everything was a great deal more explicit and the result was Prudence’s pregnancy (and here is the reason why an improvised marriage was needed …). The script had to be revised many times to meet the Production Code Administration‘s requirements, and that’s the reason why now we can see Prudence and Clive sleeping in separate rooms in Dover and we are forced to use our imagination to guess what they will do during the bombing when they are passing the night in the same room. Clearly, war couldn’t beat social iniquity (on the contrary…), and was powerless against Hollywood stupid censorship too.

But if this movie has some fault, is not the censorship to be blamed for. The film weakens a bit in its final part, it becomes a bit too predictable, too many troubles for our young heroes while too much propaganda determines Clive’s actions… but after all there was a war going on.

Anyway, This Above All is a surprisingly delightful movie you will love if you love romance.

Enjoy it (you’ll easily find it on DVD).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dark Journey – UK 1937 Directed by: Victor Saville. Starring: Vivien Leigh; Conradt Veidt; Joan Gardner.

Waterloo Bridge – USA 1940 Directed by: Mervyn Leroy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Lucille Watson.

Mrs Miniver USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Witty; Henry Travers; Richard Ney.

Casablanca – USA 1942 directed by: Michael Curtiz. Starring: Humphrey Bogart; Ingrid Bergman; Paul Henreid; Claude Rains; Conradt Veidt; Peter Lorre; Sydney Greenstreet.

Cold Mountain USA 2003 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Jude Law; Nicole Kidman; Renée Zellweger; Philip Seymour Hoffman.

Atonement UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Nightley; James McAvoy; Vanessa Redgrave; Saoirse roan; Romola Garai.


Una bella sorpresa.

A volte un film può sorprendervi, proprio come mi ha sorpresa piacevolmente Sono un disertore (This Above All), il romantico film di guerra diretto da Anatole Litvak nel 1942 e tratto dal romanzo omonimo di Eric Knight (l’autore di Lassie) del 1941, che ho scoperto solo di recente (possibile?).

Il film ambientato in Inghilterra all’inizio della Seconda Guerra Mondiale, dopo la battaglia di Francia e l’ evacuazione di Dunkerque (tra maggio e giugno 1940), parla d’amore, conflitti di classe, coraggio e patriottismo.

English: Gary Cooper and Joan Fontaine holding...

Gary Cooper and Joan Fontaine holding their Oscars at an Academy Awards after party in 1942. (Photo credit: Wikipedia)

I protagonisti del film sono Joan Fontaine, che aveva appena vinto un Oscar per Il Sospetto di Hitchcock ed accettò con una certa riluttanza l’ingaggio, e Tyrone Power, il bel tenebroso che pochi mesi dopo l’uscita del film si arruolerà nei marines. Qui interpretano la giovane e aristocratica Prudence Cathaway che per una sorta di infantile patriottismo si è arruolata nei corpi ausiliari dell’aeronautica (Woman’s Auxiliary Air Force – WAAF) sfidando e convenzioni e la sua famiglia e il giovane proletario Clive Briggs che inspiegabilmente non veste invece nessuna uniforme. I due si incontrano grazie a un appuntamento al buio (davvero al buio visto che c’è l’oscuramento) organizzato da una compagna di Prudence. Decidono di rivedersi alla luce del sole, si piacciono nonostante le differenze di classe che non sembrano pesare alla ragazza ma che disturbano assai Clive, e finiscono coll’andare a Dover per passare assieme la prima licenza di Prudence. Durante questa (assai sconveniente) vacanza Prudence scopre che Clive è un soldato e che si trovava a Dunkerque. Un commilitone del ragazzo incontrato sul posto lo dipinge come un eroe, ma lui rifiuta di parlare della guerra almeno fino a quando non rivela alla ragazza del suo disgusto per il modo cui l’esercito viene condotto da incapaci generali provenienti dalla buona società e per il fatto che nemmeno la guerra riesca a scalfire il classismo della società Britannica. Prudence si lancia in un appassionato discorso patriottico, ma Clive continua comunque a pensare che sia inutile combattere in una guerra che non cancellerà le iniquità. Quando una mattina la ragazza si sveglia scoprendo che Clive l’ha lasciata trova una lettera in cui lui le rivela che non ha nessuna intenzione di tornare al suo reparto. Ormai è un disertore. Ovviamente una storia scritta e tradotta in film in tempo di guerra non può finire così e quindi dopo un po’ Clive riacquista la “ragione” e decide di consegnarsi, ma non prima di essersi riabilitato agli occhi dell’amata e di averla sposata… ed altrettanto ovviamente una serie di eventi si metteranno di traverso per ostacolare i suoi progetti: un arresto, un rilascio sulla parola per pregresso manifesto eroismo, un bombardamento, un’operazione d’urgenza eseguita dal padre di Prudence (che non ve l’avevo detto, ma ovviamente è un eminente chirurgo…), un matrimonio in punto di (quasi)morte e il rinsavimento finale di Clive sul cui destino rimane però un incognita.

Anatole Litvak

Anatole Litvak (Photo credit: Wikipedia)

La cosa che mi ha davvero sorpreso è il modo in cui viene descritto Clive, il disertore: non un uomo viscido e pavido che pensa solo a salvarsi la pelle magari a scapito di qualcun altro, ma un bel ragazzo coraggioso e idealista, forse un po’ disilluso. Il suo comportamento poco patriottico è in realtà il prodotto di un Paese in cui regna l’ingiustizia sociale e il concetto è ripetuto più di una volta. A farlo tornare sui suoi passi sono l’amore per Prudence (beh, forse…) e la consapevolezza del fatto che il nemico da battere ora sono i nazisti (che se vincessero sicuramente produrrebbero una società persino più ingiusta): per la lotta di classe ci sarà tempo a guerra finita.

Davvero poco sorprendente è stato scoprire che Sono un disertore ebbe parecchi problemi con la censura ma inaspettatamente, a quanto pare, a preoccupare terribilmente i censori non furono né i ripetuti accenni ai conflitti sociali né il disertore fin troppo piacevole (queste sono questioni che preoccuperanno molto di più i censori nella decade successiva), ma altro: la sconveniente relazione tra due giovani non sposati! Nel romanzo di Eric Knight (che francamente a questo punto mi piacerebbe leggere ma che proprio non riesco a trovare in giro) la relazione tra Prudence a Clive era narrata in maniera più esplicita e finiva col produrre una gravidanza indesiderata (ecco perché dovevano sposarsi…). Il copione fu riscritto più volte fino a che non fu ritenuto accettabile dalla Production Code Adminitration, e questo è il motivo per cui ora noi possiamo vedere Prudence e Clive che a Dover dormono in camere rigorosamente separate mentre quello che fanno quando si ritrovano abbracciati (e quindi entrambi nella stessa stanza!) durante un bombardamento viene lasciato alla nostra immaginazione. Evidentemente la guerra non solo non era in grado di modificare gli assetti sociali, ma nemmeno di ammorbidire un po’ la bacchettona censura Hollywoodiana.

Va detto però che se il film ha qualche difetto la colpa non va data alla censura. Sono un Disertore si “sgonfia” un po’ nel finale, diventa un po’ troppo prevedibile con tutta quella sequela di sventure che minacciano il futuro dei due innamorati ma soprattutto con le massicce iniezioni di propaganda che teleguidano le azioni del buon Clive. Ma in fondo si era in tempo di guerra, sarebbe stato difficile evitarlo.

Comunque Sono un Disertore rimane un film sorprendentemente delizioso che piacerà soprattutto a chiunque possieda uno spirito romantico. Se volete vederlo lo potete tranquillamente trovare in DVD, ma se prima volete farvene un’idea (e l’inglese non è un problema) potete farvi un giro su YouTube.

Buona visione.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Le Tre Spie – UK 1937 Directed by: Victor Saville. Starring: Vivien Leigh; Conradt Veidt; Joan Gardner.

Il Ponte di Waterloo – USA 1940 Directed by: Mervyn Leroy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Lucille Watson.

La Signora Miniver USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Witty; Henry Travers; Richard Ney.

Casablanca – USA 1942 directed by: Michael Curtiz. Starring: Humphrey Bogart; Ingrid Bergman; Claude Rains; Paul Henreid; Peter Lorre; Sydney Greenstreet.

Ritorno a Cold Mountain USA 2003 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Jude Law; Nicole Kidman; Renée Zellweger; Philip Seymour Hoffman.

Espiazione – UK 2007 Directed by: Joe Wright. Starring: Keira Nightley; James McAvoy; Vanessa Redgrave; Saoirse roan; Romola Garai.

Enhanced by Zemanta

As time goes by…

“It’s still the same old story…”


From: Casablanca – 1942

It’s so nice to see how calmly (and detachedly I dare say) the youngest Prime Minister in the Italian history reacted to the news that in Milan 7 people have been arrested for bribery in relation to the organization of EXPO Milano 2015. It is also great to hear that “Politics shouldn’t meddle with the inquiry”.

Among the people arrested there are at least a couple (Stefano Frigerio, former regional secretary of the late Christian Democracy – deceased since 1994 – and Primo Greganti ex member or late PCI) linked to the old inquiry called Tangentopoli (from tangente = bribe) that caused in early 1990’s the end of the so-called First Republic. Which means that unfortunately in our country there are things that never change just like the people who make them.

Frankly, when something like “The image of our Country is not the one connected to inquiries…”, as if corruption is just an irrelevant question (and as if outside our Country nobody notices how our economy is burdened with corruption), is said by the same man (the youngest…) who has a great hurry to change our institutions and who’s changing the labour laws (multiplying precarious jobs) imposing his “job act” whit a series of confidence votes and saying to the Unions, with his usual contemptuous manners, that “now music has changed” (which means: forget that I will consult you), well, I feel a little perplexed.

“E sempre la stessa storia…”


Da: Casablanca – 1942

Fa piacere vedere con quanta serenità (ma verrebbe pure da dire con quale distacco) il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita ha reagito alla notizia che a Milano 7 persone sono state arrestate per reati vari (dalla turbativa d’asta alla corruzione) collegati all’organizzazione di Expo Milano 2015 e conforta una volta tanto sentir dire “La politica non metta il becco nelle indagini”.

Tra gli arrestati figurano almeno un paio di nomi (l’ex segretario lombardo della DC Stefano Frigerio e l’ex PCI/DS Primo Greganti) legati nientepopodimeno che all’inchiesta su Tangentopoli che all’inizio degli anni novanta mandò a gambe all’aria la cosiddetta Prima Repubblica, come dire che nel nostro Paese certe cose non cambiano mai e nemmeno le persone che le fanno.

Francamente sentir dire che “L’immagine del Paese non è quella legata alle indagini giudiziarie…”, come se la corruzione fosse un problema di scarso rilievo (e come se all’estero nessuno si accorgesse del peso che ha sull’economia del nostro paese), dallo stesso uomo che ha una fretta indiavolata di cambiare le istituzioni e che vuole riformare il mondo del lavoro (favorendo il precariato) a colpi di voti di fiducia e invitando sprezzantemente i sindacati a starsene al loro posto che “la musica è cambiata”, lascia un cicinin (già che si parla di Milano…) perplessi.

Related articles/Articoli correlati:

Enhanced by Zemanta

My weekend movie: Sullivan’s Travels (1941)

Sullivan's Travels 1941

Sullivan’s Travels (I Dimenticati) – USA 1941

Directed by: Preston Sturges.

Starring: Joel McCrea; Veronica Lake.

A picture of dignity … but with a little sex in it!

