#stepbystep

“One small step for a man,

one giant leap for mankind.”

Neil Armstrong

July 20, 1969

@matteorenzi (the youngest Prime minister….) is right: Italian citizens are sick and tired of those silly games! It’s time to put aside the old rites: who cares of parliamentary debates when a confidence motion is the only thing needed to approve a new bill (every sort of bill). No need to squander time. Take for instance the Jobs Act, the labour market reform enraging CGIL, the most important Italian Union, and so liked by the Right, the Italian Employer’s Federation and Frau Merkel. The Unions have been silenced in an hour or so, the opposition defeated while Democratic Party (@matteorenzi’s party) dissidents practically annihilated. #passodopopasso #italiariparte (which means #stepbystep #italyrestarts, as @matteorenzi twittered). Well, now the only other thing needed is a revolution in @matteorenzi’s party itself. Clearly in it there’s very little leftist left, but there’s a problem with the name: Democratic Party. Even a child would understand this, above all Democratic, but also Party, are old words, they doesn’t mean nothing today, nobody cares for them… Mmmm… Forza Italia has already been used, but something so evocative is needed…

Found! #matteoalé ( #longlivematteo); simple, direct and easy to twitter!

“Un piccolo passo per un uomo,

ma un balzo da gigante per l’umanità.”

Neil Armstrong

20 Luglio 1969

@matteorenzi ha ragione: i cittadini sono stufi di assistere a ‘ste sceneggiate! È ora di finirla con i vecchi riti: ma chi se ne importa dei dibattiti parlamentari quando basta mettere la fiducia e si riesce a far passare qualsiasi (o proprio qualsiasi!) provvedimento senza inutili perdite di tempo. Visto cos’è successo col Jobs Act, la riforma del mercato del lavoro che fa arrabbiare la CGIL e tanto piace alla destra, agli industriali e a Frau Merkel? Sindacati zittiti in un’oretta, opposizioni sbaragliate, dissidenti del PD praticamente annichiliti. #passodopopasso #italiariparte. Ora ci vorrebbe una rivoluzione anche nel partito di @matteorenzi. La distanza dalla sinistra ormai è presa una volta per tutte, resta il problema del nome: Partito Democratico. Lo capirebbe anche un bambino, Partito e soprattutto Democratico sono parole vecchie che non vogliono dire più niente e non interessano più a nessuno….mmmm Forza Italia no, già sfruttato, bisognerebbe però trovare qualcosa di altrettanto evocativo…

Trovato! #matteoalè: semplice, diretto e facile da cinguettare!

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My weekend movie: Blonde Venus (1932)

Blonde Venus 1932Blonde Venus (Venere Bionda) – USA 1932

Directed by: Josef von Sternberg.

Starring: Marlene Dietrich; Herbert Marshall; Cary Grant.

Venus is a mother and has a heart of gold

“It is regrettable that Miss Dietrich, Mr. Marshall and others should have been called upon to appear in such a vehicle.” This is one of the most merciful remarks Mordaunt Hall, the first regularly assigned motion picture critic for The New York Times (from1924 to 1934) could make about Blonde Venus when, in September 1932, he wrote his review of the new Josef von Sternberg’s film just released in American theatres. Though saving the actors performances (Cary Grant, the other male lead, is mentioned by Hall to say he was worthy a better role), he also called the film “a muddled, unimaginative and generally hapless piece of work”, judged the scenes “unedifying, without(…) a common sense idea of psychology” and “any attempt at levity (…) silly”.

Blonde Venus

Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Well, I must be sincere: there’s little to argue against this. Blonde Venus ain’t in fact particularly original and probably, especially if you resemble me a little and have a heart of stone while a child on the silver screen is enough to cause you nettlerush, you’ll find this movie more funny than weepy.

But, first of all, what are we talking about?

Blonde Venus is essentially a one-woman show: the one and only protagonist is Marlene Dietrich. Herbert Marshall and, above all, Cary Grant are just mere, though very charming, straight men. In her fifth film in a row (the fourth in Hollywood for Paramount, there will be two more) with Josef von Sternberg, the man who practically invented her cinematic persona, Marlene Dietrich plays one of the many variation of her typical character: the femme fatale who, after crossing the Atlantic and then travelling to Hollywood, has found a slender figure and a heart of gold but disguises it beneath an elaborate makeup and glamorous outfits.

Here Marlene is Helen a German cabaret singer who, while swimming completely naked in a pond with girl friends (also naked, ça va sans dire, it was a must in pre-code Hollywood movies), meets the American student Ned Faraday, an unlikely Herbert Marshall disguised under a cap, who immediately tries to seduce the seducing swimming Venus. Believe it or not he succeeds and in the following scene Helen is in New York bathing the fruit of their sanctified and registered love (yes they are married, cause it’s a pre-code film but…). A very edifying scene but…alas, Ned discovers he’s very ill cause his work as chemist exposed him to radio poisoning, a deadly disease that will kill him in a few months if not expensively and experimentally cured in Europe. Well, what a former cabaret singer turned into a full time mom and housewife good at embroidery could do to save her beloved husband? Naturally, a glorious comeback!

Even at the start of her film career, Dietrich...

Marlene Dietrich (Photo credit: Wikipedia)

And guess who’s there to watch her in her debut night? But, obviously, her Fairy Godmother who’s not short, fat and nuts but billionaire, dark, tall, handsome (and Cary Grant…), a guy called Nick Townsend (by the way, if out there there’s some dark, tall, handsome and millionaire Fairy Godmother left… well, here I’m!). He immediately offers his help but, to provide the magic pumpkin to save Ned’s life, he wants something in exchange (and you know what he wants, though nobody mentions it…). Helen considers the offer for a (little) while only to decide in the end that her beloved husband’s life is worth the sacrifice (and what a sacrifice…) and obtains this way the sum to send him to Europe. The trouble is that while Ned’s away, a sacrifice today, a sacrifice tomorrow (the cure takes time and money…), Helen develops a taste for the company of the sexiest Fairy Godmother ever and when, poor thing, the cure turns out to be effective the real sacrifice is to spontaneously decide to go back to her old life, while the Fairy Godmother has to console himself going to Europe. But, alas, Ned comes back a day earlier (never trust ocean liners!), finds out the truth and decides, careless of all sacrifices Helen made, to leave her immediately. Helen pretends to accept to give him their child custody only to have time to take the little brat whit her and run away. And here is when Helen’s story becomes a real odyssey. Alone with her child and chased by police, Helen goes from town to town starting with works in nightclubs every time a little more shady and ending by becoming a professional “street walker”, till she decides she has had enough and to save at least the little brat she sends him back to his father. But this is a film and this is just the beginning of her raise. Don’t ask me how, but completely broke as she is, Helen manages to go to Europe and in a wink of an eye she becomes a cabaret star, then quite obviously she meets once more her Fairy Godmother and with him she returns to America to get married and, at least, meet once again her little child. But once in the same continent, Country, city and room with Ned and the brat, she decides to stay with them. The End.

Josef von Sternberg

Josef von Sternberg (Photo credit: Wikipedia)

After this very exhaustive résumé, you’ll easily understand that the story, though Helen never thinks she has to feel guilty for something and is always the real master of her destiny, is a bit obvious (you’ll find tonnes of movies made in the same period telling more or less the same story), there are gaps in the plot (but probably the real cause for this were continuous clashes between Josef von Sternberg and producer B.P. Schulberg, not to mention the extensive screenplay rewriting because of the fear of possible censors interferences) and an absurd, unlikely ending. Which woman completely sane in mind and body would choose spontaneously to desert a rich millionaire who could help her to legally obtain her child custody to go back to a man who’s a complete shit (pardon my French) and when is afraid to die accepts her money along with her unlikely excuses to explain how she got it and once cured  reduces her in misery and separates her from her child?

Anyway, Blonde Venus will give you the opportunity to watch the young Archibald Leach engrossed with his mission to turn himself into Cary Grant and will prove you that the coolest movie star ever was not discovered by Mae West as she loved to tell around (She done him wrong, their first film together was made a year after Blonde Venus). But you should watch this movie also to admire Marlene Dietrich outfits (the dimensions of dead animals skins round her neck vary according to Helen’s fortune or misfortune) and what Mordaunt Hall called two or three songs, which are in fact worth watching numbers. Apart from the usual number in drag (Dietrich’s number in drag was like Harpo Marx’s harp number) here you’ll find Marlene singing and dancing Hot Voodoo: at first she goes around disguised in a gorilla costume, then she remains in a more glamorous outfit wearing the most absurd blonde afro wig surrounded by chorus girls wearing what are supposed to be very scanty tribal costumes. Definitely worth watching, but forget modern political correctness and try and think to this as a product of its time. Just the way you have to consider the whole film to appreciate it. Don’t worry it wont take long, and if you won’t take it too seriously, maybe you’ll also be able to find it quite funny.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Blue Angel GER 1930 Directed by: Josef von Sternberg. Starring: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Susan Lenox (Her fall and rise) – USA 1931 Directed by: Robert Z. Leonard. Starring: Greta Garbo; Clark Gables.

Rockabye – USA 1932 Directed by: George Cukor. Starring: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Directed by: Clarence Brown. Starring: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nothing Sacred – USA 1936 Directed by: William A. Wellman. Starring: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Directed by: Bob Fosse. Starring: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.

pellicola2

Venere è mamma e ha un cuore d’oro

“È un peccato che a Marlene Dietrich, Herbert Marshall e altri sia stato chiesto di prendere parte a una cosa simile.” Questa è una delle cose più carine che Mordaunt Hall, il primo critico cinematografico fisso del New York Times (dal 1924 al 1934), riuscì a dire a proposito di Venere Bionda scrivendo, nel settembre del 1932, la recensione del nuovo film di Josef von Sternberg appena arrivato nei cinema americani. Pur salvando gli attori (di Cary Grant, l’altro protagonista maschile, Hall disse che avrebbe meritato un ruolo migliore) e le loro performance, Hall non si limitò a quello: definì il film “confuso, privo di immaginazione e in generale un lavoro infelice”, giudicò le scene come “non edificanti, del tutto prive di un qualsiasi spessore psicologico” e “ogni tentativo di levità (…) sciocco”.

English: Marlene Dietrich in Blonde Venus

Marlene Dietrich singing Hot Voodoo in Blonde Venus (Photo credit: Wikipedia)

Ebbene, voglio essere del tutto sincera: c’è ben poco da obiettare. Venere Bionda infatti è tutt’altro che originale e probabilmente, specialmente se mi somigliate un po’, avete un cuore di pietra come il mio e i bambini sul grande schermo vi provocano l’orticaria, potreste trovare la storia più divertente che strappalacrime.

Ma, innanzitutto, di cosa siamo parlando?

Venere Bionda è un one-woman show: la vera e unica protagonista è Marlene Dietrich. Herbert Marshall e soprattutto Cary Grant sono solo delle semplici, anche se affascinanti, spalle. Nel suo quinto film consecutivo (il quarto ad Hollywood per la Paramount, ne seguiranno altri due) con Josef von Sternberg, l’uomo che ha praticamente inventato la sua immagine cinematografica, Marlene interpreta una delle infinite varianti del suo tipico personaggio: la femme fatale che, dopo aver attraversato l’Atlantico e aver viaggiato fino ad Hollywood, si è ritrovata con una figura snella e un cuore d’oro ma ben dissimulato sotto un trucco elaborato e degli abiti da favola.

Qui Marlene è Helen una cantante di cabaret tedesca che un bel giorno, mentre se ne sta tutta nuda a fare il bagno con le sue amiche ( nella Hollywood pre-codice Hays era un vero must) in uno stagno in Germania, conosce lo studente Americano Ned Faraday, un improbabile Herbert Marshall nascosto sotto un berretto, che immediatamente cerca di sedurre la seducente venere al bagno. Che ci crediate o no, ha successo e infatti nella scena successiva Helen è a New York intenta a fare il bagno a un moccioso, il frutto dell’amore santificato e certificato tra lei e Ned (si, si sono sposati anche se il codice Hays non aveva ancora stretto le sue maglie). Una scena davvero edificante ma… purtroppo Ned scopre di essere molto malato: a causa del suo lavoro di chimico è rimasto avvelenato dal radio e morirà in pochi mesi se non seguirà una costosissima cura sperimentale in Europa.

Herbert Marshall con Miriam Hopkins in un altro film del 1932, Mancia Competente (Photo Credit: Wikipedia)

Ora, cosa potrà mai fare una ex-cantante ormai dedita al suo moccioso, alle faccende domestiche e al ricamo, pur di salvare l’amato consorte? Naturalmente, tornare a calcare le scene! E indovinate un po’ chi incontra la sera del suo debutto? Ma, ovviamente, la sua fata Madrina che, guarda un po’, non è una signora bassa, grassoccia e pazzerella ma un baldo milionario alto, bruno, bello (e Cary Grant…) che di nome fa Nick Townsend (a proposito, se là fuori è rimasto un qualche esemplare di fata madrina siffatto, cioè alto, bruno, bello e magari pure milionario… io sono qui!). Lui si offre subito di aiutarla però, per allestire la zucca che porterà in salvo Ned, vuole qualcosa (e voi ovviamente capite bene cosa, anche se nessuno lo dice apertamente…) in cambio. Helen ci riflette un po’ su, ma poi decide che la salvezza di Ned val bene il sacrificio (e sai che sacrificio…) e ottiene così il necessario per spedire l’amato in Europa. Il problema è che, mentre Ned è lontano, sacrificati oggi e risacrificati domani (che la cura è lunga e costosa), Helen un po’ ci prende gusto a passare il tempo con sto’ pezzo di fata madrina e quando, ahilei, la cura si rivela efficace il sacrificio è decidere di tornare al domestico tran-tran, mentre la fata madrina corre a consolarsi in Europa. Peccato che Ned torni a casa un giorno prima (vatti a fidare dei piroscafi!) e scopra tutto decidendo all’istante, incurante di tutti i sacrifici che lei ha fatto per lui, di mollare la povera Helen. Lei finge di accettare di lasciargli il figlio per tenerlo buono giusto il tempo di prendersi il moccioso e scappare lontano. E qui il film prende la piega di un’autentica odissea. La povera Helen, con bimbo al seguito, passa di città in città prima cantando in locali sempre più malfamati e poi, causa polizia alle calcagna, adescando per strada chi capita (ma è sempre bellissima e truccatissima) fino a quando decide di non poterne più e fa chiamare Ned per salvare almeno il piccolo. Ma questo è un film quindi da questo momento inizia la sua rinascita. Non chiedetemi come, ma da un pidocchioso ricovero, e poverissima (che dà via l’assegno che Ned le ha dato), riesce ad arrivare in Europa, diventa in un battibaleno una stella del varietà, ritrova la fata madrina e torna con lui in America decisa a sposarlo e almeno a rivedere il bambino. Poi però quando si trova nello stesso continente, nello stesso Paese, nella stessa città e soprattutto nella stessa stanza con Ned e il moccioso (che intanto non è cresciuto di un centimetro) decide di restare con loro. Fine.

Cary Grant

Cary Grant

Dopo questo esaustivo riassunto è facile capire che la storia, nonostante la mancanza di sensi di colpa di Helen che appare come la vera padrona del suo destino, è un po’ banale (di film con trame così in quegli anni ne venivano prodotti a bizzeffe), c’è qua e là qualche lacuna nello svolgimento (ma questo è dovuto anche alle liti tra von Sternberg e il produttore B.P. Schulberg oltre che alle molte riscritture della sceneggiatura per timore di possibili censure) e il finale è completamente assurdo. Quale donna sana di mente mollerebbe su due piedi un milionario ricco che la potrebbe anche aiutare a riprendersi legalmente il figlio per rimettersi con uno stronzo (perdonate il francese) che quando ha paura di morire non fa domande su come lei si procura i soldi per curarlo e poi una volta guarito le fa la morale, la riduce alla fame e le porta via il figlio?

A parte il piacere di poter vedere in azione il giovane Archibald Leach intento a trasformarsi in Cary Grant e poter constatare con i propri occhi che l’uomo più affascinante della storia del cinema non è stato scoperto da Mae West come lei amava raccontare (il loro primo film insieme, Lady Lou, fu girato un anno dopo Venere Bionda), vale la pena rivedere questo film anche per le mise sfoggiate da Marlene Dietrich (le dimensioni variabili delle pelli di animali morti intorno al suo collo segnano fortune e sfortune della bella Helen) e per quelle che Mordaunt Hall liquidava come due o tre canzoni cantate da Marlene Dietrich, che invece sono tra le cose migliori del film. Oltre a un numero en travesti (un classico per Marlene, un po’ come il numero con l’arpa per Harpo Marx) c’è la scena in cui canta Hot Voodoo: prima gira tra il pubblico travestita da gorilla e poi si spoglia restando in uno scintillante costume molto più succinto mentre in testa indossa una assurda parrucca afro di color biondo platino per cantare circondata da un coro di ragazze in altrettanto succinti costumi tribali. Vale la pena di vederla, bisogna però dimenticarsi completamente del politically correct e cercare di entrare nello spirito dell’epoca. Che poi è la cosa giusta da fare per godersi il film. In fondo dura poco e se lo guardate senza prendere tutto terribilmente sul serio potreste persino divertirvi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi(cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

L’Angelo Azzurro GER 1930 Diretto da: Josef von Sternberg. Con: Marlene Dietrich; Emil Jannings.

Cortigiana – USA 1931 Diretto da : Robert Z. Leonard. Con: Greta Garbo; Clark Gables.

Labbra Proibite – USA 1932 Diretto da: George Cukor. Con: Constance Bennett; Joel McCrea; Walter Pidgeon.

Anna Karenina – USA 1935 Diretto da: Clarence Brown. Con: Greta Garbo; Fredric March; Basil Rathbone.

Nulla sul serio– USA 1936 Diretto da: William A. Wellman. Con: Carole Lombard; Fredric March; Walter Connolly.

Cabaret – USA 1972 Diretto da: Bob Fosse. Con: Liza Minnelli; Michael York; Marisa Berenson; Joel Grey Fritz Wepper.

Pinzillacchere!!!

It seems, and I insist it seems (cause sometimes the truth is a question of points of view), that the new and sparkling Democratic Party (PD, the largest supposed-left party in Italy) led by the Youngest Prime Minister in the Italian history, is having some little problem. It seems, an I want to be clear it seems, that PD registered members are, so far, 400.000 less than they were last year. Rubbish! There’s no point (not to mention how vulgar it will be) in trying and insinuate that this happens because in the new and sparkling PD there’s very little that could remind to a Left party. No need to dramatise the situation, after all the Youngest etc… is making a revolution that will turn our old Italy into a new business-friendly-Country and you can be sure that when finally employers will be able to sack their employees whenever they’ll want with no bounds every businessman on earth will flock to Italy (and if we’ll give them, for instance, the opportunity to own slaves, the legal property of their employees’ children, and the right to decide about their employees life or death, I bet someone will arrive from Mars too…). Our young untameable Leader is only trying to build a new and closer relation with the Italian people (and in fact, when he has to talk to workers he has already decided that the mediation of Unions is completely useless). After all, who cares if his Party counts a few thousands registered members less: on Twitter @matteorenzi has 1.327.262 followers…

*each word means more or less the same thing: something having no importance. Totò, the famous italian comedian, used this expression in different films (WATCH). Pinzillacchere is a word invented by Totò himself .

