Fire & Music

“What a pity. All that fire and music being turned off…”

Margo Channing

From: All About Eve – 1950

It’s fresh, it’s new, it’s young, it’s all fire and music…it moves fast, it’s reagardless of any protest. It’s the Italian Government with the Youngest Prime Minister in the Italian history ever. Stop whining… jinx are banned, optimism it’s the new mood. Full speed ahead ! It’s time to get down to it, time to use new recipes to save our Country and build a new sparkling future..

and in fact in 2015 there won’t be any euro wasted, 20 billions will be found cutting unnecessary expenses so that there will be resources for the thousand-day reforms. And guess what? The most of that money will be found cutting the… health care system expenses.

If true, it would be such a pity. All that fire and music being turned off…

“Che peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…”

Margo Channing

Da: Eva contro Eva – 1950

È fresco, nuovo, giovane, tutto fuoco e musica… si muove veloce, non guarda e in faccia nessuno. È il governo del Presidente del Consiglio più giovane della storia dell’Italia unita. Basta piagnistei… basta gufi e avanti tutta con l’ottimismo! È tempo di agire con ricette nuove per andare incontro a un futuro scintillante…

e infatti nella manovra economica 2015 è previsto un drastico taglio agli sprechi per 20 miliardi: ministeri a dieta e più risorse per le mirabolanti riforme dei mille giorni. E indovinate un po’? La maggior parte dei fondi arriveranno da tagli alla… sanità.

Fosse vero sarebbe un vero peccato. Tutto quel fuoco e quella musica sprecati…

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My weekend movie: Gone with the Wind – 1939 (part II)

Vivien Leigh in Gone with the Wind, 1939

Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

…and don’t call her sugar!

Well, as I was telling you yesterday (if you missed the first part of this article you can find it HERE), it’s pretty clear that Gone with the Wind is essentially a women’s movie.

English: Cropped screenshot of Vivien Leigh an...

Scarlett and Ashley (Photo credit: Wikipedia)

The bulk of it is not the unfortunate and not exactly reciprocated Scarlett’s love for Ashley, or the love story between Scarlett and Rhett, the bulk of it is the relation between Scarlett, the spoilt Southern Belle who’s not a lady, has a “passion for living” and a good deal of gumption, and Melanie, the great southern lady, Mrs-know-it-all, the one who never fails, the greatest goody-goody ever. Scarlett’s, as Rhett would say, for about four hours gives a good imitation of a desperate hopeless lover but, please… could you really believe her?

Scarlett, the girl who collects beaux, a woman who always finds a way to get out of troubles, ain’t afraid to kill a man, doesn’t refuse to dirty her hands and is able to break with convention, could really love that wimpy Ashley who, in an almost four-hour-long film, ain’t able to prove himself strong enough to tell her to leave him alone with his wife and in twelve years only kiss her a couple of time just to calm her down, could she really loves him more than Rhett, that dark tall hunk of a man?

English: Studio publicity portrait for film Go...

Olivia de Havilland as the super goody-goody Melanie(Photo credit: Wikipedia)

Maybe it’s just because guys with golden hair and blue eyes never impressed me much (sorry if you are one of them, but you can declare that petite brunettes with dark eyes don’t impress you at all, so that we get even…), but even the first time I watched Gone with the Wind on TV in a glorious black and white (it was probably early ’80s, the first time it was shown on TV in Italy, and my father didn’t believe in colour TVs…), though I was just a kid, I immediately understood that Scarlett wasn’t really in love with that blondish  guy. Maybe for a while, when she was 16, she had really believed she was in love with him, but then, after he rejected her to marry a girl who had not a thousandth of her charm (I’m in Scarlett’s mind now), stealing his heart again became a personal matter between her and Melanie (and idealize him a way to escape from reality).

Even Melly, the Great Lady, ain’t the saint she pretends to be. Just think about it…after all, all along the movie, she continuously shows off her marital happiness in front of Scarlett (for instance when Ashley is in Atlanta on Christmas furlough…), uses the fact the Scarlett can’t say no to Ashley to gain her benevolence and help (Scarlett remaining in Atlanta to assist her, the hospitality at Tara, the sawmill profits shared with Ashley, and in the end the promise that Scarlett will maintain her orphan…). What’s more, with her sweet, dignified and passive attitude Melanie has Scarlett, who at some point feels guilty, under her control. If the relationship between Scarlett and Melly would have been a bit less complicated, but especially if Ashley would have reciprocated Scarlett’s feelings as she wished, it’s sure that before his departure for the front she would have been sick and tired of him and the main problem for the screenwriters would have been to find a way not to end up with a short movie…

Four generations of a slave family photographed during the Civil War, Smith’s Plantation, Beaufort, South Carolina, 1962 (Photo credit: Wikipedia)

Obviously, Gone with the Wind is much more than this: there’s Scarlett’s transformation from a spoilt brat to an (almost) independent woman, the characters’ ability (or inability) to face a world completely changed by war (Scarlett can do it, Ashley can’t), but also many detestable and shocking aspects. There’s a sort of sanctification of a society based on slavery, a society seen with nostalgia by those who were not slaves, and there are all sorts of blacks stereotypes: slaves, and then former slaves, are stupid, dull and incapable of independence. And this happens despite the fact that most of the events happening in the indigestible second part of the novel, the part talking about the aftermath of war and depicting Ku Klux Klan in a romantic light (with “sweet” Melly as a sort of a KKK patroness), have been cut from the movie thanks to the black community protests started when the production of a film based on Gone with the Wind was announced.

Decidedly shocking is Rhett who rapes Scarlett (but just because this happens behind the scene so that we can only imagine it, and yes a husband can rape his wife), but even more shocking is Scarlett’s reaction: the morning after the rape she is joyful, finally happy at least till Rhett comes to his senses and apologizes. A scene good to teach children that after all when a woman is raped is just what she deserves (and what she secretly desires).

Lots of reasons to put this movie aside.

But in the end you can’t do it, at least I can’t do it.

Gone with the Wind ain’t my favourite movie (if you paid attention, by now you should know that to epic melodramas I prefer comedies and thrillers, especially when they are romantic like those directed by Hitchcock…), but it is one of those movies I’ve watched again and again since I was a kid, one of those movies that could make me feel better when I’m down (Scarlett’s monologue at the end of the first part and the “after all, tomorrow is another day” philosophy can be very invigorating sometimes), and what’s more it’s one of those movie you can’t miss.

I know, it’s looooooong, but autumn is coming, rain will fall, it will be cold outside, maybe within a few weeks you’ll catch a flu…I guess sooner or later you’ll find four spare hours to watch it.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watcha clip or the trailer):

Jezebel – USA 1938 Directed by: William Wyler. Starring: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo: A Love Story – USA 1939 Directed by: Gregory Ratoff. Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

The Dark Mirror – USA 1946 Directed by: Robert Siodmak. Starring: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Hush… Hush, Sweet Charlotte – USA 1964 Directed by: Robert Aldrich. Starring: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

The Sound of Music – USA 1965 Directed by: robert Wise. Starring: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Directed by: Quentin Tarantino. Starring: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonard Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.


… e non chiamatela cocca!

Bene, come vi stavo dicendo ieri (se non avete letto la prima parte dell’articolo la trovate QUI), è piuttosto ovvio il fatto che Via col Vento sia essenzialmente un film “femminile”.

Clark gable è Rhett (Photo credit: Wikipedia)

Al centro della vicenda non è certo la non proprio ricambiata passione di Rossella per Ashley, e nemmeno la storia d’amore tra Rossella e Rhett. Il cuore della storia è il rapporto tra Rossella, la bella sudista che non è una signora, ha la “passione di vivere” e un sacco di fegato, e Melania, la gran signora sudista, miss so-tutto-io, quella che non sbaglia mai, una delle più grandi gattemorte della storia. È senz’altro vero che, come direbbe Rhett, Rossella ci offre per quasi quattro ore (!!!) un’ottima imitazione di un amore disperato, ma… ci avrete mica creduto sul serio?

Rossella, la ragazza che colleziona ammiratori, un demonio di donna che cade sempre in piedi come un gatto, non ha paura nemmeno di uccidere, sa sporcarsi le mani e sfida le convenzioni poteva davvero amare quel rammollito di Ashley, che in quasi quattro ore di film non ha nemmeno abbastanza fegato per dirle di lasciarlo vivere in pace con sua moglie e in dodici anni le dà giusto un paio di bacetti tanto per tenerla buona, poteva davvero preferirlo a Rhett, quel simpatico imbroglione bruno e aitante ?

Sarà che non ho mai avuto una gran passione per le chiome dorate e gli occhi azzurri (chiedo scusa a tutti coloro che si riconoscono in questo ritratto, ma voi potete tranquillamente dichiarare la vostra non-passione per le brunette mingherline con gli occhi scuri e così siamo pari…), ma persino la prima volta che ho visto Via col Vento in un glorioso bianco e nero (dovevano essere i primi anni ’80, Via col Vento arrivava per la prima volta in TV, e mio padre ancora non credeva nei televisori a colori…), pur essendo una bambinetta ho capito immediatamente che Rossella non era realmente interessata al biondino. Forse per un po’ di tempo, quando aveva sedici anni, Rossella ha creduto di essere innamorata di Ashley, ma poi quando lui l’ha respinta per sposare una ragazza che ai suoi occhi (di Rossella) non aveva nemmeno un millesimo del suo fascino, cercare di conquistarlo è diventata una faccenda tra lei e Melania (e idealizzarlo è diventato un modo per sfuggire di quando in quando alla brutale realtà che la circondava).

Cover illustration of Harper’s Weekly, September 7, 1861 showing a stereotypical Southern belle (Photo credit: Wikipedia)

lelania, la Gran Signora, invece non è la santa che sembra essere. Fate mente locale… in fondo per tutto il film non fa altro che sbattere in faccia a Rossella il suo matrimonio con Ashley (come ad esempio quando lui arriva ad Atlanta in licenza…), approfitta del fatto che Rossella ad Ashley non sappia dir di no per ricavarne tutto l’aiuto possibile (la protezione di Rossella ad Atlanta, l’ospitalità a Tara, la segheria in società e alla fine ogni comfort assicurato al futuro orfano…), e con il suo comportamento sempre dolce e dignitoso tiene in pugno Rossella facendola persino sentire in colpa. Se il rapporto tra Rossella e Melania fosse stato meno complicato, ma soprattutto se Ashley avesse ricambiato i sentimenti di Rossella, lei si sarebbe stancata di lui prima ancora della sua partenza per il fronte e il problema degli sceneggiatori sarebbe stato come allungare un po’ il brodo per non ritrovarsi con un cortometraggio…

Poi ovviamente in Via col Vento c’è molto di più: la trasformazione di Rossella da insopportabile bamboccia vanitosa a donna (quasi) indipendente, la capacità (o l’incapacità) dei personaggi di affrontare la dura realtà di un mondo radicalmente cambiato da un conflitto (Rossella ce l’ha, Ashley no), oltre a molti aspetti decisamente odiosi. C’è la beatificazione di una società basata sulla schiavitù di cui tutti hanno tanta nostalgia perché viverci era tanto dolce (per loro che non erano schiavi), ci sono tutti i possibili stereotipi sui neri dipinti come indolenti, stupidi e quasi nostalgici della schiavitù. E questo nonostante il deciso taglio all’indigesta seconda parte del romanzo, quella in cui si vedono le conseguenze della guerra e in cui il Ku Klux Klan è presentato sotto una luce quasi romantica (con la “dolce” Melania che ne è una specie di patronessa), deciso anche grazie alle sacrosante proteste delle comunità afroamericane iniziate subto dopo l’annuncio che Via col Vento sarebbe diventato un film.

Cropped screenshot of Vivien Leigh from the tr...

Scarlett (Photo credit: Wikipedia)

Decisamente scioccante infine non è tanto la scena dello stupro commesso da Rhett ai danni di Rossella (si, è uno stupro anche se si è sposati), ma solo perché avviene fuori scena e quindi è lasciata alla nostra immaginazione, quanto quello che succede dopo con la Bella del sud che reagisce con un’inedita ventata di buonumore offuscata dalle scuse del rinsavito Rhett. Ottima per insegnare ai bambini che in fondo quando una donna viene violentata ha quello che si merita (e segretamente desidera).

Tanti buoni motivi per decidere di mettere da parte questo film.

Alla fine però non ci si riesce, io almeno non ci riesco.

Via col Vento non è il mio film preferito (se siete stati attenti ormai dovreste aver capito che ai melodrammoni epici preferisco le commedie o i thriller, specie se romantici come quelli di Hitchcock…), ma è comunque uno dei film che ho visto e rivisti fin da bambina, uno di quei film che riescono a risollevarmi il morale quando mi sento un po’ giù (il monologo di Rossella con cui si chiude la prima parte e la filosofia del “domani è un altro giorno” a volte possono essere persino corroboranti) e decisamente è uno di quei film che non potete ignorare soprattutto se non l’avete ancora visto.

Lo so, è luuungooo, ma l’autunno è alle porte, arriveranno le piogge e il freddo, magari tra qualche tempo vi beccate pure l’influenza… scommetto che prima o poi le trovate quattro ore libere per guardarvelo.

Alcuni film liberamente associati che potebbero piacervi (Clicate sui titoliper vedere una scena o il trailer):

La Figlia del Vento – USA 1938 Diretto da: William Wyler. Con: Bette Davis; Henry Fonda; George Brent; Margaret Lyndsay; Donald Crisp.

Intermezzo – USA 1939 Diretto da: Gregory Ratoff. Con: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best.

Rebecca, la prima moglie – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joan Fontaine; Laurence Olivier; George Sanders; Judith Anderson.

Lo specchio scuro – USA 1946 Diretto da: Robert Siodmak. Con: Olivia De Havilland; Olivia de Havilland; Lew Ayres; Thomas Mitchell.

Piano… Piano, dolce Carlotta – USA 1964 Diretto da: Robert Aldrich. Con: Bette Davis; Olivia De Havilland; Joseph Cotten; Agnes Moorehead; Mary Astor.

Tutti insieme appassionatamente – USA 1965 Diretto da: robert Wise. Con: Julie Andrews; Christopher Plummer; Eleonor Parker.

Django Unchained – USA 2012 Diretto da: Quentin Tarantino. Con: Jamie Foxx; Christoph Waltz; Leonardo Di Caprio; Kerry Washington; Samuel L. Jackson.

My weekend movie: Gone with the Wind -1939 (part I)


Gone with the Wind (Via col Vento) – USA 1939

Directed by: Victor Fleming.

Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia De Havilland; Hattie McDaniel; Thomas Mitchell.

Fiddle-dee-dee, what a movie!

Gone with the Wind film poster (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Scarlett, the most insufferable, spoilt, stubborn Southern Belle ever, is in love with Ashley, the wimpiest blondish Southern Gentleman ever. During the ball of the season, after the very little ladylike move to throw herself at him in the library, she discovers he’s going to marry his cousin Melanie, the dullest, plainest and most highly dignified Southern Lady ever. Rhett, the manliest, nicest, richest Southern scoundrel ever, involuntarily witnesses the scene and hopelessly falls in love with the Belle. Scarlett is still crying over her misfortunes when the American Civil War tactlessly breaks out. Then on the rebound she marries Charles, the dumb brother of Melanie, but she still loves Ashley. She’s almost immediately widowed and goes to Atlanta to live with Melly and her Aunt Pittypat, the easiest fainting southern aunt ever, but she still loves Ashley. Is stuck in the besieged Atlanta with the pregnant Melly, but she still loves Ashley. Helps Melly delivering her child, convinces Rhett to help them and goes back to her family’s plantation, but she still loves Ashley. The South loses the war, she becomes poor and, because she still loves Ashley, she maintains Melly and her child too. To make money and save the plantation she steals her sister’s sweetheart, but she still loves Ashley. She becomes a business woman and gives Ashley a job cause, of course, she still loves him. She’s widowed again and still loves Ashley. Accept to marry Rhett, but she still loves Ashley. Has a daughter, but she still loves Ashley. Her daughter dies and Rhett almost goes insane, but she still loves Ashley. Finally Melly dies… and, all of a sudden, she realizes that she doesn’t love Ashley anymore so she tells it to Rhett, but he leaves her because…. frankly, he doesn’t give a damn!

And this is, more or less, the story told in Gone with the Wind, the most colourful, spectacular, romantic and famous (and  hyped) movie of 1939, the most outstanding year in Hollywood history.

On 15 December 1939, while WWII was spreading like wildfire through Europe, in Atlanta, at the peak of a three-day celebration, the (almost) full cast and Margaret Mitchell, the author of the novel on which the film was based, attended to the spectacular official world première.

Three years earlier, in 1936, Gone with the Wind had been first published in the US.

David O. Selznick (Photo Credit: Wikipedia)

Attempts had been made to sell the film rights before the publication, but the mammoth Civil War era novel written by a then practically unknown author seemed to scare a bit Hollywood moguls. At first every studio rejected the idea itself of turning it into a movie. Then, following the advice of story editor Kay Brown and business partner Jock Whitney, David O. Selznick decided to take on the challenge. Before Gone with the Wind could prove itself a huge hit (the top American fiction best seller of 1936 and 1937 that granted Mitchell the Pulitzer Price for fiction in1937) the young producer (he was born in 1902) had already assured the film rights to Selznick International Picture, the studio he founded with Whitney in 1935. Later, to assure the picture one of its leading stars and to face the rising costs, Selznick will make a deal with MGM: his father in law’s Studio (he was married to Louis B. Mayer’s daughter Irene) will provide part of the budget and will earn half of the profits.