Is cinema art or just entertainment? It should send messages or be pure escapism?

Sullivan's Travels

Sullivan’s Travels (Photo credit: Wikipedia)

In 1941 Preston Sturges, American playwright, screenwriter and film director tried to answer these questions with Sullivan’s Travels, the satirical movie he wrote and directed, a story about films and filmakers. It’s the story of a young director of silly light-hearted comedies, John L. Sullivan (Joel Mc Crea), who wants to become a serious director making a movie talking about the poor and based on “O Brother were art thou?” . To be up to the mark Sullivan decide to experiment the poor’s life on himself and dressed like an hobo, but followed by a sumptuous caravan well equiped (there’s a doctor too, cause art is sacrifice, but the studio thinks there’s no reason to take any risk…) and a girl (Veronica Lake, cause there’s always a girl in the picture, don’t you go to the movies?), goes round the world. When Sullivan thinks he had seen and learnt enough, a real tramp robs him, almost kills him and pushes him on a train ending killed by a train himself. Waking up in a new town Sullivan has lost his memory, assault a station worker, is arrested and ends up in a labor camp. There he discovers, among poor people and jailbirds watching a cartoon in an improvised cinema, that a laugh is as much important as a moral lesson. Finally regained memory and freedom, Sullivan decide to put aside “O Brother Were Art Thou?” to direct a new comedy.

Cropped screenshot of Veronica Lake and Joel M...

Veronica Lake and Joel McCrea in Sullivan’s Travels. (Photo credit: Wikipedia)

Sturges meant Sullivan’s Travels as a reaction to the attitude to abandon the fun in favour of the “message” he thought was possessing his fellow comedy’s screenwriters. He depicts Sullivan as a man who’s dissatisfied with himself, who cannot resist the urge to prove to the whole world he’s a serious filmmaker, an artist. The young director behaves like a sort of mister know-all, who believes he could tell people who they really are and ignores his butler’s advice to leave poor alone and treat poverty as something “to be stayed away from, even for purposes of study”. What Sullivan really ignores (and what’s ignored by those “intellectuals” Sturges wanted to poke fun at) is the fact that there’s a difference between being poor for real and pretend to be poor for a while but knowing you can easily escape poverty (maybe restoring for a while in a very comfortable caravan) when you had had enough. Only a real tragedy could oblige him to come to his senses.

Sullivan’s Travels was written by Sturges with Joel McCrea, in his mind. This took (pleasantly) by surprise the actor he admired for his low profile and malleability and who knew too well that usually the scripts were written for Gary Cooper and only if he was not available turned to him (exactly what happened the previous year with Hitchcok’s spy movie Foreign Correspondent). Not equally easy was the collaboration with Veronica Lake. Though wanted by Sturges, she was not the first choice as “the girl” (who has no name). Barbara Stanwyck was considered, Frances Farmer tested and others suggested by Paramount, but in the end the director had Lake: a doubtful blessing. She proved to be so “difficult” (but also unprofessional, she wasn’t able to remember her lines) that later, when offered to be paired again with her in I Married a Witch McCrea declined saying “Life’s too short for two films with Veronica Lake”. Other troubles arrived when Sturges discovered that the rumors of a Lake’s pregnancy (denied by the actress in order to get the part) were in fact true. Lake was 6 months pregnant when the shooting began: the fisical demand of the role wore her out (though obviously she had a double for the most dangerous scenes), while a special attention to her wardrobe had to be given by costume desiner Edith Head (though in the scenes when she is dressed like a little tramp is impossible not to notice her baby bump) .

Beggars of Life (1928)

Louise Brooks and Richard Arlen in Beggars of Life (1928) (Photo credit: thefoxling)

Once released, some critic called Sullivan’s Travels the most brilliant of the year and some other a mistake, anyway, in many ways, is a film a bit out of time. Sullivan’s Travels in fact arrived a bit too late to describe the aftermath of Great Depression seeing that in fact WWII was going to end the economic crisis (the film was released in december 1941, the same month Pearl Harbor was attacked provocking the intervention of the USA in WWII) and to describe poverty and the poor themselves uses clichés already seen in 1920’s and 1930’s movies (for instance, hobos travelling on freight trains, or Veronica Lake disguised like a hobo who’s the copycat of Louise Brooks in William Wellman’s Beggars of life, a beautiful film dated 1928).

Anyway, Sturges combining comedy (and lot of slapstick) with a bit of realism (especially in the scenes showing shelters or the brutal labor camp that caused the denial of the permission for export the film overseas during wartime) made a film meant to poke fun at the artificial nature of Hollywood industry and above all at message-dealers that delivers us a message: people see enough truth at home, cinema should be made to entertain.

So, in the end, what cinema should be? Art or pure entertainment? Is up to you to decide, anyway Sullivan’s Travels is one of those films you should see at least once in your life.

A few related movies you could also like (Click on the title to watch a clip or the trailer):

Beggars of Life – USA 1928 Directed by: William A. Wellman. Starring: Louise Brooks; Richard Arlen; Wallace Beery.

Modern Times – USA 1936 Directed by: Charles Chaplin. Starring: Charels Chaplin; Paulette Goddard.

My Man Godfrey – USA 1936 Directed by: Gregory La Cava. Starring: William Powell; Carole Lombard; Gail Patrick; Eugene Pallette.

The Postman Always Rings Twice – USA 1946 Directed by: tay Garnett. Starring: Lana Turner; John Garfield; Cecil Kellaway.

The Bicycle Thief (Ladri di Biciclette) – ITA 1948 Directed by: Vittorio De Sica. Starring:LAmberto Maggiorani; Enzo Staiola.

O Brother, Where Art Thou? - USA 2000 Directed by: Joel and Ethan Cohen. Starring: George Clooney; John Turturro; Tim Blake Nelson; John Goodman; Holly Hunter.


Un film serio… ma con un po’ di sesso!

Il cinema è arte o puro intrattenimento? Dovrebbe lanciare messaggi o offrire vie di fuga dalla realtà?

Cropped screenshot of Veronica Lake and Joel M...

Veronica Lake and Joel McCrea from Sullivan’s Travels. (Photo credit: Wikipedia)

Nel 1941 Preston Sturges, commediografo, sceneggiatore e regista americano cercò di dare una risposta a questi dilemmi con I Dimenticati (Sullivan’s Travels il titolo originale), film satirico da lui diretto e sceneggiato che parla del cinema e di chi lo fa. È la storia di un giovane regista di commedie sciocche, John L. Sullivan (Joel McCrea) che vuole dare una svolta alla sua carriera dirigendo un film impegnato tratto dal libro “Fratello dove sei?”. Per essere all’altezza del compito decide di andare per il mondo vestito come un mendicante vivendo alla giornata ma seguito da un caravan pieno di ogni ben di dio (medico incluso, che si dovrà pur soffrire per l’arte ma non si sa mai…e lo studio per cui lavora non vuole rischiare) e accompagnato da una ragazza (Veronica Lake, che la ragazza c’entra sempre, non siete mai stati al cinema?). Quando finalmente crede di aver imparato tutto quello che c’è da sapere sulla povertà viene derubato da un vero mendicante, perde la memoria, viene creduto morto e arrestato per una lite finisce in un campo di lavoro. Solo allora, in un cinema improvvisato in una chiesa, tra i dimenticati, scopre che far ridere è importante quanto impartire lezioni morali. Quando finalmente recupera la memoria e la libertà decide di rinunciare a “Fratello dove sei?” e di girare una nuova commedia.

The plane crash

Joel McCrea, a sobstitute for Gary Cooper in Foreign Correspondent (Photo credit: Wikipedia)

Per Sturges I Dimenticati fu una sorta di reazione alla tendenza che secondo lui sembrava stesse possedendo i suoi colleghi sceneggiatori di commedie: abbandonare il puro divertimento in favore del “messaggio”. Descrive infatti Sullivan come un uomo insoddisfatto, con una fretta del diavolo di provare al mondo intero che lui in realtà è un serio cineasta, un vero artista. Il giovane regista si comporta come uno spocchioso signor so-tutto-io che pensa di poter spiegare agli altri chi sono in realtà, ignorando anche il consiglio del suo maggiordomo (perché il ragazzo è ricco e ha una villa con piscina grande quanto un castello) di lasciare in pace i poveri, che la povertà è una cosa da evitare con cura e da non avvicinare nemmeno per propositi di studio. Quello che Sullivan ignora (e con lui evidentemente tutti gli “intellettuali” che Sturges vuole prendere in giro) è il fatto che una cosa è essere poveri sul serio, un’altra far finta di esser poveri per un po’ ma sapendo che c’è a portata di mano una comoda via di fuga (e un attrezzatissimo caravan in cui rifocillarsi…) quando se ne ha abbastanza. E ovviamente solo un vero dramma può farlo rinsavire.

Sturges scrisse I Dimenticati con Joel McCrea in testa, cogliendo (piacevolmente) di sorpresa quell’attore che ammirava per il suo stile dimesso e per la sua malleabilità e che sapeva fin troppo bene che di solito i copioni venivano scritti per Gary Cooper e solo se lui non era disponibile venivano poi passati a lui (proprio quello che era successo l’anno prima con Il Prigioniero di Amsterdam, il film di spionaggio diretto da Alfred Hitchcock). Non altrettanto semplice fu la collaborazione con Veronica Lake. Anche se voluta dal regista, la Lake non era stata la prima scelta per il ruolo della ragazza (che non ha nome) per l’ostilità della Paramount che aveva preso in considerazione Barbara Stanwyck, testato Frances Farmer e suggerito vari altri nomi. Alla fine però Sturges ottenne la Lake: una dubbia fortuna. Lei confermò la sua fama di attrice “difficile” (ma anche poco professionale, pare non riuscisse prorpio a memorizzare le battute) al punto che più tardi, quando gli fu proprosto di recitare ancora al suo fianco in Ho Sposato una Strega, Joel McCrea declinò l’offerta dicendo “La vita è troppo breve per due film con Veronica Lake”. I veri grattacapi però arrivarono quando Sturges scoprì che le voci su una gravidanza dell’attrice (che lei aveva negato per ottenere la parte) erano vere. La Lake era infatti incinta di sei mesi quando iniziarono le riprese e il ruolo molto “dinamico” che richiedeva un notevole sforzio fisico la stancò molto (anche se ovviamente per le scene più pericolose aveva una controfigura), fu inoltre necessaria un’attenzione speciale al suo guardaroba da parte della costumista Edith Head (anche se nelle scene in cui la Lake è vestita da giovane vagabondo è impossibile non notare il pancione da gravidanza avanzata).

Preston Sturges

Preston Sturges (Photo credit: Wikipedia)

Una volta uscito nelle sale I Dimenticati divise la critica, qualcuno lo definì il film più brillante dell’anno, qualcun altro un’errore. Comunque, per diverse ragioni, si potrebbe definirlo un film fuori dal tempo, arrivato un po’ troppo tardi per descrivere le conseguenze della Grande Depressione che andavano esaurendosi “grazie” alla Seconda Guerra Mondiale (va ricordato che il film uscì nel dicembre 1941, lo stesso mese in cui ci fu l’attacco di Pearl Harbour che provocò l’intervento degli Stati Uniti nel conflitto) e infarcito di cliché sulla povertà e sui poveri già abbondantemente sfruttati dai film degli anni ’20 e ’30 (and esempio i vagabondi che si spostano di città in città sui treni merci, oppure Veronica Lake che travestita da vagabondo è l’esatta copia di Louise Brooks in Beggars of Life, bellissimo film del 1928 diretto da William A. Wellman).