“Bezzecole, quisquilie..pinzellacchere!”*

Totò

Pare, e sottolineo pare (a volte la realtà è questione di visuali più o meno panoramiche), che il PD giovane e frizzante del Presidente più giovane della storia dell’Italia Unita, abbia un piccolo problema di tesseramento. Pare, e sottolineo pare, che al momento i tesserati siano scesi di, più o meno, 400.000 unità. Bazzecole! Inutile (e pure un po’ volgare) insinuare che dipenda dal fatto che di Sinistra nel nuovo PD frizzantino non sia rimasto più niente. Non è il caso di drammatizzare, dopo tutto, impegnato com’è in una rivoluzione che finalmente renderà l’Italia un Paese business-friendly (meglio adeguare il vocabolario…) dove, finalmente, grazie alla possibilità di licenziare senza troppi vincoli tutti, ma proprio tutti, vorranno venire a fare affari (se poi si introducessero, tanto per fare un esempio un po’ forte, la schiavitù, il diritto di proprietà sulla prole dei lavoratori e il diritto di vita e di morte sugli stessi, c’è da giuraci che arriverebbero pure i marziani…), l’indomabile giovane leader è in cerca di un contatto più diretto e nuovo con il popolo italiano (e infatti a che servono quei vecchi arnesi dei sindacati, meglio il confronto diretto coi lavoratori, uno per uno, no?). E poi, del resto, cosa saranno mai un po’ di tessere in meno: su Twitter, @matteorenzi ha 1.327.262 followers…

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My weekend movie: What Ever Happened to Baby Jane? (1962)

Baby Jane 1962

What Ever Happened to Baby Jane? (Che fine ha fatto Baby Jane?) – USA 1962

Directed by: Robert Aldrich.

Starring: Bette Davis; Joan Crawford; Victor Buono; Maidie Norman.

Baby Jane was planning her comeback…

SPECIAL WARNING!!! Do not watch this movie if: you’re depressed; you’re taking care of a sick relative; you’re sick and someone is taking care of you; you’re a woman and you’re ageing; you avoid looking your face into the mirror not to find new wrinkles; you’re upset because you noticed a new white hair this morning; you miss the good old days; you only want to think about nice things; now and then you drink a drop too much; you have a sister but you don’t like her; your sister doesn’t like you; you are vegan but above all…you’re a former child star!

Well, if none of those things are affecting your day you can blithely read this article, unless…

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this movie before this is your last occasion to go and fetch a copy, otherwise you read this article at your own risk.

What even happened to Baby Jane? (Photo credit: Wikipedia)

What ever happened to Baby Jane?, the 1962 psychological-thriller directed by Robert Aldrich and based on the 1960 novel written by the American novelist and screenwriter Henry Farrell, tells the most famous case of sibling rivalry ever shown on a silver screen, the story of  Blanche and Baby Jane Hudson once wealthy and famous and now forced into a very uncomfortable, sick and secluded cohabitation. Jane had been the first to become a star and raise a fortune in late 1910’s when she was just a child (the reason why she was called Baby Jane) singing and dancing in Vaudevilles with her father for adoring children fans flocking from all over the country to see her and buy her gadgets, while her older sister Blanche could only live, completely ignored, in her shadow. Later Blanche had her occasion to be the one who was in the spotlight. In 1930’s she became one of the most famous film stars, so powerful to impose to the Studio she worked with to employ Baby Jane (but rigorously in B-movies). But all came to an end after a tragic car accident that left her paraplegic. Almost thirty years later Blanche, still on a wheelchair, and Baby Jane, probably involved in the accident and now an hopeless alcoholic, live together in a big decaying house and their bitter cohabitation is at risk when Blanche’s films start to be shown on TV arousing Baby Jane’s jealousy and resentment…

Joan Crawford as Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Believe it or not, despite the reciprocal dislike, was Joan Crawford the one who suggested to cast Bette Davis as Baby Jane. According to Bette Davis, Joan Crawford told her about that book bought by Aldrich to make a film that had parts for them: a great occasion. Passed fifty (Joan was 58, Bette 54 therefore younger than Madonna or Sharon Stone today) their careers were at stake. The only thing Bette Davis needed to know was that Aldrich was not sentimentally involved with Joan (she feared he could favour her…) but Aldrich’s laughter and the reassurance he could not imagine any other Baby Jane convinced her to take up the role and cut her salary (for a percentage of profits obviously). But Bette went over. Thinking that makeup could be important to show Baby Jane’s despair and madness, and feeling that any makeup artist could go as far as needed, she decided to do her own makeup (Aldrich and the production feared it might be a bit too over the top). “I did my best to look my worst” she said confessing that after seeing herself as Baby Jane she couldn’t help crying “I’d been so successful in making myself a horror, I frightened myself”. And she really had been successful. The film was a hit, received positive reviews and granted her an Academy Award Nomination as Best Actress. But all this produced a side effect: Crawford and Davis reciprocal dislike fatally turned into a real feud. According to Bette Davis, Joan Crawford campaigned against her Oscar. Whether true or false, what’s sureis that  Crawford contacted other Best Actress nominees offering to accept the award on their behalf if unable to attend the ceremony. When Anne Bancroft, who was performing a play in Broadway, won for The Miracle Worker Joan Crawford went on stage to pick up the Oscar (HERE). Not surprising that the following attempt to reunite Joan and Bette in Hush..hush, sweet Charlotte aborted (Joan left the set and Olivia De Havilland took up her role).

What ever happened to Baby Jane? provides a good dose of suspense thanks to Baby Jane’s overwhelming crescendo of cruelty and insanity but, frankly, the progressive discovery that the nutty jailer has been helped in her descent into madness and the sweet dignified victim ain’t such an angel is not so surprising. If you pay attention to the first part of the movie, you can understand everything even before the two prima donnas finally make their entrance. Anyway, there are still two good reasons you should watch again this movie: Joan Crawford and, above all, Bette Davis. You own her. (But if your case is one of those contemplated in the opening special warning… you’ve exemption from this film).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip aor the trailer):

In This Our Life – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Sunset Blvd – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

A Streetcar Named Desire – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Hush… HushSweet, Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Dead Ringer – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mommy Dearest – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.

pellicola2

Baby Jane stava preparando il suo ritorno alle scene…

AVVERTENZA SPECIALE!!! Non guardare questo film se: sei depressa/o; stai prendendoti cura di un parente malato; sei malata/o e un tuo parente si sta prendendo cura di te; sei una donna e stai invecchiando; eviti di guardarti allo specchio per non trovare nuove rughe; sei preoccupata/o perché stamattina hai notato un nuovo capello bianco nella tua chioma; hai nostalgia dei bei tempi andati; vuoi pensare solo a cose belle; ogni tanto ti fai un goccetto di troppo; hai una sorella ma non ti piace; tu non piaci a tua sorella; sei vegana/o ma soprattutto… sei un ex-bambina prodigio!

Bene, se nessuna di queste cose ti sta rovinando la giornata puoi almeno tranquillamente leggerti l’articolo, a meno che…

ATTENZIONE SPOILER: se non hai mai visto questo film prima d’ora questa è la tua ultima occasione di procurartene una copia, altrimenti leggiti pure il resto dell’articolo a tuo rischio e pericolo.

Baby Jane and Blanche (Photo Credit: Wikipedia)

Che fine ha fatto Baby Jane?, il film del 1962 diretto da Robert Aldrich, interpretato da Bette Davis e Joan Crawford e tratto dal romanzo omonimo del 1960 dello scrittore americano Heny Farrell, racconta il più famoso caso di rivalità tra sorelle mai apparso sul grande schermo. È la storia di Blanche (Joan Crawford) e Baby Jane Hudson (Bette Davis), un tempo ricche e famose e ora costrette ad un’insopportabile, malata convivenza da semi-recluse. Jane è stata la prima a conoscere la fama quando bambina (e perciò chiamata Baby Jane) alla fine degli anni ’10 del novecento cantava e danzava col padre nei Vaudeville (qualcosa di molto simile ai nostri teatri di varietà o all’avanspettacolo) per folle adoranti di piccoli fan disposti anche ad acquistare i più assurdi gadget che la ritraevano, mentre la sorella maggiore Blanche viveva del tutto ignorata nella sua ombra. Più tardi, mentre quella fama sbiadiva sempre più, era arrivato il turno di Blanche che negli anni ’30 era diventata una delle più brillanti stelle del cinema, potente al punto da imporre la presenza di Baby Jane nelle produzioni (ma rigorosamente di serie B) dello Studio che l’aveva sotto contratto. Il mondo era ai suoi piedi, ma tutto era finito tragicamente quando un incidente d’auto l’aveva lasciata paralizzata. Quasi trent’anni dopo Blanche, che è sempre sulla sedia a rotelle, e Baby Jane, che forse ha avuto un ruolo nel suo incidente ed è ormai un’incurabile alcolizzata, vivono insieme in una grande casa che come loro sta cadendo a pezzi e la convivenza difficile e gli equilibri precari sembrano arrivare al punto di rottura quando la TV inizia a trasmettere i vecchi film di Blanche rinverdendone la fama e scatenando la gelosia di Baby Jane…

Bette Davis as Baby Jane (Photo credit: Wikipedia)

Che ci crediate o meno, nonostante la nota e reciproca avversione, fu Joan Crawford a suggerire il nome di Bette Davis per il ruolo di Baby Jane. Secondo quanto raccontò Bette Davis fu prorpio Joan Crawford a parlarle di questo libro di cui Aldrich aveva acquisito i diritti per farne un film e che aveva due parti adatte a loro. Un’occasione da non perdere visto che passati i cinquant’anni (Joan Crawford aveva 58 anni, Bette Davis 54, meno di quanti ne hanno ora Madonna e Sharon Stone) era un momento difficile per la carriera di entrambe. La sola cosa che Bette Davis aveva bisogno di sapere era che Aldrich non fosse sentimentalmente legato a Joan Crawford (aveva paura che potesse favorirla, roba da dive…), ma una risata di Aldrich e la rassicurazione che lui non poteva proprio immaginare un’altra attrice nel ruolo di Baby Jane la convinsero ad accettare la parte e a tagliarsi il salario (ovviamante per una percentuale dei profitti). Ma Bette andò molto oltre. Considerando il trucco un elemento importante per rendere visibile la disperazione e la follia di Baby Jane, ed essendo convinta che nessun truccatore avrebbe osato fare quello che era necessario fare, decise di far da sé (spaventando Aldrich e la produzione che temettero stesse un po’ esagerando). “Ho fatto del mio meglio per apparire al mio peggio” disse confessando anche che dopo essersi vista nei panni di Baby Jane non era riuscita ad evitare di piangere “Sono stata talmente brava nel trasformarmi in un autentico orrore che mi facevo paura da sola”. E la sua bravura portò a un vero successo. Il film fu apprezzato da pubblico e critica, e fece ottenere a Bette Davis una nomination per l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista ma, fatalmente, trasformò la reciproca avversione tra Bette e Joan in una vera e propria faida. Secondo Bette Davis, Joan Crawford si diede da fare per convincere i membri dell’Academy a negarle l’Oscar. Quel che è certo è che Joan Crawford si mise a disposizione delle altre candidate offrendosi di ritirare l’Oscar al loro posto se impossibilitate a partecipare alla cerimonia. Quando fu annunciata ala vittoria di Anne Bancroft, impegnata con una commedia a Broadway, per Anna dei Miracoli fu così Joan Crawford a salire sul palco e ritirare l’Oscar al suo posto (QUI). Niente di sorprendente quindi se il successivo tentativo di rimettere insieme Bette e Joan in Piano…Piano, dolce Carlotta abortì (Joan Crawford abbandonò il set e fu sostituita da Olivia De Havilland).

Che fine ha fatto Baby Jane? contiene un bel po’ di suspense soprattutto grazie all’inarrestabile crescendo di follia di Baby Jane ma, francamente, la progressiva scoperta che il merito per la sua riuscitissima discesa all’inferno non sia tutto suo e quella che in fondo Blanche, la dolce vittima, non è la santa che potrebbe sembrare non sono affatto sorprendenti. Basta fare un po’ d’attenzione alla prima parte del film e si capisce tutto prima ancora che le due primedonne entrino in scena. Comunque ci sono due buone ragioni per rivedere questo film: Joan Crawford e, soprattutto, Bette Davis. E lei si che si merita un po’ del tuo tempo. (ma se il tuo caso rientra in uno di quelli elencati nelle avvertenze speciali… puoi considerarti esentata/o).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

In questa nostra vita – USA 1942 Directed by: John Huston. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; George Brent; Dennis Morgan; Charles Coburn; Hattie McDaniel; Ernest Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia De Havilland; Thomas Mitchell; Lew Ayres.

Viale del Tramonto – USA 1950 Directed by: Billy Wilder. Starring: Gloria Swanson; William Holden; Erich von Stroheim; Nancy Olson.

Un tram che si chiama Desiderio – USA 1951 Directed by: Elia Kazan. Starring: Vivien Leigh; Marlon Brando; Kim Hunter; Karl Malden.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Mary Astor.

Chi giace nella mia bara? – USA 1964 Directed by: Paul Henreid. Starring: Bette Davis; Bette Davis; Karl Malden: Peter Lawford.

Mammina Cara – USA 1981 Directed by: Frank Perry. Starring: Faye Dunaway; Diana Sacrwid; Rutanya Alda.

Stuff

“I don’t, I don’t believe it…”

Luke Skywalker

From: The Empire Strikes back – 1980

These are dreadful times and even trying to forget (or being determined not to talk about) the most alarming aspects of our days what remains ain’t pretty comforting: the never ending crisis, a continuous flood of desperate people risking their lives into the sea trying to escape from war, poverty rising, workers’ rights threatened and a supposed left government determined to defeat the Unions, not to mention security issues…

But, anyway there’s still someone ready to spend a night or even a few days of his/her precious time in a queue, just to be the first to buy (full price.. and what a full price!) a new electronic device he/she probably even doesn’t really need. Please tell me it’s just a very well conceived publicity stunt. It have to be so, cause I simply don’t want to believe this is true, I want still believe in people, I want to think that human mind can’t be so easily manipulated (and just to sell silly stuff…)…

“Non posso crederci…”

Luke Skywalker

Da: L’Impero colpisce ancora – 1980

Questi sono tempi terribili e persino cercando di dimenticare o essendo determinate a non parlare dei più spaventosi eventi dei nostri giorni quello che resta è piuttosto sconfortante: la crisi senza fine, il flusso continuo di disperati che rischiano la vita cercando di attraversare il mediterraneo per scappare ai conflitti e a tutto quello che ne consegue, la povertà che aumenta, i diritti dei lavoratori minacciati e un supposto governo di sinistra determinato a distruggere il sindacato, senza parlare delle minacce alla nostra sicurezza…

E nonostante tutto c’è ancora chi è disposto a passare una notte o persino qualche preziosissimo giorno della sua vita in una coda, solo per poter essere il primo o la prima a comprare (a prezzo pieno… e che prezzo pieno!) un nuovo apparecchio elettronico di cui molto probabilmente non ha nemmeno bisogno. Vi prego, ditemi che è solo una ben orchestrata campagna pubblicitaria. Deve essere così, perché io non voglio credere che sia vero. Voglio continuare a credere negli esseri umani, contro ogni evidenza voglio continuare a pensare che la mente umana non possa essere manipolata così facilmente (e solo per vendere un po’ di fuffa)…

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Code e follie nell’i***** day italiano (repubblica.it)

My weekend movie: Suspicion (1941)

Suspicion 1941

Suspicion (Il Sospetto) – USA 1941

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: Cary Grant; Joan Fontaine; Nigel Bruce; Dame May Whitty.

The sight of an eligible male was a rare treat in that part of the Country…

A plain young woman, destined to perpetual spinsterhood, meets by chance on a train one of the most charming eligible bachelors of the Country and decides not to miss the boat. He seems to fall in love, the only trouble is that she has no idea he’s also an incurable liar, a scoundrel and maybe even something more terrifying…

Suspicion )Photo credit: Wikipedia)

This is the premise of Suspicion, Alfred Hitchcock’s fourth american movie, made and released in 1941, a psychological thriller set in the pre-WWII England (at least the cliché pre-WWII England that could be reproduced in Hollywood) and not very faithfully based on Before the fact a 1932 novel written by Frances Iles (one of the several pen names used by the English crime writer Anthony Berkeley Cox). It’s the second and final collaboration with Rebecca’s star Joan Fontaine and the first with his favourite alter ego: Cary Grant.

SPOILER ALERT: if you’ve never watched this film before, here is your last chance to go and fetch a copy…otherwise you are going to read the rest of this article at your own risk.

The story is all about Lina (Joan Fontaine), a young and inexperienced woman coming from a very good family who, discovering one day that her overprotecting parents are preparing for her a quiet country life as a dignified spinster, decides to throw herself to Johnny Aysgarth (Cary Grant), a very charming and notorious womaniser she hardly knows. Against her family wishes Lina elopes to happily live a whirlwind romance, but once the honeymoon comes to an end she has to face reality: her beloved husband is nothing but a serial sponger who loves the easy life, luxury and horse racings, and thinks he could live on her income. Sadly, Johnny has to face reality too: Lina’s income ain’t what he expected so he has to work or at least try to work, or maybe pretend to work… At first, Lina seems to find Johnny’s attitude quite funny and believes he’s on his way to change for good, but when she meets Beaky, one of her husband’s oldest friends, she finds out that he has no intention to change. Then a series of events, included Beaky’s very mysterious death happened before he could dissolve a society made with Johnny (Beaky provided the money, Johnny the ideas), make her suspicious: maybe she married an assassin….

Suspicion left Hitchcock dissatisfied, disappointed and with some regret. What was the trouble?

Lina and Johnny (Photo credit: Wikipedia)

Surely not the leading lady. Joan Fontaine was absolutely perfect, even a bit too perfect to play the fragile and insecure girl who falls in love with a scoundrel and then is consumed with the doubt he could be a murderer. Lina after all was a sister, or at least a cousin, of young Mrs de Winter, the protagonist of Rebecca, the first movie she had made with Hitchcock in 1940, the one that had projected her into Hollywood stardom after many disappointing years when she was overshadowed by her sister Olivia de Havilland who had made a name for herself starring alongside Errol Flynn in Warner Brothers movies (not to mention, of course, Gone with the Wind). The idea to cast Joan Fontaine proved to be so good that in 1942 she became the only actor to ever win an Academy Award in a film directed by Hitchcock, winning as Best Leading Actress five years before her older sister could achieve the same goal in 1947 for To Each His Own (anyway someone said this was a compensation for the Oscar lost the previous year when she was nominated for Rebecca).

So, what was the trouble? Maybe the fact that the two protagonists didn’t get on well (years later Joan will say that Cary Grant simply didn’t understand that the protagonist was Lina)? Maybe the trouble was the set, too artificial and not very British, or the too glossy photography Hitchcock complained about years later in Truffaut’s interview? (by the way, many thanks to the French director for his long interview!) Well, all those things was probably a part of it, but the real trouble was… Cary Grant!

Cary Grant in 1941 (photo credit: Wikipedia)

According to Hitchcock in fact the actor, that later became his favourite alter ego, was probably the main reason (along with Hollywood censorship) for the numerous changes made to the original story. In Frances Iles’ novel Johnny was an impenitent libertine (before and after the marriage), and above all was a real murderer and… Cary Grant could not be a murderer! Audiences didn’t want him to be a murderer and RKO, the Studio producing the film (Hitchcock had been happily lent by David O. Selznick, the man who brought him to Hollywood in 1939), didn’t want him to be a murderer too and in fact trying to cut every scene suggesting Johnny’s evil nature reduced the movie to a 55 minute length but then restored Hitchcock version because that way the film simply didn’t make sense. If you watch the movie you’ll understand why nobody wanted the coolest man ever turned into a murderer: the scene when, after catching Lina trying to persuade Beaky not to become his buisiness partner, Johnny scolds her in a menacing tone following her up the stairs is one of the most disturbing Cary Grant ever performed. Better not to turn Cary into a murderer, at least not in 1941. Unfortunately that way Hitchcock had to put aside the final scene he had imagined, made to perfectly match the famous “milk scene” with Johnny carrying upstairs in half-light a glass of glowing milk (Hitchcock asked to put a light bulb in it to draw our attention to the glass) to finally put it beside Lina’s bed while his wife fears it’s poisoned. The never-made scene (apparently closer to the novel’s mood) had to show Lina, perfectly knowing the milk is poisoned and yet ready to swallow it, asking Johnny to post a letter she wrote to her mother. The following morning when Lina is already dead, a cheerful Johnny post the letter not knowing that in it Lina revealed to her mother that he was her assassin.