The burden to reduce the novel into a script was given to Sidney Howard, a well respected playwright and screenwriter, whose work will be revised and rewritten many times by himself, by other writers (among them Ben Hecht) but mostly by the always intruding David O. Selznick, till the final scene was shot.

The direction was assigned to a personal friend of Selznick: George Cukor. The director, who was partcularly able to put at ease his female stars, worked side by side with Selznick since the very beginning of the production, directed all the screen tests, began the shooting in January 1939… and was removed from the picture in February 1939 to be replaced by Victor Fleming (who had just left the set of the Wizard of Oz before its completion), who in turn, claiming a mental exhaustion, left the set and was replaced for a couple of weeks by Sam Wood before resuming his duties. Wok with the ubiquitous Selznick (who wanted to control every single aspect of the production) could be a difficult task.

Obviously much more could be said about the making of Gone with the Wind and here is an article you could read if you’re interesting in learning something more:

The film had caught the public attention since the very beginning of production.

Vivien Leigh (Photo credit: Wikipedia)

A nation wide search for a Scarlett among flocks of wannabe actresses was used as a perfect publicity stunt while some of the most famous Hollywood actresses were trying their luck at auditions held by George Cukor. At the end, just a few weeks before the beginning of shooting, the part went to the British beauty Vivien Leigh, who had travelled to Hollywood to follow her then lover Laurence Olivier who was playing Heathcliff in Wyler’s Wuthering Heights (but obviously her purpose was also try her luck with Gone with the Wind), and whose American agent was Myron Selznick, David’s older brother.

The casting for the other major roles was also quite complicated. Olivia De Havilland, had to make a plea to Jack Warner through his wife Ann to be given the permission to work at Selznick International. Clark Gable, who was practically the only actor seriously considered as Rhett Buttler, had no intention to star again in a costume drama after the failure of 1937 biopic Parnell (considered his worst movie ever), but he become the key figure to close the deal between Selznick and MGM and was finally convinced with a top billing, a good salary and an extra bonus he could switch to his second wife as part of their divorce settlement so that he could be finally free to marry Carole Lombard. Leslie Howard, the only one who seemed made to fill Ashley’s shoes despite being decidedly too old for the role, was also reluctant (even a bit more than reluctant, he hated that role, and never, ever read the book. He was also the only star missing at the première, having already left USA for good to go back to England and take part in the war effort producing, directing and starring in propaganda movies). He was convinced by Selznick when he allowed him to co-produce the black and white drama Intermezzo (HERE you can read my article about it).

Obviously the leading men0s reluctant attitude can be easily explained by the fact that Gone with the Wind was undoubtedly going to be a women’s movie.

But I can’t talk about this now, I will talk about it tomorrow (or maybe the day after tomorrow).

After all, tomorrow… is another day!

A few of my 1939 favourite movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Ninotchka – USA 1939 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

The Women – USA 1939 Directed by: George Cukor. Starring: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Wuthering Heights – USA 1939 Directed by: William Wyler. Starring: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith Goes to Washington – USA 1939 Directed by: Frank Capra. Starring: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Dark Victory – USA 1939 Directed by: Edmund Goulding. Starring: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

Fifth Ave Girl – USA 1939 Directed by: Gregory La Cava. Starring: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

Midnight – USA 1939 Directed by: Mitchell Leisen. Starring: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.


Perdindirindina, che film!

Gone with the Wind book cover (Photo Credit: Wikipedia)

Georgia (USA), 1861 – Rossella, la più insopportabile, viziata, cocciuta Bella del Sud di tutti i tempi, è innamorata di Ashley, il più rammollito e biondino Gentiluomo Sudista di tutti i tempi. Durante il ballo più importante della stagione, dopo essersi poco signorilmente gettata tra le sue braccia in biblioteca, la bella scopre che il gentiluomo sta per sposare sua cugina Melania, la più insulsa, scialba e dignitosa Gran Signora Sudista di tutti i tempi. Rhett, il più maschio, ricco e simpatico imbroglione Sudista di tutti i tempi, assiste involontariamente alla scena e si innamora perdutamente della bella. Rossella sta ancora piangendo sul suo sfortunato amore quando, senza nessun riguardo, scoppia la Guerra di Secessione… Poi Rossella per ripicca sposa Charles, il fratello scemo di Melania, ma ama ancora Ashley. Rimane vedova e si trasferisce a vivere ad Atlanta con Melania e zia Pittypat, la più svenevole zia sudista di tutti i tempi, ma ancora ama Ashley. Resta bloccata ad Atlanta con Melania incinta, ma ancora ama Ashley. Assiste Melania durante il parto, convince Rhett a salvarle entrambe e si rifugia nella piantagione di famiglia e ancora ama Ashley. Il Sud perde la guerra, diventa povera e siccome ancora ama Ashley le tocca mantenere pure Melania e il suo marmocchio. Per trovare i soldi per salvare la piantagione frega il moroso alla sorella, ma ancora ama Ashley. Diventa una donna d’affari e dà lavoro a Ashley, perché, ovviamete, ancora lo ama. Rimane di nuovo vedova e ancora ama Ashley. Accetta di sposare Rhett, ma ancora ama Ashley. Ha una bambina, ma ancora ama Ashley. Le muore la bambina, Rhett quasi impazzisce, e ancora ama Ashley. Finalmente muore Melania… e improvvisamente si accorge che Ashley non lo ama più, così lo dice a Rhett, ma lui la molla perché… francamente, se ne infischia!

E questa è, più o meno, la storia raccontata in Via col Vento il film più colorato, spettacolare romantico e famoso (e anche il più pubblicizzato) del 1939, l’anno più scintillante della storia di Hollywood.

Margaret Mitchell (Photo credit: Wikipedia)

Il 15 Dicembre 1939, mentre già la guerra divampava incontrollabile in tutta Europa, ad Atlanta, al culmine di tre giorni di festeggiamenti, il film veniva finalmente ufficialmente presentato al pubblico nel corso di una fantasmagorica prima alla quale partecipò insieme al cast (quasi) al completo Margaret Mitchell, l’autrice del libro dal quale il film era tratto.

Tre anni prima, nel 1936, Via col Vento era stato pubblicato negli Stati Uniti (in Italia l’anno seguente).

Vari tentativi di vederne i diritti cinematografici erano stati fatti già prima della pubblicazione ma il colossale romanzo ambientato durante la Guerra Civile Americana, e scritto da quella che allora era un’autrice sconosciuta, sembrò spaventare non poco i pezzi grossi di Hollywood. Da principio praticamente ogni Studio scartò a priori l’idea stessa che quel libro potesse mai diventare un film. Poi, seguendo il consiglio della story editor Kay Brown e del socio (e principale finanziatore) Jock Whitney, David O. Selznick decise di accettare la sfida. Prima ancora che Via col Vento si rivelasse un successo straordinario (campione di vendite negli Stati Uniti nel 1936 e 1937, Pulitzer per la narrativa per Margaret Mitchell nel 1937), il giovane produttore (era nato nel 1902) acquistò i diritti cinematografici per la Selnick International Picture, la casa di produzione che aveva fondato con Whitney nel 1935. In seguito per assicurare al film uno dei suoi protagonisti e per far fronte ai costi impazziti siglò un accordo con la MGM: lo Studio di suo suocero (era sposato con Irene, la figlia di Louis B. Mayer) avrebbe garantito un sostanzioso finanziamento in cambio della metà dei profitti.

Il gravoso compito di trasformare il romanzo in una sceneggiatura fu affidato a Sidney Howard, commediografo e sceneggiatore assai rispettato, il cui lavoro sarà rivisto e riscritto infinite volte da lui stesso, da altri scrittori (uno tra tutti Ben Hecht) ma soprattutto dall’onnipresente e invadente David O. Selznick, fino alla fine delle riprese.

La regia fu affidata a un amico personale di Selznick: George Cukor. Il regista che aveva un particolare feeling con le attrici, aveva lavorato fianco a fianco con Selznick fin dall’inizio della produzione, aveva diretto tutti i provini, iniziato le riprese nel gennaio 1939… ed era stato rimosso dall’incarico nel febbraio del 1939 per esser rimpiazzato da Victor Fleming (che aveva lasciato anzitempo il set del Mago di Oz) a sua volta auto-allontanatosi dal set dichiarandosi “esaurito” , e sostituito per un paio di settimane da Sam Wood , prima di riprendere il suo posto (anche nei titoli di testa). L’onnipresenza di Selznick (che voleva avere il controllo su ogni aspetto del film) poteva essere asfissiante.

Ovviamente molte più cose potrebbero essere raccontate a proposito della lavorazione di Via col Vento. Se siete interessati e capite l’inglese potete leggere un interessante articolo cliccando sul seguente link:

Il film aveva catturato l’attenzione generale fin dall’inizio della produzione.

Clark Gable and Carole Lombard (Photo credit: Wikipedia)

Una sorta di concorso nazionale per trovare Rossella tra frotte di aspiranti attrici era stato un perfetto veicolo pubblicitario mentre alcune delle più famose attrici di Hollywood tentavano la fortuna partecipando ai provini diretti da George Cukor. Alla fine, poche settimane prima dell’inizio delle riprese, la parte andò alla semisconosciuta (almeno a Hollywood) bellezza inglese Vivien Leigh, che era arrivata in America per seguire il suo allora amante Laurence Olivier che, diretto da William Wyler, stava interpretando il ruolo di Heathcliff in Cime Tempestose (ma ovviamente era anche interessata ai provini di Via col Vento) e che aveva come agente per gli Stati Uniti Myron Selznick, il fratello maggiore di David.

Trovare gli interpreti per le altre parti principali fu altrettanto complicato.

Olivia De Havilland fu costretta a ricorrere all’aiuto di Anne Warner, la moglie di Jack, per convincerlo a lasciarla lavorare per la Selznick International Picture. Clark Gable, praticamente l’unico attore seriamente preso in considerazione per il ruolo di Rhett Butler, non aveva nessuna intenzione di fare un nuovo film in costume dopo l’insuccesso del film biografico Parnell del 1937 (considerato il suo peggior film di sempre), ma diventò la pedina centrale dell’accordo tra Selznick e la MGM e fu infine convinto grazie al nome in cima al cartellone, a un lauto stipendio e ad un bonus da poter girare alla sua seconda moglie come parte dell’accordo per il loro divorzio che finalmente l’avrebbe lasciato libero di sposare Carole Lombard. Leslie Howard, il solo attore che sembrasse adatto ad interpretare Ashley (anche se decisamente troppo vecchio per la parte) era altrettanto riluttante (forse anche un po’ più che riluttante visto che detestava apertamente quel ruolo e non lesse mai il libro Fu anche il solo interprete a non presenziare alla prima avendo già lasciato l’America per far ritorno in Inghilterra e partecipare allo sforzo bellico dirigendo, interpretando e producendo film di propaganda antinazista). Alla fine per convincerlo Selznick gli offrì come contropartita la coproduzione del dramma in bianco e nero Intermezzo (di cui vi ho già parlato QUI).

Ovviamente tanta riluttanza da parte degli interpreti maschili può essere spiegata anche dal fatto che si rendevano perfettamente conto che Via col Vento sarebbe stato un film tutto al femminile.

Ma non posso parlarvi di questo ora, ve ne parlerò domani (o forse dopodomani).

Dopo tutto domani… è un altro giorno!

Alcuni dei film del 1939 preferisco e che potrebbero piacervi (cliccate sui titoli per vedere una scena o il trailer):

Ninotchka – USA 1939 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Greta Garbo; Melvin Douglas; Felix Bressart; Sig Ruman.

Donne – USA 1939 Diretto da: George Cukor. Con: Norma Shearer; Joan Crawford; Rosalind Rusell; Joan Fontaine; Paulette Goddard; Mary Boland; Lucille Watson; Phillis Povha.

Cime Tempestose (La voce nella tempesta) – USA 1939 Diretto da: William Wyler. Con: Laurence Olivier; Merle Oberon; David Niven; Geraldine Fitzgerald.

Mr Smith va a Washington – USA 1939 Diretto da: Frank Capra. Con: James Stewart; Jean Arthur; Claude Rains.

Tramonto – USA 1939 Diretto da: Edmund Goulding. Con: Bette Davis; george Brent; Geraldine Fitzgerald; Humprey Bogart; Ronald Reagan.

La Ragazza della Quinta Strada – USA 1939 Diretto da: Gregory La Cava. Con: Ginger Rogers; Walter Connolly; Verree Teasdale.

La Signora di Mezzanotte – USA 1939 Diretto da: Mitchell Leisen. Con: Claudette Colbert; Don Ameche; John Barrymore; Mary Astor.


The Government of the Thousand Days

“That makes me feel all warm inside!”

Dorothy Shaw

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Holidays are over (mine had been very virtual holidays), and with the heart still bleeding because of the dreadful news coming from the Middle East and from the Eastern Europe (always trying not to be discouraged by the darkest future they seems to suggest), I learn, overwhelmed with joy, that today, 1st September 2014, the Thousand Days that will change Italy finally start.

 These are  the Thousand Days Mr Renzi, the youngest Italian Prime Minister ever, is talking about since last June (and he talked about them so often that someone could think that in fact they were already started…).

Well, now it’s official, the press conference has been held, the tweets have been twittered: we got nothing left to do except wait till May 2017 and let the youngest Italian Prime Minister work in peace. In the meanwhile, trying not to disturb our gracious leader, we can easily consult the thousand days’ internet site to control how this extraordinary, peaceful revolution progresses. It’s called (it means step by step), it’s new, it’s beautiful, it’s simple and instills optimism into our poor discouraged souls (and heaven only knows how much we need it): there are (very concise) infographics telling how good and great and useful the Thousand Days’ reforms will be and (very, very concise) news telling how successfully they progress. Every day there will be something new to learn and of course on every page you will find the Thousand days’ countdown. What more could we expect? I already feel all warm inside.

“Ora guardo con più fiducia all’avvenire!”

Dorothy Shaw

Da: Gli Uomini Preferiscono le Bionde – 1953

Archiviate le vacanze (non so le vostre, ma le mie sono state molto, molto, molto virtuali) e con il cuore pesante per le angosciose notizie che arrivano dal Medio Oriente e dall’est Europa (e cercando di non farmi abbattere dai foschi presagi per il futuro che ne scaturiscono), apprendo con immenso gaudio che oggi, 1° Settembre 2014, partono i mille giorni che cambieranno l’Italia, quelli di cui Matteo Renzi, il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita, parla dalla fine di giugno (tanto che qualcuno forse aveva pensato che fossero già partiti…).

Ora è ufficiale, la conferenza stampa si è tenuta, i tweet son stati tweettati: non ci resta che attendere il maggio del 2017 e lasciare lavorare in pace il più giovane Presidente del Consiglio dall’Italia Unita. Nel frattempo, senza disturbare il manovratore, possiamo comodamente consultare il sito internet dei mille giorni per constatare i prodigiosi progressi di questa pacifica rivoluzione. Si chiama, è nuovo, è bello, è semplice e infonde ottimismo (che ce n’è tanto, tanto bisogno di questi tempi): ci sono le infografiche (sintetiche) che spiegano quanto saranno belle, buone e utili le riforme e le news (supersintetiche) che raccontano (e naturalmente soprattutto racconteranno) i progressi e i successi delle riforme. Ogni giorno verrà arricchito con qualcosa di nuovo e poi c’è pure una bella fascia con il conto alla rovescia.

Cosa si può volere di più dalla vita? Io già guardo con più fiducia all’avvenire.

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My weekend movie: Holiday (1938)

Holiday 1938

Holiday (Incantesimo) – USA 1938

Directed by: George Cukor.

Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn; Doris Nolan; Lew Ayres; Edward Everett Horton; Jean Dixon.

It’s time to take a holiday (while we’re still young…)

What’s better than leaving all your everyday tasks behind to enjoy life, real life, while you’re still young? And what’s better than do it with the one you love? The only trouble is that maybe at some point you can discover that your beloved one has a different idea on what real life is!

Holiday – 1938 (Photo Credit: Wikipedia)

Holiday, the 1938 movie directed by George Cukor and starring Katharine Hepburn and Cary Grant (here at their third film together, there will be also a fourth), is all about this. The always cool and elegant Cary, for once, is a very unconventional guy (and you’ll understand immediately: his dress is shabby and his hair… is a mess!!!!), a self-made man called Johnny Case, who has just met the girl of his dream, Julia Seton (Doris Nolan), during a winter holiday in Lake Placid. Back to New York, after informing his dear (and also unconventional) friends Nick and Susan Potter (Edward Everett Horton and Jean Dixon in her last film) that he will marry that beautiful, wonderful girl, Johnny discovers that Julia is one of “those” Seton, one of the wealthiest family in Park Avenue. The Seton’s Mansion is a mausoleum, Julia’s brother Ned (Lew Ayres) is a drunkard, Julia’s sister Linda (Katharine Hepburn) is a bit nut (but very amicable) and Julia’s father (Henry Kolker) is terribly attached to formalities and money. Johnny wins everybody’s heart and during the New Year’s Eve Party, after the engagement has been announced, he reveals his project to retire from work to fully enjoy life while he’s young. Julia and her father are shocked, they both think that to make money and then make more money it’s the most wonderful thing in this world. On the other hand Linda, who thought from the beginning that this handsome unusual guy could solve all Setons troubles, find herself in love with him. Johnny thinks he could change for the love of Julia, but in the end understands they are too different, while Linda…

English: Publicity photograph of Katharine Hep...