Combinando commedia (senza risparmiare le “torte in faccia”) a un pizzico di realismo (specialmente quando mostra i rifugi per senzatetto o la brutalità del campo di lavoro, un particolare che indusse la censura a impedire la distribuzione all’estero in periodo di guerra) Sturges realizzò un film pensato per prendere in giro l’artificosità di Hollywood, ma soprattutto gli intellettuali ansiosi di lanciare messaggi, ma che finisce col dare comunque un messaggio: la gente vede abbastanza realtà per strada o tra le pareti di casa, quando va al cinema vuole solo divertirsi.

E allora, cosa dovrebbe essere il cinema? Arte o puro intrattenimento? A voi l’ardua sentenza, in ogni caso, comunque la pensiate, I Dimenticati è uno di quei film che dovreste vedere almeno una volta nella vita.

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Beggars of Life – USA 1928 Diretto da: William A. Wellman. Con: Louise Brooks; Richard Arlen; Wallace Beery.

Tempi Moderni – USA 1936 Diretto da: Charles Chaplin. Con: Charels Chaplin; Paulette Goddard.

L’impareggiabile Godfrey – USA 1936 Diretto da: Gregory La Cava. Con: William Powell; Carole Lombard; Gail Patrick; Eugene Pallette.

Il postino suona sempre due volte – USA 1946 Diretto da: tay Garnett. Con: Lana Turner; John Garfield; Cecil Kellaway.

Ladri di biciclette – ITA 1948 Directed by: Vittorio De Sica. Starring:LAmberto Maggiorani; Enzo Staiola.

Fratello, dove sei? - USA 2000 Directed by: Joel and Ethan Cohen. Starring: George Clooney; John Turturro; Tim Blake Nelson; John Goodman; Holly Hunter.

Enhanced by Zemanta


“It gives one a feeling of solidarity,

almost of continuity with the past, that sort of thing.”

Tiffany’s salesman

From: Breakfast at Tiffany’s – 1961

This morning reading the newspaper la Repubblica…

First page: Berlusconi show, attack on Napolitano “He had to grant me the Presidential Pardon” (writer’s note: in reference to his conviction for tax fraud) / If this is a statesman.

Page 2: Berlusconi attacks the President “To grant me the Pardon was Napolitano’s duty” / The Presidential coldness and the april 2 meeting: “The conditions have not changed, there’s any initiative from me.”

Page 3: On friday the ex-premier will make his community service début.

Page 4: “Escorts, the president’s women-object” /Ms Daddario: I told the truth about that night.

Ad’s intermission.

Page 6: Merkel cold with Berlusconi “His statement about concentration camps is absurd”. Junker: “I feel disgusted” / The EPP’s anti-Silvio front: “After the European election we should start the expulsion procedure”. (w.n. During last weekend MrB said that in Germany they deny the concentration camps existence)

Wow… I was so overwhelmed with all this that I had to stop and couldn’t help thinking:

“Oh my…what an extraordinary man!!! All this thoughts and troubles, the red judges, President Napolitano’s unreasonable hostility, the whole Europe unable to understand his exquisite sense of humour… and against all odds he’s still there! Anybody else would give up feeling defeated but not him… every day on TV campaigning for European election… such an extraordinary thing, for a man banned from taking public office! Not to mention he’s a man of a certain age… How he does it?!?!!?

To have an answer I only had to wait till page 9, the one dedicated to the “indispensable” reforms our young Prime Minister is planning:

Renzi’s mediation: “I’ll keep the Democratic Party unite and full speed ahead with Forza Italia” (w.n.: which means MrB support is fundamental to realize his plans).

Then someone believes there’s no solidarity between different generations!

“È una cosa che dà un senso di fiducia.

Direi di continuità tra il passato e il presente”

Commesso di Tiffany

Da: Colazione da Tiffany – 1961

Stamattina leggendo la Repubblica

Prima pagina: Berlusconi show, attacco a Napolitano: “Doveva graziarmi.” / Se questo è uno statista.

Pagina 2: Berlusconi spara sul Colle “Concedermi la grazia un dovere di Napolitano” /Il gelo del Quirinale e l’incontro del 2 aprile “Condizioni non cambiate, non c’è una mia iniziativa”.

Pagina 3: Venerdì l’esordio dell’ex premier ai servizi sociali.

Pagina 4: “Escort, le donne oggetto del Cavaliere” / La Daddario: su quella notte ho detto la verità.

Pausa pubblicitaria.

Pagina 6: Merkel gela Berlusconi “Frase sui lager assurda”. E Junker: “Digustato”/ Il fronte anti-Silvio nel PPE “Dopo il 25 maggio procedura d’espulsione” .

E a questo punto, sopraffatta, mi fermo e non posso proprio fare a meno di pensare:

“Che uomo starordinario! Tutti sti guai, sti pensieri, la magistratura rossa che lo perseguita, il Presidente della Pepubblica che lo sabota, l’Europa tutta che non capisce il suo delicato sense of humour… e lui contro tutto e tutti è ancora lì! Chiunque altro avrebbe gettato la spugna e lui invece… tutti i giorni in TV a fare campagna elettorale, che poi è pure una cosa singolare per uno interdetto dai pubblici uffici! E ha pure una certa età… Ma come fa??!?!?”

Per avere una risposta però mi è bastato arrivare a pagina 9 dove si parla delle inderogabili riforme: La mediazione di Renzi “Posso tenere unito il PD e avanti con Forza Italia”.

E poi c’è chi crede che ormai non ci sia più solidarietà tra le generazioni! Queste sono cose che danno un senso di fiducia…

Related articles/articoli collegati:

Berlusconi comments on WW2 death camps spark German anger (

Berlusconi senza freni: “Merkel? Aridatece Kohl”. Nuovi attacchi a giudici e Colle (

Berlusconi in tv, nemmeno uno spettatore in più (

Berlusconi, nuovi attacchi a giudici e Colle. Frasi su affidamento a vaglio Sorveglianza (

My weekend movie: I Sette Fratelli Cervi (1968)

I sette fratelli Cervi 1968

I Sette Fratelli Cervi (The Seven Cervi Brothers)– ITA 1968

Directed by: Gianni Puccini

Starring: Gian Maria Volonté; Lisa Gastoni; Riccardo Cucciolla; Carla Gravina; Don Backy; Renzo Montagnani; Serge Reggiani; Andrea Checchi.

Don’t forget your memory exercises.

I Sette Fratelli Cervi (The Seven Cervi Brothers), a 1968 film directed by Gianni Puccini, tells the true story of a family who paid the price for its anti-fascist convictions.

I sette Fratelli cervi

The seven brothers (Gelindo, Antenore, Aldo, Ferdinando, Agostino, Ovidio and Ettore all born between 1901 and 1921, they also had two sisters Diomira and Rina) were farm workers and were anti-fascists. After the fall of Mussolini (dismissed and arrested on July 25, 1943), the Armistice of Cassibile (signed secretly on September 3, 1943, announced on September 8) turning Italy from ally to Third Reich’s enemy, and the birth of the Italian Social Republic (a puppet state of Nazi Germany led by Mussolini) they organized, whit their father Alcide, the first resistance group in Emilia. Taken prisoners in November 25 1943, they were shot by the fascists in December 28.

The Cervis were not an ordinary family: they were farm workers, but they were determined in progressing using their brains not just their arms. The brothers were interested in new agricultural techniques and, encouraged by their parents, they studied by themselves and followed different professional training courses. In 1934 Alcide and his sons, till then simple farm workers, had taken a farm on lease so that they could apply the new techniques they had learnt. In 1939 they had bought one of the first tractors ever seen in their neighbourhood.

But their lives were no confined to the fields.

Aldo, the third-born son, was the family’s “head”. His studies were ended with primary school (only three years, as it happened to many Italians in those days), but prison had been his University. In 1929, while he was doing his military service, he was unjustly accused (his anti-fascist ideas were well known, at the first occasion a case was assembled) and sentenced to three years in prison. There he had discovered how cruel fascism could be. He had met people in prison for their ideals, he had understood that to beat fascism people had to raise their heads, get an education and get organized against the regime. His experience influenced the whole family.

la famiglia Cervi

La Famiglia Cervi

 It’s not surprising that I Sette Fratelli Cervi revolves around Aldo who’s played by Gian Maria Volonté, a real champion of 1960’s and 70’s social dramas (Sacco and Vanzetti, Investigation of a Citizen Above Suspicion, The Working Class Goes to Heaven, The Mattei Affair and many, many others) who’s probably best known, outside of Italy, for his roles in Sergio Leone’s Spaghetti Westerns.

The story starts when Aldo first meets Lucia Sarzi (Lisa Gastoni), actress and antifascist who worked with his father’s company changing her lines to drive her (not very)subliminal message against the regime, she was a communist militant linked to the underground movement (the real Lucia, tough caught and imprisoned in 1944, survived the war never abandoning politics. She died, aged 48, two days after the movie’s premiere in 1968).

Ferruccio Nazionale, Italian partisan hanged b...

Ferruccio Nazionale, Italian partisan hanged by the Xª MAS. The sign says: “He attempted to shoot the Decima” (Photo credit: Wikipedia)

From this point on, also using flashback sequences filmed in black and white, the film tells us about the family’s story. There’s everything. The emancipation from sharecropping, Aldo’s imprisonment, the home made library the family made to leave it at everybody’s disposal, the anti-fascist militancy the brothers shared and never concealed, but also their fears and doubts, the differences and divergences from the underground communist party’s official guidelines, the party they threw after Mussolini’s dismissal and the immediate consciousness that the war was entering its bloodiest phase, the choice to form a partisan group to fight, the seven brothers’ capture and following execution. There’s everything, with no embellishments.

Obviously, though useful to help us to learn something about the story of the Italian Resistance, I Sette Fratelli Cervi is just a film, not a documentary. If you want to learn something more about the Cervi family (and believe in the power of internet translators, sorry…) you can click on this link:

or go to or .

Today, more than seventy years after their sacrifice, sixty-nine years after the Liberation (celebrated as usual on April, 25 to commemorate the end of WWII and the end of Nazi occupation of the country. In that date Milan was liberated), while people and politics are losing interest in celebrations, just 140 characters twitted while preparing a blitzkrieg against the Constitution born thanks to the resistance movement fight (cause the youngest prime minister wants to change Italy, but above all wants to do it quickly…), while neo-fascists are aggressively active (especially in Milan in those last few days around April 25), to watch again or discover for the first time this film will be a useful exercise for memory (I’m sure you can easily find it on YouTube).

A few related movies you coud also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Rome, Open City – ITA 1945 Directed by: Roberto Rossellini. Starring: Aldo Fabrizi; Anna Magnani; Marcello Pagliero; Maria Nichi.

Paisà – ITA 1946 Directed by: Roberto Rossellini.

Attention! Bandits! - ITA 1951 Directed by: Carlo Lizzani. Starring: Andrea Cehcchi; Gina Lollobrigida; Lamberto Maggiorani; Giuliano Montaldo.

General della Rovere – ITA 1959 Directed by: Roberto Rossellini. Starring: Vittorio De Sica; Giovanna Ralli; Sandra Milo; Vittorio Caprioli.

The Four Days of Naples – ITA 1962 Directed by: Nanni Loy. Starring: Regina Bianchi; Aldo Giuffrè; Lea Massati; Jean Sorel; Gian Maria Volonté.