Here you can find the Hitchcock- Truffaut long conversation:

https://the.hitchcock.zone/wiki/Alfred_Hitchcock_and_Fran%C3%A7ois_Truffaut_(Aug/1962)

Suspicion ain’t Hitchcock’s best film, surely all the faults Hitchcock saw in it are real (after all, I wouldn’t dare to contradict the master), and surely the ending is weak, and yet it’s a charming film. Maybe it’s because of Cary Grant, or maybe cause it reminds me to Rebecca (which is one of my favourite movies and the first Hitchcock’s film I’ve ever seen, but I already told you about that), but this is one of those movies I can’t ignore and watch again now and then. I suggest you to do the same.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Now, Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Secret beyond the door – USA 1947 Directed by: Fritz Lang. Starring: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

How to murder your wife – USA 1965 Directed by: Richard Quine. Starring: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

A New Leaf – USA 1971 Directed by: Elaine May. Starring: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.

pellicola2

La vista di un buon partito era un piacere piuttosto raro in quella parte del Paese…

Una giovane donna scialba, destinata a perpetuo zitellaggio, incontra per caso su un treno uno dei più ambiti scapoli del Paese e decide di non farselo scappare. Lui incredibilmente sembra innamorarsene, l’unico problema è che lei non ha idea del fatto che sia anche un inguaribile bugiardo, un imbroglione e, forse, persino qualcosa di molto più terribile…

Joan Fontaine in full colour (Photo credit: Wikipedia)

Queste sono le premesse di Il Sospetto (Suspicion), il quarto film americano di Alfred Hitchcock girato e distribuito nel 1941, un thriller psicologico ambientato in Inghilterra prima della seconda guerra mondiale (o almeno in quell’Inghilterra da cliché Hollywoodiano che poteva essere riprodotta sotto il sole della California) e tratto non molto fedelmente dal romanzo Before the Fact (tradotto in italiano in Il Sospetto, come il film) scritto da Frances Iles (uno dei tanti pseudonimi usati dallo scrittore di gialli inglese Anthony Berkeley Cox) e pubblicato nel 1932, che segna la seconda e ultima collaborazione del Maestro del brivido con la protagonista di Rebecca Joan Fontaine e la prima con il suo alter ego preferito: Cary Grant.

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film questa è la vostra ultima occasione per procurarvene una copia o visitare il sito RAI Cinema Channel.it dove per il momento lo potrete vedere – in italiano – gratis (cliccate QUI)… altrimenti continuate pure a leggere il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo.

La storia ruota tutta intorno a Lina (Joan Fontaine), giovane di buona famiglia senza esperienza che, scoprendo che i suoi genitori le stanno preparando una placida esistenza da zitella nella campagna inglese, decide di buttarsi tra le braccia di Johnny Aysgarth (Cary Grant), affascinante sciupafemmine appena conosciuto. Contro la volontà dei suoi fugge di casa e lo sposa, ma appena finita la luna di miele deve affrontare la realtà: il suo amato maritino è uno scroccone seriale che ama la bella vita, il lusso, le corse e pensa di poter vivere della sua rendita. Anche Johnny però deve affrontare la realtà e quando scopre che la rendita di Lina non è cospicua quanto sperava si vede costretto a lavorare o almeno a cercare di lavorare, o a fingere di lavorare… All’inizio Lina trova quasi divertente quello che ha scoperto e crede sinceramente che Johnny possa cambiare, ma quando conosce Beaky, uno dei più cari amici del marito, scopre che non cambierà mai. E una serie di eventi, compresa la misteriosa morte di Beaky prima che potesse sciogliere una società fondata con Johnny (l’amico ovviamente metteva i soldi Johnny le idee), fanno crescere in lei il sospetto di avere sposato un assassino…

Il Sospetto lasciò Hitchcock insoddisfatto, deluso e con qualche rimpianto. Ma qual era il problema?

Joan with Gary Cooper and the Oscar (Photo credit: Wikipedia)

Sicuramente non la protagonista. Joan Fontaine era semplicemente perfetta, persino un po’ troppo perfetta per il ruolo della giovane fragile e insicura che perde la testa per un imbroglione e poi si tormenta con l’idea che possa essere un assassino. Lina in fondo era la sorella, o almeno la cugina, della giovane Signora de Winter, la protagonista di Rebecca il primo film che aveva girato con Hitchcock e che nel 1940, un anno prima dell’uscita de Il Sospetto, aveva fatto di lei una star dopo anni si semi-anonimato trascorsi all’ombra dell’allora più famosa sorella Olivia De Havilland che nel frattempo si era costruita una solida carriera alla Warner Brothers al fianco di Errol Flynn (senza contare, ovviamente, Via col Vento). Scegliere Joan Fontaine per Il Sospetto era stata una mossa decisamente azzeccata. Nel 1942 infatti, unica tra gli e le interpreti dei film di Hitchcock e ben cinque anni prima della sorella maggiore Olivia, Joan vinse l’Oscar come Migliore Attrice Protagonista (anche se qualcuno lo considerò una specie di ricompensa per la mancata vittoria dell’anno prima quando era stata candidata per Rebecca).

Quindi, qual era il problema? Forse il fatto che sul set la Fontaine e Cary Grant non andassero molto d’accordo (anni dopo, lei fece notare che forse il buon Cary non aveva capito che la protagonista della storia era Lina)? Oppure le scene troppo artificiali e poco British e la fotografia un po’ troppo luminosa di cui Hitchcock ancora si lamentava con Truffaut? (e meno male che il regista francese spese tanto del suo tempo in quella lunga intervista…) In parte, ma il vero problema era un altro… Cary Grant!

Alfred Hitchcock (Photo credit: Wikipedia)

Infatti, sempre secondo quanto Hitchcock raccontò a Truffaut l’attore, poi diventatoil suo l’alter ego preferito, fu probabilmente (assieme alla censura di Hollywood) una delle principali cause dei molti cambiamenti apportati alla storia originale. Nel romanzo Johnny era un impenitente libertino (prima e dopo il matrimonio) ma soprattutto era realmente un assassino e… Cary Grant non poteva essere un assassino! Non lo volevail pubblico e non lo veleva la RKO che produceva il film (Hitchcock era stato “prestato” molto volentieri da David O. Selznick che l’aveva messo sotto contratto e portato in America nel 1939 ma col quale non andava d’accordo) e che nel tentativo di eliminare le scene in cui Cary Grant sembrava troppo cattivo aveva sforbiciato la pellicola riducendone la durata a 55 minuti salvo, per fortuna, cambiare idea perché così il film non aveva più alcun senso. Non è difficile però capire perché nessuno volesse vedere l’uomo più cool di tutti i tempi trasformato in un assassino. Basta vedere il film: la scena in cui Johnny, dopo aver sorpreso Lina che tenta di dissuadere Beaky dal mettersi in affari con lui, la rimprovera e la segue su per la scalinata con fare minaccioso è una delle più disturbanti mai interpretate da Cary Grant. Molto meglio non fare di Cary un assassino, almeno non nel 1941. Purtroppo però in questo modo Hitchcock dovette rinunciare al finale che aveva immaginato (che a quanto pare era molto più aderente alla storia originale) e che sarebbe stato la perfetta prosecuzione della famosa “scena del latte”, quella in cui Cary/Johnny sale nella penombra le scale con un vassoio su cui è posato un bicchiere di latte che brilla nel buio (perché Hitchcock ci aveva fatto mettere una luce dentro in modo da attrarre la nostra attenzione su quel particolare) che poi posa sul comodino di fianco al letto della moglie che crede sia avvelenato. Nel finale mai girato Lina, consapevole del fatto che il latte era realmente avvelenato e pronta comunque a trangugiarlo, avrebbe consegnato a Johnny una lettera indirizzata a sua madre. Il mattino seguente con Lina ormai morta, un Johnny piuttosto allegro avrebbe imbucato la lettera del tutto ignaro del fatto che l’accusava del delitto.

Qui potete sentire in inglese e francese la conversazione originale tra Hitchcock e Truffaut:

https://the.hitchcock.zone/wiki/Alfred_Hitchcock_and_Fran%C3%A7ois_Truffaut_(Aug/1962)

Il Sospetto non è il miglior film di Hitchcock, sicuramente ha tutti i difetti di cui si lamentava il maestro (del resto chi sono io per contraddirlo?), è vero che il finale è decisamente il suo punto debole, eppure è un film affascinante. Sarà perché c’è Cary Grant, oppure perché in qualche modo ricorda Rebecca (che è uno dei miei film preferiti oltre che il primo film di Hictchcock che abbia mai visto, ma di questo vi ho già parlato), ma questo è uno di quei film che non riesco ad ignorare e ogni tanto rivedo. Vi consiglio di fare lo stesso.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Perdutamente Tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davis; Paul Henreid; Claude Rains.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Dame May Whitty; Angela Lansbury.

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Cary Grant; Ingrid Bergman; Claude Rains; Madame Konstantin.

Dietro la porta chiusa – USA 1947 Diretto da: Fritz Lang. Con: Joan Bennett; Michael Redgrave; Anne Revere.

Come uccidere vostra moglie – USA 1965 Diretto da: Richard Quine. Con: Jack Lemmon; Virna Lisi; Terry-Thomas; Claire Trevor.

È ricca, la sposo e l’ammazzo – USA 1971 Diretto da: Elaine May. Con: Walter Matthau; Elaine May; Jack Weston.

Canapés

“Try one of these. It’s just all white bread and cream cheese.

It’s the paprika that makes it pink.”

Emma Newton

From: Shadow of a doubt – 1943

Owls, whiners and now the “professional canapé eaters”, a nickname made for those who often take part to economic forums where they talk and talk, criticize again and again but, above all, never find the right recipe… The Youngest Italian  Prime Minister ever, the man who’s regardless of any protest, always finds a suitable nickname for those criticizing his sparkling government.

Now, seeing that I have some doubt about what already done(?) and being a bit worried about the next steps announced (another labour market reform…), I only have to try and understand to which club I belong to. Owl (it means a Jinx)? Mmmm… Whiner? Well, maybe. After all, when I was a child, my mother gave me a nickname (that I’ll never, ever reveal) made for those occasion when I was a whining nuisance… What’s sure, I’m not a “Professional canapé eater” cause, first of all, nobody ever on earth would invite me to an economic forum, then I don’t like canapés. I like ice cream much more… “Professional ice cream eater”, that’s the name I deserve!

“Provi uno di questi. Pane bianco e formaggio di crema.

È la mostarda che gli dà questo colore.”

Emma Newton

Da: L’ombra del dubbio – 1943

Gufi, piagnoni o (novità della settimana) “professionisti della tartina”, appellativo riservato agli aficionados dei forum sull’economia che parlano parlano, criticano criticano, ma sopratutto non ne azzeccano una… il Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia Unita, non guardando in faccia a nessuno ma negli occhi tutti quanti, ha sempre il nome giusto per chi critica l’azione del suo scintillante governo.

Ebbene, avendo qualche riserva su quanto il suddetto ha fatto(?) finora ed essendo un po’ preoccupata per quanto annunciato per il futuro (la riforma del lavoro…), devo solo riuscire a capire a quale categoria appartengo. Gufo? Mah! Piagnona? Forse. Del resto mia madre da piccola mi aveva dato pure un nomignolo (che non rivelerò mai) fatto apposta per le occasioni in cui frignavo un po’ troppo… Sicuramente però non “professionista della tartina” perché, innanzitutto, nessuno mai mi inviterebbe a uno dei famigerati forum e poi nemmeno mi piacciono (le tartine). Sono decisamente più portata per il gelato… Ecco, “Professionista del gelato” questo sarebbe il titolo perfetto per me!

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My weekend movie: To Be or Not to Be (1942)

to be or not to be 1942

To Be or Not to Be (Vogliamo vivere!) – USA 1942

Directed by: Ernst Lubitsch.

Starring: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

 The fate of a Country in the hands of a ham…

Its it possible to make a movie poking fun at Nazis? The invasion of Poland , the outbreak of WWII and an underground movement can be funny? Well seeing that even today some commentator would certainly point his finger at it talking about a lack of good taste, imagine what happened in 1942 when, in the middle of WWII, was released through America To be or not to be the dark comedy directed by Ernst Lubitsch and starring Carole Lombard and Jack Benny as a couple of famous Polish theatre actors who, after the German invasion of their Country find themselves accidentally involved with the underground movement.

To be or not to be – (Photo credit: Wikipedia)

Here is the story: August 1939, on the eve of the outbreak of WWII, in Warsaw Maria and Joseph Tura (Lombard and Benny) are rehearsing with their company a satirical farce poking fun at the German Nazi regime, but censorship obliges them to give it up (this might offend Hitler…) and play instead Shakespeare’s Hamlet. Joseph is the Danish prince while Maria is Ophelia and uses Hamlet’s monologue to meet in her dressing room a young admirer, a military aviator, the Lieutenant Stanislav Sobinski (Robert Stack) who seats every night in the second row and leaves when Joseph starts with “To be or not to be…” (the egomaniac Joseph unaware of the truth takes it for a personal affront). But suddenly everything changes, Germany invades Poland and Stanislav flees to England where his squadron becomes part of the Polish Division of Royal Air Force taking part in raids over Germany. In England Professor Siletzky, pretending to be one of the leaders of the Polish resistance who’s about to go back to Poland to coordinate the underground movement, convinces the brigade’s guys that he will be their special postman, obtaining this way their friends and relatives names and addresses. Stanislav gives him a message for Maria, but the fact that the professor has no idea of who the famous actress is arises his suspicions, so he informs his superiors who decide to send him back to Poland. But Siletzky arrives first and, because of Stanislav’s strange message (To be or not to be…), immediately summons Maria to the Warsaw hotel where Nazis are stationed. Later, to leave, she will be forced to pretend to be interested in becoming a Gestapo spy (and in professor’s charm). But how to neutralize the double-dealer? The solution is to stage a special one-spectator-production using costumes and set made for the censored satire: the space behind the scenes becomes the Gestapo Headquarters and Joseph Tura the Nazi secret police chief, Col. Ehrhardt. That way he’ll try to recover the partisan’s list. But a ham entrusted with such a delicate mission is a hazard and, as expected, soon something goes wrong…

Carole Lombard (photo credit: Wikipedia)

The big trouble with To be or not to be was that, right in the middle of the war when extra doses of patriotism were required, the film not only mingled real events with farce but also displayed a series of very unlikely heroes. Joseph Tura is the ham par excellence: selfish, vain, egomaniac. And what’s more he’s a jealous husband whose jealousy risks to spoil a delicate mission. Maria Tura is also selfish and vain (the reason of many squabbles) but also flirtatious and her virtue is often questioned (though, of course, never proved lost). The young aviator, Stanislav, the natural candidate as a propaganda war hero, is just a simpleton who believes in every word written in magazines and sincerely thinks Maria will leave Joseph to marry him. Not to mention the rest of the company…

Though critics didn’t tear To be or not to be to shreds, many among them severely criticized the farcical manner in which Nazis were depicted. And in fact they were as stupid and vain as the actors themselves, but this wasn’t certainly meant as a compliment. Someone also argued that Lubitsch had made a “tasteless effort to find fun in the bombing of Warsaw” talking about his German origin (but forgetting he was Jewish…). The director, who had landed in Hollywood twenty years before, replied that he showed the tragedy in all seriousness, satirized the Nazis and their ridiculous ideology and portrayed the Poles as courageous people.

Those controversies never upset Carole Lombard, who was so eager to finally work with Lubitsch to ignore her husband Clark Gable‘s lack of enthusiasm over the project and grab the chance to play Maria Tura as soon as Miriam Hopkins decided to leave the production cause she didn’t get on well with Jack Benny, who was the only actor Lubitsch ever considered as Joseph Tura. On 16 January 1942, almost two months before the film release, Carole Lombard, who had just took part on a War Bond rally and was going back to Los Angeles, died aged 33 with her mother and other 20 people flying on a TWA airplane that crashed into Potosi Mountain. To be or not to be became the swan song of this actress who had started her career as a very young girl in silent movies and had become one of the major stars of screwball comedies.

To be or not to be is one of those films you should watch and not just because it’s funny, or it’s a Lubitsch’s film, or again because in it there’s one of the best Carole Lombard’s performances. You should watch it because it remind us that sometimes to poke fun at things that scare us is an extremely effective way to face them. Satirize an enemy, take down to pieces a rotten ideology using humour can hurt more than anything else. Satire can be a lethal weapon.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Duck Soup – USA 1933 Directed by: Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

The Great Dictator – USA 1940 Directed by: Charles Chaplin. Starring: Charles Chaplin; Paulette Goddard; Jack Oakie-

Pimpernel Smith – UK 1941 Directed by: Leslie Howard. Starring: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

The Producers – USA 1967 Directed by: Mel Brooks. Starring: Zero Mostel; Gene Wilder; Dick Shawn; Kenneth Mars; Lee Meredith.

The Blues Brothers – USA 1980 Directed by: John Landis. Starring: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklyn; James Brown; Ray Charles…

Inglorious Basterds – USA 2009 Directed by: Quentin Tarantino. Starring: Christoph Waltz; Brad Pitt; Melanie Laurent; Eli Roth; Michael Fassbender; Diane Krueger; Daniel Brühl.

pellicola2

Il destino di una nazione nelle mani di un trombone…

È possibile fare un film che prenda in giro i nazisti? L’invasione della Polonia, lo scoppio della Seconda Guerra Mondiale e il movimento di resistenza polacco possono essere divertenti?

Ernst Lubitsch (Photo credit: Wikipedia)

Beh, tenendo conto che persino al giorno d’oggi più di un commentatore punterebbe il suo dito contro un film del genere accusandolo di scarso buon gusto, potete ben immaginare come più di una persona arricciò il naso quando nel 1942 arrivò nelle sale americane Vogliamo vivere! (To be or not to be il titolo originale) la commedia nera diretta da Ernst Lubitsch, con Carole Lombard e Jack Benny che interpretano una coppia di famosi attori teatrali Polacchi che dopo l’invasione Tedesca della del loro Paese finiscono col trovarsi coinvolti loro malgrado in un’azione del movimento di resistenza polacco.