Katharine Hepburn. (Photo credit: Wikipedia)

When it was first released in June 1938, critics liked Holiday, the second movie adaptation of Philip Barry‘s play (the first one, dated 1930, starred Ann Harding as Linda), more than audiences did. The cast won critics praise for a “first-class screen acting”, but the bad results at the box office only seemed to confirm Katharine Hepburn fame as “box office poison”. Only a month before in fact, she had ended in a list published in the Independent Film Journal that exposed famous and over paid actors and actresses that seemed almost unable to attract audiences to theatres (she was in good company with Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). But the blame for the lack of appeal on audiences shouldn’t be put exclusively on “poisonous” Kathe or on Cary Grant for once cast against type (his messy hair…).

In 1938 people were still facing the Great Depression so probably, despite a (vague) screwball comedy tone and despite Cary Grant and Katharine Hepburn acrobatic numbers (the coolest man ever had been, as Archibald Leach, a Vaudeville acrobat), they couldn’t be sympathetic to a rich girl (and to her fathe)r who only loved money, to a drunkard who wasn’t even funny, to the lunatic (if not, alas, really hysteric) Linda who despised her family riches and above all to a guy like Johnny, who was planning to get rid of his (good) job while the most were struggling to find one. Something we can easily understand even today, thanks(!!!) to the never ending (at least here) economic crisis.

Anyway, Holiday is a good movie and you should watch it at least once, but above all it perfectly matches my current feelings.

As you surely noticed recently I’ve been a bit absent, partly because of my non virtual life (everybody got one!!), partly because the infernal machine I’m using to write and post this has collapsed and has been resuscitated more than once during the last weeks. (Its fate is written and the funeral planned). Now I’m going to take a little virtual vacation, therefore the blog too will be on holiday for a while.

 and now, before the holiday begins, a few totally unrelated movies you could watch … unless you got something better to do (click on the titles to watch a clip or the trailer):

A breathtaking romance

Notorious – USA 1946 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

a romantic challenge for ex-smokers

Now Voyager – USA 1942 Directed by: Irving Rapper. Starring: Bette Davies; Paul Henreid.

a special tour round the Eternal City

Roman Holiday – USA 1953 Directed by: William Wyler. Starring: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

a couple of brand new girls with a little bit of “sugar”

Some Like it Hot – USA 1959 Directed by: Billy Wilder. Starring: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

an hilarious ménage a trois

Design for living – USA 1933 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

a naughty lion tamer

I’m no Angel – USA 1933 Directed by: Wesley Ruggles. Starring: Mae West; Cary Grant.

a double faced gentleman

Dr Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins.

a very elegant fellow who never drinks…wine

Dracula – USA 1931 Directed by: Tod Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…and something that crawls, creeps and will eat you alive!

The Blob – USA 1958 Directed by: Irvin S. Yeaworth Jr. Starring: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Have a good digital detoxing holiday!

I’ll be back in September, hope to find you here.


È ora di prendersi una vacanza (finché siamo ancora giovani…)

Potete immaginare qualcosa che sia meglio del riuscire a lasciarvi alle spalle le tediose incombenze di tutti i giorni per godervi la vita, nel vero senso del termine, mentre siete ancora giovani? E non sarebbe fantastico farlo con la persona che amate? Potrebbe però esserci un piccolissimo problema: potreste scoprire che il/la vostro/a beneamato/a ha un’idea diversa dalla vostra riguardo al significato dell’espressione “godersi la vita”!

English: RKO publicity still from Suspicion (1941)

Cary Grant (Photo credit: Wikipedia)

Incantesimo (Holiday il titolo originale), il film del 1938 diretto da George Cukor ed interpretato da Katharine Hepburn e Cary Grant (al terzo dei quattro film girati insieme)  parla proprio di questo. Il sempre inappuntabilmente elegante Cary. una volta tanto, interpreta un tipo davvero poco convenzionale (e lo si capisce immediatamente: il suo vestito è un po’ malandato e il suo ciuffo… beh, quello è addirittura tutto spettinato!!!!!), tal Johnny Case, un uomo che si è fatto da solo e che ora, durante una vacanza invernale a Lake Placid (siamo nel periodo Natalizio anche se non sembra), ha finalmente incontrato la ragazza dei suoi sogni, Julia Seton (Doris Nolan). Tornato a New York, dopo aver informato i suoi cari (ed altrettanto poco convenzionali) amici Nick e Susan Potter (Edward Everett Horton e Jean Dixon al suo ultimo film) delle sue imminenti nozze, Johnny scopre che Julia è una di “quei” Seton, una delle famiglie più ricche ed influenti di Park Avenue. La casa dei Seton è un mausoleo, il fratello di Julia, Ned (Lew Ayres) è una spugna, la sorella di Julia, Linda (Katharine Hepburn) è un po’ picchiatella (ma davvero amichevole) e il padre di Julia (Henry Kolker) è terribilmente attaccato alle formalità e al denaro. Johnny riesce a conquistare tutti e nel corso del party di Capodanno durante il quale viene annunciato il fidanzamento, rivela il suo progetto di ritirarsi dagli affari per godersi la vita finché è giovane. Julia e il padre sono sconcertati, per entrambi far soldi e poi ancora più soldi è la cosa più bella del mondo. Linda invece, che fin dall’inizio ha visto in quel bel ragazzo anticonformista la soluzione ai problemi dell’intera famiglia, capisce di essersene innamorata. Johnny all’inizio pensa di poter cambiare per amore di Julia fino a quando capisce che loro sue sono troppo diversi, mentre Linda invece…

Edward Everett Horton  (Photo Credit: Wikipedia)

Nel giugno del 1938, all’uscita del film nelle sale, la critica amò Incantesimo, secondo adattamento cinematografico di una commedia di Philip Barry (il primo film era del 1930 e nel ruolo di Linda c’era Ann Harding), molto più di quanto non fece il pubblico. Nonostante le lodi tributate al cast per la “recitazione di prima classe”, lo scarso risultato al botteghino sembrò confermare la fama di “box office poison” di Katharine Hepburn che appena un mese prima era finita in una lista di attori famosissimi e strapagati ma poco capaci di attirare spettatori nelle sale pubblicata sull’ Independent Film Journal (era in buona compagnia, c’erano anche la Garbo, Joan Crawford, Mae West, Fred Astaire, Marlene Dietrich….). Ma lo scarso appeal del film sul pubblico probabilmente non dipese unicamente dalla “velenosa” Kathe o da un Cary Grant lontano dal suo solito cliché (quel ciuffo spettinato….).

Lew Ayres (Photo Credit: Wikipedia)

Probabilmente, nonostante un vago tono da commedia sofisticata e le acrobazie di Cary Grant e Katharine Hepburn (l’uomo più cool di tutti i tempi, quando ancora si chiamava Archibald Leach, aveva iniziato la carriera come acrobata del vaudeville), il pubblico che da quasi un decennio era alle prese con i nefasti effetti della Grande Depressione non riuscì a provare simpatia per una bella ragazza e per il suo vecchio padre che pensavano solo al denaro e a come accumularne sempre di più, per un ubriacone che non era nemmeno divertente, per la lunatica (se non ahilei proprio isterica) Linda che tanto disprezzava le ricchezze di famiglia e soprattutto per un tipo come Johnny, che in un momento in cui un lavoro per molti era ancora un miraggio pensava di buttare il suo alle ortiche. Considerazioni che tra l’altro si potrebbero tranquillamente fare anche ora vista la situazione economica che stiamo vivendo.

In ogni caso Incantesimo, che è decisamente un bel film che dovreste vedere, mi è tornato alla mente perché è perfettamente in tono con la mia voglia di staccare un po’.

Come avrete sicuramente notato sono stata un po’ assente di recente, in parte per via della mia vita non virtuale (ne abbiamo tutti una!!), in parte per via della macchina infernale che sto usando per scrivere e postare quello che state leggendo che è collassata ed è stata pietosamente resuscitata più di una volta nelle ultime settimane (il suo destino è scritto e il funerale è già programmato). Ora mi prendo una vacanza virtuale quindi anche il blog sarà chiuso per ferie per qualche settimana.

ma prima, alcuni film che non c’entrano assolutamente niente ma che potreste guardarvi durante le vacanze… sempre che non abbiate niente di meglio da fare (se cliccate i titoli potete vedere una scena o il trailer):

Una storia d’amore da togliere il fiato:

Notorious, l’amante perduta – USA 1946 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Cary Grant; Claude Rains.

Una romantica sfida per fumatori pentiti

Perdutamente tua – USA 1942 Diretto da: Irving Rapper. Con: Bette Davies; Paul Henreid.

Un tour molto speciale nella Città Eterna

Vacanze Romane – USA 1953 Diretto da: William Wyler. Con: Audrey Hepburn; Gregory Peck.

Una coppia di ragazze nuove di pacca e un po’ di “zucchero”

A qualcuno piace caldo – USA 1959 Diretto da: Billy Wilder. Con: Jack Lemmon; Tony Curtis; Marilyn Monroe.

Un irresistibile ménage a trois

Partita a Quattro – USA 1933 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Miriam Hopkins; Gary Cooper; Fredric March; Edward Everet Horton.

Una maliziosa domatrice di leoni

Non sono un Angelo – USA 1933 Diretto da: Wesley Ruggles. Con: Mae West; Cary Grant.

Un gentiluomo del doppio volto

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins.

Un elegnatone che non beve mai… vino

Dracula – USA 1931 Diretto da: Tod Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frye; Helen Chandler.

…e qualcosa che striscia, si insinua e vi mangerà vivi!

Blob-Fluido Mortale – USA 1958 Diretto da: Irvin S. Yeaworth Jr. Con: Steve McQueen; Aneta Corsaut.

Buone vacanze digital-disintossicanti!

Io torno a Settembre, spero di ritrovarvi qui.

My weekend movie: Intermezzo (1939)

Intermezzo 1939

Intermezzo: A Love Story (Intermezzo) – USA 1939

Directed by: Gregory Ratoff.

Starring: Leslie Howard; Ingrid Bergman; Edna Best; John Halliday; Cecil Kellaway.

Is it possible to built happiness on the unhappiness of others?

Well obviously no, but also… yes! It’s a complicated issue, a question of points of view.

Take for instance Intermezzo: A Love Story, the 1939 melodrama starring Leslie Howard and Ingrid Bergman, a relatively minor film in the golden year of Hollywood golden age.

Intermezzo (1939 film)

Intermezzo (1939 film) (Photo credit: Wikipedia)

It tells the story of a famous (and fictitious) Swedish violinist, Holger Brandt (Leslie Howard), who meets his little daughter’s piano teacher, the young (and beautiful) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressed by her talent makes her his concert partner, falls in love with her, leaves his family (a dull wife, the mentioned daughter and an older son) to live with her… till, victim of remorse and nostalgia (but only for his young daughter…), Anita mercifully set him free, so he can go back home, tail between his legs, and after almost causing his beloved daughter’s death, is forgiven by his wife and welcomed back into the family.

If you consider the story, you’ll quite obviously think that it’s impossible to built happiness on the unhappiness of others, because, and that’s the film’s main thesis, even if you try to ignore it that unhappiness will cast a shadow over your life.

But if you consider the movie as a movie, a product of the motion pictures industry, well then you will discover that happiness (at least some sort of professional happiness) can be built on the unhappiness of others (the film characters’).

Producer David O. Selznick in fact clearly made an “happy” move buying the rights and producing a new film based on the 1936 Swedish movie Intermezzo (to the title he added A Love Story thinking that the original could be a little too obscure for the American audience). Thanks to Intermezzo Selznick ensured to his most famous creature, the silver screen version of Margaret Mitchell‘s Gone with the Wind, one of its protagonist: Leslie Howard. The British actor in fact took part in the epic romance playing the wimpish Ashley Wilkes (a role he detested) only after Selznick allowed him to co-produce Intermezzo, that will be his final Hollywood movie. Leslie Howard in fact will go back to England at the outbreak of WWII to help with the war effort producing, directing and starring in a series of propaganda films. He will die on a mysterious plane crash over the Bay of Biscane on June,1 1943 (if you want to know more, you can read the article about the 1941 movie Pimpernel Smith HERE).

English: Portrait

Ingrid Bergman (Photo credit: Wikipedia)

Another “happy” move made by Selznick was to cast as Anita the actress who had played the same role in the original Swedish movie: Ingrid Bergman. The actress, to whom Selznick, understanding her fear of excessive makeovers, cleverly spared the “Hollywood treatment” building instead a promotional campaign around her “naturalness”, made with Intermezzo her Hollywood debut. Selznick’s happy move turned the Swedish actress, who could then barely speak English, into one of the greatest Hollywood stars.

In the end, maybe Intermezzo is just a minor melodrama released in the most outstanding year in motion pictures (just think about Gone with the Wind, The Wizard of Oz, Mr Smith Goes to Washington, Ninotchka, Stage Coach, Wuthering Heights, The Women and many, many other memorable movies released in 1939, the year marked by the outbreak of WWII), but in its own way, between assorted dramas an unhappiness, it is, if not a memorable movie, a “happy” one… and if you like, once in a while, having a good cry, well, it could be your kind of movie.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Gone with the Wind – USA 1939 Directed by: Victor Fleming. Starring: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Love Affair – USA 1939 Directed by: Leo McCarey. Starring: Irene Dunne; Charles Boyer.

A Woman’s Face – USA 1941 Directed by: George Cukor. Starring: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Gaslight – USA 1944 Directed by: George Cukor. Starring: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Unfaithfully yours – USA 1948 Directed by: Preston Sturges. Starring: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Letter from an Unknown Woman – USA 1948 Directed by: Max Ophuls. Starring: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

È possibile costruire la propria felicità sull’infelicità degli altri?

Beh, ovviamente no, ma anche…si! È una faccenda complicata, una questione di punti di vista. Prendete ad esempio Intermezzo, il melò del 1939 con Leslie Howard e Ingrid Bergman, un film relativamente minore uscito in quello che è considerato l’anno d’oro dell’età dell’oro di Hollywood.

Ingrid Bergman e Leslie Howard in Intermezzo (Photo Credit: Wikipedia)

Racconta la storia di un famoso (e fittizio) violinista Svedese, Holger Brandt (Leslie Howard), che conosce la maestra di piano di sua figlia, la giovane (e bella) Anita Hoffman (Ingrid Bergman), impressionato dal suo talento la invita ad accompagnarlo al piano durante i suoi concerti, si innamora di lei, molla la famiglia (una moglie insulsa, la già menzionata figlia e un figlio più grande) per vivere con lei…fino a quando, in preda ai rimorsi e alla nostalgia (ma solo per la figlia…), viene finalmente mollato a sua volta dalla misericordiosa Anita, torna a casa con la coda tra le gambe e, dopo aver quasi provocato la morte dell’amata figlia, viene perdonato dalla moglie e riaccolto in famiglia.

Se prendete in considerazione questa storia, alla fine vi sembrerà ovvio che no, non si può costruire la propria felicità sull’infelicità altrui, perché, questa almeno è la tesi del film, anche se cercate di non pensarci, il sapere di aver causato quell’infelicità inizierà a tormentarvi.

Se invece prendete in considerazione il film in quanto a film, cioè prodotto dell’industria cinematografica, beh allora si che si può dire che la propria felicità (almeno dal punto di vista professionale) la si può costruire sull’infelicità altrui (quella dei personaggi del film).

David O. Selznick

David O. Selznick (Photo credit: Wikipedia)

Il produttore David O. Selznick fece infatti una mossa decisamente “felice” acquisendo i diritti per produrre un nuovo film basato sul film Svedese del 1936 intitolato appunto Intermezzo (a quel titolo aggiunse A Love Story perchè preoccupato del fatto che potesse risultare troppo oscuro per il pubblico americano). Grazie ad Intermezzo Selznick assicurò alla sua più famosa creatura, la versione cinematografica del best-seller di Margaret Mitchell Via col Vento, uno dei protagonisti: Leslie Howard. L’attore Britannico accettò infatti di interpretare il rammolito Ashley Wilkes (un ruolo che detestava apertamente) solo dopo che Selznick gli permise di co-produrre Intermezzo, che sarà il suo ultimo film Hollywoodiano. Leslie Howard infatti allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale tornerà in Inghilterra per partecipare allo sforzo bellico producendo, dirigendo e recitando in film di propaganda. Morirà il 1° giugno 1943 insieme ad altre 17 persone in un misterioso incidente aereo sul Golfo di Biscaglia (se volete saperne di più potete leggere l’articolo sul film del 1941 La Primula Smith QUI).

Un’altra mossa felice di Selznick fu ingaggiare per il ruolo di Anita la stessa attrice che aveva interpretato quella parte nel film originale: la Svedese Ingrid Bergman. L’attrice, a cui Selznick, comprendendo il suo timore per i cambiamenti estetici eccessivi, risparmiò il classico “trattamento Hollywoodiano” costruendo invece una campagna promozionale intorno alla sua “naturalezza”, fece con Intermezzo il suo debutto ad Hollywood. La mossa felice di Selznick trasformò l’attrice svedese, che al suo arrivo in America quasi non sapeva parlare in inglese, in una delle più grandi stelle di Hollywood.