Massacre in Rome – ITA 1973 Directed by: George B. Cosmatos. Starring: Richard Burton; Marcello Mastroianni; Renzo Montagani; Delia Boccardo.

We All Loved Each Other So Much– ITA 1974 Directed by: Ettore Scola. Starring: Vittorio Gassman; Nino Manfredi; Stefano Satta Flores; Stefania Sandrelli, Aldo Fabrizi; Giovanna Ralli.


Non dimenticate di esercitare la memoria.

I Sette Fratelli Cervi, film del 1968 diretto da Gianni Puccini, racconta una storia vera.

English: Stamp of Kyrgyzstan

Stamp of Kyrgyzstan with the seven Cervi brothers (Photo credit: Wikipedia)

I sette fratelli del titolo (Gelindo, Antenore, Aldo, Ferdinando, Agostino, Ovidio e Ettore nati tra il 1901 e il 1921, avevano anche due sorelle Diomira e Rina), erano dei contadini da sempre antifascisti. Dopo la caduta di Mussolini (dimissionato ed arrestato il 25 Luglio 1943), l’armistizio dell’ 8 Settembre che aveva trasformato l’Italia da stato alleato a nemico del Reich e la nascita della Repubblica di Salò (lo stato fantoccio guidato da Mussolini), i Fratelli Cervi furono insieme al padre Alcide gli organizzatori della prima formazione partigiana dell’Emilia. Catturati il 25 Novembre del 1943 furono fucilati il 28 Dicembre dello stesso anno.

La loro era una famiglia fuori dal comune: contadini si, ma determinati ad usare il cervello oltre alle braccia. Tutti i fratelli erano interessati alle nuove tecniche agricole e, incoraggiati dai genitori, studiavano da autodidatti e partecipavano a vari corsi professionali. Nel 1934 Alcide e i suoi figli si erano affrancati dalla mezzadria prendendo in affitto un podere nel comune di Gattatico (Reggio Emilia), in modo da poter condurre il lavoro come meglio credevano. Nel 1939 avevano acquistato uno dei primi trattori della zona.

Ma i loro interessi non si esaurivano nei campi.

Italian Social Republic poster saying: "G...

Italian Social Republic poster saying: “Germany is truly your friend” (Photo credit: Wikipedia)

Aldo, il terzogenito, era la “testa” della famiglia. I suoi studi regolari, come capitava a tanti in quel periodo, erano terminati con la licenza di terza elementare, ma la galera era stata la sua università. Ci era finito nel ’29 per scontare un’ingiusta condanna di 3 anni (pare che durante il servizio di leva non si tirasse indietro quando c’era da parlar male del fascismo e alla prima occasione un superiore avesse “provocato” un incidente…) e lì aveva scoperto che tanti italiani venivano incarcerati per le loro idee, lì aveva capito che era necessario impegnarsi, alzare la testa contro i soprusi, istruirsi ed organizzarsi per combattere il fascismo. Quella sua esperienza aveva influenzato l’intera famiglia.

Non è un caso quindi se ne I Sette Fratelli Cervi il personaggio intorno al quale si dipana l’intera storia è Aldo (interpretato da Gian Maria Volonté, autentico campione del cinema impegnato di quegli anni).

La storia parte dall’incontro di Aldo con Lucia Sarzi (Lisa Gastoni), attrice girovaga antifascista che lavorava nella compagnia del padre (anche lui antifascista) modificando le battute delle commedie per lanciare (poco)subliminali messaggi alle platee, una comunista militante legata ad una rete clandestina (la vera Lucia anche se catturata e imprigionata nel 1944, sopravvisse alla guerra non abbandonando mai l’impegno politico. Morì a soli 48 anni il 19 Febbraio 1968, due giorni dopo la prima nazionale del film).

Partisans in Milan

Partisans in Milan (Photo credit: Lennon Ying-Dah Wong)

Da qui in poi il film ripercorre la storia della famiglia Cervi, viaggiando avanti e indietro nel tempo con una serie di flashback in bianco e nero. C’è tutto. L’emancipazione dallo sfruttamento della mezzadria, la prigionia di Aldo e l’incontro in carcere con i dissidenti, la biblioteca casalinga della famiglia messa a disposizione della comunità, la militanza antifascista condivisa dai fratelli e mai celata, ma anche i dubbi e le paure, il disaccordo con la linea ufficiale del partito comunista clandestino, la festa per la caduta di Mussolini, la presa di coscienza del fatto che la guerra stesse entrando in realtà nella sua fase più sanguinosa, la scelta della lotta armata sulle montagne fino alla drammatica cattura e alla fucilazione. Tutto, senza fronzoli.

Ovviamente I sette fratelli Cervi è un film, non un documentario, quindi se volete sapere qualcosa di più sulla storia della famiglia Cervi, potete cliccare il seguente link:

oppure visitare il sito o il nuovo sito .

Comunque oggi, a più di settant’anni da quegli eventi, sessantanove anni dopo la liberazione, tra celebrazioni sempre più fiacche e commemorazioni sempre meno convinte cinguettate in 140 comodi caratteri mentre si prepara un blitzkrieg contro la costituzione nata dalla resistenza (così, perché per “cambiare verso” qualcosa va fatto, ma soprattutto va fatto in fretta…), e nostalgici del fascismo sempre più aggressivi (basti vedere i volantini neonazisti e gli striscioni neofascisti apparsi a Milano nei giorni delle celebrazioni della Liberazione), riguardare I Fratelli Cervi sarà un utilissimo esercizio di memoria (e di facile esecuzione, ogni tanto viene trasmesso da RAIStoria, ma se vi fate un giro su YouTube lo trovate sicuramente).

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoliper vedere una scena o il trailer):

Roma, città aperta – ITA 1945 Diretto da: Roberto Rossellini. Con: Aldo Fabrizi; Anna Magnani; Marcello Pagliero; Maria Nichi.

Paisà – ITA 1946 Diretto da: Roberto Rossellini.

Achtung! Banditi! – ITA 1951 Diretto da: Carlo Lizzani. Con: Andrea Cehcchi; Gina Lollobrigida; Lamberto Maggiorani; Giuliano Montaldo.

Il Generale della Rovere – ITA 1959 Diretto da: Roberto Rossellini. Con: Vittorio De Sica; Giovanna Ralli; Sandra Milo; Vittorio Caprioli.

Le quattro giornate di Napoli – ITA 1962 Diretto da: Nanni Loy. Con: Regina Bianchi; Aldo Giuffrè; Lea Massati; Jean Sorel; Gian Maria Volonté.

Rappresaglia – ITA 1973 Diretto da: George B. Cosmatos. Con: Richard Burton; Marcello Mastroianni; Renzo Montagani; Delia Boccardo.

C’eravamo tanto amati– ITA 1974 Diretto da: Ettore Scola. Con: Vittorio Gassman; Nino Manfredi; Stefano Satta Flores; Stefania Sandrelli, Aldo Fabrizi; Giovanna Ralli.

Enhanced by Zemanta

Something you can’t ignore

They all want to be better Nazis than Hitler.”

Wladyslaw Szpilman

From: The Pianist – 2002

On friday, April 25, Italy will celebrate the Liberation Day (celebrating the end of the Nazi Occupation of Italy after the Armistice of Cassibile). As usual in Milan, town awarded with the Gold medal of military value for its population’s dedication to the cause of the resistance movement, will take place the National Celebrations (in that date the town was liberated). In the last few days anyway, a neo-Nazi group coming from the surroundings of Varese is distributing round town a leaflet celebrating Adolf Hitler and his 125th birthday. Not even the ANPI (National Association of the Italian Partisans) had been spared, those leaflets have been put in one of its offices’ mailbox.

It’s 2014 but, 69 years after the end of WWII, there are some people who think it’s their “duty to celebrate a man who came from the people and was able to guide an entire Nation through redemption, until the tragic ending”, or else, a brutal dictator who looked ridiculous, whose ideas and policies caused millions of victims and who, once beaten, preferred to kill himself instead of facing his responsibilities.

I must confess that I don’t like to talk about those people, cause I fell like I’m supporting a sort of promotional campaign, but now that all those neo-Fascit and neo-Nazi groups are using the never ending crisis to regain the centre stage (the group in question has already placed some of it’s members in a few small towns’ councils), I feel that simply ignore them or try to get rid of them saying they are just a bunch of idiots will be even worse.

“Vogliono essere più Nazisti di Hitler.”

Wladyslaw Szpilman

Da: Il PIanista – 2002

Venerdì, 25 Aprile, si festeggerà la Liberazione e come tutti gli anni la manifestazione nazionale si terrà a Milano città medaglia d’oro della resistenza (a partire dalle 14, si parte da Corso Venezia e si arriva in Duomo). Negli ultimi giorni in città, un gruppo di militanti neofascisti varesini ha fatto circolare dei volantini inneggianti ad Hitler per commemorarne la nascita, non risparmiando nemmeno la casella della posta dell’Anpi .

Nel 2014, 69 anni dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, c’è ancora chi si sente “in dovere di omaggiare un uomo venuto dal Popolo che ha saputo prendere per mano una Nazione intera e guidarla alla riscossa, fino al tragico epilogo”, ovvero un brutale dittatore dall’aspetto ridicolo le cui idee e le cui azioni hanno provocato milioni di morti, che di fronte alla sconfitta è sfuggito alle sue responsabilità suicidandosi. Confesso che parlarne mi disturba, mi sembra di assecondare il chiaro intento promozionale di un’iniziativa che offende la memoria delle vittime del nazifascismo, ma ora che gruppi e gruppuscoli di destra più o meno estrema stanno approfittando di questi tempi di crisi per riaffacciarsi sulla scena politica (il gruppo autore dei volantini – NSAB – è riuscito a far eleggere dei suoi rappresentanti in piccoli centri), ignorarli o liquidarli come cretini sarebbe pure peggio.

Related Articles/articoli correlati:

Milano, i manifesti per Hitler nella posta dell’Anpi (

Volantini inneggianti al compleanno di Hitler anche nella casella dell’Anpi (

Festa nazionale della Liberazione 2014 (

Enhanced by Zemanta

My weekend movie: Easy Living (1937)

EasyLiving 1937

Easy Living (Un colpo di fortuna) – USA 1937

Directed by: Mitchell Leisen.

Starring: Jean Arthur; Edward Arnold; Ray Milland.

In Park Avenue it’s raining furs…

As Holly Golightly would say “There are certain shades of limelight that can wreck a girl’s complexion”, but nothing suggests that this should be a golden rule. Take for instance Mary Smith (it ain’t a fantasy name): first a very, very expensive fur coat literally rain down on her head, then when she tries give it back she knows the rich millionaire who threw it away and he offers her also a very stylish hat (just to match the fur), then someone mistakes her for his mistress, some other spread the word and bang!… that’s the beginning of her fortune!

Easy Living (Photo Credit: Wikipedia)

Obviously this is not a true story. This is the plot of Easy Living the 1937 screwball comedy directed by Mitchell Leisen, written by Preston Sturges and starring Jean Arthur, one of the queens of comedy who plays Mary Smith, Edward Arnold, as the stout rich millionaire J.B. Ball, and Ray Milland, as his son John Jr.

Easy Living is the typical 1930’s comedy poking fun at the rich living in Park Avenue, who are non only privileged but also a bit nuts in a sort of compensation paid to all those people in the audience who, in 1937, were still coping with the aftermath of the Great Depression.