Questa è la storia: Agosto 1939, alla vigilia dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, a Varsavia Maria e Joseph Tura (Lombard e Benny) provano con la loro compagnia una nuova commedia che prende in giro la Germania Nazista, ma la censura li obbliga a lasciar perdere (potrebbe offendere Hitler…): in scena andrà l’Amleto di Shakespeare. Joshep è il principe Danese mentre Maria è Ofelia ed usa il monologo di Amleto per incontrare nel suo camerino un giovane ammiratore, un aviatore militare, il tenente Stanislav Sobinski (Robert Stack). Ogni sera lui lascia il suo posto in sala quando Joseph attacca con “Essere o non essere…” (cosa che l’ignaro megalomane Joseph considera un affronto alla sua grande bravura). Tutto cambia quando all’improvviso la Germania invade la Polonia e Stanislav ripara in Inghilterra dove il suo squadrone entra a far parte della Divisione Polacca della Royal Air Force che partecipa alle incursioni aeree sulla Germania. In Inghilterra il Professor Siletzky, creduto uno dei leader della resistenza polacca che sta per tornare in patria per coordinare le azioni contro gli invasori, riesce ad ottenere dai ragazzi della divisione, convinti di poterlo usare come “postino”, gli indirizzi dei loro cari. Stanislav vuole inviare un messaggio a Maria, ma rendendosi conto che il professore ignora chi sia la famosa attrice mette in guardia i superiori che decidono di paracadutarlo in Polonia per avvertire la resistenza del pericolo. Siletzky però arriva per primo e, insospettito dal messaggio di Stanislav (Essere o non essere…), convoca immediatamente nell’albergo fortezza dove stazionano i nazisti Maria Tura che riesce a uscire da lì solo grazie al suo fascino e lasciandogli credere che accetterà di fare la spia per lui. Ma come fare a neutralizzare il doppiogiochista? La soluzione è approfittare dei costumi da nazisti e delle scenografie della commedia mai rappresentata per mettere in scena una recita speciale per il professore: il retropalco viene trasformato nel quartier generale della Gestapo, mentre Joseph Tura si cala nel ruolo del capo della polizia segreta nazista, il Colonnello Ehrhrardt, sperando di farsi consegnare i nomi dei resistenti raccolti in Inghilterra. Ma affidare una missione così delicata a un attore dall’ego smisurato è un azzardo e ben presto qualcosa va sorto…

Jack Benny and his daughter in 1940 (Photo credit: Wikipedia)

Il problema con Vogliamo Vivere! era il fatto che, giusto nel bel mezzo della guerra quando delle dosi extra di patriottismo erano considerate un dovere, non solo mischiava fatti veri e farsa, ma schierava pure una squadra di eroi decisamente improbabili. Joseph Tura è il trombone per eccellenza: egoista, vanitoso e pieno di sé. E inoltre è un marito geloso che con la sua gelosia mette a rischio una delicata missione. Maria Tura è altrettanto egoista e vanitosa (ragione per cui i due non fanno altro che beccarsi) e ama da morire farsi corteggiare, tant’è che la sua virtù è spesso messa in questione (ma lei , naturalmente, non la perde mai). Il giovane aviatore, Stanislav, il miglior candidato a un sano eroismo di propaganda, non è altro che un credulone che si beve qualsiasi cosa dicano le riviste e crede che sul serio Maria mollerà il marito per lui. Senza parlare del resto della compagnia…

Anche se Vogliamo Vivere! non fu fatto a pezzi dai critici, molti tra loro ne criticarono il modo farsesco in cui erano rappresentati i Nazisti, che infatti erano stupidi e vanitosi almeno quanto gli attori. Ma questo non era certo un complimento. Qualcuno addirittura ebbe da ridire sul fatto che Lubitsch avesse avuto il cattivo gusto di tentare di fare dello spirito sui bombardamenti su Varsavia, tirando in ballo le origini tedesche del regista (ma dimenticando il fatto che era ebreo…). Lubitsch, che era arrivato a Hollywood vent’anni prima, replicò dicendo che aveva mostrato la tragedia con grande rispetto, preso in giro i Nazisti e la loro ridicola ideologia e ritratto i polacchi come coraggiosi.

Le polemiche non coinvolsero Carole Lombard che, volendo da tempo lavorare con Lubitsch non aveva tenuto conto dello scarso entusiasmo del marito Clark Gable per il progetto e aveva colto al volo l’occasione di sostituire nel ruolo di Maria Tura Miriam Hopkins dopo che l’attrice aveva deciso di abbandonare la produzione non riuscendo ad andare d’accordo con Jack Benny, fin dal principio l’unico candidato ad interpretare il ruolo di Joseph Tura. Il 16 Gennaio del 1942, quasi due mesi prima dell’uscita nelle sale del film, Carole Lombard che stava partecipando a un tour per la raccolta di fondi, morì a 33 anni insieme alla madre e agli altri 20 passeggeri del volo TWA a bordo del quale stava tornando a Los Angeles e che si schiantò contro il Monte Potosi. Vogliamo Vivere! diventò così l’ultimo film dell’attrice che aveva iniziato la sua carriera Hollywoodiana ancora ragazzina all’epoca del muto e che negli anni era diventata una delle regine della commedia sofisticata.

Vogliamo Vivere! È uno di quei film che dovreste  vedere e non solo perché è divertente, perché è diretto da Lubitsch o perché è una delle migliori interpretazioni di Carole Lombard, ma anche perché ci ricorda che non prendere troppo sul serio quello che ci spaventa è un modo efficace per affrontarlo. Mettere in ridicolo un nemico, smontarne l’ideologia con una risata a volte può fargli maledettamente male. La satira è un’arma potente.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La guerra lampo dei Fratelli Marx – USA 1933 Diretto da: Leo McCarey. Con: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Il Grande Dittatore – USA 1940 Diretto da: Charles Chaplin. Con: Charles Chaplin; Paulette Goddard; Jack Oakie-

La Primula Smith – UK 1941 Diretto da: Leslie Howard. Con: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

Per favore, non toccate le vecchiette – USA 1967 Diretto da: Mel Brooks. Con: Zero Mostel; Gene Wilder; Dick Shawn; Kenneth Mars; Lee Meredith.

The Blues Brothers – USA 1980 Diretto da: John Landis. Con: John Belushi; Dan Aykroyd; Carrie Fisher; Aretha Franklyn; James Brown; Ray Charles…

Bastardi senza gloria – USA 2009 Diretto da: Quentin Tarantino. Con: Christoph Waltz; Brad Pitt; Melanie Laurent; Eli Roth; Michael Fassbender; Diane Krueger; Daniel Brühl.

Fire & Music

“What a pity. All that fire and music being turned off…”

Margo Channing

From: All About Eve – 1950

It’s fresh, it’s new, it’s young, it’s all fire and music…it moves fast, it’s reagardless of any protest. It’s the Italian Government with the Youngest Prime Minister in the Italian history ever. Stop whining… jinx are banned, optimism it’s the new mood. Full speed ahead ! It’s time to get down to it, time to use new recipes to save our Country and build a new sparkling future..

and in fact in 2015 there won’t be any euro wasted, 20 billions will be found cutting unnecessary expenses so that there will be resources for the thousand-day reforms. And guess what? The most of that money will be found cutting the… health care system expenses.

If true, it would be such a pity. All that fire and music being turned off…

“Che peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…”

Margo Channing

Da: Eva contro Eva – 1950

È fresco, nuovo, giovane, tutto fuoco e musica… si muove veloce, non guarda e in faccia nessuno. È il governo del Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia unita. Basta piagnistei… basta gufi e avanti tutta con l’ottimismo! È tempo di agire con ricette nuove per andare incontro a un futuro scintillante…

e infatti nella manovra economica 2015 è previsto un drastico taglio agli sprechi per 20 miliardi: ministeri a dieta e più risorse per le mirabolanti riforme dei mille giorni. E indovinate un po’? La maggior parte dei fondi arriveranno da tagli alla… sanità.

Fosse vero sarebbe un vero peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…

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My weekend movie: Gone with the Wind – 1939 (part II)

Vivien Leigh in Gone with the Wind, 1939

Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

…and don’t call her sugar!

Well, as I was telling you yesterday (if you missed the first part of this article you can find it HERE), it’s pretty clear that Gone with the Wind is essentially a women’s movie.

English: Cropped screenshot of Vivien Leigh an...

Scarlett and Ashley (Photo credit: Wikipedia)

The bulk of it is not the unfortunate and not exactly reciprocated Scarlett’s love for Ashley, or the love story between Scarlett and Rhett, the bulk of it is the relation between Scarlett, the spoilt Southern Belle who’s not a lady, has a “passion for living” and a good deal of gumption, and Melanie, the great southern lady, Mrs-know-it-all, the one who never fails, the greatest goody-goody ever. Scarlett’s, as Rhett would say, for about four hours gives a good imitation of a desperate hopeless lover but, please… could you really believe her?

Scarlett, the girl who collects beaux, a woman who always finds a way to get out of troubles, ain’t afraid to kill a man, doesn’t refuse to dirty her hands and is able to break with convention, could really love that wimpy Ashley who, in an almost four-hour-long film, ain’t able to prove himself strong enough to tell her to leave him alone with his wife and in twelve years only kiss her a couple of time just to calm her down, could she really loves him more than Rhett, that dark tall hunk of a man?

English: Studio publicity portrait for film Go...

Olivia de Havilland as the super goody-goody Melanie(Photo credit: Wikipedia)

Maybe it’s just because guys with golden hair and blue eyes never impressed me much (sorry if you are one of them, but you can declare that petite brunettes with dark eyes don’t impress you at all, so that we get even…), but even the first time I watched Gone with the Wind on TV in a glorious black and white (it was probably early ’80s, the first time it was shown on TV in Italy, and my father didn’t believe in colour TVs…), though I was just a kid, I immediately understood that Scarlett wasn’t really in love with that blondish  guy. Maybe for a while, when she was 16, she had really believed she was in love with him, but then, after he rejected her to marry a girl who had not a thousandth of her charm (I’m in Scarlett’s mind now), stealing his heart again became a personal matter between her and Melanie (and idealize him a way to escape from reality).

Even Melly, the Great Lady, ain’t the saint she pretends to be. Just think about it…after all, all along the movie, she continuously shows off her marital happiness in front of Scarlett (for instance when Ashley is in Atlanta on Christmas furlough…), uses the fact the Scarlett can’t say no to Ashley to gain her benevolence and help (Scarlett remaining in Atlanta to assist her, the hospitality at Tara, the sawmill profits shared with Ashley, and in the end the promise that Scarlett will maintain her orphan…). What’s more, with her sweet, dignified and passive attitude Melanie has Scarlett, who at some point feels guilty, under her control. If the relationship between Scarlett and Melly would have been a bit less complicated, but especially if Ashley would have reciprocated Scarlett’s feelings as she wished, it’s sure that before his departure for the front she would have been sick and tired of him and the main problem for the screenwriters would have been to find a way not to end up with a short movie…

Four generations of a slave family photographed during the Civil War, Smith’s Plantation, Beaufort, South Carolina, 1962 (Photo credit: Wikipedia)

Obviously, Gone with the Wind is much more than this: there’s Scarlett’s transformation from a spoilt brat to an (almost) independent woman, the characters’ ability (or inability) to face a world completely changed by war (Scarlett can do it, Ashley can’t), but also many detestable and shocking aspects. There’s a sort of sanctification of a society based on slavery, a society seen with nostalgia by those who were not slaves, and there are all sorts of blacks stereotypes: slaves, and then former slaves, are stupid, dull and incapable of independence. And this happens despite the fact that most of the events happening in the indigestible second part of the novel, the part talking about the aftermath of war and depicting Ku Klux Klan in a romantic light (with “sweet” Melly as a sort of a KKK patroness), have been cut from the movie thanks to the black community protests started when the production of a film based on Gone with the Wind was announced.

Decidedly shocking is Rhett who rapes Scarlett (but just because this happens behind the scene so that we can only imagine it, and yes a husband can rape his wife), but even more shocking is Scarlett’s reaction: the morning after the rape she is joyful, finally happy at least till Rhett comes to his senses and apologizes. A scene good to teach children that after all when a woman is raped is just what she deserves (and what she secretly desires).

Lots of reasons to put this movie aside.

But in the end you can’t do it, at least I can’t do it.

Gone with the Wind ain’t my favourite movie (if you paid attention, by now you should know that to epic melodramas I prefer comedies and thrillers, especially when they are romantic like those directed by Hitchcock…), but it is one of those movies I’ve watched again and again since I was a kid, one of those movies that could make me feel better when I’m down (Scarlett’s monologue at the end of the first part and the “after all, tomorrow is another day” philosophy can be very invigorating sometimes), and what’s more it’s one of those movie you can’t miss.

I know, it’s looooooong, but autumn is coming, rain will fall, it will be cold outside, maybe within a few weeks you’ll catch a flu…I guess sooner or later you’ll find four spare hours to watch it.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watcha clip or the trailer):

Jezebel – USA 1938 Directed by: William Wyler. Starring: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo: A Love Story – USA 1939 Directed by: Gregory Ratoff. Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Hush… Hush, Sweet Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

The Sound of Music – USA 1965 Directed by: robert Wise. Starring: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Directed by: Quentin Tarantino. Starring: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonard Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.

pellicola2

… e non chiamatela cocca!

Bene, come vi stavo dicendo ieri (se non avete letto la prima parte dell’articolo la trovate QUI), è piuttosto ovvio il fatto che Via col Vento sia essenzialmente un film “femminile”.

Clark gable è Rhett (Photo credit: Wikipedia)

Al centro della vicenda non è certo la non proprio ricambiata passione di Rossella per Ashley, e nemmeno la storia d’amore tra Rossella e Rhett. Il cuore della storia è il rapporto tra Rossella, la bella sudista che non è una signora, ha la “passione di vivere” e un sacco di fegato, e Melania, la gran signora sudista, miss so-tutto-io, quella che non sbaglia mai, una delle più grandi gattemorte della storia. È senz’altro vero che, come direbbe Rhett, Rossella ci offre per quasi quattro ore (!!!) un’ottima imitazione di un amore disperato, ma… ci avrete mica creduto sul serio?

Rossella, la ragazza che colleziona ammiratori, un demonio di donna che cade sempre in piedi come un gatto, non ha paura nemmeno di uccidere, sa sporcarsi le mani e sfida le convenzioni poteva davvero amare quel rammollito di Ashley, che in quasi quattro ore di film non ha nemmeno abbastanza fegato per dirle di lasciarlo vivere in pace con sua moglie e in dodici anni le dà giusto un paio di bacetti tanto per tenerla buona, poteva davvero preferirlo a Rhett, quel simpatico imbroglione bruno e aitante ?

Sarà che non ho mai avuto una gran passione per le chiome dorate e gli occhi azzurri (chiedo scusa a tutti coloro che si riconoscono in questo ritratto, ma voi potete tranquillamente dichiarare la vostra non-passione per le brunette mingherline con gli occhi scuri e così siamo pari…), ma persino la prima volta che ho visto Via col Vento in un glorioso bianco e nero (dovevano essere i primi anni ’80, Via col Vento arrivava per la prima volta in TV, e mio padre ancora non credeva nei televisori a colori…), pur essendo una bambinetta ho capito immediatamente che Rossella non era realmente interessata al biondino. Forse per un po’ di tempo, quando aveva sedici anni, Rossella ha creduto di essere innamorata di Ashley, ma poi quando lui l’ha respinta per sposare una ragazza che ai suoi occhi (di Rossella) non aveva nemmeno un millesimo del suo fascino, cercare di conquistarlo è diventata una faccenda tra lei e Melania (e idealizzarlo è diventato un modo per sfuggire di quando in quando alla brutale realtà che la circondava).

Cover illustration of Harper’s Weekly, September 7, 1861 showing a stereotypical Southern belle (Photo credit: Wikipedia)

lelania, la Gran Signora, invece non è la santa che sembra essere. Fate mente locale… in fondo per tutto il film non fa altro che sbattere in faccia a Rossella il suo matrimonio con Ashley (come ad esempio quando lui arriva ad Atlanta in licenza…), approfitta del fatto che Rossella ad Ashley non sappia dir di no per ricavarne tutto l’aiuto possibile (la protezione di Rossella ad Atlanta, l’ospitalità a Tara, la segheria in società e alla fine ogni comfort assicurato al futuro orfano…), e con il suo comportamento sempre dolce e dignitoso tiene in pugno Rossella facendola persino sentire in colpa. Se il rapporto tra Rossella e Melania fosse stato meno complicato, ma soprattutto se Ashley avesse ricambiato i sentimenti di Rossella, lei si sarebbe stancata di lui prima ancora della sua partenza per il fronte e il problema degli sceneggiatori sarebbe stato come allungare un po’ il brodo per non ritrovarsi con un cortometraggio…

Poi ovviamente in Via col Vento c’è molto di più: la trasformazione di Rossella da insopportabile bamboccia vanitosa a donna (quasi) indipendente, la capacità (o l’incapacità) dei personaggi di affrontare la dura realtà di un mondo radicalmente cambiato da un conflitto (Rossella ce l’ha, Ashley no), oltre a molti aspetti decisamente odiosi. C’è la beatificazione di una società basata sulla schiavitù di cui tutti hanno tanta nostalgia perché viverci era tanto dolce (per loro che non erano schiavi), ci sono tutti i possibili stereotipi sui neri dipinti come indolenti, stupidi e quasi nostalgici della schiavitù. E questo nonostante il deciso taglio all’indigesta seconda parte del romanzo, quella in cui si vedono le conseguenze della guerra e in cui il Ku Klux Klan è presentato sotto una luce quasi romantica (con la “dolce” Melania che ne è una specie di patronessa), deciso anche grazie alle sacrosante proteste delle comunità afroamericane iniziate subto dopo l’annuncio che Via col Vento sarebbe diventato un film.

Cropped screenshot of Vivien Leigh from the tr...

Scarlett (Photo credit: Wikipedia)

Decisamente scioccante infine non è tanto la scena dello stupro commesso da Rhett ai danni di Rossella (si, è uno stupro anche se si è sposati), ma solo perché avviene fuori scena e quindi è lasciata alla nostra immaginazione, quanto quello che succede dopo con la Bella del sud che reagisce con un’inedita ventata di buonumore offuscata dalle scuse del rinsavito Rhett. Ottima per insegnare ai bambini che in fondo quando una donna viene violentata ha quello che si merita (e segretamente desidera).

Tanti buoni motivi per decidere di mettere da parte questo film.

Alla fine però non ci si riesce, io almeno non ci riesco.

Via col Vento non è il mio film preferito (se siete stati attenti ormai dovreste aver capito che ai melodrammoni epici preferisco le commedie o i thriller, specie se romantici come quelli di Hitchcock…), ma è comunque uno dei film che ho visto e rivisti fin da bambina, uno di quei film che riescono a risollevarmi il morale quando mi sento un po’ giù (il monologo di Rossella con cui si chiude la prima parte e la filosofia del “domani è un altro giorno” a volte possono essere persino corroboranti) e decisamente è uno di quei film che non potete ignorare soprattutto se non l’avete ancora visto.

Lo so, è luuungooo, ma l’autunno è alle porte, arriveranno le piogge e il freddo, magari tra qualche tempo vi beccate pure l’influenza… scommetto che prima o poi le trovate quattro ore libere per guardarvelo.

Alcuni film liberamente associati che potebbero piacervi (Clicate sui titoliper vedere una scena o il trailer):

La Figlia del Vento – USA 1938 Diretto da: William Wyler. Con: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo – USA 1939 Diretto da: Gregory Ratoff. Con: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca, la prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Diretto da: Robert Siodmak. Con: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Diretto da: Robert Aldrich. Con: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

Tutti insieme appassionatamente – USA 1965 Diretto da: robert Wise. Con: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Diretto da: Quentin Tarantino. Con: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonardo Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.

My weekend movie: Gone with the Wind -1939 (part I)

GonewiththeWind1939

Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

Fiddle-dee-dee, what a movie!

Gone with the Wind film poster (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Scarlett, the most insufferable, spoilt, stubborn Southern Belle ever, is in love with Ashley, the wimpiest blondish Southern Gentleman ever. During the ball of the season, after the very little ladylike move to throw herself at him in the library, she discovers he’s going to marry his cousin Melanie, the dullest, plainest and most highly dignified Southern Lady ever. Rhett, the manliest, nicest, richest Southern scoundrel ever, involuntarily witnesses the scene and hopelessly falls in love with the Belle. Scarlett is still crying over her misfortunes when the American Civil War tactlessly breaks out. Then on the rebound she marries Charles, the dumb brother of Melanie, but she still loves Ashley. She’s almost immediately widowed and goes to Atlanta to live with Melly and her Aunt Pittypat, the easiest fainting southern aunt ever, but she still loves Ashley. Is stuck in the besieged Atlanta with the pregnant Melly, but she still loves Ashley. Helps Melly delivering her child, convinces Rhett to help them and goes back to her family’s plantation, but she still loves Ashley. The South loses the war, she becomes poor and, because she still loves Ashley, she maintains Melly and her child too. To make money and save the plantation she steals her sister’s sweetheart, but she still loves Ashley. She becomes a business woman and gives Ashley a job cause, of course, she still loves him. She’s widowed again and still loves Ashley. Accept to marry Rhett, but she still loves Ashley. Has a daughter, but she still loves Ashley. Her daughter dies and Rhett almost goes insane, but she still loves Ashley. Finally Melly dies… and, all of a sudden, she realizes that she doesn’t love Ashley anymore so she tells it to Rhett, but he leaves her because…. frankly, he doesn’t give a damn!

And this is, more or less, the story told in Gone with the Wind, the most colourful, spectacular, romantic and famous (and  hyped) movie of 1939, the most outstanding year in Hollywood history.