Ecco, forse Intermezzo sarà solo un melodrammone minore uscito in uno degli anni più memorabili della storia di Hollywood (basti pensare ai vari Via col Vento, Il Mago di Oz, Mr Smith va a Washington, Ninotchka, Ombre Rosse, Cime Tempestose, Donne e tanti altri film memorabili usciti in quel 1939 segnato dallo scoppio della Seconda guerra Mondiale), ma a suo modo, tra drammi assortiti e tanta infelicità, fu anche un film, se non memorabile, sicuramente “felice”… e se non vi dispiace ogni tanto farvi un bel pianto, beh potrebbe essere anche il film che fa per voi.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Via col Vento – USA 1939 Diretto da: Victor Fleming. Con: Vivien Leigh; Clark Gable; Leslie Howard; Olivia de Havilland.

Un Grande Amore – USA 1939 Diretto da: Leo McCarey. Con: Irene Dunne; Charles Boyer.

Volto di Donna – USA 1941 Diretto da: George Cukor. Con: Joan Crawford; Melvin Douglas; Conrad Veidt.

Angoscia – USA 1944 Diretto da: George Cukor. Con: Ingrid Bergman; Charles Boyer; Joseph Cotten; Angela Lansbury; Dame May Whitty.

Infedelmente Tua – USA 1948 Diretto da: Preston Sturges. Con: Rex Harrison; Linda Darnell; Rudy Vallee.

Lettera da una sconosciuta – USA 1948 Diretto da: Max Ophuls. Con: Joan Fontaine; Louis Jourdan.

Equality postponed

“… I think you’re a sexist, misogynist dinosaur…”


From: GoldenEye – 1995

“At last!” I though when last week I read that finally the Italian Parliament was almost ready to change the law saying that children inherit exclusively their father’s surname. A parliamentary commission was discussing a bill to make possible to give children the father’s or the mother’s surname or both (with no agreement both names will be given automatically).

In January, a sentence pronounced by the European Court of Human Rights based in Strasbourg said that Italy is violating the equality principle. Because to give your name to your children is your right. Even if you’re a woman.

Now, it was almost done… almost. Because, you know, when the children will grow up and have children of their own they will have to chose which name (father’s or mother’s) give them (Stefania Prestigiacomo, Forza Italia’s MP and former minister in MrB’s cabinets, found this passage quite perplexing), because this will change a tradition that lasted for centuries, and above all because when someone proposed that the bill would be approved or rejected with a secret vote the Democratic Party (the Italian Prime Minister’s Party) decided to wash its hands of it, to great disappointment of Michela Marzano, philosopher and Democratic Party’s MP introducing the bill. Clearly, someone who knew for certain that all the male MPs (but also some female MP) are afraid that giving to children also their mother’s name the Italian male’s virility could be irreparably damaged or worse, thought that a secret vote could cause the bill’s rejection  and therefore great embarrassment to the parliamentary majority (especially to the Democratic Party).

After all chit-chats about civil rights work well in an election campaign, but not so well in the Parliamentary debate. Much better to postpone this question at a later date…

“…penso che tu sia un dinosauro sessista e misogino…”


Da: GoldenEye – 1995

“Era ora!” Mi sono detta appena una settimana fa leggendo che finalmente la commissione giustizia della camera aveva approvato (all’unanimità) il testo della legge che dovrebbe abolire l’obbligo di trasmettere il solo cognome paterno lasciando libertà di scelta tra quello del padre o della madre o di entrambi (in caso di disaccordo dovrebbero essere assegnati tutti e due).

A gennaio la Corte Europea dei Diritti dell’uomo (sic!) di Strasburgo aveva condannato l’Italia per violazione del principio d’uguaglianza. Perché dare il proprio cognome ai figli è un diritto. Anche delle donne.

Ora finalmente sembrava quasi fatta… e invece no. Perché un domani dei due cognomi se ne potrà trasmettere solo uno, a discrezione dei neo-genitori che potrebbero non scegliere quello paterno (ipotesi che a quanto pare ha suscitato perplessità nella deputata Stefania Prestigiacomo), perché si va a toccare tradizioni millenarie, ma soprattutto perché di fronte alla richiesta di voto segreto il PD ha deciso di alzare le mani, con grande scorno e sconcerto della relatrice Michela Marzano, filosofa e deputata PD. Il ragionamento, fatto evidentemente da chi sa per certo che i signori deputati maschi (ma a quanto pare anche qualche signora deputata femmina) temono che la perdita del diritto esclusivo di trasmettere il cognome ai figli possa ledere irreparabilmente la virilità del maschio italico o peggio, sarebbe: se il voto è segreto la legge sarà sicuramente bocciata dall’aula causando imbarazzi alla maggioranza.

In fondo i diritti civili funzionano alla grande in campagna elettorale, ma in Parlamento è tutta un’altra storia. Meglio rimandare la questione a data da destinarsi…

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My weekend movie: The Most Dangerous Game (1932)

The Most Dangerous Game 1932

The Most Dangerous Game (Caccia Fatale) – USA 1932

Directed by: Ernest B. Schoedsack; Irving Pichel.

Starring: Joel McCrea; Leslie Banks; Fay Wray.

There are two kinds of people: the hunter and the hunted…

Summer, especially when quite cold and rainy, is the right season to rediscover old adventure-thrillers packed with Gothic mansions, scary servants, mad villains, screaming heroines and handsome adventurers. And what’s better than a film you can easily find online for free cause it’s now in the public domain?

English: Low-resolution image of poster for th...

English: Low-resolution image of poster for the American motion picture The Most Dangerous Game (1932) (Photo credit: Wikipedia)

The adventure movie I suggest you to watch has been released in 1932. It’s The Most Dangerous Game, the first film adaptation of the 1924 short story of the same name by Richard Connell (inspiring through decades many, many films, especially B-movies) and above all the (different)twin of King Kong made by the same team (Schoedsack -here with Irving Pichel- director and producer, Merian C. Cooper – in Kong also director, here only producer), using the same set (the jungle) and part of the same cast (in particular the scream-queen Fay Wray) with the addiction of Leslie Banks as the villain and the amiable hunk Joel McCrea as the hero. It seems that this movie was shot during the day while King Kong at night (surely the best way to optimize the resources).

The premises are quite alarming: in an unknown shark infested channel, a yacht sinks. The only survivor is Bob Rainsford (Joel McCrea) a famous game hunter and writer who, miraculously spared by sharks, is able to swim to the shore of a tiny island not on the maps. And, what a coincidence, in the island there’s a Gothic fortress…

SPOILER ALLERT: if you’ve never seen this movie, this is the right time to click on the following link and watch it:

otherwise you read the rest of this article at your own risk…

English: Leslie Banks in The Most Dangerous Ga...

Leslie Banks as Count Zaroff (Photo credit: Wikipedia)

Now, as you surely know, a Gothic something (mansion, fortress, cathedral or whatever… ) in a Classic Hollywood movie heralds alarming developments as much as a bearded mute servant who looks a bit insane or an exceedingly jovial landlord, especially if he’s a Count and especially if now and then he caresses a strange scar on his forehead. Anyway, none of these signals seems to alarm our good ol’ Rainsford who, after surviving a shipwreck and a bunch of starving sharks, is now cheerfully smiling to the hospitable Russian Count Zaroff (Leslie Banks) and above all is not at all surprised to find in such a secluded place dry clothes that perfectly fit him! Anyway, shipwrecks are a local speciality. Under Count Zaroff’s roof are living in fact a couple of other survivors: Martin Trowbridge and his sister Eve, a drunkard and a really elegant and pretty girl. During a pleasant evening entertainment made of music (obviously Zaroff plays the piano as passionately as only a Russian Count could play it) and a little chit-chat, the Count tells to Rainsford that he’s one of his fans and reveals him his insane passion for hunting (his reason to live) also hinting that he finally found a new kind of prey: the most dangerous game! But none of that is enough to alarm Rainsford who seems unable to smell danger even when Eve tries to catch his attention telling him that in fact there were other survivors now mysteriously disappeared after the Count showed them into a certain mysterious room. But when at night the girl asks for Rainsford help because her brother mysteriously disappeared too, the two survived survivors enter the forbidden room finding in it a very peculiar kind of hunting trophies: human heads! So humans, the shipwrecks survivors, are the most dangerous game, the new exciting prey. That very same night Rainford will finally discover how does it feels to be hunted like an animal, while Eve will have to try and escape not to become Count Zaroff final prize…

The Jungle waiting for Kong (Photo credit: Wikipedia)

I won’t tell you anything more, but I guess that using your imagination you could easily guess what happens next though I have to cause the disappointment of all the fans (men and women) of old time hunky lead men (those guys with an over shaved chest who, before taking off their shirt, would be forced today into a six month intensive preparation with a sadistic personal trainer…): McCrea doesn’t lose most of his clothes during the hunting (if you are eager to see him almost naked watch Bird of Paradise the exotic 1932 movie with Dolores del Rio). Sometimes synopsis and reviews are written by people who never watched the movie they’re talking about.

The Most Dangerous Game‘s main theme, the hunter becoming prey and victim of another man and the relation between lust for blood and lust for sex (something added in the movie), is surely more interesting than the film itself. There’s a lack of suspense, McCrea surely made better films later (for instance Howard Hawks’ Come and Get It, Hitchcock’s Foreign Correspondent, Sturges’ Sullivan’s Travels…) and Fay Wray does little more than screaming (but, as Brian De Palma convincingly proves in Blow Out, screaming ain’t such an easy task…). Anyway, the atmospheres are decidedly intriguing and, above all, Count Zaroff, the serial killer so shamelessly convinced that Rainsford should be glad to join him in his manhunt and so openly ready to declare that Eve will be his final after-hunting prize, is a noteworthy villain also because Leslie Banks is able to use the injuries that left his face partially scarred and paralysed (he was a WWI veteran) to make the character even more frightening.

I must be clear, there’s very little in The Most Dangeroud Game that could be unexpected, but you should watch it at least once anyway.

 A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dracula – USA 1931 Directed by: Todd Browning. Starring: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Directed by: James Whale. Starring: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

White Zombie – USA 1932 Directed by: Victor Halperin. Starring: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

The Old Dark House – USA 1932 Directed by: James Whale. Starring: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Directed by:Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Starring: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

Mystery of the Wax Museum – USA 1933 Directed by: Michael Curtiz. Starring: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Young Frankenstein – USA 1974 Directed by: Mel Brooks. Starring: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Directed by: Jim Sharman. Starring: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.


Ci sono due tipi di persone: i cacciatori e le prede…

L’estate, specialmente se tiepidina e piovosa, è la giusta stagione per rivedere i vecchi film d’avventura zeppi di dimore gotiche, servi inquietanti, cattivi psicopatici, eroine urlanti e prestanti avventurieri. E cosa c’è di meglio di un film che si può tranquillamente trovare e guardare gratis online perché ormai (negli Stati Uniti) di pubblico dominio?

English: Joel McCrea & Leslie Banks in The Mos...

Rainsford sta per diventare una preda  (Photo credit: Wikipedia)

Il film d’avventura che vi consiglio è Caccia Mortale (The Most Dangerous Game) del 1932, primo adattamento cinematografico del racconto La preda più pericolosa (The most dangerous game) scritto da Richard Cornell nel 1924 (che da allora ha ispirato un sacco di film, in particolare B-movies), ma soprattutto gemello diverso di King Kong realizzato dallo stesso team (Schoedsack -qui con Irving Pichel- come regista e produttore, Merian C. Cooper nell’altro anche regista, qui solo produttore), usando le stesse scenografie (la giungla) e parte dello stesso cast (in particolare la regina delle urlatrici Fay Wray) con l’aggiunta di Leslie Banks nel ruolo del cattivo e del simpatico bietolone Joel McCrea nei panni dell’eroe. Pare che si girasse questo film di giorno e King Kong di notte (quando si dice ottimizzare le risorse!).

Le premesse del film sono piuttosto inquietanti: in un non meglio identificato tratto di mare infestato dagli squali una nave affonda. L’unico sopravvissuto è Bob Rainsford (Joel McCrea), noto cacciatore e scrittore che, miracolosamente risparmiato dai pescecani, riesce a nuotare fino alla spiaggia di un’isoletta sconosciuta alle mappe. Manco a farlo apposta sull’isola si trova una fortezza di vago sapore gotico…

ATTENZIONE SPOILER: se il film non l’avete mai visto (e capite bene l’inglese) vi consiglio di cliccare sul link che segue per vederlo ora:

altrimenti proseguite la lettura a vostro rischio e pericolo…

Leslie Banks as "Count Zaroff" in Th...

Il Conte ama la caccia (Photo credit: Wikipedia)

Come ben sapete, una dimora in stile gotico in un film della Hollywood classica è presagio di sviluppi quantomeno inquietanti, così come la presenza nella dimora di un servo barbuto con occhi da pazzo e privo dell’uso della parola e l’eccessiva giovialità del padrone di casa, specialmente se è un Conte e specialmente se ogni tanto si accarezza una sinistra cicatrice su una tempia. Nulla di tutto ciò però sembra turbare il buon Rainsford che del resto, dopo un naufragio e un attacco di un branco di squali, sorride affabile e per niente scosso all’ospitale Conte russo Zaroff (Leslie Banks) e soprattutto non è affatto sorpreso di trovare in un posto simile un cambio d’abiti della sua taglia. I naufragi comunque sono una specialità del luogo. Il conte Zaroff ospita infatti i superstiti di un altro naufragio, i fratelli Martin ed Eve Trowbridge: il primo un’autentica spugna, l’altra una bella ragazza elegantissima (su un’isola dove è arrivata solo con i vestitit che aveva addosso…).

English: Screenshot from The Most Dangerous Ga...

Rainsford e Eve nella giungla (Photo credit: Wikipedia)

Nel corso di un simpatico intrattenimento serale a base musica (ovviamente Zaroff suona il piano con la passionalità che si addice ad un conte Russo) e chiacchiere, il Conte confida a Rainsford di essere un suo ammiratore e rivela un’inquietante passione per la caccia (la sua unica ragione di vita) accennando al fatto di aver finalmente trovato un nuovo tipo di preda: la più pericolosa! Anche questo però non allarma Rainsford che pare non fiutare il pericolo imminente nemmeno quando la bella Eve gli fa notare che altri naufraghi sono misteriosamente scomparsi dopo aver visitato una certa stanza della fortezza. Quando però durante la notte la ragazza chiede l’aiuto di Rainsford perché il fratello è scomparso i due entrano nella stanza proibita scoprendo dei singolari trofei di caccia: teste umane! Sono quindi gli esseri umani, i naufraghi, la nuova preda del Conte! Quella stessa notte Rainsford scoprirà finalmente cosa si prova ad essere braccati come animali, mentre Eve dovrà cercare di sfuggire agli appetiti post-caccia del Conte…

Eve è perduta? (Photo credit: Wikipedia)

Il resto non ve lo dico, ma scommetto che se vi sforzate un pochino riuscirete a capire da soli come va a finire la storia anche se mi tocca deludere gli appassionati e le appassionate di fusti d’antan (tanto per intenderci quei ragazzoni che avevano il petto liscio come quello di un bebè e che se dovessero fare un film oggi ,prima di togliersi la maglietta, gli toccherebbe fare almeno 6 mesi di duro allenamento con un personal trainer sadico…): McCrea non perde progressivamente gli abiti nel corso della caccia (se proprio volete vederlo quasi come mamma l’aveva fatto guardatevi pure Bird of Paradise, film di ambientazione esotica del 1932 con Dolores del Rio). A volte chi scrive recensioni e riassunti non ha visto il film di cui parla.

Il tema di Caccia Mortale, l’uomo che da cacciatore si trasforma in preda vittima di un suo simile assetato di sangue e sesso, è sicuramente migliore dello svolgimento. La suspense infatti latita un po’, McCrea sicuramente in seguito ha fatto di meglio (basti pensare ad Ambizione di Hawks, Il Prigioniero di Amsterdam di Hitchcock, I dimenticati di Sturges…), e Fay Wray fa poco più del suo dovere di urlatrice (ma del resto come ci ha dimostrato in maniera convincente Brian DePalma in Blow Out anche urlare non è mica una cosa così facile). Le atmosfere però sono suggestive e soprattutto il Conte Zaroff, serial killer sfacciato sia nel pretendere che Rainsford in quanto cacciatore possa condividere il suo entusiasmo per la caccia all’uomo che nel dichiarare alla bella Eve che lei sarà la sua ricompensa dopo tanto cacciare (e questo non c’era nel racconto originale), è un cattivo degno di nota anche grazie a Leslie Banks capace di sfruttare una sua piccola disabilità (l’emiparesi del volto dovuta ad una ferita di guerra, era reduce della Prima Guerra Mondiale) per risultare più inquietante.

Caccia Mortale è, va detto, un film un po’ scontato, ma vale decisamente la pena di vederlo almeno una volta.

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedrere una scena o il trailer):

Dracula – USA 1931 Diretto da: Todd Browning. Con: Bela Lugosi; Dwight Frie; Helen Chandler; David Manners; Edward van Sloan.

Frankenstein – USA 1931 Diretto da: James Whale. Con: Colin Clive; Boris Karloff; Mae Clarke.

L’isola degli Zombies – USA 1932 Diretto da: Victor Halperin. Con: Bela Lugosi; Madge Bellamy; Joseph Cawthorn.

Il castello maledetto – USA 1932Diretto da: James Whale.Con: Boris Karloff; Melvin Douglas; Charles Laughton; Gloria Stuart.