The story starts in the big J.B. Ball’s mansion where the millionaire, who’s the third banker in New York, is having an argument with is son who, suddenly determined to make it on his own, announces he’s leaving home. The next fight is against his wife, a desperate housewife with servants, who consoles herself with shopping sprees. This time she had bought a 58000$ fur coat and the third banker in New York (who’s a bit stingy, like all those who really have money) doesn’t approve. So he burst into the little apartment she uses as a wardrobe trying to find it and return it. His wife grabs the fur and flee on the penthouse roof but he found her and in a few moments the fur is flying over Park Avenue to land on Mary Smith’s head. The rest of the story is know, but what’ s really strange in Easy Living is the fact that the more the story goes on, the more you have the impression that censorship should have missed something…

Publicity photo of Jean Arthur for Argentinean...

Jean Arthur in 1940 (Photo credit: Wikipedia)

As expected in a movie made after the 1934 enforcement of the Motion Picture Production Code, and probably as it happened in the original story written by the American author Vera Caspary on which the movie is based, the fur coat causes some troubles to Mary at the beginning. In fact, she lose her job at the Boy’s Constant Companion (a boy’s magazine where apparently only work ageing women, except for Mary and the male editor): a coat made with dead animal’s bodies is too expensive for a single woman who’s not an heiress, therefore it’s the evidence of her immoral behaviour (she must be a rich man’s mistress).

What seems to suggest a censor’s inattention are the events that from now on follow one another (while Sturges leaves nothing but the title of Caspary’s “little story of deceit and illusions”). It’s the fact that almost everyone thinks she is some sort of a lost girl that allows Mary to turn her life into a five-star one. Thinking she is J.B. Ball’s mistress Mr Louis Louis (Luis Alberni), the owner of a luxury Hotel who owes money to the banker, offers Mary a sumptuous accommodation, and for the same reason other people offer her expensive clothes, jewels and even cars… and in the end, instead of paying her good fortune giving up love and any hope for romance (a typical punishment for independent girls) she finds a fiancé (Ball’s son, though she doesn’t know it) but not before almost provoking a new Wall Street crash offering to her beloved one the opportunity to show his businessman’s qualities saving his father’s bank.

Maybe it’s because Mary doesn’t realize what’s happening (the fact that almost everybody thinks she’s having an affair with J.B. Ball), maybe it’s because Mitchell Leisen was so good in satisfying the most absurd Production Code’s requirements (in a love scene with Mary and John jr. both lying on a long couch, they had to be in opposite directions so that their heads could meet in the middle and there could be no physical contact outside of a kiss), but the happy ending arrives and Mary is not obliged to learn a moral lesson or to shed a tear.

And that’s a good reason to watch once again Easy Living, especially if you like screwball comedies full of witty lines ans a bit of nonsense.

In the end, ther’s something for music lovers. Easy Living, the song by Ralph Rainger and Leo Robin, a jazz standard recorded by many performers, has been written for that movie (you can hear it in the title sequence)

Here is Billy Holiday: ;

Ella Fitzgerald: ;

Chet Baker:

Enjoy it!

A few related movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Grand Hotel – USA 1932 Directed by: Edmond Goulding. Starring: Greta Garbo; John Barrymore; Joan Crawford; Wallace Beery; Lionel Barrymore.

Sadie McKee – USA 1934 Directed by: Clarence Brown. Starring: Joan Crawford; Edward Arnold; Franchot Tone; Gene Raymond; Jean Dixon.

Fifth Avenue Girl – USA 1939 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Ginger Rogers; Walter Connolly.

It Should Happen to You – USA 1954 Directed by: George Cukor. Starring: Judy Holiday; Jack Lemmon; Peter Lawford.

That Touch of Mink – USA 1962 Directed by: Delbert Mann. Starring: Cary Grant; Doris Day; Gig Young; Audrey Meadows.


A Park Avenue piovono pellicce …

Come direbbe Holly Golightly “Certe luci della ribalta rovinano la carnagione a una ragazza”, ma non è detto che questa debba essere la regola. Prendete ad esempio quello che è successo a Mary Smith (il nome non è di fantasia): prima le piove in testa dal cielo una pelliccia che vale una fortuna, cercando di restituirla conosce il milionario ricco che l’aveva lanciata dal terrazzo del suo palazzo e le offre (tanto per far pendant) anche un cappellino nuovo, qualcuno la scambia per la sua amante, qualcun altro fa girare la voce e bang!… quello è l’inizio della sua fortuna!

Publicity photo of Ray Milland for the CBS tel...

Ray Milland (Photo credit: Wikipedia)

Ovviamente questa non è una storia vera. È la trama di Un Colpo di Fortuna (Easy Living, il titolo originale) commedia sofisticata del 1937 diretta da Mitchell Leisen, sceneggiata da Preston Sturges e interpretata da Jean Arthur, una delle regine del genere che qui interpreta la protagonista Mary Smith, Edward Arnold, nel ruolo del corpulento e burbero milionario J.B. Ball, e Ray Milland, in quello di suo figlio John Jr.

Un Colpo di Fortuna è la tipica commedia anni ’30 che prende in giro i ricchi abitanti di Park Avenue, descritti come tanto privilegiati quanto folli in una sorta di compensazione in pellicola per tutti quelli che ancora sul finire degli anni ’30 pativano le conseguenze della Grande Depressione.

La storia inizia nella grande casa di J.B. Ball dove il milionario, che è il terzo banchiere di New York, sta discutendo con il figlio John in preda a un sussulto di indipendenza e deciso a lasciare casa per far fortuna da solo (forse non informato della crisi). Lo scontro successivo è con la moglie, casalinga disperata con numerosa servitù che trova consolazione nelle compere compulsive. Il terzo banchiere di New York (che come tutti i veri ricchi è un po’ tirchio) non approva l’acquisto di una pelliccia nuova alla modica cifra di 58000 dollari. Si introduce quindi nello spogliatoio della consorte (grande come un appartamento che potrebbe comodamente ospitare una famiglia numerosa) per sottrargliela. Lei fugge con la pietra dello scandalo, lui la insegue, la raggiunge sul tetto del palazzo e dopo pochi istanti la pelliccia plana su Park Avenue e atterrà sulla testa di Mary Smith… Il resto più o meno lo sapete già, ma la cosa singolare di questo film è che più la storia prosegue, più si farà strada in voi la convinzione che all’ufficio censura qualcuno si sia distratto…

Edward Arnold, American actor. Original captio...

Edward Arnold(Photo credit: Wikipedia)

Come ci si aspetterebbe da un film uscito dopo l’inasprimento del Codice Hays del 1934, e come probabilmente accadeva nella storia originale scritta dall’autrice americana Vera Caspary a cui il film è ispirato, la pelliccia da principio mette nei guai la povera Mary, che perde il lavoro al Boy’s Constant Companion (una rivista per ragazzi la cui redazione sembra composta solo da donne over 60, direttore maschio escluso): un cappotto di animali morti(non per suicidio) è un capo troppo caro per una ragazza nubile che non sia un’ereditiera ed è quindi la prova di una sua condotta immorale (del fatto cioè che abbia un’amante ricco che la mantiene).

Quello che però fa pensare ad una distrazione dei censori è quello che succede a mano a mano che gli eventi si susseguono (mentre Sturges spolpa fino all’osso il racconto della Caspary, una piccola storia di inganni e illusioni, lasciandone poco più del titolo).

Preston Sturges

Preston Sturges (Photo credit: Wikipedia)

A permettere a Mary di dare una svolta extra-lusso alla sua vita, e tutto senza dover mai pagar pegno, è proprio il fatto che tutti la credano una ragazza dalla dubbia virtù. Prima si trasferisce (quasi gratis) in un hotel di lusso, invitata da Mr Louis Louis (Luis Alberni), il proprietario indebitato con J.B. Ball che spera di poter usare in qualche modo quella che crede essere l’amante del banchiere per risollevare i suoi affari; poi, quando i pettegolezzi sul suo conto iniziano a circolare, le piovono addosso dal cielo, più o meno per le stesse ragioni, abiti firmati, gioielli, e pure macchine… e infine invece di scontare tanta fortuna rinunciando all’amore (tipica punizione per le ragazze audaci in tempi di censura bacchettona), si trova persino un fidanzato, che poi è il figlio di Ball (ma lei lo scopre solo dopo), ma non prima di aver quasi provocato un nuovo crollo di Wall Street e di aver dato la possibilità al suo amato di provare il suo valore salvando la banca del padre.

Sarà grazie al fatto che in fondo Mary non si rende conto di cosa le stia realmente capitando (del fatto cioè che tutti la credono l’amante di J.B. Ball), sarà grazie all’abilità (non sempre riconosciuta) del regista Mitchell Leisen di accontentare le più assurde richieste del codice Hays (quando in una scena d’amore Mary e John, soli nella stanza di lei si sdraiano sullo stesso divano lo fanno in opposte direzioni in modo che l’unico contatto fisico possibile sia tra le loro teste e niente più di un bacio possa accadere), ma il lieto fine arriva e senza che Mary sia costretta ad imparare una qualche importante lezione morale versando fiumi di lacrime.

E questa è senz’altro una buona ragione per rivedere Un Colpo di Fortuna, una delle più divertenti commedie del periodo, che piacerà sicuramente a chi ama i dialoghi brillanti conditi da un pizzico di nonsense.

Per finire, una curiosità per gli amanti della musica. Easy Living, canzone di Ralph Rainger e Leo Robin, uno standard jazz interpretato da moltissimi cantanti, è stata scritta per questo film (la potete sentire nei titoli di testa).

A questo link potete ascoltarla cantata da Billy Holiday: 

Ella Fitzgerald:

Chet Baker:

Buon ascolto!

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Grand Hotel – USA 1932 Diretto da: Edmond Goulding. Con: Greta Garbo; John Barrymore; Joan Crawford; Wallace Beery; Lionel Barrymore.

Sadie McKee – USA 1934 Diretto da: Clarence Brown. Con: Joan Crawford; Edward Arnold; Franchot Tone; Gene Raymond; Jean Dixon.

La Ragazza della Quinta Strada – USA 1939 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Ginger Rogers; Walter Connolly.

La Ragazza del Secolo – USA 1954 Diretto da: George Cukor. Con: Judy Holiday; Jack Lemmon; Peter Lawford.

Il Visone sulla Pelle – USA 1962 Diretto da: Delbert Mann. Con: Cary Grant; Doris Day; Gig Young; Audrey Meadows.

Enhanced by Zemanta

So cruel

“That’s cruel.”

David Barnes

From: Soapdish – 1991

That’s it: after being convicted for tax fraud (something irrelevant especially if done by someone who has repeatedly governed a Country during the last 20 years), expelled from the Italian Senate, banned from taking public office (such an unimportant question, seen that almost everybody, included the youngest Prime Minister ever who  resembles him a bit more every day and received him yesterday in Palazzo Chigi – the official residence of the Prime Minister of the Italian Republic – is doing everything possible to assure him the “right” to campaign as nothing happened) and (self)deprived of his Knight of Labour title, MrB(erlusconi) will serve his sentence doing community service in a home for the elderly in Cesano Boscone (a small town just outside Milan): 4 hours a week for about ten months (nonetheless). A brutal and very cruel punishment inflicted to a group of elderly people who did nothing wrong (and you can bet that, as additional punishment, MrB’s TVs will storm there to interview them).

“È crudele.”