On 15 December 1939, while WWII was spreading like wildfire through Europe, in Atlanta, at the peak of a three-day celebration, the (almost) full cast and Margaret Mitchell, the author of the novel on which the film was based, attended to the spectacular official world première.

Three years earlier, in 1936, Gone with the Wind had been first published in the US.

David O. Selznick (Photo Credit: Wikipedia)

Attempts had been made to sell the film rights before the publication, but the mammoth Civil War era novel written by a then practically unknown author seemed to scare a bit Hollywood moguls. At first every studio rejected the idea itself of turning it into a movie. Then, following the advice of story editor Kay Brown and business partner Jock Whitney, David O. Selznick decided to take on the challenge. Before Gone with the Wind could prove itself a huge hit (the top American fiction best seller of 1936 and 1937 that granted Mitchell the Pulitzer Price for fiction in1937) the young producer (he was born in 1902) had already assured the film rights to Selznick International Picture, the studio he founded with Whitney in 1935. Later, to assure the picture one of its leading stars and to face the rising costs, Selznick will make a deal with MGM: his father in law’s Studio (he was married to Louis B. Mayer’s daughter Irene) will provide part of the budget and will earn half of the profits.

The burden to reduce the novel into a script was given to Sidney Howard, a well respected playwright and screenwriter, whose work will be revised and rewritten many times by himself, by other writers (among them Ben Hecht) but mostly by the always intruding David O. Selznick, till the final scene was shot.

The direction was assigned to a personal friend of Selznick: George Cukor. The director, who was partcularly able to put at ease his female stars, worked side by side with Selznick since the very beginning of the production, directed all the screen tests, began the shooting in January 1939… and was removed from the picture in February 1939 to be replaced by Victor Fleming (who had just left the set of the Wizard of Oz before its completion), who in turn, claiming a mental exhaustion, left the set and was replaced for a couple of weeks by Sam Wood before resuming his duties. Wok with the ubiquitous Selznick (who wanted to control every single aspect of the production) could be a difficult task.

Obviously much more could be said about the making of Gone with the Wind and here is an article you could read if you’re interesting in learning something more:

http://www.theatlantic.com/past/docs/issues/73mar/wind.htm

The film had caught the public attention since the very beginning of production.

Vivien Leigh (Photo credit: Wikipedia)

A nation wide search for a Scarlett among flocks of wannabe actresses was used as a perfect publicity stunt while some of the most famous Hollywood actresses were trying their luck at auditions held by George Cukor. At the end, just a few weeks before the beginning of shooting, the part went to the British beauty Vivien Leigh, who had travelled to Hollywood to follow her then lover Laurence Olivier who was playing Heathcliff in Wyler’s Wuthering Heights (but obviously her purpose was also try her luck with Gone with the Wind), and whose American agent was Myron Selznick, David’s older brother.

The casting for the other major roles was also quite complicated. Olivia De Havilland, had to make a plea to Jack Warner through his wife Ann to be given the permission to work at Selznick International. Clark Gable, who was practically the only actor seriously considered as Rhett Buttler, had no intention to star again in a costume drama after the failure of 1937 biopic Parnell (considered his worst movie ever), but he become the key figure to close the deal between Selznick and MGM and was finally convinced with a top billing, a good salary and an extra bonus he could switch to his second wife as part of their divorce settlement so that he could be finally free to marry Carole Lombard. Leslie Howard, the only one who seemed made to fill Ashley’s shoes despite being decidedly too old for the role, was also reluctant (even a bit more than reluctant, he hated that role, and never, ever read the book. He was also the only star missing at the première, having already left USA for good to go back to England and take part in the war effort producing, directing and starring in propaganda movies). He was convinced by Selznick when he allowed him to co-produce the black and white drama Intermezzo (HERE you can read my article about it).

Obviously the leading men0s reluctant attitude can be easily explained by the fact that Gone with the Wind was undoubtedly going to be a women’s movie.

But I can’t talk about this now, I will talk about it tomorrow (or maybe the day after tomorrow).

After all, tomorrow… is another day!

A few of my 1939 favourite movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Ninotchka – USA 1939 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

The Women – USA 1939 Directed by: George Cukor. Starring: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Wuthering Heights – USA 1939 Directed by: William Wyler. Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith Goes to Washington – USA 1939 Directed by: Frank Capra. Starring: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Dark Victory – USA 1939 Directed by: Edmund Goulding. Starring: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

Fifth Ave Girl – USA 1939 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

Midnight – USA 1939 Directed by: Mitchell Leisen. Starring: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.

pellicola2

Perdindirindina, che film!

Gone with the Wind book cover (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Rossella, la più insopportabile, viziata, cocciuta Bella del Sud di tutti i tempi, è innamorata di Ashley, il più rammollito e biondino Gentiluomo Sudista di tutti i tempi. Durante il ballo più importante della stagione, dopo essersi poco signorilmente gettata tra le sue braccia in biblioteca, la bella scopre che il gentiluomo sta per sposare sua cugina Melania, la più insulsa, scialba e dignitosa Gran Signora Sudista di tutti i tempi. Rhett, il più maschio, ricco e simpatico imbroglione Sudista di tutti i tempi, assiste involontariamente alla scena e si innamora perdutamente della bella. Rossella sta ancora piangendo sul suo sfortunato amore quando, senza nessun riguardo, scoppia la Guerra di Secessione… Poi Rossella per ripicca sposa Charles, il fratello scemo di Melania, ma ama ancora Ashley. Rimane vedova e si trasferisce a vivere ad Atlanta con Melania e zia Pittypat, la più svenevole zia sudista di tutti i tempi, ma ancora ama Ashley. Resta bloccata ad Atlanta con Melania incinta, ma ancora ama Ashley. Assiste Melania durante il parto, convince Rhett a salvarle entrambe e si rifugia nella piantagione di famiglia e ancora ama Ashley. Il Sud perde la guerra, diventa povera e siccome ancora ama Ashley le tocca mantenere pure Melania e il suo marmocchio. Per trovare i soldi per salvare la piantagione frega il moroso alla sorella, ma ancora ama Ashley. Diventa una donna d’affari e dà lavoro a Ashley, perché, ovviamete, ancora lo ama. Rimane di nuovo vedova e ancora ama Ashley. Accetta di sposare Rhett, ma ancora ama Ashley. Ha una bambina, ma ancora ama Ashley. Le muore la bambina, Rhett quasi impazzisce, e ancora ama Ashley. Finalmente muore Melania… e improvvisamente si accorge che Ashley non lo ama più, così lo dice a Rhett, ma lui la molla perché… francamente, se ne infischia!

E questa è, più o meno, la storia raccontata in Via col Vento il film più colorato, spettacolare romantico e famoso (e anche il più pubblicizzato) del 1939, l’anno più scintillante della storia di Hollywood.

Margaret Mitchell (Photo credit: Wikipedia)

Il 15 Dicembre 1939, mentre già la guerra divampava incontrollabile in tutta Europa, ad Atlanta, al culmine di tre giorni di festeggiamenti, il film veniva finalmente ufficialmente presentato al pubblico nel corso di una fantasmagorica prima alla quale partecipò insieme al cast (quasi) al completo Margaret Mitchell, l’autrice del libro dal quale il film era tratto.

Tre anni prima, nel 1936, Via col Vento era stato pubblicato negli Stati Uniti (in Italia l’anno seguente).

Vari tentativi di vederne i diritti cinematografici erano stati fatti già prima della pubblicazione ma il colossale romanzo ambientato durante la Guerra Civile Americana, e scritto da quella che allora era un’autrice sconosciuta, sembrò spaventare non poco i pezzi grossi di Hollywood. Da principio praticamente ogni Studio scartò a priori l’idea stessa che quel libro potesse mai diventare un film. Poi, seguendo il consiglio della story editor Kay Brown e del socio (e principale finanziatore) Jock Whitney, David O. Selznick decise di accettare la sfida. Prima ancora che Via col Vento si rivelasse un successo straordinario (campione di vendite negli Stati Uniti nel 1936 e 1937, Pulitzer per la narrativa per Margaret Mitchell nel 1937), il giovane produttore (era nato nel 1902) acquistò i diritti cinematografici per la Selnick International Picture, la casa di produzione che aveva fondato con Whitney nel 1935. In seguito per assicurare al film uno dei suoi protagonisti e per far fronte ai costi impazziti siglò un accordo con la MGM: lo Studio di suo suocero (era sposato con Irene, la figlia di Louis B. Mayer) avrebbe garantito un sostanzioso finanziamento in cambio della metà dei profitti.

Il gravoso compito di trasformare il romanzo in una sceneggiatura fu affidato a Sidney Howard, commediografo e sceneggiatore assai rispettato, il cui lavoro sarà rivisto e riscritto infinite volte da lui stesso, da altri scrittori (uno tra tutti Ben Hecht) ma soprattutto dall’onnipresente e invadente David O. Selznick, fino alla fine delle riprese.

La regia fu affidata a un amico personale di Selznick: George Cukor. Il regista che aveva un particolare feeling con le attrici, aveva lavorato fianco a fianco con Selznick fin dall’inizio della produzione, aveva diretto tutti i provini, iniziato le riprese nel gennaio 1939… ed era stato rimosso dall’incarico nel febbraio del 1939 per esser rimpiazzato da Victor Fleming (che aveva lasciato anzitempo il set del Mago di Oz) a sua volta auto-allontanatosi dal set dichiarandosi “esaurito” , e sostituito per un paio di settimane da Sam Wood , prima di riprendere il suo posto (anche nei titoli di testa). L’onnipresenza di Selznick (che voleva avere il controllo su ogni aspetto del film) poteva essere asfissiante.

Ovviamente molte più cose potrebbero essere raccontate a proposito della lavorazione di Via col Vento. Se siete interessati e capite l’inglese potete leggere un interessante articolo cliccando sul seguente link: http://www.theatlantic.com/past/docs/issues/73mar/wind.htm

Il film aveva catturato l’attenzione generale fin dall’inizio della produzione.

Clark Gable and Carole Lombard (Photo credit: Wikipedia)

Una sorta di concorso nazionale per trovare Rossella tra frotte di aspiranti attrici era stato un perfetto veicolo pubblicitario mentre alcune delle più famose attrici di Hollywood tentavano la fortuna partecipando ai provini diretti da George Cukor. Alla fine, poche settimane prima dell’inizio delle riprese, la parte andò alla semisconosciuta (almeno a Hollywood) bellezza inglese Vivien Leigh, che era arrivata in America per seguire il suo allora amante Laurence Olivier che, diretto da William Wyler, stava interpretando il ruolo di Heathcliff in Cime Tempestose (ma ovviamente era anche interessata ai provini di Via col Vento) e che aveva come agente per gli Stati Uniti Myron Selznick, il fratello maggiore di David.

Trovare gli interpreti per le altre parti principali fu altrettanto complicato.

Olivia De Havilland fu costretta a ricorrere all’aiuto di Anne Warner, la moglie di Jack, per convincerlo a lasciarla lavorare per la Selznick International Picture. Clark Gable, praticamente l’unico attore seriamente preso in considerazione per il ruolo di Rhett Butler, non aveva nessuna intenzione di fare un nuovo film in costume dopo l’insuccesso del film biografico Parnell del 1937 (considerato il suo peggior film di sempre), ma diventò la pedina centrale dell’accordo tra Selznick e la MGM e fu infine convinto grazie al nome in cima al cartellone, a un lauto stipendio e ad un bonus da poter girare alla sua seconda moglie come parte dell’accordo per il loro divorzio che finalmente l’avrebbe lasciato libero di sposare Carole Lombard. Leslie Howard, il solo attore che sembrasse adatto ad interpretare Ashley (anche se decisamente troppo vecchio per la parte) era altrettanto riluttante (forse anche un po’ più che riluttante visto che detestava apertamente quel ruolo e non lesse mai il libro Fu anche il solo interprete a non presenziare alla prima avendo già lasciato l’America per far ritorno in Inghilterra e partecipare allo sforzo bellico dirigendo, interpretando e producendo film di propaganda antinazista). Alla fine per convincerlo Selznick gli offrì come contropartita la coproduzione del dramma in bianco e nero Intermezzo (di cui vi ho già parlato QUI).

Ovviamente tanta riluttanza da parte degli interpreti maschili può essere spiegata anche dal fatto che si rendevano perfettamente conto che Via col Vento sarebbe stato un film tutto al femminile.

Ma non posso parlarvi di questo ora, ve ne parlerò domani (o forse dopodomani).

Dopo tutto domani… è un altro giorno!

Alcuni dei film del 1939 preferisco e che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Ninotchka – USA 1939 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

Donne – USA 1939 Diretto da: George Cukor. Con: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Cime Tempestose (La voce nella tempesta) – USA 1939 Diretto da: William Wyler. Con: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith va a Washington – USA 1939 Diretto da: Frank Capra. Con: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Tramonto – USA 1939 Diretto da: Edmund Goulding. Con: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

La Ragazza della Quinta Strada – USA 1939 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

La Signora di Mezzanotte – USA 1939 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.

 

The Government of the Thousand Days

“That makes me feel all warm inside!”

Dorothy Shaw

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Holidays are over (mine had been very virtual holidays), and with the heart still bleeding because of the dreadful news coming from the Middle East and from the Eastern Europe (always trying not to be discouraged by the darkest future they seems to suggest), I learn, overwhelmed with joy, that today, 1st September 2014, the Thousand Days that will change Italy finally start.

 These are  the Thousand Days Mr Renzi, the youngest Italian Prime Minister ever, is talking about since last June (and he talked about them so often that someone could think that in fact they were already started…).

Well, now it’s official, the press conference has been held, the tweets have been twittered: we got nothing left to do except wait till May 2017 and let the youngest Italian Prime Minister work in peace. In the meanwhile, trying not to disturb our gracious leader, we can easily consult the thousand days’ internet site to control how this extraordinary, peaceful revolution progresses. It’s called Passodopopasso.italia.it (it means step by step), it’s new, it’s beautiful, it’s simple and instills optimism into our poor discouraged souls (and heaven only knows how much we need it): there are (very concise) infographics telling how good and great and useful the Thousand Days’ reforms will be and (very, very concise) news telling how successfully they progress. Every day there will be something new to learn and of course on every page you will find the Thousand days’ countdown. What more could we expect? I already feel all warm inside.

“Ora guardo con più fiducia all’avvenire!”

Dorothy Shaw

Da: Gli Uomini Preferiscono le Bionde – 1953

Archiviate le vacanze (non so le vostre, ma le mie sono state molto, molto, molto virtuali) e con il cuore pesante per le angosciose notizie che arrivano dal Medio Oriente e dall’est Europa (e cercando di non farmi abbattere dai foschi presagi per il futuro che ne scaturiscono), apprendo con immenso gaudio che oggi, 1° Settembre 2014, partono i mille giorni che cambieranno l’Italia, quelli di cui Matteo Renzi, il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita, parla dalla fine di giugno (tanto che qualcuno forse aveva pensato che fossero già partiti…).

Ora è ufficiale, la conferenza stampa si è tenuta, i tweet son stati tweettati: non ci resta che attendere il maggio del 2017 e lasciare lavorare in pace il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita. Nel frattempo, senza disturbare il manovratore, possiamo comodamente consultare il sito internet dei mille giorni per constatare i prodigiosi progressi di questa pacifica rivoluzione. Si chiama Passodopopasso.italia.it, è nuovo, è bello, è semplice e infonde ottimismo (che ce n’è tanto, tanto bisogno di questi tempi): ci sono le infografiche (sintetiche) che spiegano quanto saranno belle, buone e utili le riforme e le news (supersintetiche) che raccontano (e naturalmente soprattutto racconteranno) i progressi e i successi delle riforme. Ogni giorno verrà arricchito con qualcosa di nuovo e poi c’è pure una bella fascia con il conto alla rovescia.

Cosa si può volere di più dalla vita? Io già guardo con più fiducia all’avvenire.

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My weekend movie: Holiday (1938)

Holiday 1938

Holiday (Incantesimo) – USA 1938

Directed by: George Cukor.

Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn; Doris Nolan; Lew Ayres; Edward Everett Horton; Jean Dixon.

It’s time to take a holiday (while we’re still young…)

What’s better than leaving all your everyday tasks behind to enjoy life, real life, while you’re still young? And what’s better than do it with the one you love? The only trouble is that maybe at some point you can discover that your beloved one has a different idea on what real life is!

Holiday – 1938 (Photo Credit: Wikipedia)

Holiday, the 1938 movie directed by George Cukor and starring Katharine Hepburn and Cary Grant (here at their third film together, there will be also a fourth), is all about this. The always cool and elegant Cary, for once, is a very unconventional guy (and you’ll understand immediately: his dress is shabby and his hair… is a mess!!!!), a self-made man called Johnny Case, who has just met the girl of his dream, Julia Seton (Doris Nolan), during a winter holiday in Lake Placid. Back to New York, after informing his dear (and also unconventional) friends Nick and Susan Potter (Edward Everett Horton and Jean Dixon in her last film) that he will marry that beautiful, wonderful girl, Johnny discovers that Julia is one of “those” Seton, one of the wealthiest family in Park Avenue. The Seton’s Mansion is a mausoleum, Julia’s brother Ned (Lew Ayres) is a drunkard, Julia’s sister Linda (Katharine Hepburn) is a bit nut (but very amicable) and Julia’s father (Henry Kolker) is terribly attached to formalities and money. Johnny wins everybody’s heart and during the New Year’s Eve Party, after the engagement has been announced, he reveals his project to retire from work to fully enjoy life while he’s young. Julia and her father are shocked, they both think that to make money and then make more money it’s the most wonderful thing in this world. On the other hand Linda, who thought from the beginning that this handsome unusual guy could solve all Setons troubles, find herself in love with him. Johnny thinks he could change for the love of Julia, but in the end understands they are too different, while Linda…

English: Publicity photograph of Katharine Hep...

Katharine Hepburn. (Photo credit: Wikipedia)

When it was first released in June 1938, critics liked Holiday, the second movie adaptation of Philip Barry‘s play (the first one, dated 1930, starred Ann Harding as Linda), more than audiences did. The cast won critics praise for a “first-class screen acting”, but the bad results at the box office only seemed to confirm Katharine Hepburn fame as “box office poison”. Only a month before in fact, she had ended in a list published in the Independent Film Journal that exposed famous and over paid actors and actresses that seemed almost unable to attract audiences to theatres (she was in good company with Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). But the blame for the lack of appeal on audiences shouldn’t be put exclusively on “poisonous” Kathe or on Cary Grant for once cast against type (his messy hair…).

In 1938 people were still facing the Great Depression so probably, despite a (vague) screwball comedy tone and despite Cary Grant and Katharine Hepburn acrobatic numbers (the coolest man ever had been, as Archibald Leach, a Vaudeville acrobat), they couldn’t be sympathetic to a rich girl (and to her fathe)r who only loved money, to a drunkard who wasn’t even funny, to the lunatic (if not, alas, really hysteric) Linda who despised her family riches and above all to a guy like Johnny, who was planning to get rid of his (good) job while the most were struggling to find one. Something we can easily understand even today, thanks(!!!) to the never ending (at least here) economic crisis.

Anyway, Holiday is a good movie and you should watch it at least once, but above all it perfectly matches my current feelings.

As you surely noticed recently I’ve been a bit absent, partly because of my non virtual life (everybody got one!!), partly because the infernal machine I’m using to write and post this has collapsed and has been resuscitated more than once during the last weeks. (Its fate is written and the funeral planned). Now I’m going to take a little virtual vacation, therefore the blog too will be on holiday for a while.

 and now, before the holiday begins, a few totally unrelated movies you could watch … unless you got something better to do (click on the titles to watch a clip or the trailer):

A breathtaking romance

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

a romantic challenge for ex-smokers

Now Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davies; Paul Henreid.

a special tour round the Eternal City

Roman Holiday – USA 1953 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

a couple of brand new girls with a little bit of “sugar”

Some Like it Hot – USA 1959 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

an hilarious ménage a trois

Design for living – USA 1933 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

a naughty lion tamer

I’m no Angel – USA 1933 Directed by: Wesley Ruggles. Starring: Mae West; Cary Grant.

a double faced gentleman

Dr Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins.

a very elegant fellow who never drinks…wine

Dracula – USA 1931 Directed by: Tod Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…and something that crawls, creeps and will eat you alive!