King Kong – USA 1933 Diretto da: Merian C. Cooper; Ernest B. Schoedsack. Con: Fay Wray; Robert Armstrong; John Cabot.

La maschera di cera – USA 1933 Diretto da: Michael Curtiz. Con: Lionell Atwill; Fay Wray; Glenda Farrell.

Frankenstein Junior – USA 1974 Diretto da: Mel Brooks. Con: Gene Wilder; Marty Feldman; Teri Garr; Madeline Kann; Peter Boyle.

The Rocky Horror Picture Show – USA/UK 1975 Diretto da: Jim Sharman. Con: tim Curry; Susan Sarandon; Barry Bostwick; Richard O’Brien; Patricia Quinn.

Thank you ever so!

 “Thank you ever so!”

Lorelei Lee

From: Gentlemen Prefer Blondes – 1953

Thanks to The Youngest Italian Prime Minister in the last 150something years, to the parties supporting his government, to Forza Italia (mrB’s party) and to Lega Nord (the racist Northern League) too.

Thanks to all of you cause you finally reached an agreement to reform the Italian Senate. Thanks for not wasting a single minute to do something so pointless like try and explain us how it will work  (after all, this ain’t our business). Thanks because certainly, once approved (and we know nothing will stop you) this reform that every single citizen wanted so desperately will assure us a bright future: the elders will be junked, the young will prosper, the poor will have more than they need, those depressed will smile again and our good old Italy will be turned into an Intergalactic Power.

But above all, thanks for lifting from our poor common citizen’s shoulders the burden of choosing senators . Between you and me… frankly, to waste time standing in a line on a (maybe sunny or even rainy) Sunday every 5 years just to vote and elect a bunch of Senators was such a terrible, intolerable nuisance.

“Grazie e stragrazie!”

Lorelei Lee

Da: Gli uomini preferiscono le bionde – 1953


Grazie e stragrazie al Presidente del Consiglio più giovane degli ultimi 150 e qualcosa, alla maggioranza che lo sostiene, a Forza Italia e pure alla Lega Nord.

Grazie a tutti voi che finalmente avete trovato l’accordo per riformare il Senato. Grazie per non aver perso neanche un minuto per cercare di farci capire come diavolo funzionerà e di cosa si occuperà (che in fondo non sono nemmeno affari nostri). Grazie perché una volta approvata (e lo sappiamo bene che nulla vi fermerà) di sicuro con questa riforma che tutti i cittadini chiedevano a gran voce finalmente i vecchi saranno rottamati, i giovani prospereranno, i poveri avranno anche il superfluo, i depressi torneranno a sorridere e la nostra povera Italia si trasformerà in una SuperPotenza Intergalattica.

Ma soprattutto grazie per averci sollevato, noi poveri comuni cittadini ignoranti, dal peso di dover eleggere i Senatori riformati. Detto tra noi… perdere tempo una domenica ogni 5 anni (quando andava bene) solo per andare a votare per il rinnovo del Senato della Repubblica era una solenne scocciatura.

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My weekend movie: Plein Soleil (1960)


Plein Soleil 1960

Plein Soleil (Purple Noon – Delitto in pieno sole) – FRA/ITA 1960

Directed by: René Clément.

Starring: Alain Delon; Maurice Ronet; Marie Laforêt.

The Class Struggle according to Mr Ripley

Take an idle rich, study his behaviour, habits and manners, get rid of him (no pity allowed) and finally take his place. A very peculiar kind of Class Struggle, isn’t it?

Plein Soleil – official US poster (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, that’s more or less Tom Ripley’s way to cope with disparity between rich and poor as you will discover watching Plein Soleil (Purple Noon is the English title), the 1960 French thriller directed by René Clément and starring Alain Delon, who became thanks to this movie (and thanks to Luchino Visconti‘s Rocco and his borthers, also released in 1960) an international movie star.

As you can guess the French actor is Tom Ripley a penniless American guy send to Italy to persuade an old friend, the idle rich Philip Greenleaf (Maurice Ronet), to return to United States. Philip’s father promised him 5000 $, but the mission soon proved to be impossible. Tom remains anyway with the friend, interfering between him and his girlfriend Marge (Marie Laforêt), becoming a sort of personal assistant (often humiliated) and most of all desiring to fill his friend’s shoes…

SPOILER ALERT: I warn you, if you’ve never watched this film before, this is the right moment to go and fetch a copy, otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

If my description of the story slightly reminds you to something you’ve already read or watched before, well this is not a coincidence.

Plein Soleil is in fact loosely based on The Talented Mr Ripley, the1955 novel (the first of five novels about Tom Ripley) written by Patricia Highsmith that was adapted again for cinema in 1999 (and if you’re not very, very young probably remember it): the movie, apparently a more faithful adaptation having the same book title (I can’t judge this cause I’ve never read the book, sorry), was directed by Anthony Minghella and starred Matt Damon as Ripley, Jude Law as Greenleaf (but correctly called Dickie) and Gwyneth Paltrow as Marge (plus Philip Seymour Hoffman and Cate Blanchett in minor roles).

The Talented Mr. Ripley

The Talented Mr. Ripley (Photo credit: Wikipedia)

Anyway, Pein Soleil is completely different from The Talented Mr Ripley and, in my humble opinion, is also a better film.

Plein Soleil is more concise, we are spared the clichés about Italy and Italians (after all the movie is contemporary with the story and is a French-Italian production), as we are spared unrequired didactic explanations on why and how Ripley arrived in Italy or about his relationship with Greenleaf (Philip). As the movie starts, we meet Tom and Philip and immediately understand what’s going on: Philip Greenleaf is rich, Tom Ripley is poor. They both pretend to be friend: Greenleaf despises Ripley cause penniless and in need of his father’s money so he bullies him a bit. Ripley despises Greenleaf cause he has everything he wants. In Minghella’s version the relationship between Ripley and Dickie is (at least in Ripley’s mind) a sort of love affair, in Clément’s movie Ripley and Philip are playing cat and mouse: Greenleaf wants to see how far Ripley will go to make what he consider a little pocket money, while Ripley simply wants Greenleaf’s clothes, shoes, home, boat, girlfriend and life.

In both movies Ripley has a special talent for lies and impersonation. Anyway, Ripley/Damon seems to be at the mercy of circumstances: when Dickie (violently) rejects him, he kills him in a rage (but also in self-defence, appearing this way if not innocent at least less guilty) and then, distraught, remains for a long time beside his corpse before getting rid of it.

Alain Delon as Ripley (Photo Credit: Wikipedia)

On the other hand Ripley/Delon, threateningly charming as much as the French actor could be, knows too well what he wants: to fill Greenleaf’s shoes. He’s only waiting, disguised in a servile pose, for the right occasion, and possibly for a reason, to take action. During a yachting trip with Philip and Marge, the wealthy guy’s cruelty to him (and Marge too) prompts Ripley to action: he arranges things to cause an argument between the two lovers just to give Marge an excuse to go ashore, then once alone with Philip he kills him in cold blood, immediately get rid of his corpse and in the end, not at all distraught, eat something.

And what about the identity theft? Well, once again Ripley /Damon seems at the mercy of events: someone mistake him for Dickie and so he goes on improvising between (mortal) hitches and strokes of luck. Ripley/Delon made plans (the more you see, the more you understand it), he’s a proficient forger (the scene when he forges Philip passport and learn how to make his sign could be used in a crime academy), nothing happens by chance. And in the end, he (lethally) overcome obstacles and get what he wanted. Everything: house, boat, clothes, money and girl.

SPOILER ALERT: once again, if you’ve never watch this movie, you better skip the last few lines…

Critics and audiences liked Plein Soleil. Patricia Highsmith highly appreciated Alain Delon performance (after all as I told you this movie made him a star) but disliked the ending. In fact in this movie, after a real coup de théâtre, Ripley is caught by police enraging Highsmith who called this “a terrible concession to so-called public morality”. In my opinion anyway (sorry if I sound a bit presumptuous contradicting Ripley’s “mother”, but I’ve never read her novel so I simply judge the film) this ending with Ripley on the beach so satisfied with his newly conquered place in the sun, sure to have “the best” at his disposal who ends (unaware till the end and far from our sight) captured by police is a great ending.

Anyway, whether you like the ending or not Plein Soleil is a film you shouldn’t miss (and about The Talented Mr Ripley, well, do as you wish…),

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Spellbound – USA 1945 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

Vertigo – USA 1958 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

Woman of Straw – UK 1964 Directed by: Basil Dearden. Starring: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Trading Places – USA 1983 Directed by: John Landis. Starring: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Directed by: Jon Amiel. Starring: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

The Talented Mr Ripley – USA 1999 Directed by: Anthony Minghella. Starring: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Ripley’s game – ITA/UK/USA 2002 Directed by: Liliana Cavani. Starring: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.


La Lotta di Classe secondo Mr Ripley

Prendete un ricco viziato, studiatene il comportamento, le abitudini, le maniere, liberatevene (non è concessa alcuna pietà) e quindi sostituitevi a lui. Un genere molto particolare di Lotta di Classe, che ne dite?

Alain Delon nei primi anni ’60 (Photo credit: Wikipedia)

Questo comunque è più o meno il modo in cui Tom Ripley affronta le disparità sociali come scoprirete guardando Delitto in pieno sole (Plein Soleil il titolo originale), il thriller Francese del 1960 diretto da René Clément ed interpretato da Alain Delon, che grazie a questo film (ed a Rocco e i suoi fratelli di Luchino Visconti uscito nello stesso anno) attirò su di sé, a soli 25 anni, l’attenzione della critica (e del pubblico) internazionale.

Come avrete capito Alain Delon è Tom Ripley, uno squattrinato ragazzo Americano inviato in Italia per convincere un vecchio amico, il ricco e ozioso Philip Greenleaf (Maurice Ronet), a tornare negli Stati Uniti. Il padre di Philip gli ha promesso 5000 $, ma la missione si è ben presto rivelata impossibile. Tom comunque è rimasto a vivere con l’amico, intromettendosi nella sua relazione con Marge (Marie Laforêt), diventando una specie di tuttofare (spesso umiliato) e sopratutto desiderando di prendere un giorno il posto dell’amico…

ATTENZIONE SPOILER: vi avverto, se non avete mai visto questo film, questo è il momento giusto per procurarvene una copia, altrimenti continuate pure la lettura dell’articolo ma a vostro rischio e pericolo…

Se quello che vi ho detto fino a qui vi ricorda vagamente qualcosa che avete già visto o letto, beh non è una semplice sensazione.

The Talented Mr. Ripley (film)

The Talented Mr. Ripley  (Photo credit: Wikipedia)

Delitto in pieno sole è infatti liberamente tratto da Il Talento di Mr Ripley, romanzo del 1955 (il primo di una serie di cinque romanzi dedicati a Ripley) di Patricia Highsmith che nel 1999 (e a meno che non siate giovanissimi, probabilmente ve ne ricorderete) fu portato nuovamente sul grande schermo col suo titolo originale e una sceneggiatura apparentemente più fedele al romanzo (questo non lo posso giudicare perché non l’ho letto, mi spiace) dal regista inglese Anthony Minghella con Matt Damon nel ruolo di Ripley, Jude Law in quello di Greenleaf (che come nel libro però si chiama Dickie) e Gwyneth Paltrow in quello di Marge (oltre a Philip Seymour Hoffman e Cate Blanchett in ruoli minori).

Delitto in pieno sole ed Il talento di Mr Ripley sono però due film diversissimi e se posso permettermi un giudizio personale, il primo è un film migliore.

Delitto in pieno sole è più asciutto, la trasposizione meno didascalica, ci vengono risparmiate le cartoline dall’Italia (del resto il film, girato negli anni in cui è ambientato, è una produzione Franco-italiana), le spiegazioni sul perché e il percome Ripley sia arrivato in Italia e su come si sia sviluppato il rapporto tra lui e Greenleaf (Philip). Quando inizia il film trovandoci di fronte a Ripley e Greeleaf capiamo immediatamente quello che sta succedendo: Philip Greenleaf è ricco, Tom Ripley è povero. Entrambi fingono di essere grandi amici: Greenleaf disprezza Ripley perchè è povero e ha bisogno dei soldi di suo padre e approfitta della situazione per comportarsi un po’ da bullo. Ripley disprezza Greenleaf perchè, ha tutto quello che lui desidera. Se nel film di Minghella quella tra Ripley e Dickie è (almeno per Rypley) una storia d’amore, in quello di Clément Ripley e Philip giocano al gatto e il topo. Greenleaf vuole vedere fino dove si spingerà Ripley pur di guadagnare quelli che per lui sono pochi spiccioli. Ripley invece vuole gli abiti di Greenleaf, le sue scarpe, la sua casa, la sua barca a vela, la sua ragazza, la sua vita.

In entrambi i film Ripley è un ragazzo con un talento speciale per la simulazione e l’inganno. Ripley/Damon però sembra in balia delle circostanze: quando Dickie lo respinge (in malo modo, violentemente), lui lo uccide in preda alla rabbia (ma anche per autodifesa, cosa che agli occhi dello spettatore ne alleggerisce le responsabilità), e poi, sconvolto, veglia il cadavere prima di sbarazzarsene.

Patricia Highsmith

Patricia Highsmith (Photo credit: Wikipedia)

Ripley/Delon, affascinante ed inquietante tanto quanto l’attore francese, invece sa bene che quello che vuole è la vita di Philip, sta solo aspettando il momento giusto, la giusta ragione per passare all’azione e prendersela. Nell’attesa si nasconde dietro un atteggiamento mite e servile. Quando durante un viaggio in barca a vela con Philip e Marge, il ricco fannullone lo umilia oltre ogni limite (e poi fa lo stesso con la ragazza), Ripley decide di agire: fa in modo che Philip e Marge litighino per dare alla ragazza una ragione per sbarcare e una volta solo con l’amico lo uccide a sangue freddo, si disfa del cadavere, e poi, per niente sconvolto, mangia.

In quanto allo scambio di identità poi Ripley/Damon sembra ancora una volta in balia degli eventi: qualcuno lo scambia per l’amico e lui prosegue improvvisando tra contrattempi (mortali) e colpi di fortuna. Ripley/Delon invece ha un piano (e più ci addentriamo nella storia più la cosa diventa evidente), è un falsario provetto (la scena in cui falsifica il passaporto e impara a fare la firma dell’amico sono da accademia del crimine) e non lascia nulla al caso. E alla fine, superata la sua dose di contrattempi (mortali) ottiene quello che vuole. Tutto: casa, barca, vestiti, soldi e ragazza.

ATTENZIONE SPOILER: scusate per l’interruzione, ma se non avete ancora visto il film è meglio che saltiate le ultime righe….

Delitto in pieno sole piacque a pubblico e critica. Patricia Highsmith apprezzò molto l’interpretazione di Alain Delon (che del resto come vi ho già detto anche grazie a questo film divenne una star internazionale) ma si lamentò però del finale. Ripley infatti dopo un’autentico colpo di scena, quando ormai è sicuro di avercela fatta, viene catturato dalla polizia, una concessione eccessiva, secondo la scrittrice, alla morale comune che vuole sempre ogni delitto punito. A mio giudizio invece (e scusatemi per l’immodestia con la quale mi permetto di contraddire la “mamma” di Ripley, ma non avendo mai letto il suo romanzo giudico semplicemente un film), quel finale con Ripley sulla spiaggia, ormai sicuro di essersi conquistato un posto al sole e tutto preso ad assaporarsi la possibilità di avere solo il meglio, che credendo di dover rispondere ad una telefonata si getta ignaro tra le braccia della polizia (cosa che accadrà lontano dall’occhio indiscreto della macchina da presa) è una delle cose migliori del film.

In ogni caso, comunque la pensiate riguardo al finale, Delitto in pieno sole è un film che non dovreste perdervi (per Il talento di Mr Ripley invece fate come credete…).

 Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Io ti salverò – USA 1945 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Ingrid Bergman; Gregory Peck; LeoG. Carroll.

La donna che visse due volte – USA 1958 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: James Stewart; Kim Novak; Barbara Bell Geddes.

La donna di paglia – UK 1964 Diretto da: Basil Dearden. Con: Gina Lollobrigida; Sean Connery; Ralph Richardson.

Una poltrona per due – USA 1983 Diretto da: John Landis. Con: Dan Aykroyd; Eddy Murphy; Jamie Lee Curtis; Sam Bellamy; Don Ameche; Denholm Elliott.

Sommersby – USA 1993 Diretto da: Jon Amiel. Con: Richard Gere; Jodie Foster; Bill Pullman; James Earl Jones.

Il talento di Mr Ripley – USA 1999 Diretto da: Anthony Minghella. Con: Matt Damon; Jude Law; Gwyneth Paltro; Philip Seymour Hoffman; Cate Blanchett.

Il gioco di Ripley – ITA/UK/USA 2002 Diretto da: Liliana Cavani. Con: John Malkovich; Dougray Scott; Ray Winstone; Chiara Caselli.




“It has your fingerprints on it, remember?”

Tony Wendice

From: Dial M for Murder – 1954


No one, and I mean no one, was ready to write his name over that rule that will grant to the “new” Senators (those that we won’t be allowed to choose directly) the parliamentary privilege… remember?