David Barnes

Da: Bolle di Sapone – 1991

Ora è proprio sicuro MrB, condannato per frode fiscale (robetta per uno che in fondo è stato solo Presidente dl consiglio varie volte nel corso degli ultimi 20 anni), espulso dal Senato della Repubblica, interdetto (un particolare di nessuna importanza visto che a quanto pare tutti – compreso il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita che, assomigliandogli sempre più, l’ha ricevuto ieri nientepopodimeno che a Palazzo Chigi –  si adoperano per lasciarlo politicamente “agibile”) e (auto)privato del titolo di Cavaliere, espierà la sua pena e si riabiliterà facendo volontariato(coatto) presso una casa di cura per anziani dell’hinterland Milanese: ben quattro ore alla settimana per circa dieci mesi. Una pena brutale e crudelissima inflitta a dei poveri anziani che non avevano fatto niente di male (e c’è da scommetterci… come pena accessoria saranno presi d’assalto dalle telecamere delle TV di famiglia).

Related Articles/Articoli correlati:

Italy ex-PM Berlusconi to do community service – court (

Processo Mediaset, Berlusconi affidato in prova ai servizi sociali. Lavorerà in un centro anziani una volta a settimana (

VIDEO: Berlusconi in ospizio. Gli ospiti della struttura divisi tra perplessità e stupore (

Cesano Boscone, ecco la struttura dove lavorerà Berlusconi (

Enhanced by Zemanta

My weekend movie: Ladies in Love (1936)

LAdies in love 1936

Ladies in Love (Ragazze Innamorate) – USA 1936

Directed by: Edward H. Griffith.

Starring: Janet Gaynor; Loretta Young; Constance Bennett; Don Ameche; Tyrone Power; Paul Lukas; Alan Mowbray; Simone Simon.

Sometimes dreams come true…unfortunately!

Three working girls, more or less disenchanted with men, rent a posh apartment downtown trying to impress eligible gentlemen… or at least to have a warm shower.

Ladies in Love (Photo credit: Wikipedia)

Ladies in love, the romantic comedy released in 1936, will immediate remind you to the most famous How to Marry a Millionaire released almost two decades later in 1954 (and remake at its turn of 1933 comedy Three Broadway Girls). The cast is similarly an all-star one. Instead of charming Lauren Bacall, the original pin-up Betty Grable and the (dumb blond)sexbombshell Marilyn Monroe in that movie we find, all billed above the title and all acting like real prima donnas on set, the first Oscar winner Janet Gaynor, who assures, along with Don Ameche and Alan Mowbray, the comedic touch, sweet Loretta Young, for the first time paired with a handsome (and very young) Tyrone Power and the always elegant Constance Bennett, playing a “smart woman” who loses her man (Paul Lukas) betrayed by her smartness.

But in Ladies in Love the girls ain’t, not all of them, mere gold diggers. It’s easy to understand it. In the first scene, just arrived in the posh apartment that will remain quite unfurnished (cause three salaries can pay a rent, but furniture is a different story), they all make a wish: Susie Schmidt (Loretta Young), a chorus girl, wants to open a hat shop and be independent of men; Yoli Haydn (Constance Bennett), shop girl, occasional model and only gold digger (and also originator of the house project), wants a rich husband who will buy her a five storey house, lots of furs and jewels and in addiction a little cash on a bank while Martha Kerenye (Janet Gaynor), a baroness in distress who only got odd-jobs like selling ties on the street or feeding the rabbits doctor Imri (Don Ameche) uses for his harmless experiments, wants a good home a man to love and look after and children, nothing that could require a posh apartment, but she really appreciates the very equipped bathroom. Funnily enough, in the end each and every girl will get exactly what she wished for, only at that point two out of three will know that this was not what they really wanted and the only happy ending will be for Martha, the one who wished for a husband and children (how surprising!!)… after all the Hays Code, reinforced in 1934, required high (and sometimes absurd) moral standards: marriage, the only honest goal for a single girl trying to attract a man, was a subject to be handled carefully and girls who proved to be too independent, for instance using what she was forced into (marriage) to achieve a better life, should pay with unhappiness.

Constance Bennett on the Argentinean Magazine ...

Constance Bennett in 1937. (Photo credit: Wikipedia)

Anyway the film, based on a play by Ladislaus Bus-Fekete, aka Leslie Bush Fekete, Hungarian-American playwright and screenwriter (he wrote among the others the play Birthday on which was based the 1943 Lubitsch’s film Heaven Can Wait), is set in Budapest, a place that in 1936, while in real life Hungaria was tightening its relations with Nazi Germany, was for the American audiences still exotic enough to be the ideal setting for light romances and some morally questionable event. So Martha can (almost)fall in love with Sandor (Alan Mowbray), the vain and selfish magician she works for, Susie can lose her head for the handsome Count Karl Lanyi (Tyrone Power), though he’s only looking for an affair cause he will be soon married to a rich girl, and Yoli can pretend not to fall in love and then be punishment for her smartness and defeated by a young Lolita (the French actress Simone Simon) who stoles her her man, the wealthy John Bartha (Paul Lukas, the only real Hungarian who will be naturalized American in 1937) who’s in Budapest to find a wife before leaving for South America (and who prefers a silly, very young girl who always say yes to an intelligent and independent woman. A timeless classic).

Ladies in Love is the kind of film that once was called a “woman’s picture”, a movie who had the purpose to entertain while teaching a moral. It’s not a masterpiece (maybe directed by a better director…) but is good enough to tempt you in a tedious evening. Who knows? Maybe in the end you’ll think that the “wrong millionaire” was not such a terrible punishment for Yoli. After all, love fades away, diamonds are forever…

A few related movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Greeks had a world for them (Three Broadway girls) – USA 1933 Directed by: Lowell Sherman. Starring: Joan Blondell; Madge Evans; Ina Claire; Lowell Sherman.

The Shop Around the Corner – USA 1940 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan.

How to Marry a Millionaire – USA 1953 Directed by: Jean Negulesco. Starring: Marilyn Monroe; Betty Grable; Lauren Bacall; William Powell.

Gentlemen Prefer Blondes – USA 1953 Directed by: Howard Hawks. Starring: Marilyn Monroe; Jane Russell; Charles Coburn.

Lolita – UK/USA 1962 Directed by: Stanley Kubrik. Starring: James Mason; Shelley Winters; Sue Lyon; Peter Sellers.

The Apartment – USA 1960 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Shirley MacLaine; Fred MacMurray.


A volte i sogni si realizzano…purtroppo!

Tre giovani lavoratrici, più o meno disincantate, affittano insieme un elegante appartamento in centro nel tentativo di impressionare potenziali corteggiatori… o almeno farsi una bella doccia calda.

Publicity photo of Janet Gaynor for Argentinea...

Janet Gaynor in early 1930’s. (Photo credit: Wikipedia)

Ragazze Innamorate, commedia romantica del 1936, vi riporterà immediatamente alla mente il ben più noto Come Sposare un Milionario uscito quasi due decenni dopo nel 1954 (e remake di un film del 1933 intitolato Three Broadway Girls). Il cast è ugualmente stellare. Al posto dell’affascinate Lauren Bacall, dell’autentica pin-up Betty Grable e del prototipo di tutte le bionde sexy (e purtroppo sceme) Marilyn Monroe in questo film ci sono, tutte con “il nome sopra il titolo” e tutte impegnate ad atteggiarsi a primadonna sul set, la prima vincitrice dell’Oscar Janet Gaynor, che con Don Ameche e Alan Mowbray assicura la commedia, la dolce Loretta Young, per la prima volta affiancata al bel (e parecchio giovane) Tyrone Power, e la sempre elegante Constance Bennett, che interpreta una ragazza in gamba e disinvolta che perde il suo uomo (Paul Lukas) tradita dalla sua disinvoltura.

In Ragazze Innamorate però le protagoniste non sono tutte delle semplici cercatrici d’oro. Lo si capisce immediatamente quando nella prima scena appena entrate nel lussuoso appartamento, che rimarrà quasi completamente disadorno e vuoto (perché tre stipendi possono pagare un affitto, ma la mobilia è tutta un’altra storia), esprimono ciascuna un desiderio. Susie Schmidt (Loretta Young), ballerina di fila in un teatro di varietà, vuole aprire un negozio di cappelli ed essere indipendente dagli uomini; Yoli Haydn (Constance Bennett), commessa, occasionale modella e unica cercatrice d’oro (oltre che ideatrice del “piano-casa”), vuole un marito ricco che le compri una casa di cinque piani, un sacco di pellicce e gioielli e le metta un po’ di soldi in banca e Martha Kerenye (Janet Gaynor), baronessa decaduta che campa di lavoretti come vendere cravatte per strada o dar da mangiare ai conigli usati dal Dottor Imri (Don Ameche) per i suoi incruenti esperimenti, vuole una bella casa un uomo da amare e curare e dei bambini, niente che richieda l’uso di un elegante appartamento, ma lei apprezza sul serio l’opportunità di usare un bagno ben equipaggiato. La cosa buffa è che alla fine ciascuna delle tre ragazze ottiene esattamente quello che aveva desiderato, solo che a quel punto, almeno due delle tre sanno per certo che in realtà quello non era veramente quello che avrebbero voluto ed il lieto fine arriva solo per Martha, l’unica ad avere espresso l’onorevole desiderio di sposarsi e fare figli (ma guarda un po’)… dopotutto il Codice Hays, inasprito nel 1934, obbligava al rispetto di alti (e talvolta assurdi) standard morali: il matrimonio, unico dignitoso obiettivo di ogni donna in cerca di “corteggiatori”, doveva esser maneggiato con cura e le ragazze troppo indipendenti, quelle che ad esempio progettavano di usare ciò che erano praticamente obbligate a fare (nella fattispecie sposarsi) per ottenere una vita migliore, dovevano pagare con un po’ di infelicità.

Publicity photo of Loretta Young for Argentine...

Loretta Young in 1938 (Photo credit: Wikipedia)

In ogni caso il film, adattamento di una commedia teatrale di Ladislaus Bus-Fekete, alias Leslie Bush Fekete, drammaturgo e sceneggiatore americano di origine Ungherese (scrisse tra le altre la commedia Birthday dalla quale Ernst Lubitsch trasse nel 1943 Il cielo può attendere), è ambientato a Budapest, un luogo che nel 1936, mentre nella realtà l’Ungheria rafforzava i legami con la Germania nazista, restava nell’immaginario del pubblico americano abbastanza esotico per fare da sfondo a una storia romantica con qualche contrappunto moralmente discutibile. E così Martha puòdeviare per un po’ dalla retta via (quasi)innamorandosi di Sandor (Alan Mowbray), fatuo mago da cabaret per il quale lavora come tuttofare, Susie può innamorarsi del giovane e bel Conte Karl Lanyi (Tyrone Power), che più che una moglie cerca un’amante visto che sta per sposare una giovane di buona famiglia, e Yoli può fingere di non innamorarsi mai e essere punita per la sua disinvoltura perdendo per mano di un’autentica Lolita (l’attrice francese Simone Simon) l’unico uomo che avrebbe voluto, il ricco John Bartlett (Paul Lukas, attore realmente Ungherese che comunque prenderà la cittadinanza Americana un anno dopo aver girato questo film) che si trova a Budapest proprio in cerca di moglie prima di trasferirsi in Sud America (e preferisce una ragazzina stupida e testarda che però gli dice sempre si ad una donna adulta e intelligente, un classico intramontabile).