The Blob – USA 1958 Directed by: Irvin S. Yeaworth Jr. Starring: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Have a good digital detoxing holiday!

I’ll be back in September, hope to find you here.

pellicola2

È ora di prendersi una vacanza (finché siamo ancora giovani…)

Potete immaginare qualcosa che sia meglio del riuscire a lasciarvi alle spalle le tediose incombenze di tutti i giorni per godervi la vita, nel vero senso del termine, mentre siete ancora giovani? E non sarebbe fantastico farlo con la persona che amate? Potrebbe però esserci un piccolissimo problema: potreste scoprire che il/la vostro/a beneamato/a ha un’idea diversa dalla vostra riguardo al significato dell’espressione “godersi la vita”!

English: RKO publicity still from Suspicion (1941)

Cary Grant (Photo credit: Wikipedia)

Incantesimo (Holiday il titolo originale), il film del 1938 diretto da George Cukor ed interpretato da Katharine Hepburn e Cary Grant (al terzo dei quattro film girati insieme)  parla proprio di questo. Il sempre inappuntabilmente elegante Cary. una volta tanto, interpreta un tipo davvero poco convenzionale (e lo si capisce immediatamente: il suo vestito è un po’ malandato e il suo ciuffo… beh, quello è addirittura tutto spettinato!!!!!), tal Johnny Case, un uomo che si è fatto da solo e che ora, durante una vacanza invernale a Lake Placid (siamo nel periodo Natalizio anche se non sembra), ha finalmente incontrato la ragazza dei suoi sogni, Julia Seton (Doris Nolan). Tornato a New York, dopo aver informato i suoi cari (ed altrettanto poco convenzionali) amici Nick e Susan Potter (Edward Everett Horton e Jean Dixon al suo ultimo film) delle sue imminenti nozze, Johnny scopre che Julia è una di “quei” Seton, una delle famiglie più ricche ed influenti di Park Avenue. La casa dei Seton è un mausoleo, il fratello di Julia, Ned (Lew Ayres) è una spugna, la sorella di Julia, Linda (Katharine Hepburn) è un po’ picchiatella (ma davvero amichevole) e il padre di Julia (Henry Kolker) è terribilmente attaccato alle formalità e al denaro. Johnny riesce a conquistare tutti e nel corso del party di Capodanno durante il quale viene annunciato il fidanzamento, rivela il suo progetto di ritirarsi dagli affari per godersi la vita finché è giovane. Julia e il padre sono sconcertati, per entrambi far soldi e poi ancora più soldi è la cosa più bella del mondo. Linda invece, che fin dall’inizio ha visto in quel bel ragazzo anticonformista la soluzione ai problemi dell’intera famiglia, capisce di essersene innamorata. Johnny all’inizio pensa di poter cambiare per amore di Julia fino a quando capisce che loro sue sono troppo diversi, mentre Linda invece…

Edward Everett Horton  (Photo Credit: Wikipedia)

Nel giugno del 1938, all’uscita del film nelle sale, la critica amò Incantesimo, secondo adattamento cinematografico di una commedia di Philip Barry (il primo film era del 1930 e nel ruolo di Linda c’era Ann Harding), molto più di quanto non fece il pubblico. Nonostante le lodi tributate al cast per la “recitazione di prima classe”, lo scarso risultato al botteghino sembrò confermare la fama di “box office poison” di Katharine Hepburn che appena un mese prima era finita in una lista di attori famosissimi e strapagati ma poco capaci di attirare spettatori nelle sale pubblicata sull’ Independent Film Journal (era in buona compagnia, c’erano anche la Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). Ma lo scarso appeal del film sul pubblico probabilmente non dipese unicamente dalla “velenosa” Kathe o da un Cary Grant lontano dal suo solito cliché (quel ciuffo spettinato….).

Lew Ayres (Photo Credit: Wikipedia)

Probabilmente, nonostante un vago tono da commedia sofisticata e le acrobazie di Cary Grant e Katharine Hepburn (l’uomo più cool di tutti i tempi, quando ancora si chiamava Archibald Leach, aveva iniziato la carriera come acrobata del vaudeville), il pubblico che da quasi un decennio era alle prese con i nefasti effetti della Grande Depressione non riuscì a provare simpatia per una bella ragazza e per il suo vecchio padre che pensavano solo al denaro e a come accumularne sempre di più, per un ubriacone che non era nemmeno divertente, per la lunatica (se non ahilei proprio isterica) Linda che tanto disprezzava le ricchezze di famiglia e soprattutto per un tipo come Johnny, che in un momento in cui un lavoro per molti era ancora un miraggio pensava di buttare il suo alle ortiche. Considerazioni che tra l’altro si potrebbero tranquillamente fare anche ora vista la situazione economica che stiamo vivendo.

In ogni caso Incantesimo, che è decisamente un bel film che dovreste vedere, mi è tornato alla mente perché è perfettamente in tono con la mia voglia di staccare un po’.

Come avrete sicuramente notato sono stata un po’ assente di recente, in parte per via della mia vita non virtuale (ne abbiamo tutti una!!), in parte per via della macchina infernale che sto usando per scrivere e postare quello che state leggendo che è collassata ed è stata pietosamente resuscitata più di una volta nelle ultime settimane (il suo destino è scritto e il funerale è già programmato). Ora mi prendo una vacanza virtuale quindi anche il blog sarà chiuso per ferie per qualche settimana.

ma prima, alcuni film che non c’entrano assolutamente niente ma che potreste guardarvi durante le vacanze… sempre che non abbiate niente di meglio da fare (se cliccate i titoli potete vedere una scena o il trailer):

Una storia d’amore da togliere il fiato:

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

Una romantica sfida per fumatori pentiti

Perdutamente tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davies; Paul Henreid.

Un tour molto speciale nella Città Eterna

Vacanze Romane – USA 1953 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

Una coppia di ragazze nuove di pacca e un po’ di “zucchero”

A qualcuno piace caldo – USA 1959 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

Un irresistibile ménage a trois

Partita a Quattro – USA 1933 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

Una maliziosa domatrice di leoni

Non sono un Angelo – USA 1933 Diretto da: Wesley Ruggles. Con: Mae West; Cary Grant.

Un gentiluomo del doppio volto

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins.

Un elegnatone che non beve mai… vino

Dracula – USA 1931 Diretto da: Tod Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…e qualcosa che striscia, si insinua e vi mangerà vivi!

Blob-Fluido Mortale – USA 1958 Diretto da: Irvin S. Yeaworth Jr. Con: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Buone vacanze digital-disintossicanti!

Io torno a Settembre, spero di ritrovarvi qui.

My weekend movie: Intermezzo (1939)

Intermezzo 1939

Intermezzo: A Love Story (Intermezzo) – USA 1939

Directed by: Gregory Ratoff.

Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best; John Halliday; Cecil Kellaway.

Is it possible to built happiness on the unhappiness of others?

Well obviously no, but also… yes! It’s a complicated issue, a question of points of view.

Take for instance Intermezzo: A Love Story, the 1939 melodrama starring Leslie Howard and Ingrid Bergman, a relatively minor film in the golden year of Hollywood golden age.

Intermezzo (1939 film)

Intermezzo (1939 film) (Photo credit: Wikipedia)

It tells the story of a famous (and fictitious) Swedish violinist, Holger Brandt (Leslie Howard), who meets his little daughter’s piano teacher, the young (and beautiful) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressed by her talent makes her his concert partner, falls in love with her, leaves his family (a dull wife, the mentioned daughter and an older son) to live with her… till, victim of remorse and nostalgia (but only for his young daughter…), Anita mercifully set him free, so he can go back home, tail between his legs, and after almost causing his beloved daughter’s death, is forgiven by his wife and welcomed back into the family.

If you consider the story, you’ll quite obviously think that it’s impossible to built happiness on the unhappiness of others, because, and that’s the film’s main thesis, even if you try to ignore it that unhappiness will cast a shadow over your life.

But if you consider the movie as a movie, a product of the motion pictures industry, well then you will discover that happiness (at least some sort of professional happiness) can be built on the unhappiness of others (the film characters’).

Producer David O. Selznick in fact clearly made an “happy” move buying the rights and producing a new film based on the 1936 Swedish movie Intermezzo (to the title he added A Love Story thinking that the original could be a little too obscure for the American audience). Thanks to Intermezzo Selznick ensured to his most famous creature, the silver screen version of Margaret Mitchell‘s Gone with the Wind, one of its protagonist: Leslie Howard. The British actor in fact took part in the epic romance playing the wimpish Ashley Wilkes (a role he detested) only after Selznick allowed him to co-produce Intermezzo, that will be his final Hollywood movie. Leslie Howard in fact will go back to England at the outbreak of WWII to help with the war effort producing, directing and starring in a series of propaganda films. He will die on a mysterious plane crash over the Bay of Biscane on June,1 1943 (if you want to know more, you can read the article about the 1941 movie Pimpernel Smith HERE).

English: Portrait

Ingrid Bergman (Photo credit: Wikipedia)

Another “happy” move made by Selznick was to cast as Anita the actress who had played the same role in the original Swedish movie: Ingrid Bergman. The actress, to whom Selznick, understanding her fear of excessive makeovers, cleverly spared the “Hollywood treatment” building instead a promotional campaign around her “naturalness”, made with Intermezzo her Hollywood debut. Selznick’s happy move turned the Swedish actress, who could then barely speak English, into one of the greatest Hollywood stars.

In the end, maybe Intermezzo is just a minor melodrama released in the most outstanding year in motion pictures (just think about Gone with the Wind, The Wizard of Oz, Mr Smith Goes to Washington, Ninotchka, Stage Coach, Wuthering Heights, The Women and many, many other memorable movies released in 1939, the year marked by the outbreak of WWII), but in its own way, between assorted dramas an unhappiness, it is, if not a memorable movie, a “happy” one… and if you like, once in a while, having a good cry, well, it could be your kind of movie.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Love Affair – USA 1939 Directed by: Leo McCarey. Starring: Irene Dunne; Charles Boyer.

A Woman’s Face – USA 1941 Directed by: George Cukor. Starring: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Unfaithfully yours – USA 1948 Directed by: Preston Sturges. Starring: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Letter from an Unknown Woman – USA 1948 Directed by: Max Ophuls. Starring: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

È possibile costruire la propria felicità sull’infelicità degli altri?

Beh, ovviamente no, ma anche…si! È una faccenda complicata, una questione di punti di vista. Prendete ad esempio Intermezzo, il melò del 1939 con Leslie Howard e Ingrid Bergman, un film relativamente minore uscito in quello che è considerato l’anno d’oro dell’età dell’oro di Hollywood.

Ingrid Bergman e Leslie Howard in Intermezzo (Photo Credit: Wikipedia)

Racconta la storia di un famoso (e fittizio) violinista Svedese, Holger Brandt (Leslie Howard), che conosce la maestra di piano di sua figlia, la giovane (e bella) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressionato dal suo talento la invita ad accompagnarlo al piano durante i suoi concerti, si innamora di lei, molla la famiglia (una moglie insulsa, la già menzionata figlia e un figlio più grande) per vivere con lei…fino a quando, in preda ai rimorsi e alla nostalgia (ma solo per la figlia…), viene finalmente mollato a sua volta dalla misericordiosa Anita, torna a casa con la coda tra le gambe e, dopo aver quasi provocato la morte dell’amata figlia, viene perdonato dalla moglie e riaccolto in famiglia.

Se prendete in considerazione questa storia, alla fine vi sembrerà ovvio che no, non si può costruire la propria felicità sull’infelicità altrui, perché, questa almeno è la tesi del film, anche se cercate di non pensarci, il sapere di aver causato quell’infelicità inizierà a tormentarvi.

Se invece prendete in considerazione il film in quanto a film, cioè prodotto dell’industria cinematografica, beh allora si che si può dire che la propria felicità (almeno dal punto di vista professionale) la si può costruire sull’infelicità altrui (quella dei personaggi del film).

David O. Selznick

David O. Selznick (Photo credit: Wikipedia)

Il produttore David O. Selznick fece infatti una mossa decisamente “felice” acquisendo i diritti per produrre un nuovo film basato sul film Svedese del 1936 intitolato appunto Intermezzo (a quel titolo aggiunse A Love Story perchè preoccupato del fatto che potesse risultare troppo oscuro per il pubblico americano). Grazie ad Intermezzo Selznick assicurò alla sua più famosa creatura, la versione cinematografica del best-seller di Margaret Mitchell Via col Vento, uno dei protagonisti: Leslie Howard. L’attore Britannico accettò infatti di interpretare il rammolito Ashley Wilkes (un ruolo che detestava apertamente) solo dopo che Selznick gli permise di co-produrre Intermezzo, che sarà il suo ultimo film Hollywoodiano. Leslie Howard infatti allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale tornerà in Inghilterra per partecipare allo sforzo bellico producendo, dirigendo e recitando in film di propaganda. Morirà il 1° giugno 1943 insieme ad altre 17 persone in un misterioso incidente aereo sul Golfo di Biscaglia (se volete saperne di più potete leggere l’articolo sul film del 1941 La Primula Smith QUI).

Un’altra mossa felice di Selznick fu ingaggiare per il ruolo di Anita la stessa attrice che aveva interpretato quella parte nel film originale: la Svedese Ingrid Bergman. L’attrice, a cui Selznick, comprendendo il suo timore per i cambiamenti estetici eccessivi, risparmiò il classico “trattamento Hollywoodiano” costruendo invece una campagna promozionale intorno alla sua “naturalezza”, fece con Intermezzo il suo debutto ad Hollywood. La mossa felice di Selznick trasformò l’attrice svedese, che al suo arrivo in America quasi non sapeva parlare in inglese, in una delle più grandi stelle di Hollywood.

Ecco, forse Intermezzo sarà solo un melodrammone minore uscito in uno degli anni più memorabili della storia di Hollywood (basti pensare ai vari Via col Vento, Il Mago di Oz, Mr Smith va a Washington, Ninotchka, Ombre Rosse, Cime Tempestose, Donne e tanti altri film memorabili usciti in quel 1939 segnato dallo scoppio della Seconda guerra Mondiale), ma a suo modo, tra drammi assortiti e tanta infelicità, fu anche un film, se non memorabile, sicuramente “felice”… e se non vi dispiace ogni tanto farvi un bel pianto, beh potrebbe essere anche il film che fa per voi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Un Grande Amore – USA 1939 Diretto da: Leo McCarey. Con: Irene Dunne; Charles Boyer.

Volto di Donna – USA 1941 Diretto da: George Cukor. Con: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Infedelmente Tua – USA 1948 Diretto da: Preston Sturges. Con: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Lettera da una sconosciuta – USA 1948 Diretto da: Max Ophuls. Con: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

Equality postponed

“… I think you’re a sexist, misogynist dinosaur…”

M

From: GoldenEye – 1995

“At last!” I though when last week I read that finally the Italian Parliament was almost ready to change the law saying that children inherit exclusively their father’s surname. A parliamentary commission was discussing a bill to make possible to give children the father’s or the mother’s surname or both (with no agreement both names will be given automatically).

In January, a sentence pronounced by the European Court of Human Rights based in Strasbourg said that Italy is violating the equality principle. Because to give your name to your children is your right. Even if you’re a woman.

Now, it was almost done… almost. Because, you know, when the children will grow up and have children of their own they will have to chose which name (father’s or mother’s) give them (Stefania Prestigiacomo, Forza Italia’s MP and former minister in MrB’s cabinets, found this passage quite perplexing), because this will change a tradition that lasted for centuries, and above all because when someone proposed that the bill would be approved or rejected with a secret vote the Democratic Party (the Italian Prime Minister’s Party) decided to wash its hands of it, to great disappointment of Michela Marzano, philosopher and Democratic Party’s MP introducing the bill. Clearly, someone who knew for certain that all the male MPs (but also some female MP) are afraid that giving to children also their mother’s name the Italian male’s virility could be irreparably damaged or worse, thought that a secret vote could cause the bill’s rejection  and therefore great embarrassment to the parliamentary majority (especially to the Democratic Party).

After all chit-chats about civil rights work well in an election campaign, but not so well in the Parliamentary debate. Much better to postpone this question at a later date…

“…penso che tu sia un dinosauro sessista e misogino…”

M

Da: GoldenEye – 1995

“Era ora!” Mi sono detta appena una settimana fa leggendo che finalmente la commissione giustizia della camera aveva approvato (all’unanimità) il testo della legge che dovrebbe abolire l’obbligo di trasmettere il solo cognome paterno lasciando libertà di scelta tra quello del padre o della madre o di entrambi (in caso di disaccordo dovrebbero essere assegnati tutti e due).

A gennaio la Corte Europea dei Diritti dell’uomo (sic!) di Strasburgo aveva condannato l’Italia per violazione del principio d’uguaglianza. Perché dare il proprio cognome ai figli è un diritto. Anche delle donne.

Ora finalmente sembrava quasi fatta… e invece no. Perché un domani dei due cognomi se ne potrà trasmettere solo uno, a discrezione dei neo-genitori che potrebbero non scegliere quello paterno (ipotesi che a quanto pare ha suscitato perplessità nella deputata Stefania Prestigiacomo), perché si va a toccare tradizioni millenarie, ma soprattutto perché di fronte alla richiesta di voto segreto il PD ha deciso di alzare le mani, con grande scorno e sconcerto della relatrice Michela Marzano, filosofa e deputata PD. Il ragionamento, fatto evidentemente da chi sa per certo che i signori deputati maschi (ma a quanto pare anche qualche signora deputata femmina) temono che la perdita del diritto esclusivo di trasmettere il cognome ai figli possa ledere irreparabilmente la virilità del maschio italico o peggio, sarebbe: se il voto è segreto la legge sarà sicuramente bocciata dall’aula causando imbarazzi alla maggioranza.

In fondo i diritti civili funzionano alla grande in campagna elettorale, ma in Parlamento è tutta un’altra storia. Meglio rimandare la questione a data da destinarsi…

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My weekend movie: The Most Dangerous Game (1932)

The Most Dangerous Game 1932

The Most Dangerous Game (Caccia Fatale) – USA 1932

Directed by: Ernest B. Schoedsack; Irving Pichel.

Starring: Joel McCrea; Leslie Banks; Fay Wray.

There are two kinds of people: the hunter and the hunted…

Summer, especially when quite cold and rainy, is the right season to rediscover old adventure-thrillers packed with Gothic mansions, scary servants, mad villains, screaming heroines and handsome adventurers. And what’s better than a film you can easily find online for free cause it’s now in the public domain?

English: Low-resolution image of poster for th...

English: Low-resolution image of poster for the American motion picture The Most Dangerous Game (1932) (Photo credit: Wikipedia)

The adventure movie I suggest you to watch has been released in 1932. It’s The Most Dangerous Game, the first film adaptation of the 1924 short story of the same name by Richard Connell (inspiring through decades many, many films, especially B-movies) and above all the (different)twin of King Kong made by the same team (Schoedsack -here with Irving Pichel- director and producer, Merian C. Cooper – in Kong also director, here only producer), using the same set (the jungle) and part of the same cast (in particular the scream-queen Fay Wray) with the addiction of Leslie Banks as the villain and the amiable hunk Joel McCrea as the hero. It seems that this movie was shot during the day while King Kong at night (surely the best way to optimize the resources).

The premises are quite alarming: in an unknown shark infested channel, a yacht sinks. The only survivor is Bob Rainsford (Joel McCrea) a famous game hunter and writer who, miraculously spared by sharks, is able to swim to the shore of a tiny island not on the maps. And, what a coincidence, in the island there’s a Gothic fortress…

SPOILER ALLERT: if you’ve never seen this movie, this is the right time to click on the following link and watch it: 

http://www.youtube.com/watch?v=_DXLTw22HOQ

otherwise you read the rest of this article at your own risk…

English: Leslie Banks in The Most Dangerous Ga...