Well, after incessantly repeating that no one wanted to approve it, the government (that apparently knew nothing about it…) expressed its favourable opinion and therefore the (almost)orphan amendment that will grant an equal parliamentary privilege to MPs and new Senators has been approved by a large majority: Democratic Party (Mr Renzi’s party), Forza Italia (MrB’s Party, with the exception of Senator Minzolini, absteined), New Centre-Right (Mr Alfano, minister of the interior, party), Scelta Civica (Civic Choice,Mr Monti’s party), Union of Christian and Centre Democrats and Northern League. Against the amendment: 5Stars Movement and SEL (Left Ecology and Freedom …or at least what remains of that left party after many of its members chose to join the winning Democratic Party, when one is commited to an ideal…).

In the end, at least we can say that this was not a case of authomatic writing. Now there are fingerprints to prove it.

“Ci sono sopra le tue impronte, ricordi?”

Tony Wendice

Da: Il Delitto Perfetto – 1954

Nessuno, ma proprio nessuno, voleva intestarsi la responsabilità della norma che assicurerà nel nuovo Senato riformato l’immunità ai senatori non più eletti direttamente dal popolo… Ricordate?

Bene, dopo tanto giurare che nessuno la voleva, il Governo (che non ne sapeva niente…) ha espresso parere favorevole e quindi oggi l’introduzione dell’emendamento che garantisce pari immunità a Deputati e Senatori la è stata approvata con una maggioranza molto ampia: Pd, Forza Italia (astenuto Minzolini), Ncd, Scelta civica, Popolari e Lega Nord. Contrari M5S e Sel (o quello che ne è rimasto…).

In fondo non sitrattava di un caso di scrittura automatica. Ora ci sono le impronte digitali a provarlo.

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My weekend movie: Path of Glory (1957)

Path of Glory 1957

Path of Glory (Orizzonti di Gloria) – USA 1957

Directed by: Stanley Kubrik.

Starring: Kirk Douglas; Adolphe Menjou; George Macready; Ralph Meeker; Joe Turkel; Timothy Carey.

“There are few things more fundamentally encouraging and stimulating than seeing someone else die…”

Sarajevo – June, 28 1914: Archduke Franz Ferdinand of Austria, heir presumptive to the Austro-Hungarian throne, and his wife Sophie, Duchess of Hohenberg, are killed by the Yugoslav nationalist Gavrilo Princip, a Bosnian Serb part of a group of six assassins.

It’s the end of the Belle Epoque.

Path of Glory (Photo Credit: Wikipedia)

After a tense month, on July 28, the Austro-Hungarian Empire declares war to Serbia. In August, 7 countries are at war, more will follow and in a few weeks all the world’s economic Great Powers will be involved assembled in two opposing block: the Allies (France; British Empire; Russia; Serbia; Montenegro; Belgium; Italy – joining in 1915-; USA -1917- and others…) vs Central Powers (Austro-Hungarian Empire; Germany; Ottoman Empire; Bulgaria…). The war should be over in autumn, then in spring… it will go on till 1918 causing millions of deaths, the loss of a generation, and leaving many people wounded in their body and in their soul too. It will be remembered as the Great War, the First World War. Europe (even the winning Countries) will end weakened in its economic power and the USA will become the new World Power. The Central Powers defeat will cause the collapse of two Empires (Austro-Hungarian and Ottoman), a deep economic crisis, revolutions, chaos in the middle-east, the fascist dictatorship in Italy, the birth of Nazism in Germany and within 20 years a new deadliest war: War World II.

One hundred years after those events, I propose you to watch this week Path of Glory the 1957 war movie directed by Stanley Kubrik and starring Kirk Douglas (who also produced this film with Bryna Production).

Deutsch: Bildnis Franz Ferdinand, Erzherzog vo...

Franz Ferdinand of Austria with his wife Sophie and thier children Shopie and Maximilian in 1904 (Photo credit: Wikipedia)

Based on the book with the same title written by Humphrey Cobb, the film is set in France in 1916. The soldiers are stuck into trenches while every battle can only move the front line of a few hundred metres. Behind the front line, in a castle, Major General Georges Broulard (Adolphe Menjou) convinces Brigadier General Paul Mireau (George Macready) that it’s time to launch an assault (though it’s clear there’s little hope to succeed) to a well defended German position. Mirau goes to the battlefield and ignoring the opinion of Colonel Dax (Kirk Douglas), who advises him that there are only a few chances to win while heavy casualties are certain, commands the attack (safely remaining in the trenches). The battle ends in a defeat, many soldiers refused to leave the trenches. General Mirau, enraged, wants 100 soldiers, chosen at random, court-martialled for cowardice and almost surelly killed for that. General Broulard convinces him to reduce the number to three, one from each company that took part to the failed assault. Dax, once a lawyer, volunteers to defend the three, but it’s an impossible mission because their fate is already decided. To watch their buddy die will stimualte the other soldiers giving them the “courage” to go on in the battlefield.

English: Adolphe Menjou (left) & Kirk Douglas ...

Adolphe Menjou and  Kirk Douglas in Paths of Glory  (Photo credit: Wikipedia)

Trying to decide what WWI-related movie I could propose you, I chose this one not because I’m a big fan of Kubrik or Kirk Douglas (on the contrary, and I think I already told you this talking about Spartacus the second and last film they made together), but because I think this no frill film, adapted from a novel based on a true story, can help us to realize who absurd war is (and in particular how absurd WWI had been).

The situation depicted in Path of Glory, apart from the very tidy trench, was not unusual. The soldiers were used like impersonal dummies good to be sacrificed. Top ranking officers, always well protected behind the front line, demanded them to throw themselves against the enemy’s bullets with the menace to be killed by an “encouraging” friendly fire. Exemplary punishments, administered at random, were not infrequent (in every coalition) and, as the movie shows, officers sometimes refused to believe that in those conditions shell-shock could even exist. What’s more, the controversial release through Europe seems to confirm the veracity of what told in Path of Glory: in Germany it was shown in 1960, in France (though not officially censored) only in 1975.

As I told you many other times, a film is not a documentary but can arouse your curiosity, drive you to learn more, help you not to forget… because who ignore history is bound to repeat it.

A few more WWI-related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

All Quiet on the Western Front – USA 1930 Directed by: Lewis Milestone. Starring: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Directed by: George Fitzmaurice. Starring: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

A Farewell to Arms – USA 1932 Directed by: Frank Borzage. Starring: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusion – FRA 1937 Directed by: Jean Renoir. Starring: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Waterloo Bridge – USA 1940 Directed by: Mervyn LeRoy. Starring: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

The Great War – ITA 1959 Directed by: Mario Monicelli. Starring: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Many Wars Ago – ITA 1970 . Directed by: Gianfranco Rosi. Starring: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

Johnny Got His Gun – USA 1971 Directed by: Dalton Trumbo. Starring: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.


Ci sono poche cose incoraggianti e stimolanti tanto quanto vedere qualcun altro che muore…”

Sarajevo – Giugno 1914: l’arciduca Franz Ferdinand d’Asburgo-Este, erede al trono dell’Impero Austro- Ungarico, e sua moglie Shopie, duchessa di Hohenberg, vengono uccisi da Gavrilo Princip, indipendentista serbo e membro di un gruppo di fuoco di sei persone.

È la fine della Belle Epoque.

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at...

Soldiers of the 87th Regiment, 6th Division at Côte 304 (Hill 304), northwest of Verdun, in 1916 (Photo credit: Wikipedia)

Dopo un mese di tensioni diplomatiche il 28 Luglio l’Impero Austro-Ungarico dichiara guerra alla Serbia. In Agosto sette paesi sono già coinvolti nel conflitto, altri seguiranno ed in poche settimane le maggiori potenze Mondiali si schiereranno in due blocchi contrapposti: Alleati (Francia; Impero Britannico; Russia; Serbia e Montenegro; Belgio; Italia -dal 1915-; USA -dal 1917- e altri…) contro Imperi Centrali (Impero Austro-Ungarico; Germania; Impero Ottomano; Bulgaria…). Si diceva che quella guerra sarebbe durata solo fino all’autunno, poi che sarebbe finita entro la primavera… Quella guerra che passerà alla storia come la Grande Guerra, la Prima Guerra Mondiale, durerà invece fino al 1918 causando la morte di milioni di persone, la perdita di una generazione, lasciando milioni di uomini provati nel corpo e nell’anima. L’Europa sarà indebolita e ridimensionata nello scenario mondiale, gli Stati Uniti diventeranno la prima potenza Mondiale. La disfatta degli Imperi Centrali porterà alla fine di due imperi (quello Austro-Ungarico e quello Ottomano), ad una feroce crisi economica, ad una rivoluzione, al caos mediorientale, alla dittatura fascista in Italia, alla nascita nel nazismo in Germania ed in un ventennio, ad una guerra ancora più funesta: la Seconda Guerra Mondiale.

A cent’anni da quegli eventi, ho deciso di proporvi questa settimana la visione di Orizzonti di Gloria, il film diretto del 1957 dall’allora giovane Stanley Kubrik ed interpretato da Kirk Douglas (che lo produsse con la sua Bryna Production).

Kubrick, standing behind looking into camera, during production of Paths of Glory, showing filming of trench scene with reverse tracking method. (Photo credit: Wikipedia)

Tratto dall’omonimo romanzo di Humphrey Cobb, il film è ambientato in Francia nel 1916. I soldati vivono ormai da tempo in una situazione di stallo, bloccati nelle trincee mentre ogni nuova battaglia riesce a spostare la linea del fronte in una direzione o nell’altra solo di poche centinaia di metri. Nelle retrovie, in un castello, su sollecitazione del Generale Broulard (Adolphe Menjou), e con la prospettiva di un avanzamento di carriera, il Generale Mireau (George Macready) decide che è giunto il momento di lanciare l’attacco (che fin da subito appare come disperato) ad una strategica postazione tedesca. Mirau si reca sal fronte ed ignorando l’opinione del Colonnello Dax (Kirk Douglas) che lo avverte delle risicatissime possibilità di vittoria e della certezza di ingenti perdite, pretende che l’attacco venga lanciato. L’esito della battaglia è un disastro, molti soldati rifiutano di lasciare le trincee e il Generale, furioso, chiede al comando che la loro “codardia” venga punita con la decimazione: un soldato ogni dieci delle varie compagnie scelto a caso dovrebbe essere fucilato. Broulard gli concede che solo tre soldati, uno per ogni compagnia che ha preso parte all’assalto, vengano processati dalla corte marziale. Dax, avvocato nella sua vita precedente, ottiene di potersi occupare della difesa dei suoi uomini, ma è una missione impossibile, perché il loro destino è già segnato. Niente come vedere morire dei commilitoni potrà infondere negli altri soldati il “coraggio” necessario per continuare a combattere.

George Macready as General Mireau (Photo credit: Wikipedia)

Cercando di decidere quale film sulla Prima Guerra Mondiale proporvi, ho scelto questo non perché sia una grande fan di Kubrik o di Kirk Douglas (devo avervelo già detto parlandovi di Spartacus, il secondo ed ultimo film che i due girarono insieme), ma perché credo che questo film, girato senza troppi fronzoli e tratto da un romanzo ma ispirato ad una storia vera, permetta di rendersi conto di quanto mortalmente assurda possa essere la guerra (ed in particolare di quanto lo fu la Prima Guerra Mondiale).

La situazione in cui si trovano i soldati in Orizzonti di Gloria, a parte la trincea francamente un po’ troppo linda, non era affatto insolita. Trattati come inerte carne da cannone, i soldati venivano costretti da ufficiali sempre ben protetti nelle retrovie a gettarsi incontro ai proiettili sparati dal nemico con la minaccia di venire colpiti alle spalle da un “incoraggiante” fuoco amico. Le punizioni esemplari impartite a caso non erano infrequenti (e questo in ogni esercito e coalizione) e proprio come si vede nel film c’era persino il rifiuto di credere che in simili condizioni i militari potessero soffrire di quello che oggi chiameremmo disturbo post-traumatico. E la veridicità di quanto raccontato è confermata dal fatto che l’uscita del film fu osteggiata in alcuni paesi: in Germania uscì nel 1960, in Francia (sebbene non ufficialmente censurato) solo nel 1975.

Come vi ho detto altre volte, i film non sono documentari ma possono stimolare la curiosità a saperne di più e aiutare a non dimenticare… anche perché chi dimentica la storia spesso è condannato a ripeterla.

Altri film collegati alla Grande Guerra che potrebbero interessarvi (cliccate sui titoli per vedere una scena , il trailer o qualcosa di più):

Niente di Nuovo sul Fronte Occidentale – USA 1930 Diretto da: Lewis Milestone. Con: Lew Ayres; Louis Wollheim.

Mata Hari – USA 1931 Diretto da: George Fitzmaurice. Con: Greta Garbo; Ramon Novarro; Lionel Barrymore; Lewis Stone.

Addio alle Armi – USA 1932 Diretto da: Frank Borzage. Con: Helen Hayes; Gary Cooper; Adolphe Menjou.

La Grande Illusione – FRA 1937 Diretto da: Jean Renoir. Con: Jean Gabin; Erich von Stroheim; Dita Parlo; Pierre Fresnay.

Il Ponte di Waterloo – USA 1940 Diretto da: Mervyn LeRoy. Con: Vivien Leigh; Robert Taylor; Virginia Fields; Lucile Watson.

La Grande Guerra – ITA 1959 Diretto da: Mario Monicelli. Con: Vittorio Gassman; Alberto Sordi; Silvana Mangano.

Uomini Contro – ITA 1970 . Diretto da: Gianfranco Rosi. Con: Gian Maria Volonté; Pier Paolo Cappoini; Alain Cuny; Daria Nicolodi.

E Johnny Prese il Fucile – USA 1971 Diretto da: Dalton Trumbo. Con: Timothy Bottoms; Kathy Fields; Diane Varsi; Donald Sutherland; Jason Robards.

Automatic writing

“…Cause you know sometimes words have two meanings…”

Led Zeppelin

From: Stairway to Heaven from the LP Led Zeppelin IV – 1971

The debate about the he Italian Institutions reforms is becoming increasingly interesting!

During the last weekend the hot topic was a sudden, shocking, discovery: in the draft for the Senate reform (the one that should make it a sort of politicians club, but will grant it anyway to maintain of a number of important prerogatives, only we won’t be allowed to vote its members…) an article will grant to the new Senators, chosen between Regional Councillors and Mayors, a parliamentary privilege.

As soon as the news spread around the media, each and every politician from right to left (well, left….) noticed that (alas!) this was a false move, at least not a clever one, especially after the recent scandals (EXPO and MOSE, I already told you about these) involving local councillors in Lombardy and Veneto. So, each and everyone from left to right (especially in the ex-Prime Minsiter, ex-Senator, ex-knight -MrB I mean- party ), immediately said that they got nothing to do with this privilege that could make very difficult to arrest a Regional Councillor/Mayor-Senator if he/she took, for instance, a bribe.

Well, now we only have to try and understand who, and in which circumstances, wrote the appalling article. A charming hypothesis is that one of the supervisors, just like happened with Robert Plant while writing the lyrics for Stairway to Heaven, found that his/her hand was writing out the words, in a sudden inspiration, having little control of the situation.

In the meanwhile, trying to solve this mystery, we hold our breath waiting for further news: who knows how many other shocking articles could be revealed if only we would be able to read the draft of that reform backward…

“…Perché lo sai a volte le parole hanno due significati…”

Led Zeppelin

Da: Stairway to Heaven dall’album Led Zeppelin IV – 1971

Sempre più appassionante il dibattito sulle riforme istituzionali!

La novità del fine settimana appena trascorso è stata l’improvvisa sconcertante scoperta che secondo la bozza della riforma nel nuovo Senato (quello che doveva essere una specie di dopo-lavoro, ma che pare manterrà alcune funzioni non proprio irrilevanti solo che noi non avremo più il diritto di eleggere i suoi membri…) dovrebbero sedere un manipolo di consiglieri regionali e sindaci non stipendiati (solo in quanto senatori) ma dotati di immunità parlamentare.

Come la notizia si è diffusa, tutti ma proprio tutti, di destra e soprattutto di sinistra(insomma, sinistra…) si sono accordi che, ohibò, la mossa era un tantino azzardata visti gli scandali (EXPO e MOSE) che hanno recentemente coinvolto diversi amministratori locali in Lombardia e Veneto. Quindi tutti, ma proprio tutti, di sinistra ma soprattutto di destra (col partito dell’ex-Presidente del Consiglio, ex-Senatore, Ex-cavaliere MrB in testa) hanno iniziato a dire di non avere niente a che fare con l’introduzione di quell’immunità che renderebbe assi difficile l’arresto di un consigliere regionale/sindaco-Senatore invischiato ad esempio in un giro di tangenti per l’assegnazione di qualche appalto.

Ora bisogna capire soltanto chi, e soprattutto in quali circostanze, abbia scritto la norma incriminata. L’ipotesi più suggestiva e che uno dei relatori, un po’ come accadde a Robert Plant quando scrisse il testo di Stairway to Heaven, ad un certo punto abbia iniziato a scrivere, mosso da un’improvvisa incontrollabile ispirazione, senza nemmeno rendesi conto di cosa stesse facendo.

Nel frattempo, cercando di trovare una soluzione del mistero, restiamo tutti col fiato sospeso in attesa di ulteriori sviluppi: chissà quali altre sconcertanti novità potrebbero palesarsi se leggessimo la bozza della riforma all’incontrario…

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My weekend movie: Rear Window (1954)

Rear Window 1954

Rear Window (La Finestra sul cortile) – USA 1954

Directed by: Alfred Hitchcock.

Starring: James Stewart; Grace Kelly; Thelma Ritter; Raymond Burr.