Ragazze innamorate è il genere di film che una volta veniva definito “per signore”, una commedia fatta per intrattenere insegnando però una morale. Non è un capolavoro (magari diretto da un regista migliore…) ma è sicuramente un film adatto ad ammazzare la noia. Chissà, magari alla fine penserete persino che il “milionario sbagliato” non è poi una gran punizione per Yoli. In fondo l’amore passa, i diamanti sono per sempre…

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

The Greeks had a world for them (Three Broadway girls) – USA 1933 Diretto da: Lowell Sherman. Con: Joan Blondell; Madge Evans; Ina Claire; Lowell Sherman.

Scrivimi Fermoposta – USA 1940 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan.

Come Sposare un Milionario – USA 1953 Diretto da: Jean Negulesco. Con: Marilyn Monroe; Betty Grable; Lauren Bacall; William Powell.

Gli Uomini Preferiscono le Bionde – USA 1953 Diretto da: Howard Hawks. Con: Marilyn Monroe; Jane Russell; Charles Coburn.

Lolita – UK/USA 1962 Diretto da: Stanley Kubrik. Con: James Mason; Shelley Winters; Sue Lyon; Peter Sellers.

L’Appartamento – USA 1960 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Shirley MacLaine; Fred MacMurray.

Enhanced by Zemanta

The end of the world!!!!

“It’s the end of the world as we know it

and I feel fine”


From: It’s the end of the world as we know it (And I feel fine), from the album Document – 1987.

If a conviction for tax fraud, the expulsion from the Italian Senate, the ban on taking public office (and who knows why, only for this, one should not campaign for European election or try and win a seat at the Europarliament….) and even the renunciation of the Knight of labour title were not enough, now someone thinks to be entitled to decide how MrB(erlusconi) will serve his sentence, house arrest or community service. The greatest Italian statesman ever humiliated, judged just like a common human being, maybe forced to pass at least half a day a week (nonetheless) between old or disabled people when every body knows (or al least so it is told by those who are beside him, as la Repubblica, the Italian newspaper, said) “nothing depresses him like the contact with people who has some problem and that kind of solution will get him down”… what a cruel revenge, it’s the end of the world! Anyway, (apart from a possessed computer) I feel fine

“È la fine del mondo come lo conosciamo

e io mi sento bene.”


Da: It’s the end of the world as we know it (And I feel fine), dall’album Document – 1987

Non bastavano la condanna per frode fiscale, l’espulsione dal parlamento, l’interdizione dai pubblici uffici (che poi chissà perché con un’interdizione dai pubblici uffici uno non dovrebbe fare campagna elettorale o concorrere per un seggio all’Europarlamento…) e persino la rinuncia al titolo di Cavaliere, ora c’è pure chi vuole decidere se MrB dovrà scontare la pena agli arresti domiciliari o facendo volontariato. Il più grande statista della storia del nostro Paese umiliato, giudicato come un comune mortale, costretto magari a stare per tutta una mezza giornata alla settimana in mezzo a vecchietti e disabili che, si sa (o almeno così direbbero le persone che gli stanno più vicine secondo la Repubblica), “se c’è una cosa che lo deprime, è proprio la vista e il contatto con persone in difficoltà e quel genere di soluzione lo butterebbe giù” … una crudele vendetta, è la fine del mondo! Io comunque (computer impazzito a parte) mi sento bene.

Relate articles/articoli correlati:

My weekend movie: Spartacus (1960)


Spartacus – USA 1960

Directed by: Stanley Kubrick.

Starring: Kirk Douglas; Laurence Olivier; Peter Ustinov; Charles Lauhghton; Jean Simmons; Tony Curtis.

I am Spartacus!

Let’s start with a confession: I’m not particularly fond of swords and sandals, I’m neither a fan of Stanley Kubrick nor one of Kirk Douglas, and what’s more I’m a bit scared of films running for more than 3 hours. Anyway, Spartacus is a different question.

Spartacus (film)

Spartacus (film) (Photo credit: Wikipedia)

First of all, it’s a great epic drama telling a story based on true events, the Third Servile War opposing a band of escaped former slaves (which grew to over 120,000 men, women and children) to, nonetheless, the Roman Republic between 73 and 71 BC, and it’s protagonist, Spartacus the slave become a gladiator and in the end one of the slave’s leaders of the revolt, is a real historical figure. Then it’s filled with great actors like Laurence Olivier (as Crassus, the general and politician who defeated the rebellious slaves and crucified those captured along the Via Appia), Charles Laughton (as Senator Gracchus), Peter Ustinov (as Lentulus Batiatus, the owner of the Gladiators’ school where Spartacus learns how to fight in the arena), Jean Simmons (as Varinia, the slave who becomes Spartacus wife), Tony Curtis (as Crassu’s slave Antonino) and Kirk Douglas himself (as Spartacus): an all-star cast that would make by itself every film worth watching. Obviously in Spartacus everything is fictionalized, there’s room enough for romance, blood, idealism, corruption and epic battles but the thing that makes it a very special movie happens only 97 seconds after the very beginning, right in the middle of the beautiful title sequence designed by Saul Bass when two simple lines appear on screen: “Screenplay by Dalton Trumbo / based on the novel by Howard Fast”. These two innocent lines in 1960, when the film was released in the USA, caused unseemly reactions. The National Legion of Decency picketed theatres where the film was screened and Hedda Hopper, one of the most poisonous gossip columnists in Hollywood, said: “The story was sold to Universal from a book written by a commie and the screen script was written by a commie, so don’t go to see it.”

English: Colorado screenwriter and novelist Da...

Screenwriter and novelist Dalton Trumbo at House Un-American Activities Committee hearings, 1947 (Photo credit: Wikipedia)

Both Fast and Trumbo had been in fact victims of the so called Second Red Scare, the McCarthyism era, the anti-communist paranoia spread around the United States after WWII that had lead to a fear campaign raising psychosis over the influence of “communist agents”on the American institutions and culture. Howard Fast, the author of the novel on which the movie is based, a well-known writer who had worked during WWII for the United States Office of War Information, writing for Voice of America, had made the “mistake” to join in 1943 the Communist Party USA. In 1950, once called before the the House Committee on Un-American Activities, he had refused to “name names” of contributors to a fund for a home for orphans of American veterans of the Spanish Civil War (among them Eleanor Roosevelt). For that reason he served a three-month prison sentence for contempt of Congress. During his imprisonment Fast started Spartacus, the novel about a man, a slave, who fought against an oppressive political system. Blacklisted by major publishers, Fast self-published his novel in 1951.

Dalton Trumbo too had had troubles with the House Committee on Un-American Activities. In 1947, when he was one of the most appreciated screenwriters in Hollywood, his name ended in a list of communist sympathizers appeared in the Hollywood Reporter. Summoned with other writers and directors, the so called Hollywood Ten, by the House Committee on Un-American Activities he refused to name names (the only way to avoid any sort of punishment). Trumbo was convicted for contempt to the Congress and blacklisted from Hollywood. In 1950 Trumbo served an 11-month imprisonment in the federal prison in Ashland, Kentucky.

After completing his sentence he resumed his work as screenwriter working under pseudonym or using fronts for a decade (in that period he wrote among the others Roman Holiday whose credits were fully restored only in 2011).

Cropped screenshot of Kirk Douglas from the tr...

Kirk Douglas during 1950’s. (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, Kirk Douglas, who was not only the protagonist of Spartacus but also its producer (he owned Bryna Productions), decided to make this film not because of an assault of idealism, and in fact when it became necessary to shoot some additional battle scene he had no troubles sending the film crew in Spain, still ruled by the fascist dictator Francisco Franco, using Spanish soldiers as extras and paying what can be called a bribe to a charity ruled by Franco’s wife. Though disgusted by the blacklisting, he purchased the rights for the novel cause disappointed for failing to win the title role in William Wyler’s Ben Hur, because the rights were cheap and because people used to flock to theatres to watch swords and sandals. Persuading Laurence Olivier, Charles Laughton and Peter Ustinov to play in Spartacus he also convinced Universal Studios to finance it, despite the film was based on a novel written by a famous “commie”. Douglas hired Trumbo, because Fast who had to write the script was a mediocre screenwriter: he needed someone who could write fast and who could make a good job and Trumbo was the right man for this. Anyway not to alarm Universal (that could decide to abandon the project) Trumbo’s contribution was kept a secret and he disguised himself under the pseudonym of Sam Jackson. Peter Ustinov, rewriting almost every single Batiatus’ scene, lead Trumbo to threaten to abandon the project. Only at that point, Kirk Douglas promised him that his name, his real name, was going to appear in the opening credits, an hazard kept secret till the end of the shooting. Only after the first test screening and after Kubrick proposed to use his name as screenwriter (a thing Douglas found revolting), Trumbo involvement was announced. Douglas asked to Universal a pass for Dalton Trumbo, allowing the screenwriter to walk on a studio lot for the first time in ten years. The same year Trumbo wrote openly the script for another blockbuster, Exodus directed by Otto Preminger.

The movie was released on October 1960 provoking the reaction I told you about. On february 1961 the new elected President John Fitzgerald Kennedy had to cross picket lines to enter a theatre and watch the movie. No matter why Spartacus was made, once released the blacklist was ended, broken by a movie who also used events happened two thousand years earlier to talk about America consumed with Red Scare (corrupted politicians, Crassus compiling lists of enemies, the defeated slaves refusing to identify Spartacus – to “name names” – in the famous scene when they stand up shouting “I am Spartacus!”).

If you want to know more about the Hollywood blacklist, clicking on the following link you could see a short film called The Hollywood Ten, showing each member of the Hollywood Ten making a short speech against McCarthyism and the Hollywood blacklisting:

(The director of this short movie, John Berry, was also blacklisted after the release and had to move to France)

If you want to know more about the making of Spartacus you can read “I Am Spartacus! Making a Film, Breaking the Blacklist” by Kirk Douglas (2012).

Anyway, if you’re not scared of movies running for more than 3 hours, Spartacus is worth watching.

A few more film written by Dalton Trumbo you could also like (click on he title to watch a clip or the trailer):

Five came back – USA 1939 Directed by: John Farrow. Starring: Joseph Calleia; Lucille Ball; John Carradine; C. Aubrey Smith. (written with Nathanael West and J. Cody)

Kitty Foyle – USA 1940 Directed by: Sam Wood. Starring: Ginger Rogers; Dennis Morgan; James Craig.

Thirty Seconds over Tokyo – USA 1944 Directd by: Mervin LeRoy. Starring: Spencer Tracy; Van Johnson; Robert Walker.

Roman Holiday – USA 1953 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Gregory Peck; Eddie Albert. Written by: Ian McKellan Hunter (front, credit was reinstated in 2003 for the DVD release. Full credit was restored in 2011).

The Brave One – USA 1956 Directed by: Irvin Rapper. Starring: Michael Ray; Rodolfo Hoyos, Jr; Elsa Cardenas. Written by: Robert Rich (alias for Trumbo who won the Academy Award for Best Story. In 1975 Walter Mirisch, then Academy President, presented the award to Trunbo)

Exodus – USA 1960 Directed by: Otto Preminger. Starring: Paul Newman; Eva Marie Saint; Sal Mineo; Peter Lawford.

Papillon – USA 1973 Directed by: Franklin J. Shaffner. Starring: Steve McQueen; Dustin Hoffman. (written with Lorenzo Semple Jr; book byHenry Charrière).


Io sono Spartaco!

Per iniziare, una confessione: cappa spada e sandali non mi appassionano, non sono una fan né di Stanley Kubrick né di Kirk Douglas, e inoltre i film che durano più di 3 ore mi fanno un po’ paura. Spartacus però è tutta un’altra storia.