Leslie Banks as Count Zaroff (Photo credit: Wikipedia)

Now, as you surely know, a Gothic something (mansion, fortress, cathedral or whatever… ) in a Classic Hollywood movie heralds alarming developments as much as a bearded mute servant who looks a bit insane or an exceedingly jovial landlord, especially if he’s a Count and especially if now and then he caresses a strange scar on his forehead. Anyway, none of these signals seems to alarm our good ol’ Rainsford who, after surviving a shipwreck and a bunch of starving sharks, is now cheerfully smiling to the hospitable Russian Count Zaroff (Leslie Banks) and above all is not at all surprised to find in such a secluded place dry clothes that perfectly fit him! Anyway, shipwrecks are a local speciality. Under Count Zaroff’s roof are living in fact a couple of other survivors: Martin Trowbridge and his sister Eve, a drunkard and a really elegant and pretty girl. During a pleasant evening entertainment made of music (obviously Zaroff plays the piano as passionately as only a Russian Count could play it) and a little chit-chat, the Count tells to Rainsford that he’s one of his fans and reveals him his insane passion for hunting (his reason to live) also hinting that he finally found a new kind of prey: the most dangerous game! But none of that is enough to alarm Rainsford who seems unable to smell danger even when Eve tries to catch his attention telling him that in fact there were other survivors now mysteriously disappeared after the Count showed them into a certain mysterious room. But when at night the girl asks for Rainsford help because her brother mysteriously disappeared too, the two survived survivors enter the forbidden room finding in it a very peculiar kind of hunting trophies: human heads! So humans, the shipwrecks survivors, are the most dangerous game, the new exciting prey. That very same night Rainford will finally discover how does it feels to be hunted like an animal, while Eve will have to try and escape not to become Count Zaroff final prize…

The Jungle waiting for Kong (Photo credit: Wikipedia)

I won’t tell you anything more, but I guess that using your imagination you could easily guess what happens next though I have to cause the disappointment of all the fans (men and women) of old time hunky lead men (those guys with an over shaved chest who, before taking off their shirt, would be forced today into a six month intensive preparation with a sadistic personal trainer…): McCrea doesn’t lose most of his clothes during the hunting (if you are eager to see him almost naked watch Bird of Paradise the exotic 1932 movie with Dolores del Rio). Sometimes synopsis and reviews are written by people who never watched the movie they’re talking about.

The Most Dangerous Game‘s main theme, the hunter becoming prey and victim of another man and the relation between lust for blood and lust for sex (something added in the movie), is surely more interesting than the film itself. There’s a lack of suspense, McCrea surely made better films later (for instance Howard Hawks’ Come and Get It, Hitchcock’s Foreign Correspondent, Sturges’ Sullivan’s Travels…) and Fay Wray does little more than screaming (but, as Brian De Palma convincingly proves in Blow Out, screaming ain’t such an easy task…). Anyway, the atmospheres are decidedly intriguing and, above all, Count Zaroff, the serial killer so shamelessly convinced that Rainsford should be glad to join him in his manhunt and so openly ready to declare that Eve will be his final after-hunting prize, is a noteworthy villain also because Leslie Banks is able to use the injuries that left his face partially scarred and paralysed (he was a WWI veteran) to make the character even more frightening.

I must be clear, there’s very little in The Most Dangeroud Game that could be unexpected, but you should watch it at least once anyway.

 A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dracula – USA 1931 Directed by: Todd Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Directed by: James Whale. Starring: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

White Zombie – USA 1932 Directed by: Victor Halperin. Starring: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

The Old Dark House – USA 1932 Directed by: James Whale. Starring: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Directed by:Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Starring: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

Mystery of the Wax Museum – USA 1933 Directed by: Michael Curtiz. Starring: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Young Frankenstein – USA 1974 Directed by: Mel Brooks. Starring: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Directed by: Jim Sharman. Starring: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.

pellicola2

Ci sono due tipi di persone: i cacciatori e le prede…

L’estate, specialmente se tiepidina e piovosa, è la giusta stagione per rivedere i vecchi film d’avventura zeppi di dimore gotiche, servi inquietanti, cattivi psicopatici, eroine urlanti e prestanti avventurieri. E cosa c’è di meglio di un film che si può tranquillamente trovare e guardare gratis online perché ormai (negli Stati Uniti) di pubblico dominio?

English: Joel McCrea & Leslie Banks in The Mos...

Rainsford sta per diventare una preda  (Photo credit: Wikipedia)

Il film d’avventura che vi consiglio è Caccia Mortale (The Most Dangerous Game) del 1932, primo adattamento cinematografico del racconto La preda più pericolosa (The most dangerous game) scritto da Richard Cornell nel 1924 (che da allora ha ispirato un sacco di film, in particolare B-movies), ma soprattutto gemello diverso di King Kong realizzato dallo stesso team (Schoedsack -qui con Irving Pichel- come regista e produttore, Merian C. Cooper nell’altro anche regista, qui solo produttore), usando le stesse scenografie (la giungla) e parte dello stesso cast (in particolare la regina delle urlatrici Fay Wray) con l’aggiunta di Leslie Banks nel ruolo del cattivo e del simpatico bietolone Joel McCrea nei panni dell’eroe. Pare che si girasse questo film di giorno e King Kong di notte (quando si dice ottimizzare le risorse!).

Le premesse del film sono piuttosto inquietanti: in un non meglio identificato tratto di mare infestato dagli squali una nave affonda. L’unico sopravvissuto è Bob Rainsford (Joel McCrea), noto cacciatore e scrittore che, miracolosamente risparmiato dai pescecani, riesce a nuotare fino alla spiaggia di un’isoletta sconosciuta alle mappe. Manco a farlo apposta sull’isola si trova una fortezza di vago sapore gotico…

ATTENZIONE SPOILER: se il film non l’avete mai visto (e capite bene l’inglese) vi consiglio di cliccare sul link che segue per vederlo ora:

http://www.youtube.com/watch?v=_DXLTw22HOQ

altrimenti proseguite la lettura a vostro rischio e pericolo…

Leslie Banks as "Count Zaroff" in Th...

Il Conte ama la caccia (Photo credit: Wikipedia)

Come ben sapete, una dimora in stile gotico in un film della Hollywood classica è presagio di sviluppi quantomeno inquietanti, così come la presenza nella dimora di un servo barbuto con occhi da pazzo e privo dell’uso della parola e l’eccessiva giovialità del padrone di casa, specialmente se è un Conte e specialmente se ogni tanto si accarezza una sinistra cicatrice su una tempia. Nulla di tutto ciò però sembra turbare il buon Rainsford che del resto, dopo un naufragio e un attacco di un branco di squali, sorride affabile e per niente scosso all’ospitale Conte russo Zaroff (Leslie Banks) e soprattutto non è affatto sorpreso di trovare in un posto simile un cambio d’abiti della sua taglia. I naufragi comunque sono una specialità del luogo. Il conte Zaroff ospita infatti i superstiti di un altro naufragio, i fratelli Martin ed Eve Trowbridge: il primo un’autentica spugna, l’altra una bella ragazza elegantissima (su un’isola dove è arrivata solo con i vestitit che aveva addosso…).

English: Screenshot from The Most Dangerous Ga...

Rainsford e Eve nella giungla (Photo credit: Wikipedia)

Nel corso di un simpatico intrattenimento serale a base musica (ovviamente Zaroff suona il piano con la passionalità che si addice ad un conte Russo) e chiacchiere, il Conte confida a Rainsford di essere un suo ammiratore e rivela un’inquietante passione per la caccia (la sua unica ragione di vita) accennando al fatto di aver finalmente trovato un nuovo tipo di preda: la più pericolosa! Anche questo però non allarma Rainsford che pare non fiutare il pericolo imminente nemmeno quando la bella Eve gli fa notare che altri naufraghi sono misteriosamente scomparsi dopo aver visitato una certa stanza della fortezza. Quando però durante la notte la ragazza chiede l’aiuto di Rainsford perché il fratello è scomparso i due entrano nella stanza proibita scoprendo dei singolari trofei di caccia: teste umane! Sono quindi gli esseri umani, i naufraghi, la nuova preda del Conte! Quella stessa notte Rainsford scoprirà finalmente cosa si prova ad essere braccati come animali, mentre Eve dovrà cercare di sfuggire agli appetiti post-caccia del Conte…

Eve è perduta? (Photo credit: Wikipedia)

Il resto non ve lo dico, ma scommetto che se vi sforzate un pochino riuscirete a capire da soli come va a finire la storia anche se mi tocca deludere gli appassionati e le appassionate di fusti d’antan (tanto per intenderci quei ragazzoni che avevano il petto liscio come quello di un bebè e che se dovessero fare un film oggi ,prima di togliersi la maglietta, gli toccherebbe fare almeno 6 mesi di duro allenamento con un personal trainer sadico…): McCrea non perde progressivamente gli abiti nel corso della caccia (se proprio volete vederlo quasi come mamma l’aveva fatto guardatevi pure Bird of Paradise, film di ambientazione esotica del 1932 con Dolores del Rio). A volte chi scrive recensioni e riassunti non ha visto il film di cui parla.

Il tema di Caccia Mortale, l’uomo che da cacciatore si trasforma in preda vittima di un suo simile assetato di sangue e sesso, è sicuramente migliore dello svolgimento. La suspense infatti latita un po’, McCrea sicuramente in seguito ha fatto di meglio (basti pensare ad Ambizione di Hawks, Il Prigioniero di Amsterdam di Hitchcock, I dimenticati di Sturges…), e Fay Wray fa poco più del suo dovere di urlatrice (ma del resto come ci ha dimostrato in maniera convincente Brian DePalma in Blow Out anche urlare non è mica una cosa così facile). Le atmosfere però sono suggestive e soprattutto il Conte Zaroff, serial killer sfacciato sia nel pretendere che Rainsford in quanto cacciatore possa condividere il suo entusiasmo per la caccia all’uomo che nel dichiarare alla bella Eve che lei sarà la sua ricompensa dopo tanto cacciare (e questo non c’era nel racconto originale), è un cattivo degno di nota anche grazie a Leslie Banks capace di sfruttare una sua piccola disabilità (l’emiparesi del volto dovuta ad una ferita di guerra, era reduce della Prima Guerra Mondiale) per risultare più inquietante.

Caccia Mortale è, va detto, un film un po’ scontato, ma vale decisamente la pena di vederlo almeno una volta.

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedrere una scena o il trailer):

Dracula – USA 1931 Diretto da: Todd Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Diretto da: James Whale. Con: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

L’isola degli Zombies – USA 1932 Diretto da: Victor Halperin. Con: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

Il castello maledetto – USA 1932Diretto da: James Whale.Con: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Diretto da: Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Con: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

La maschera di cera – USA 1933 Diretto da: Michael Curtiz. Con: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Frankenstein Junior – USA 1974 Diretto da: Mel Brooks. Con: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Diretto da: Jim Sharman. Con: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.

Thank you ever so!

 “Thank you ever so!”

Lorelei Lee

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Thanks to The Youngest Italian Prime Minister in the last 150something years, to the parties supporting his government, to Forza Italia (mrB’s party) and to Lega Nord (the racist Northern League) too.

Thanks to all of you cause you finally reached an agreement to reform the Italian Senate. Thanks for not wasting a single minute to do something so pointless like try and explain us how it will work  (after all, this ain’t our business). Thanks because certainly, once approved (and we know nothing will stop you) this reform that every single citizen wanted so desperately will assure us a bright future: the elders will be junked, the young will prosper, the poor will have more than they need, those depressed will smile again and our good old Italy will be turned into an Intergalactic Power.

But above all, thanks for lifting from our poor common citizen’s shoulders the burden of choosing senators . Between you and me… frankly, to waste time standing in a line on a (maybe sunny or even rainy) Sunday every 5 years just to vote and elect a bunch of Senators was such a terrible, intolerable nuisance.

“Grazie e stragrazie!”

Lorelei Lee

Da: Gli uomini preferiscono le bionde – 1953

 

Grazie e stragrazie al Presidente del Consiglio più giovane degli ultimi 150 e qualcosa, alla maggioranza che lo sostiene, a Forza Italia e pure alla Lega Nord.

Grazie a tutti voi che finalmente avete trovato l’accordo per riformare il Senato. Grazie per non aver perso neanche un minuto per cercare di farci capire come diavolo funzionerà e di cosa si occuperà (che in fondo non sono nemmeno affari nostri). Grazie perché una volta approvata (e lo sappiamo bene che nulla vi fermerà) di sicuro con questa riforma che tutti i cittadini chiedevano a gran voce finalmente i vecchi saranno rottamati, i giovani prospereranno, i poveri avranno anche il superfluo, i depressi torneranno a sorridere e la nostra povera Italia si trasformerà in una SuperPotenza Intergalattica.

Ma soprattutto grazie per averci sollevato, noi poveri comuni cittadini ignoranti, dal peso di dover eleggere i Senatori riformati. Detto tra noi… perdere tempo una domenica ogni 5 anni (quando andava bene) solo per andare a votare per il rinnovo del Senato della Repubblica era una solenne scocciatura.

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Riforma Senato, Renzi: “Momento straordinariamente importante” (repubblica.it)

 

My weekend movie: Plein Soleil (1960)

 

Plein Soleil 1960

Plein Soleil (Purple Noon – Delitto in pieno sole) – FRA/ITA 1960

Directed by: René Clément.

Starring: Alain Delon; Maurice Ronet; Marie Laforêt.

The Class Struggle according to Mr Ripley

Take an idle rich, study his behaviour, habits and manners, get rid of him (no pity allowed) and finally take his place. A very peculiar kind of Class Struggle, isn’t it?

Plein Soleil – official US poster (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, that’s more or less Tom Ripley’s way to cope with disparity between rich and poor as you will discover watching Plein Soleil (Purple Noon is the English title), the 1960 French thriller directed by René Clément and starring Alain Delon, who became thanks to this movie (and thanks to Luchino Visconti‘s Rocco and his borthers, also released in 1960) an international movie star.

As you can guess the French actor is Tom Ripley a penniless American guy send to Italy to persuade an old friend, the idle rich Philip Greenleaf (Maurice Ronet), to return to United States. Philip’s father promised him 5000 $, but the mission soon proved to be impossible. Tom remains anyway with the friend, interfering between him and his girlfriend Marge (Marie Laforêt), becoming a sort of personal assistant (often humiliated) and most of all desiring to fill his friend’s shoes…

SPOILER ALERT: I warn you, if you’ve never watched this film before, this is the right moment to go and fetch a copy, otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

If my description of the story slightly reminds you to something you’ve already read or watched before, well this is not a coincidence.

Plein Soleil is in fact loosely based on The Talented Mr Ripley, the1955 novel (the first of five novels about Tom Ripley) written by Patricia Highsmith that was adapted again for cinema in 1999 (and if you’re not very, very young probably remember it): the movie, apparently a more faithful adaptation having the same book title (I can’t judge this cause I’ve never read the book, sorry), was directed by Anthony Minghella and starred Matt Damon as Ripley, Jude Law as Greenleaf (but correctly called Dickie) and Gwyneth Paltrow as Marge (plus Philip Seymour Hoffman and Cate Blanchett in minor roles).

The Talented Mr. Ripley

The Talented Mr. Ripley (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, Pein Soleil is completely different from The Talented Mr Ripley and, in my humble opinion, is also a better film.

Plein Soleil is more concise, we are spared the clichés about Italy and Italians (after all the movie is contemporary with the story and is a French-Italian production), as we are spared unrequired didactic explanations on why and how Ripley arrived in Italy or about his relationship with Greenleaf (Philip). As the movie starts, we meet Tom and Philip and immediately understand what’s going on: Philip Greenleaf is rich, Tom Ripley is poor. They both pretend to be friend: Greenleaf despises Ripley cause penniless and in need of his father’s money so he bullies him a bit. Ripley despises Greenleaf cause he has everything he wants. In Minghella’s version the relationship between Ripley and Dickie is (at least in Ripley’s mind) a sort of love affair, in Clément’s movie Ripley and Philip are playing cat and mouse: Greenleaf wants to see how far Ripley will go to make what he consider a little pocket money, while Ripley simply wants Greenleaf’s clothes, shoes, home, boat, girlfriend and life.

In both movies Ripley has a special talent for lies and impersonation. Anyway, Ripley/Damon seems to be at the mercy of circumstances: when Dickie (violently) rejects him, he kills him in a rage (but also in self-defence, appearing this way if not innocent at least less guilty) and then, distraught, remains for a long time beside his corpse before getting rid of it.

Alain Delon as Ripley (Photo Credit: Wikipedia)

On the other hand Ripley/Delon, threateningly charming as much as the French actor could be, knows too well what he wants: to fill Greenleaf’s shoes. He’s only waiting, disguised in a servile pose, for the right occasion, and possibly for a reason, to take action. During a yachting trip with Philip and Marge, the wealthy guy’s cruelty to him (and Marge too) prompts Ripley to action: he arranges things to cause an argument between the two lovers just to give Marge an excuse to go ashore, then once alone with Philip he kills him in cold blood, immediately get rid of his corpse and in the end, not at all distraught, eat something.

And what about the identity theft? Well, once again Ripley /Damon seems at the mercy of events: someone mistake him for Dickie and so he goes on improvising between (mortal) hitches and strokes of luck. Ripley/Delon made plans (the more you see, the more you understand it), he’s a proficient forger (the scene when he forges Philip passport and learn how to make his sign could be used in a crime academy), nothing happens by chance. And in the end, he (lethally) overcome obstacles and get what he wanted. Everything: house, boat, clothes, money and girl.

SPOILER ALERT: once again, if you’ve never watch this movie, you better skip the last few lines…

Critics and audiences liked Plein Soleil. Patricia Highsmith highly appreciated Alain Delon performance (after all as I told you this movie made him a star) but disliked the ending. In fact in this movie, after a real coup de théâtre, Ripley is caught by police enraging Highsmith who called this “a terrible concession to so-called public morality”. In my opinion anyway (sorry if I sound a bit presumptuous contradicting Ripley’s “mother”, but I’ve never read her novel so I simply judge the film) this ending with Ripley on the beach so satisfied with his newly conquered place in the sun, sure to have “the best” at his disposal who ends (unaware till the end and far from our sight) captured by police is a great ending.

Anyway, whether you like the ending or not Plein Soleil is a film you shouldn’t miss (and about The Talented Mr Ripley, well, do as you wish…),

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Spellbound – USA 1945 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

Vertigo – USA 1958 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

Woman of Straw – UK 1964 Directed by: Basil Dearden. Starring: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Trading Places – USA 1983 Directed by: John Landis. Starring: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Directed by: Jon Amiel. Starring: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

The Talented Mr Ripley – USA 1999 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Ripley’s game – ITA/UK/USA 2002 Directed by: Liliana Cavani. Starring: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.

pellicola2

La Lotta di Classe secondo Mr Ripley

Prendete un ricco viziato, studiatene il comportamento, le abitudini, le maniere, liberatevene (non è concessa alcuna pietà) e quindi sostituitevi a lui. Un genere molto particolare di Lotta di Classe, che ne dite?

Alain Delon nei primi anni ’60 (Photo credit: Wikipedia)

Questo comunque è più o meno il modo in cui Tom Ripley affronta le disparità sociali come scoprirete guardando Delitto in pieno sole (Plein Soleil il titolo originale), il thriller Francese del 1960 diretto da René Clément ed interpretato da Alain Delon, che grazie a questo film (ed a Rocco e i suoi fratelli di Luchino Visconti uscito nello stesso anno) attirò su di sé, a soli 25 anni, l’attenzione della critica (e del pubblico) internazionale.