The nosey parker, the blonde and the murderer…

Towns burning with hight temperatures, humidity, mosquitoes, computers fainting for heat exhaustion (obliging you to an internet diet…sorry), through windows, wide open day and night, noises, voices and smells invade your space while you are overexposed and always in sight …

This is more or less (apart from fainting computers…)  the setting of Rear Window, the 1954 thriller directed by the master of suspense Alfred Hitchcock and starring James Stewart and Grace Kelly, “the” Hitchcock blonde .

Rear Window (Photo Credit: Wikipedia)

The protagonist, the photojournalist L.B. “Jeff” Jeffereys (James Stewart), in normal circumstances an adventurous man, is trapped home with a broken leg. To kill time between a visit from the insurance nurse (the good character actress Thelma Ritter, Margot Channing’s friend and personal assistant in All About Eve) and a romantic raid launched by Lisa Freemont, socialite, fashion journalist and wannabe Mrs Jeffereys, too beautiful and perfect not to scare to death an intrepid man, “Jeff” got nothing better to do than spy form his window his neighbours till, one day, he thinks he has discovered that one of them have made something really terrible…

In a few words: Rear Window is the story of a voyeur, who can’t bear the idea to be in the shadow of a smart woman (who’s anyway and evidently a bit disturbed too, seeing that because of her age, social position and undoubted charm could aspire to something better…), but redeem himself in our eyes finding a way to turn his little vice into an honourable action made to defend his community .

SPOILER ALERT: if because of an incredible accident you’ve never seen this movie or you’ve never heard of it (for instance, if you’ve been abducted by aliens and the odd green creatures deleted your memory…), this is the right moment to go and fetch a copy to fill the gap, otherwise you’re going to read the rest of the article at your own risk…

1954 ... 'Rear Window'

Hitchcock with James Stewart and Grace Kelly on the set of Rear Window (Photo credit: x-ray delta one)

Naturally, the picture, loosely based on a 1942 Cornell Woolrich‘s short story titled “It had to be murder” (retitled Rear Windows after the movie release), is much more complicated than this and it is packed with all those elements turning a thriller into an Hitchock movie: a dashing blonde (inner fire behind a cold surface…); a single setting (Jeff’s apartment and the rear courtyard) to increase tension; a policeman who’s, if not incompetent, not precisely smart; a mega-McGuffin (the plot device, but we’ll talk about it later); a little bit of humour and a common person involved in a dangerous situation, even if for once we can’t call this person “innocent” (and in fact in the end Hitchcock finds a way to “punish” him). Anyway, thanks to Hitchcock, it’s easy to put ourselves in Jeff’s shoes, and ain’t just because the one who plays him is James Stewart, who was, like the injured photojournalist, a real war hero and had such a good guy reputation to make you forget any other thought about our likeable voyeur  slimy nature. The scene he watches from his window (the beautiful scenery built at the Paramount Studios) seems a collage made with many different screens showing at the same time many different movies and Jeff is one of us, he’s sitting in a chair to watch a movie. We all are spying other peoples lives.

But what excites his and our fantasy ain’t what we can watch, but something that could have been happened while Jeff, heat exhausted, fell asleep (so that we also couldn’t watch what happened). A morning, his attention is caught by the sudden change of scene in one of the apartments: there’s a character missing, the bedridden domineering wife of an unhappy salesman is mysteriously vanished into thin air. Has she left the apartment, or maybe did she died killed by his husband? How could he get rid of her body? In how many little pieces he had to cut it to take it outside?

Cropped screenshot of James Stewart from the t...

James Stewart in Rear Window (Photo credit: Wikipedia)

With all those questions around that supposed crime inspired, as Hitchcock told to Truffaut, to a couple of famous murders happened in England years before (the Dr Crippen Case – London,1910 – and the Patrick Mahon Case – the Crumbles, 1924 – two feminicides. In both cases the victimms’ bodies had been dismembered in a clumsy  attempt to wipe out all evidences), the master of suspense is simply staging his mega-McGuffin, a diversion to disguise his true goal: to talk about the complicated relation between Jeff and Lisa, the charming(?) middle-aged bachelor who loves adventure and is now wounded in a wheel chair and the beautiful socialite too good to be true who’s trying to take advantage of her prey’s momentary weakness.

The stories screened in the courtyard facing Jeff’s window, at least the vast majority of this collection of (almost)silent pictures, got in fact something to do with the two mismatched lovers. They seems prequels, development and sequels of Jeff and Lisa’s story: the young and sexy dancer always surrounded by suitors (like Lisa, at least if we believe in Jeff’s opinion); the newlyweds love enthusiasts (who will be soon love exhausted); the old couple who had replaced children with a dog; the solitary spinster Miss lonelyheart, an omen of what could happen to an unmarried girl (but Lisa is too much everything to end this way) and above all the unhappy married couple ending (literally) into pieces.

Grace Kelly poses in an evening gown designed ...

Grace Kelly poses in an evening gown designed by Edith Head. (Photo credit: Wikipedia)

Jeff has too many time to brood over all those things he watches and that’s probably the reason why he resists very little graciously to each and every matrimonial assault of Lisa who’s even too explicit in throwing herself to him (especially because it’s 1954). To catch her prey the super-girl has no choice, she has to support him and comply with his little manias: she helps him with the investigation becoming his legs andproving herself audacious, and in the end the strategic move to win Jeff’s heart and admiration is breaking and entering into the murderer’s apartment to find the crime evidences (and risk her life) becoming this way herself someone to spy on.

If Rear Window at the time of its first release received good reviews – with the exception of the London Observer critic Miss Lejeune who called it “orrible” because there was in it a man watching all the time from his window, the only review Hitchcock mentioned in the interview with Truffaut – today this beautiful film made, as Hitchcock himself revealed, in a period when he was particularly full of energy, is probably the most cited among his works, re-told, referenced and spoofed many, many times. (And if you are eager to know what Hitchcock had to say about this movie to Truffaut you can listen to it with a click on the following link:

Probably it is also the best synthesis of the entire master of suspense’s works, but for  sure Rear Window is another of those movies you should watch at least once in your life (if aliens have no objections).

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Dead End – USA 1937 Directed by: William Wyler. Starring: Joel McCrea; Silvya Sydney; Wendy Barrie; Humphrey Bogart; the “Dead End Kids”.

Blow-up – ITA/UK/USA 1966 Directed by. Michelangelo Antonioni. Starring: David Hemmings; Vanessa Redgrave.

Body Double – USA 1984 Directed by: Brian De Palma. Starring: Craig Wasson; Melanie Griffith; Gregg Henry.

Women on the verge of a nervous breakdown (Mujeres al borde de un ataque de nervios) – ESP 1988 Directed by: Pedro Almodovar. Starring: Carmen Maura; Antonio Banderas; Rossy De Palma; Maria Barranco; Julieta Serrano.

Manhattan Murder Mystery – USA 1993 Directed by: Woody Allen. Starring: Woody Allen; Dane Keaton; Alan Alda; Angelica Huston.

American Beauty – USA 1999 Directed by: Sam Mendes. Starring: Kevin Spacey; Annette Bening; Thora Birch; Wes Bentley; Mena Suvari.

What Lies Beneath – USA 2000 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Michelle Pfeiffer; Harrison Ford.


Il ficcanaso, la bionda e l’assassino…

Città roventi per le alte temperature, l’umidità, le zanzare, i computer che “svengono” per il caldo (lasciandovi, così senza preavviso, disconnessi per una settimana…), le finestre spalancate giorno e notte, i rumori, le voci e gli odori che invadono il vostro mondo e voi sempre più esposti agli sguardi degli altri…

Cropped screenshot from the trailer for the fi...

Trying to catch an injured prey (Photo credit: Wikipedia)

Quello che vi ho descritto (computer imbizzarriti a parte) è più o meno lo scenario in cui si svolge La finestra sul cortile (Rear Window), il film del 1954 diretto dal maestro del brivido Alfred Hitchcock ed interpretato da James Stewart e da Grace Kelly, la bionda hitchcockiana per eccellenza.

Il protagonista, il fotoreporter L.B. “Jeff” Jeffereys (James Stewart), un uomo avezzo all’avventura, è intrappolato in casa con una gamba rotta. Tra una visita dell’infermiera dell’assicurazione (la brava Thelma Ritter già fidata assistente e amica di Margo Channing in Eva contro Eva) e un’incursione della bionda Lisa Freemont, salottiera giornalista di moda ed aspirante signora Jeffereys tanto bella e perfetta (ed infatti è Grace Kelly) da spaventare un intrepido uomo d’azione, “Jeff” non trova niente di meglio da fare che passare il tempo “spiando” dalla sua finestra tutti i movimenti dei vicini di casa fino quando un giorno crede di aver scoperto che uno di loro ha fatto qualcosa di davvero terribile…

In poche parole: La finestra sul cortile è la storia di un guardone, che mal sopporta di avere intorno una donna tanto in gamba da rischiare di metterlo in ombra (ma anche lei chiaramente è un po’ disturbata visto che per età, posizione sociale ed indubbia avvenenza potrebbe trovare di meglio…), ma che si riscatta agli occhi di noi spettatori trasformando il suo vizietto in un’opera di pubblica utilità.

ATTENZIONE SPOILER: se per un incredibile caso del destino non avete mai visto questo film e nemmeno ne avete sentito parlare (che so, siete stati vittime di un rapimento alieno e le simpatiche creature verdi vi hanno cancellato la memoria…), questo è il momento per procurarvene una copia e colmare la lacuna, altrimenti continuate a leggere il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo…

Grace Kelly

Grace Kelly (Photo credit: thefoxling)

Ovviamente il film, liberamente ispirato a un racconto di Cornell Woolrich del 1942 intitolato “It had to be murder” (reintitolato Rear Window, dopo l’uscita del film), è molto più complicato di così, ed altrettanto ovviamente è pieno zeppo di tutti quegli elementi che fanno di un thriller qualsiasi un autentico film di Hitchcock: una bionda strepitosa (fuoco che arde dietro a una superficie gelida…), l’azione svolta in un luogo ristretto  (l’appartamento di Jeff e il cortile su cui si affacciano le sue finestre) per accrescere la tensione, un poliziotto che si rivela se non proprio incompetente almeno non troppo sveglio, un mega-McGuffin (di cui parleremo dopo), uno spruzzo di humour e una persona comune coinvolta in una storia troppo complicata che però per una volta non è del tutto innocente (e infatti alla fine in qualche modo il buon Jeff verrà punito). Anche così però Hitchcock riesce a fare in modo che provare una certa simpatia per il simpatico guardone sia facile, e non solo perché ad interpretarlo è James Stewart, che in comune col fotoreporter infortunato aveva un passato da eroe di guerra e che con la sua aria da bravo ragazzo faceva passare in secondo piano ogni retropensiero sulla natura un poco viscida del suo personaggio. La scena che lui osserva (la magnifica scenografia del cortile costruita negli studi della Paramount) è quasi un collage di tanti piccoli schermi sui quali vengono proiettati diversi film: Jeff è uno di noi, anche lui seduto su una poltrona a guardare un film. Stiamo tutti “spiando” le vite di altre persone, non possiamo sentirci moralmente superiori.

Ad eccitare la sua e la nostra fantasia però non è tanto quello che effettivamente vediamo, quanto quello che potrebbe essere accaduto su uno di quegli “schermi” mentre Jeff sfinito dal caldo si è fatalmente addormentato (impedendo quindi anche a noi di vedere). In uno degli appartamenti, su uno degli schermi, c’è ad un certo punto un improvviso cambio di scenario, manca uno dei protagonisti: una donna invalida che fino al giorno prima dal suo letto comandava a bacchetta il marito sembra svanita nel nulla. Sarà partita, oppure sarà morta, magari uccisa dal marito? Come avrà fatto l’uomo a sbarazzarsi del cadavere? In quanti piccoli pezzi l’avrà ridotta per poterla fare uscire di casa inosservato?

Con questi interrogativi che ruotano intorno a un possibile omicidio ispirato, come confidò lo stesso Hitchcock a Truffaut, ad un paio di efferati delitti avvenuti in Inghilterra molti anni prima (i casi del Dottor Crippen – Londra, 1910 – e di Patrick Mahon – the Crumbles,1924 – due fattacci di sangue, due femminicidi finiti con lo smembramento dei cadaveri nel maldestro tentativo di far sparire ogni prova) il maestro del brivido sta semplicemente mettendo in scena il suo McGuffin, quell’artificio narrativo fatto apposta per sviare la nostra attenzione da quello che è il vero fulcro della storia: il rapporto tra Jeff e la bionda Lisa, il fascinoso(?) scapolone di mezz’età votato all’avventura ferito nel compimento del dovere e la giovane regina dei salotti troppo bella per essere vera che cerca di approfittare della momentanea debolezza della sua preda.

English: Studio publicity photo of Alfred Hitc...

English: Studio publicity photo of Alfred Hitchcock. (Photo credit: Wikipedia)

Quasi tutte le storie proiettate sugli “schermi” che circondano Jeff hanno infatti qualcosa a che fare con loro due, sono prequel, svolgimento e possibili sequel del film di cui loro sono i protagonisti: la giovane ballerina sexy circondata (come Lisa a sentir Jeff) di “pretendenti”; la coppia di sposini in luna di miele (che presto esuariranno il miele per sfinimento); la vecchia coppia senza figli attaccatissima al cane; la zitella della porta accanto, Miss cuore solitario, che sembra il presagio di quello che potrebbe accadere a Lisa se non si sposasse (ma una come lei ha troppo di tutto per fare una fine tanto malinconica!) e soprattutto la coppia infelice che alla fine finisce (letteralmente) in pezzi.

Jeff, forse riflettendo su quello che lo circonda, resiste senza troppa grazia ad ogni tentativo della super-ragazza di trascinarlo all’altare mentre lei gli si offre sfacciatamente (fin troppo, in fondo siamo nel 1954). Per conquistarlo a Lisa non resta altro da fare che assecondare le sue manie, partecipare alle sue attività investigative, diventare le sue gambe e farsi sempre più audace nel tentativo di smascherare l’assassino. E alla fine la mossa strategica che (forse) le fa guadagnare l’ammirazione di Jeff è l’introdursi nell’appartamento di fronte per trovare le prove dell’omicidio (ma rischiando di fare a sua volta la fine della signora scomparsa) diventando finalmente a sua volta un soggetto da spiare.

Se quando uscì per la prima volta nelle sale cinematografiche La finestra sul cortile fu in generale ben accolto da critica e pubblico – se si esclude però la critica del London Observer, Miss Lejeune (l’unica che Hitchcock ricordi nell’intervista con Truffaut) che lo definì un film “orribile” perché un tizio guardava costantemente dalla finestra – nel tempo è diventato il più “citato” tra i film del regista Inglese, rifatto, rivisitato e anche preso in giro.

Forse La finestra sul cortile è la migliore sintesi dell’opera di Hitchcock ed infatti fu realizzato, come rivelò il regista, in un periodo per lui particolarmente felice e creativo (a proposito, se siete interessati a sapere quello che aveva da dire su questo film il maestro del brivido in persona, potete ascoltare l’audio dell’intervista col regista francese cliccando su questo link:

Sicuramente è uno di quei film che proprio non potete fare a meno di vedere almeno una volta nella vita (interferenze aliene permettendo).

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

Strada Sbarrata – USA 1937 Diretto da: William Wyler. Con: Joel McCrea; Silvya Sydney; Wendy Barrie; Humphrey Bogart; the “Dead End Kids”.

Blow-up – ITA/UK/USA 1966 Diretto da. Michelangelo Antonioni. Con: David Hemmings; Vanessa Redgrave.

Omicidio a Luci Rosse – USA 1984 Diretto da: Brian De Palma. Con: Craig Wasson; Melanie Griffith; Gregg Henry.

Donne sull’orlo di una crisi di nervi – ESP 1988 Diretto da: Pedro Almodovar. Con: Carmen Maura; Antonio Banderas; Rossy De Palma; Maria Barranco; Julieta Serrano.

Misterioso Omicidio a Manhattan – USA 1993 Diretto da: Woody Allen. Con: Woody Allen; Dane Keaton; Alan Alda; Angelica Huston.

American Beauty – USA 1999 Diretto da: Sam Mendes. Con: Kevin Spacey; Annette Bening; Thora Birch; Wes Bentley; Mena Suvari.

Le Verità Nascoste – USA 2000 Diretto da: Robert Zemeckis. Con: Michelle Pfeiffer; Harrison Ford.

Fresh air needed

I just want some fresh air.”

Fran Kubelik

From: The Apartament – 1960

“We do not allow any veto. What really counts it’s the Italian people’s will, it is much more important than any veto coming from those politicians who only want to stop the reforms. And seeing that what really counts it’s the Italian people’s vote, I can assure you that we’ll go on and we will be proud.” that’s what The Youngest Italian Prime Minister in the last 150something years, Mr Renzi, said yesterday.

Today, replying to those who showed their indignation (included 14 senators from his party – PD) after the substitution in the Senate Commission on Constitutional Affairs of Senators Vannino Chiti and Corradino Mineo (both PD members), whose guilt was to be against the institutional reforms as they were conceived by the Prime Minister’s “team”, Mr Renzi added: “ I didn’t made the 41% to let the future of the Country in Mineo’s hands.”.

Well, I think there’s something I’m missing, probably it’s because of this heat wave that’s melting my brain…maybe a brief résumé could help me:

  • Italy is a Parliamentary Republic.