Spartacus (Fast novel)

Spartacus (Fast novel) (Photo credit: Wikipedia)

Innanzitutto, è un grande dramma epico che parla di avvenimenti realmente accaduti, quelli della Terza Guerra Servile che ha visto un gruppo di ex-schiavi fuggitivi (cresciuto fino a comprendere più o meno 120000 uomini donne e bambini) opporsi nientemeno che alla Repubblica Romana tra il 73 e il 71 a.C. e il protagonista, Spartaco lo schiavo divenuto gladiatore e poi leader della rivolta degli schiavi, è un personaggio storico realmente esistito. Poi ci recitano un sacco di grandi attori come Laurence Olivier (nel ruolo di Crasso, il generale e politico romano che sconfigge i ribelli e ordina la crocefissione lungo la via Appia dei superstiti), Charles Laughton (il senatore Sempronio Gracco), Peter Ustinov (Lentulo Batiato, il proprietario della scuola di gladiatori di Capua in cui Spartaco è condotto per essere addestrato nel combattimento), Jean Simmons (Varinia la schiava che sposa Spartaco), Tony Curtis (Antonino, lo schiavo di Crasso) e lo stesso Kirk Douglas (nel ruolo di Spartaco): un cast di stelle che da solo basterebbe a raccomandare la visione di qualsiasi film. Ovviamente nel film tutto è romanzato, c’è amore, sangue, idealismo, corruzione e battaglie epiche ma quello che rende Spartacus un film davvero speciale accade prima, dopo solo 97 secondi dall’inizio della pellicola, mentre scorrono i bellissimi titoli di testa disegnati da Saul Bass, quando sullo schermo compaiono due semplici righe:“ screenplay by Dalton Trumbo / based on the novel by Howard Fast” (sceneggiatura di Dalton Trumbo / tratto dal romanzo di Howard Fast). Queste due righe innocenti nel 1960, anno dell’uscita americana, provocarono le reazioni scomposte della National Leagion of Decency che picchettò i cinema in cui il film veniva proiettato e di Hedda Hopper, una delle lingue più velenose di Hollywood, che disse: “La storia è tratta da un libro scritto da un comunista e la sceneggiatura è scritta da un comunista, quindi non andate a vederlo!”.

Sia Fast che Trumbo erano stati infatti delle vittime della cosiddetta Seconda Paura Rossa, il Maccartismo, quella paranoia anti-comunista che si era sparsa come un virus negli Stati Uniti del secondo dopoguerra provocando una campagna tesa a far crescere la psicosi per un’occulta influenza di “agenti comunisti” sulle istituzioni e la cultura americane.

The Hollywood Ten in November 1947 waiting to ...

The Hollywood Ten in November 1947 waiting to be fingerprinted in the U.S. Marshal’s office after being cited for contempt of Congress. Front row (from left): Herbert Biberman, attorneys Martin Popper and Robert W. Kenny, Albert Maltz, Lester Cole. Middle row: Dalton Trumbo, John Howard Lawson, Alvah Bessie, Samuel Ornitz. Back row: Ring Lardner Jr., Edward Dmytryk, Adrian Scott. (Photo credit: Wikipedia)

Howard Fast, l’autore del romanzo da cui è tratto il film, un ben noto scrittore che aveva lavorato durante la seconda guerra mondiale per Ufficio della Propaganda di guerra, scrivendo per Voice of America, aveva commesso il fatale “errore” di iscriversi al partito comunista americano nel 1943. Nel 1950, convocato dalla Commissione per le Attività Antiamericane, si era rifiutato di fare i nomi dei contributori di un fondo in favore degli orfani dei veterani americani della Guerra Civile Spagnola (tra loro c’era anche Eleanor Roosevelt). Per quello che fu considerato un “oltraggio al Congresso degli Stati Uniti” fu condannato a tre mesi di prigione. Fu proprio in galera che Fast iniziò Spartacus, il romanzo che parla di uno schiavo che si ribella ad un sistema politico oppressivo. Finito nella lista nera e scartato come autore dalle maggiori case editrici fu costretto a pubblicare a sue spese quello che doveva diventare il suo romanzo più famoso.

Anche Dalton Trumbo si era scontrato con la Commissione per le Attività Antiamericane.

Nel 1947, quando era uno dei più apprezzati sceneggiatori di Hollywood, il suo nome era finito in una lista di simpatizzanti comunisti pubblicata dall’Hollywood Reporter. Convocato con altri scrittori e registi, i cosiddetti Dieci di Hollywood, dalla Commissione per le Attività Antiamericane si era rifiutato di “fare i nomi” di altri comunisti (unico modo per scampare a possibili punizioni). Trumbo era stato condannato per oltraggio al Congresso ed era finito nella lista nera di autori, registi ed attori sgraditi a Hollywood. Nel 1950 era quindi finito in prigione per 11 mesi.

Dopo aver scontato la pena Trumbo riprese la sua attività come sceneggiatore lavorando sotto pseudonimo o usando prestanome per un decennio (in quel periodo scrisse tra gli altri Vacanze Romane. Il suo contributo alla sceneggiatura ricevette pieno credito solo nel 2011).

U.S. anti-Communist literature of the 1950s, specifically addressing the entertainment industry (Photo Credit: Wikipedia)

Comunque Kirk Douglas, che di Spartacus non fu solo il protagonista ma anche il produttore (la Bryna Productions era sua), non decise di fare questo film per un assalto di idealismo, ed infatti quando fu necessario girare un certo numero di nuove scene di battaglia non esitò a farle girare nella Spagna del dittatore Francisco Franco usando come figuranti dei militari spagnoli e pagando quella che non può che essere definita una tangente ad una fondazione della moglie del dittatore fascista. Anche se disgustato dalle liste nere di Hollywood, acquisì i diritti del romanzo perché deluso dall’aver mancato l’ingaggio come protagonista del Ben Hur di William Wyler, perché i diritti costavano pochissimo (un centinaio di dollari) e perché niente come cappa spada e sandali riuscivano all’epoca a riempire le sale cinematografiche. Dopo aver persuaso Laurence Olivier, Charles Laughton e Peter Ustinov a recitare in Spartacus, Douglas riuscì anche a convincere la Universal a finanziarlo, nonostante il romanzo da cui il film era tratto fosse stato scritto da un noto comunista. Kirk Douglas scritturò Trumbo, perché Fast che avrebbe dovuto scrivere anche la sceneggiatura si rivelò un mediocre sceneggiatore: aveva bisogno di qualcuno capace di scrivere velocemente e bene e Trumbo era l’uomo giusto per quel lavoro. In ogni caso, per non allarmare la Universal (che avrebbe potuto decidere di abbandonare il progetto) il contributo di Trumbo rimase un segreto e lui si nascose dietro lo pseudonimo Sam Jackson. Peter Ustinov riscrivendo in continuazione le scene in cui era presente il suo personaggio, spinse Trumbo a minacciare l’abbandono del progetto. Fu solo a quel punto che Kirk Douglas gli promise che il suo nome, il suo vero nome, sarebbe apparso nei titoli di testa del film, un azzardo che rimase un segreto fino alla fine delle riprese. Solo dopo i primi test screening e dopo che Kubrick aveva proposto di mettere il suo nome nei titoli di testa come sceneggiatore (cosa che disgustò Douglas), la partecipazione di Trumbo al progetto diventò di dominio pubblico. Douglas richiese un pass per gli Universal studios a nome di Dalton Trumbo, permettendo allo sceneggiatore di rimettere piede in uno studio cinematografico dopo un decennio. Quello stesso anno Trumbo firmò, completamente alla luce del sole, anche la sceneggiatura di un altro blockbuster, Exodus diretto da Otto Preminger.

Spartacus uscì nell’ottobre del 1960 provocando le reazioni scomposte di cui vi ho già parlato. Nel Febbraio del 1961 anche il neo eletto Presidente John Fitzgerald Kennedy dovette passare attraverso un picchetto per andare a vederlo. Non importa la ragione per cui si decise di realizzare Spartacus, quello che conta è che una volta uscito nelle sale la lista nera era finita, sconfitta da un film che riportando eventi risalenti a duemila anni prima parlava anche della situazione dell’America consumata dalla paranoia maccartista (politici corrotti, la compilazione di liste di nemici fatta da Crasso e il rifiuto degli schiavi ormai sconfitti di riconoscere Spartaco – di fare nomi – nella famosa scena in cui tutti si sollevano gridando “Io sono Spartaco!”).

Se vi interessa approfondire il tema delle liste nere di Hollywood, cliccando sul link che segue potrete vedere un breve film (dura solo un quarto d’ora) intitolato The Hollywood Ten, nel quale ciascuno dei Dieci di Hollywood fa un breve discorso contro il Maccartismo e le liste nere :

(il regista di questo corto, John Berry, una volta uscito il film finì a sua volta sulla lista nera e fu costretto a trasferirsi in Francia).

Se invece volete sapere qualcosa di più su come nacque Spartacus (il film ovviamente) vi consiglio la lettura di “Io sono Spartaco!- Come girammo un film e cancellammo la lista nera” di Kirk Douglas (2012) edito in italia da Il Saggiatore.

Comunque, se i film che durano più di tre ore non vi spaventano vale la pena di vedere anche  Spartacus.

Atri film sceneggiati da Dulton Trumbo che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Tragedia del Silver Queen – USA 1939 Diretto da: John Farrow. Con: Joseph Calleia; Lucille Ball; John Carradine; C. Aubrey Smith. (sceneggiato con Nathanael West and J. Cody)

Kitty Foyle, ragazza innamorata – USA 1940 Diretto da: Sam Wood. Con: Ginger Rogers; Dennis Morgan; James Craig.

Missione Segreta – USA 1944 Diretto da: Mervin LeRoy. Con: Spencer Tracy; Van Johnson; Robert Walker.

Vacanze Romane – USA 1953 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Gregory Peck; Eddie Albert. Written by: Ian McKellan Hunter (prestanome, la sceneggiatura fu riattribuita a Trumbo non ufficialmente nel 2003 con l’uscita del DVD, dal 2011 il suo nome è tornato nei titoli di testa del film in modo ufficiale).

La più grande corrida – USA 1956 Diretto da: Irvin Rapper. Con: Michael Ray; Rodolfo Hoyos, Jr; Elsa Cardenas. Written by: Robert Rich (alias per Trumbo che vinse l’Oscar per il miglior soggetto. Nel 1975 Walter Mirisch, allora Presidente dell’ Academy, consegnò l’OScar a Trunbo)

Exodus – USA 1960 Diretto da: Otto Preminger. Con: Paul Newman; Eva Marie Saint; Sal Mineo; Peter Lawford.

Papillon – USA 1973 Diretto da: Franklin J. Shaffner. Con: Steve McQueen; Dustin Hoffman.(sceneggiato con Lorenzo Semple Jr; dal libro di Henry Charrière).

Enhanced by Zemanta


Prime Minister Renzi said: “Either we make reforms or there’s no reason why someone like me should rule this government.”


“The second one you said…”*

Quelo (Corrado Guzzanti)

From the Italian TV Comedy Show: Pippo Chennedy Show – 1997

*watch HERE

Matteo Renzi ha detto: “O facciamo le riforme o non ha senso che gente come me sia al governo.”


“La seconda che hai detto…”

Quelo (Corrado Guzzanti)

Dalla trasmissione televisiva: Pippo Chennedy Show – 1997

Related Articles/Articoli correlati:

Enhanced by Zemanta