Come avrete capito Alain Delon è Tom Ripley, uno squattrinato ragazzo Americano inviato in Italia per convincere un vecchio amico, il ricco e ozioso Philip Greenleaf (Maurice Ronet), a tornare negli Stati Uniti. Il padre di Philip gli ha promesso 5000 $, ma la missione si è ben presto rivelata impossibile. Tom comunque è rimasto a vivere con l’amico, intromettendosi nella sua relazione con Marge (Marie Laforêt), diventando una specie di tuttofare (spesso umiliato) e sopratutto desiderando di prendere un giorno il posto dell’amico…

ATTENZIONE SPOILER: vi avverto, se non avete mai visto questo film, questo è il momento giusto per procurarvene una copia, altrimenti continuate pure la lettura dell’articolo ma a vostro rischio e pericolo…

Se quello che vi ho detto fino a qui vi ricorda vagamente qualcosa che avete già visto o letto, beh non è una semplice sensazione.

The Talented Mr. Ripley (film)

The Talented Mr. Ripley  (Photo credit: Wikipedia)

Delitto in pieno sole è infatti liberamente tratto da Il Talento di Mr Ripley, romanzo del 1955 (il primo di una serie di cinque romanzi dedicati a Ripley) di Patricia Highsmith che nel 1999 (e a meno che non siate giovanissimi, probabilmente ve ne ricorderete) fu portato nuovamente sul grande schermo col suo titolo originale e una sceneggiatura apparentemente più fedele al romanzo (questo non lo posso giudicare perché non l’ho letto, mi spiace) dal regista inglese Anthony Minghella con Matt Damon nel ruolo di Ripley, Jude Law in quello di Greenleaf (che come nel libro però si chiama Dickie) e Gwyneth Paltrow in quello di Marge (oltre a Philip Seymour Hoffman e Cate Blanchett in ruoli minori).

Delitto in pieno sole ed Il talento di Mr Ripley sono però due film diversissimi e se posso permettermi un giudizio personale, il primo è un film migliore.

Delitto in pieno sole è più asciutto, la trasposizione meno didascalica, ci vengono risparmiate le cartoline dall’Italia (del resto il film, girato negli anni in cui è ambientato, è una produzione Franco-italiana), le spiegazioni sul perché e il percome Ripley sia arrivato in Italia e su come si sia sviluppato il rapporto tra lui e Greenleaf (Philip). Quando inizia il film trovandoci di fronte a Ripley e Greeleaf capiamo immediatamente quello che sta succedendo: Philip Greenleaf è ricco, Tom Ripley è povero. Entrambi fingono di essere grandi amici: Greenleaf disprezza Ripley perchè è povero e ha bisogno dei soldi di suo padre e approfitta della situazione per comportarsi un po’ da bullo. Ripley disprezza Greenleaf perchè, ha tutto quello che lui desidera. Se nel film di Minghella quella tra Ripley e Dickie è (almeno per Rypley) una storia d’amore, in quello di Clément Ripley e Philip giocano al gatto e il topo. Greenleaf vuole vedere fino dove si spingerà Ripley pur di guadagnare quelli che per lui sono pochi spiccioli. Ripley invece vuole gli abiti di Greenleaf, le sue scarpe, la sua casa, la sua barca a vela, la sua ragazza, la sua vita.

In entrambi i film Ripley è un ragazzo con un talento speciale per la simulazione e l’inganno. Ripley/Damon però sembra in balia delle circostanze: quando Dickie lo respinge (in malo modo, violentemente), lui lo uccide in preda alla rabbia (ma anche per autodifesa, cosa che agli occhi dello spettatore ne alleggerisce le responsabilità), e poi, sconvolto, veglia il cadavere prima di sbarazzarsene.

Patricia Highsmith

Patricia Highsmith (Photo credit: Wikipedia)

Ripley/Delon, affascinante ed inquietante tanto quanto l’attore francese, invece sa bene che quello che vuole è la vita di Philip, sta solo aspettando il momento giusto, la giusta ragione per passare all’azione e prendersela. Nell’attesa si nasconde dietro un atteggiamento mite e servile. Quando durante un viaggio in barca a vela con Philip e Marge, il ricco fannullone lo umilia oltre ogni limite (e poi fa lo stesso con la ragazza), Ripley decide di agire: fa in modo che Philip e Marge litighino per dare alla ragazza una ragione per sbarcare e una volta solo con l’amico lo uccide a sangue freddo, si disfa del cadavere, e poi, per niente sconvolto, mangia.

In quanto allo scambio di identità poi Ripley/Damon sembra ancora una volta in balia degli eventi: qualcuno lo scambia per l’amico e lui prosegue improvvisando tra contrattempi (mortali) e colpi di fortuna. Ripley/Delon invece ha un piano (e più ci addentriamo nella storia più la cosa diventa evidente), è un falsario provetto (la scena in cui falsifica il passaporto e impara a fare la firma dell’amico sono da accademia del crimine) e non lascia nulla al caso. E alla fine, superata la sua dose di contrattempi (mortali) ottiene quello che vuole. Tutto: casa, barca, vestiti, soldi e ragazza.

ATTENZIONE SPOILER: scusate per l’interruzione, ma se non avete ancora visto il film è meglio che saltiate le ultime righe….

Delitto in pieno sole piacque a pubblico e critica. Patricia Highsmith apprezzò molto l’interpretazione di Alain Delon (che del resto come vi ho già detto anche grazie a questo film divenne una star internazionale) ma si lamentò però del finale. Ripley infatti dopo un’autentico colpo di scena, quando ormai è sicuro di avercela fatta, viene catturato dalla polizia, una concessione eccessiva, secondo la scrittrice, alla morale comune che vuole sempre ogni delitto punito. A mio giudizio invece (e scusatemi per l’immodestia con la quale mi permetto di contraddire la “mamma” di Ripley, ma non avendo mai letto il suo romanzo giudico semplicemente un film), quel finale con Ripley sulla spiaggia, ormai sicuro di essersi conquistato un posto al sole e tutto preso ad assaporarsi la possibilità di avere solo il meglio, che credendo di dover rispondere ad una telefonata si getta ignaro tra le braccia della polizia (cosa che accadrà lontano dall’occhio indiscreto della macchina da presa) è una delle cose migliori del film.

In ogni caso, comunque la pensiate riguardo al finale, Delitto in pieno sole è un film che non dovreste perdervi (per Il talento di Mr Ripley invece fate come credete…).

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Io ti salverò – USA 1945 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

La donna che visse due volte – USA 1958 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

La donna di paglia – UK 1964 Diretto da: Basil Dearden. Con: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Una poltrona per due – USA 1983 Diretto da: John Landis. Con: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Diretto da: Jon Amiel. Con: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

Il talento di Mr Ripley – USA 1999 Diretto da: Anthony Minghella. Con: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Il gioco di Ripley – ITA/UK/USA 2002 Diretto da: Liliana Cavani. Con: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.

 

Fingerprints

 

“It has your fingerprints on it, remember?”

Tony Wendice

From: Dial M for Murder – 1954

 

No one, and I mean no one, was ready to write his name over that rule that will grant to the “new” Senators (those that we won’t be allowed to choose directly) the parliamentary privilege… remember?

Well, after incessantly repeating that no one wanted to approve it, the government (that apparently knew nothing about it…) expressed its favourable opinion and therefore the (almost)orphan amendment that will grant an equal parliamentary privilege to MPs and new Senators has been approved by a large majority: Democratic Party (Mr Renzi’s party), Forza Italia (MrB’s Party, with the exception of Senator Minzolini, absteined), New Centre-Right (Mr Alfano, minister of the interior, party), Scelta Civica (Civic Choice,Mr Monti’s party), Union of Christian and Centre Democrats and Northern League. Against the amendment: 5Stars Movement and SEL (Left Ecology and Freedom …or at least what remains of that left party after many of its members chose to join the winning Democratic Party, when one is commited to an ideal…).

In the end, at least we can say that this was not a case of authomatic writing. Now there are fingerprints to prove it.

“Ci sono sopra le tue impronte, ricordi?”

Tony Wendice

Da: Il Delitto Perfetto – 1954

Nessuno, ma proprio nessuno, voleva intestarsi la responsabilità della norma che assicurerà nel nuovo Senato riformato l’immunità ai senatori non più eletti direttamente dal popolo… Ricordate?

Bene, dopo tanto giurare che nessuno la voleva, il Governo (che non ne sapeva niente…) ha espresso parere favorevole e quindi oggi l’introduzione dell’emendamento che garantisce pari immunità a Deputati e Senatori la è stata approvata con una maggioranza molto ampia: Pd, Forza Italia (astenuto Minzolini), Ncd, Scelta civica, Popolari e Lega Nord. Contrari M5S e Sel (o quello che ne è rimasto…).

In fondo non sitrattava di un caso di scrittura automatica. Ora ci sono le impronte digitali a provarlo.

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My weekend movie: Path of Glory (1957)

Path of Glory 1957

Path of Glory (Orizzonti di Gloria) – USA 1957

Directed by: Stanley Kubrik.

Starring: Kirk Douglas; Adolphe Menjou; George Macready; Ralph Meeker; Joe Turkel; Timothy Carey.

“There are few things more fundamentally encouraging and stimulating than seeing someone else die…”

Sarajevo – June, 28 1914: Archduke Franz Ferdinand of Austria, heir presumptive to the Austro-Hungarian throne, and his wife Sophie, Duchess of Hohenberg, are killed by the Yugoslav nationalist Gavrilo Princip, a Bosnian Serb part of a group of six assassins.

It’s the end of the Belle Epoque.

Path of Glory (Photo Credit: Wikipedia)

After a tense month, on July 28, the Austro-Hungarian Empire declares war to Serbia. In August, 7 countries are at war, more will follow and in a few weeks all the world’s economic Great Powers will be involved assembled in two opposing block: the Allies (France; British Empire; Russia; Serbia; Montenegro; Belgium; Italy – joining in 1915-; USA -1917- and others…) vs Central Powers (Austro-Hungarian Empire; Germany; Ottoman Empire; Bulgaria…). The war should be over in autumn, then in spring… it will go on till 1918 causing millions of deaths, the loss of a generation, and leaving many people wounded in their body and in their soul too. It will be remembered as the Great War, the First World War. Europe (even the winning Countries) will end weakened in its economic power and the USA will become the new World Power. The Central Powers defeat will cause the collapse of two Empires (Austro-Hungarian and Ottoman), a deep economic crisis, revolutions, chaos in the middle-east, the fascist dictatorship in Italy, the birth of Nazism in Germany and within 20 years a new deadliest war: War World II.

One hundred years after those events, I propose you to watch this week Path of Glory the 1957 war movie directed by Stanley Kubrik and starring Kirk Douglas (who also produced this film with Bryna Production).

Deutsch: Bildnis Franz Ferdinand, Erzherzog vo...

Franz Ferdinand of Austria with his wife Sophie and thier children Shopie and Maximilian in 1904 (Photo credit: Wikipedia)

Based on the book with the same title written by Humphrey Cobb, the film is set in France in 1916. The soldiers are stuck into trenches while every battle can only move the front line of a few hundred metres. Behind the front line, in a castle, Major General Georges Broulard (Adolphe Menjou) convinces Brigadier General Paul Mireau (George Macready) that it’s time to launch an assault (though it’s clear there’s little hope to succeed) to a well defended German position. Mirau goes to the battlefield and ignoring the opinion of Colonel Dax (Kirk Douglas), who advises him that there are only a few chances to win while heavy casualties are certain, commands the attack (safely remaining in the trenches). The battle ends in a defeat, many soldiers refused to leave the trenches. General Mirau, enraged, wants 100 soldiers, chosen at random, court-martialled for cowardice and almost surelly killed for that. General Broulard convinces him to reduce the number to three, one from each company that took part to the failed assault. Dax, once a lawyer, volunteers to defend the three, but it’s an impossible mission because their fate is already decided. To watch their buddy die will stimualte the other soldiers giving them the “courage” to go on in the battlefield.

English: Adolphe Menjou (left) & Kirk Douglas ...

Adolphe Menjou and  Kirk Douglas in Paths of Glory  (Photo credit: Wikipedia)

Trying to decide what WWI-related movie I could propose you, I chose this one not because I’m a big fan of Kubrik or Kirk Douglas (on the contrary, and I think I already told you this talking about Spartacus the second and last film they made together), but because I think this no frill film, adapted from a novel based on a true story, can help us to realize who absurd war is (and in particular how absurd WWI had been).

The situation depicted in Path of Glory, apart from the very tidy trench, was not unusual. The soldiers were used like impersonal dummies good to be sacrificed. Top ranking officers, always well protected behind the front line, demanded them to throw themselves against the enemy’s bullets with the menace to be killed by an “encouraging” friendly fire. Exemplary punishments, administered at random, were not infrequent (in every coalition) and, as the movie shows, officers sometimes refused to believe that in those conditions shell-shock could even exist. What’s more, the controversial release through Europe seems to confirm the veracity of what told in Path of Glory: in Germany it was shown in 1960, in France (though not officially censored) only in 1975.

As I told you many other times, a film is not a documentary but can arouse your curiosity, drive you to learn more, help you not to forget… because who ignore history is bound to repeat it.

A few more WWI-related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

All Quiet on the Western Front – USA 1930 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Directed by: George Fitzmaurice. Starring: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

A Farewell to Arms – USA 1932 Directed by: Frank Borzage. Starring: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusion – FRA 1937 Directed by: Jean Renoir. Starring: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Waterloo Bridge – USA 1940 Directed by: Mervyn LeRoy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

The Great War – ITA 1959 Directed by: Mario Monicelli. Starring: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Many Wars Ago – ITA 1970 . Directed by: Gianfranco Rosi. Starring: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

Johnny Got His Gun – USA 1971 Directed by: Dalton Trumbo. Starring: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.

pellicola2

Ci sono poche cose incoraggianti e stimolanti tanto quanto vedere qualcun altro che muore…”

Sarajevo – Giugno 1914: l’arciduca Franz Ferdinand d’Asburgo-Este, erede al trono dell’Impero Austro- Ungarico, e sua moglie Shopie, duchessa di Hohenberg, vengono uccisi da Gavrilo Princip, indipendentista serbo e membro di un gruppo di fuoco di sei persone.

È la fine della Belle Epoque.

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at...

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at Côte 304 (Hill 304), northwest of Verdun, in 1916 (Photo credit: Wikipedia)

Dopo un mese di tensioni diplomatiche il 28 Luglio l’Impero Austro-Ungarico dichiara guerra alla Serbia. In Agosto sette paesi sono già coinvolti nel conflitto, altri seguiranno ed in poche settimane le maggiori potenze Mondiali si schiereranno in due blocchi contrapposti: Alleati (Francia; Impero Britannico; Russia; Serbia e Montenegro; Belgio; Italia -dal 1915-; USA -dal 1917- e altri…) contro Imperi Centrali (Impero Austro-Ungarico; Germania; Impero Ottomano; Bulgaria…). Si diceva che quella guerra sarebbe durata solo fino all’autunno, poi che sarebbe finita entro la primavera… Quella guerra che passerà alla storia come la Grande Guerra, la Prima Guerra Mondiale, durerà invece fino al 1918 causando la morte di milioni di persone, la perdita di una generazione, lasciando milioni di uomini provati nel corpo e nell’anima. L’Europa sarà indebolita e ridimensionata nello scenario mondiale, gli Stati Uniti diventeranno la prima potenza Mondiale. La disfatta degli Imperi Centrali porterà alla fine di due imperi (quello Austro-Ungarico e quello Ottomano), ad una feroce crisi economica, ad una rivoluzione, al caos mediorientale, alla dittatura fascista in Italia, alla nascita nel nazismo in Germania ed in un ventennio, ad una guerra ancora più funesta: la Seconda Guerra Mondiale.

A cent’anni da quegli eventi, ho deciso di proporvi questa settimana la visione di Orizzonti di Gloria, il film diretto del 1957 dall’allora giovane Stanley Kubrik ed interpretato da Kirk Douglas (che lo produsse con la sua Bryna Production).

Kubrick, standing behind looking into camera, during production of Paths of Glory, showing filming of trench scene with reverse tracking method. (Photo credit: Wikipedia)

Tratto dall’omonimo romanzo di Humphrey Cobb, il film è ambientato in Francia nel 1916. I soldati vivono ormai da tempo in una situazione di stallo, bloccati nelle trincee mentre ogni nuova battaglia riesce a spostare la linea del fronte in una direzione o nell’altra solo di poche centinaia di metri. Nelle retrovie, in un castello, su sollecitazione del Generale Broulard (Adolphe Menjou), e con la prospettiva di un avanzamento di carriera, il Generale Mireau (George Macready) decide che è giunto il momento di lanciare l’attacco (che fin da subito appare come disperato) ad una strategica postazione tedesca. Mirau si reca sal fronte ed ignorando l’opinione del Colonnello Dax (Kirk Douglas) che lo avverte delle risicatissime possibilità di vittoria e della certezza di ingenti perdite, pretende che l’attacco venga lanciato. L’esito della battaglia è un disastro, molti soldati rifiutano di lasciare le trincee e il Generale, furioso, chiede al comando che la loro “codardia” venga punita con la decimazione: un soldato ogni dieci delle varie compagnie scelto a caso dovrebbe essere fucilato. Broulard gli concede che solo tre soldati, uno per ogni compagnia che ha preso parte all’assalto, vengano processati dalla corte marziale. Dax, avvocato nella sua vita precedente, ottiene di potersi occupare della difesa dei suoi uomini, ma è una missione impossibile, perché il loro destino è già segnato. Niente come vedere morire dei commilitoni potrà infondere negli altri soldati il “coraggio” necessario per continuare a combattere.

George Macready as General Mireau (Photo credit: Wikipedia)

Cercando di decidere quale film sulla Prima Guerra Mondiale proporvi, ho scelto questo non perché sia una grande fan di Kubrik o di Kirk Douglas (devo avervelo già detto parlandovi di Spartacus, il secondo ed ultimo film che i due girarono insieme), ma perché credo che questo film, girato senza troppi fronzoli e tratto da un romanzo ma ispirato ad una storia vera, permetta di rendersi conto di quanto mortalmente assurda possa essere la guerra (ed in particolare di quanto lo fu la Prima Guerra Mondiale).

La situazione in cui si trovano i soldati in Orizzonti di Gloria, a parte la trincea francamente un po’ troppo linda, non era affatto insolita. Trattati come inerte carne da cannone, i soldati venivano costretti da ufficiali sempre ben protetti nelle retrovie a gettarsi incontro ai proiettili sparati dal nemico con la minaccia di venire colpiti alle spalle da un “incoraggiante” fuoco amico. Le punizioni esemplari impartite a caso non erano infrequenti (e questo in ogni esercito e coalizione) e proprio come si vede nel film c’era persino il rifiuto di credere che in simili condizioni i militari potessero soffrire di quello che oggi chiameremmo disturbo post-traumatico. E la veridicità di quanto raccontato è confermata dal fatto che l’uscita del film fu osteggiata in alcuni paesi: in Germania uscì nel 1960, in Francia (sebbene non ufficialmente censurato) solo nel 1975.

Come vi ho detto altre volte, i film non sono documentari ma possono stimolare la curiosità a saperne di più e aiutare a non dimenticare… anche perché chi dimentica la storia spesso è condannato a ripeterla.

Altri film collegati alla Grande Guerra che potrebbero interessarvi (cliccate sui titoli per vedere una scena , il trailer o qualcosa di più):

Niente di Nuovo sul Fronte Occidentale – USA 1930 Diretto da: Lewis Milestone. Con: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Diretto da: George Fitzmaurice. Con: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

Addio alle Armi – USA 1932 Diretto da: Frank Borzage. Con: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusione – FRA 1937 Diretto da: Jean Renoir. Con: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Il Ponte di Waterloo – USA 1940 Diretto da: Mervyn LeRoy. Con: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

La Grande Guerra – ITA 1959 Diretto da: Mario Monicelli. Con: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Uomini Contro – ITA 1970 . Diretto da: Gianfranco Rosi. Con: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

E Johnny Prese il Fucile – USA 1971 Diretto da: Dalton Trumbo. Con: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.