  • Our Constituion, (art. 67“Each Member of Parliament represents the Nation and carries out his/her duties without a binding mandate”), assures to every MP and Senator the right to do what they think is right even against their party’s wishes.

  • Mr Renzi became the Youngest Italian Prime Minister etc… when he received the task to form a new government from the President of the Italian Republic (as prescribed in the Italian Constitution, nothing to object) following the resignation of Enrico Letta (who had become the Prime Minister following the same procedure). The Italian people took no part in that choice. Mr Renzi had just won a primary election to become the new Democratic Party leader, but the previous year, before the General Election took place, he had lost the primary election the Democratic Party organized to choose its Prime Minister candidate (Mr Bersani won this). Mr Renzi also chose not to run as MP.

  • 41 (40.8)% is the percentage of people (among those who went to the polls) who voted for the Democratic Party at the last European Election.

  • During the European Election campaign The Youngest Italian Prime Minister etc… said that the vote got nothing to do with his government’s fate.

  • With the European Election, local election in some cities and regions took place too, anyway any sort of referendum or informal vote to ask to the Italian people what they thought about the much anticipated reforms took place.

As I already said, I guess there’s something I’m missing… I just want some fresh air, cause, I must confess, the one I smell around ain’t so pleasant (and not because of the heat wave).

“Voglio solo un po’ d’aria fresca”

Fran Kubelik

Da: L’Appartamento – 1960

“Non lasciamo a nessuno il diritto di veto. Conta molto di più il voto degli italiani che il veto di qualche politico che vuole bloccare le riforme. E siccome conta di più il voto degli italiani, vi garantisco che andremo avanti a testa alta” così diceva ieri il Presidente del Consiglio Italiano più giovane degli ultimi 150anni e qualcosa.

Oggi, replicando a chi si indignava (compresi 14 Senatori PD autosospesi dal gruppo democratico al Senato) per la sostituzione in commissione affari costituzionali dei Senatori Vannino Chiti e Corradino Mineo, colpevoli di non gradire il progetto di riforme costituzionali così come sono state concepite dalla sua squadra, Renzi ha aggiunto: “non HO preso il 41% per lasciare il futuro del Paese a Mineo”.

Ora, credo che mi stia sfuggendo qualcosa e probabilmente dev’essere colpa di questo caldo che mi fa funzionare a rilento il cervello… magari potrebbe essermi utile un breve riassunto della situazione:

  • la nostra è una Repubblica Parlamentare.

  • l’articolo 67 della costituzione (“Ogni membro del Parlamento rappresenta la Nazione ed esercita le sue funzioni senza vincolo di mandato”) assicura a ogni parlamentare di agire come meglio crede senza dover dire sempre si alla volontà del partito o del caporione di turno.

  • Matteo Renzi è diventato Presidente del Consiglio quando il mandato gli è stato affidato dal Presidente della Repubblica (come stabilito dalla Costituzione, niente da eccepire) dopo che Enrico Letta (nominato nello stesso modo) aveva dato le dimissioni. Gli italiani non hanno espresso in alcun modo la loro volontà a riguardo. Renzi aveva da poco vinto le primarie del suo partito per diventarne il segretario, ma prima delle ultime politiche aveva perso quelle per diventare il candidato premier del PD (contro Bersani) e non si era nemmeno candidato alle elezioni.

  • 41 (40,8)% è la percentuale dei voti attribuiti dai cittadini italiani (che sono andati a votare) al Partito Democratico alle ultime Elezioni Europee.

  • Prima delle suddette elezioni il Presidente del Consiglio italiano più giovane ecc… aveva detto che quel voto non aveva niente a che fare col suo governo.

  • In abbinamento con le elezioni Europee si sono svolte a macchia di leopardo le elezioni locali in alcuni comuni e regioni della nostra penisola, non si è invece svolto alcun referendum o nessun altro tipo di consultazione (nemmeno informale) riguardo le riforme.

Come detto, credo che mi stia sfuggendo qualcosa… Vorrei soltanto un po’ d’aria fresca perché confesso che quella che si respira ora è piuttosto sgradevole (e non per l’elevato tasso d’umidità).

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My weekend movie: Pimpernel Smith (1941)


 Pimpernel Smith (La Primula Smith) – UK 1941

Directed by: Leslie Howard.

Starring: Leslie Howard; Francis L. Sullivan; Mary Morris.

 Dear Nazis, you’re doomed…

An archaeologist fights against the Nazis…no, he’s name is not Indiana Jones, he’s not an adventurous, cheeky American treasure hunter and he won’t be saved by supernatural forces (oops, sorry…). Our hero’s name is Horatio Smith, he’s a professor in Cambridge and thanks to his absent-minded appearance he will rescue Jews from Nazi’s hands.

The film I’m going to tell you about ain’t in fact a funny 1980’s adventure movie, but an anti-nazi thriller, released in 1941, in the middle of WWII: it’s Pimpernel Smith (also known in the USA as Mister V), a British propaganda film produced an directed by its protagonist, Leslie Howard.

"Pimpernel" Smith

“Pimpernel” Smith (Photo credit: Wikipedia)

The British actor, who had been for more than two decades, between mid 1910’s to early 1940’s, a theatre and movie star in Britain and America, is now remembered for a role he detested and didn’t want to play, the wimpish Ashley Wilkes in Gone with the wind, too coward to find the time, in an almost four-hour long movie, to tell Scarlett he doesn’t love her and too gentleman to take advantage of her (Selznick to persuade him allowed him to co-produce Intermezzo: A love story, his last Hollywood film that also marked the American début of the then young Swedish actress Ingrid Bergman). At the outbreak of WWI Howard had left a job as a bank clerk to enlist with the British Cavalry (he was born in London in a Jewish-Hungarian family in 1893). Back home and suffering from severe shell-shock, following a doctor suggestion, he had decided to leave the much-hated bank job to follow his passion for theatre starting this way a successful career. At the outbreak of WWII he had chosen to leave Hollywood and use his international fame to help with the Allied war effort starring (but also producing and directing) in a number of war propaganda films (and, probably also serving in his Majesty secret service).

Pimpernel Smith is one of those propaganda films. The protagonist, as I already told you, is Horatio Smith (Leslie Howard) archaeologist and well respected professor in Cambridge, in love with the sculptured (for real) Aphrodite Kallipygos (don’t pay any attention to him, he’s not its discoverer…), at war with women made of flesh and blood  and apparently very absent-minded. But this is just a disguise, because Professor Smith is secretly (and apparently unofficially) working to rescue Jews from Nazi concentration camps…

SPOILE ALERT: if you’ve never seen this picture, go and fetch a copy now (you can also try on YouTube…), otherwise you’re going to read the rest of this article at your own risk…

Leslie Howard (actor)

Leslie Howard (actor) (Photo credit: Wikipedia)

The movie, set in Cambridge and Berlin (cause the professor seems a bit clumsy but is very bold and clever) in 1939 just before the outbreak of WWII, is a modernisation, with an heavy anti-nazi touch, of the classic The Scarlet Pimpernel, the adventure novel written by Baroness Orczy in 1905 and set during the French Revolution whose most famous film version was the 1934 picture starring Leslie Howard himself. In the original story the hero is an English aristocrat who leads a double life: silly and effete in front of the world, he’s in fact an elusive adventurer who’s risking his life (variously disguised) to spare to a number of French aristocrats a deadly rendez-vous with Madame Guillottine.

Professor Smith, like the original Pimpernel, likes to use a little humour to mock his enemies: to be able to go freely to and fro Germany (supported by the Nazi Propaganda Ministry), he organises a group of British students (unaware, at the beginning, of his mission) to help him in excavations to find the evidence of the Aryan origins of German civilisation (simply diabolical!). Smith, has to face General von Graun, the only Nazi who seems clever enough to catch him (even though he tries to assign the German citizenship to Shakespeare and can’t understand British humour). With the exception of him, Nazis are silly inefficient and incompetent, especially those working at the Propaganda Ministry with Joseph Goebbels, so you can be sure that in the end Professor Smith will defeat them and will also find a woman brave enough to deserve his love (romance always goes with propaganda, it’s a golden rule).

The most important moment in this movie arrives almost at the end when, just before the invasion of Poland, Smith, unmasked by the Gestapo General, makes a speech that seems thought to raise the English (but also American) audience’s spirits. “You will never rule the world…” he says to the General but talking to the entire Nazi Germany “ because you are doomed. (…)Tonight you will take the first step along a dark road from which there is no turning back.(…) you will find no horizon… and see no dawn… until at last you are lost and destroyed. You are doomed…”. (you can watch it HERE)

A piece of pure propaganda, sounding today as a sort of premonition.

But Leslie Howard didn’t live long enough to watch this premonition come true.

Goebbels, German Federal Archive photo

Goebbels, German Federal Archive photo (Photo credit: Wikipedia)

When Hitler killed himself in his bunker in Berlin on April 30, 1945, scared of the Red Army imminent invasion but also of ending like his fellow dictator Benito Mussolini, Howard was already dead as he was  the year before, missing the news about the Invasion of Normandie (whose 70th anniversary has been celebrated on June, 6) that was going to lead to the liberation of France.

In fact Leslie Howard died on june, 1st 1943, aged 50. He was flying from Lisbon to Bristol on KLM Royal Dutch Airlines/BOAC Flight 777, a civil flight. The plane was shot down by Luftwaffe‘s aircrafts over the Bay of Biscay. 17 people died. Many hypothesis have been made along the years about this attack: an error, the fact that Germans believed that Churchill was on that flight (apparently Howard’s manager, who was there with the actor, looked like the British Prime Minister) or even a plan conceived to kill Leslie Howard himself (who, according to some speculations, in the previous days was engaged in a secret mission to dissuade Franco from joining the Axis powers) and organized by, nonetheless, Joseph Goebbels. The Minister of Public Enlightenment and Propaganda in Nazi Germany, who knew too well how important cinema could be to influence the public opinion, considered Leslie Howard the most dangerous British propagandist and was probably enraged after being ridiculed in Pimpernel Smith (he was the only real Nazi leader mentioned with his name) along with the Nazis working at the propaganda ministry, all unable to face a bunch of students full of hormones, a clumsy professor and a handful of Jews.

Pimpernel Smith ain’t a masterpiece, Leslie Howard as a director was not a master of suspense like Hitchcock, but even if packed with propaganda (after all there was a war going on) this ain’t a bad film too, and after all knowing that probably succeeded in enraging Goebbles makes it, even today, definitely worth watching.

A few free-associated movies you could also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

The Scarlet Pimpernel – UK 1934 Directed by: Harold Young. Starring: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Directed by: Carol Reed. Starring: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

The Mortal Storm USA 1940 Directed by: Frank Borzage. Starring: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Foreign Correspondent – USA 1940 Directed by: Alfred Hitchcock. Starring: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

Mrs Miniver – USA 1942 Directed by: William Wyler. Starring: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

To Be or Not To Be – USA 1942 Directed by: Ernst Lubitsch. Starring: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

Raiders of the Lost Ark – USA 1981 Directed by: Steven Spielberg. Starring: Harrison Ford; Karen Allen.


Cari Nazisti, siete condannati a fallire…

Un archeologo si scontra con i nazisti… no, il suo nome non è Indiana Jones, non è un avventuroso e sfacciato cercatore di tesori americano e non sarà salvato dal provvidenziale intervento di forze soprannaturali (oops, scusate…). Il nome del nostro eroe è Horatio Smith ed è un dignitoso, ma sbadato professore di Cambridge che anche grazie alla sua aria stralunata riuscirà a salvare alcuni ebrei beffando la Gestapo.

Cropped screenshot of Leslie Howard from the t...

Leslie Howard è Ashley Wilkes in Via col Vento, il film che non avrebbe voluto interpretare (Photo credit: Wikipedia)

Quello di cui sto per parlarvi infatti non è uno scanzonato film d’avventura degli anni ’80, ma un thriller anti-nazista uscito nel 1941 nel bel mezzo della Seconda Guerra Mondiale. Si tratta di La primula Smith (Pimpernel Smith il titolo originale, Mister V quello per il mercato americano), film inglese di propaganda prodotto, diretto ed interpretato da Leslie Howard.

L’attore passato alla storia del cinema per un personaggio che proprio non avrebbe voluto interpretare, il rammollito Ashley Wilkes di Via col Vento, troppo vigliacco per trovare il tempo, in quasi quattro ore di film, di dire a Rossella che non la ama e troppo signore per approfittare della situazione (Selznick lo convinse permettendogli di co-produrre Intermezzo, il suo ultimo film americano che segnò anche il debutto hollywoodiano della giovane Ingrid Bergman), per oltre due decenni, dalla seconda metà degli anni 10 del 900 fino alla prima metà degli anni ’40, era stato protagonista della scena teatrale e cinematografica inglese ed americana. Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale Leslie Howard (nato nel 1893 a Londra da genitori di origine ebraica-Ungherese) aveva lasciato un impiego in banca per correre ad arruolarsi nella Cavalleria Britannica. Tornato a casa e sofferente per quello che oggi viene definito disturbo post-traumatico da stress, ben consigliato da un medico, aveva abbandonato definitivamente l’odiata banca per fare della sua passione giovanile per la recitazione un mestiere, iniziando così una carriera di successo. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale, ormai affermatissimo, si era infine lasciato alle spalle Hollywood per mettere la sua fama al servizio della causa alleata: programmi radio, documentari e film di propaganda (e chissà forse anche un incarico nei servizi segreti di sua Maestà).

La Primula Smith è appunto uno di quei film di propaganda. Il protagonista, come detto, è l’archeologo Horatio Smith (Leslie Howard appunto), rispettabile professore di Cambridge, innamorato della scultorea (nel vero senso della parola) Afrodite Callipigia (ma non dategli retta, non l’ha scoperta lui), in lotta con tutto il resto dell’universo femminile e apparentemente sempre con la testa tra le nuvole. Solo apparentemente però perché in realtà il Professor Smith è impegnato in una segretissima (e non ufficiale) operazione per salvare il maggior numero di ebrei possibile dall’internamento nei campi di concentramento…

ATTENZIONE SPOILER: se non avete mai visto questo film correte a vederlo immediatamente (se non avete problemi con l’inglese vi consiglio un giro su YouTube…), altrimenti leggete il resto dell’articolo a vostro rischio e pericolo…

The Scarlet Pimpernel (1934 film)

The Scarlet Pimpernel (1934 film) (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato tra Cambridge e Berlino (ché il professore sembra imbranato e un po’ fuori di testa ma è assai audace) nel 1939 alla vigilia dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale, è un adattamento in chiave moderna e anti-nazista di La Primula Rossa, il romanzo d’avventura scritto dalla Baronessa Orczy nel 1905 e ambientato invece all’epoca della Rivoluzione Francese, che aveva avuto la sua trasposizione cinematografica più riuscita nel 1934 con protagonista proprio Leslie Howard. In quel caso l’eroe era un nobile Inglese all’apparenza fatuo e superficiale che si rivelava in realtà un formidabile e inafferrabile avventuriero, mago dei travestimenti, impegnato in un’audace operazione per evitare ai nobili Francesi il mortale incontro con Madama Ghigliottina.

Il Professor Smith, come il protagonista dell storia originale, non manca di un certo senso dell’umorismo nel farsi beffe dei suoi nemici: per potere scorrazzare in lungo e in largo nella Germania Nazista, con tanto di benestare dell’onnipresente Ministero della Propaganda, organizza con i suoi studenti (inizialmente ignari delle sue vera attività) una spedizione di scavi alla ricerca delle prove delle origini ariane della civiltà germanica (diabolico!). Smith, tallonato dal generale von Graum, che sembra l’unico nazista con un po’ di sale in zucca (ma fino a un certo punto perché tenta di affibbiare  a Shakespeare la cittadinanza tedesca e non capisce lo humour inglese) in mezzo a un mare di incapaci (più o meno tutti i dipendenti del ministero della propaganda agli ordini di Joseph Goebbels) riuscirà, manco a dirlo, a battere in casa i nazisti e finirà col trovare una donna in carne ed ossa degna del suo amore (che si sa, un po’ di romanticismo va sempre a braccetto con dosi massicce di propaganda, è una regola d’oro).

Il momento più importante del film arriva poco prima del finale quando, alla vigilia dell’invasione della Polonia, il professore ormai smascherato dal generale della Gestapo che gli ha dato la caccia fa un discorso che sembra fatto apposta per risollevare il morale degli spettatori inglesi ed americani. “Non governerete mai il mondo…” dice al generale rivolgendosi però alla Germania nazista tutta “perché siete condannati a fallire. (…) Stanotte fate il primo passo lungo una strada buia da cui non c’è possibilità di ritorno (…) non troverete un orizzonte e non vedrete l’alba fino a quando alla fine non sarete sconfitti e distrutti. Siete condannati a fallire…”. (lo potete vedere QUI)

Winston Churchill in Downing Street giving his...

Winston Churchill in Downing Street giving his famous ‘V’ sign. (Photo credit: Wikipedia)

Un momento di pura propaganda, che oggi suona come una premonizione.

Leslie Howard però non vide mai l’avverarsi di quella premonizione.

Quando Hitler si suicidò come un vigliacco nel suo bunker di Berlino il 30 aprile del 1945, spaventato dal destino che era toccato in Italia al suo ispiratore e collega dittatore fascista Benito Mussolini e dall’imminente arrivo in città dell’ Armata Rossa, l’attore inglese non c’era più. Non c’era nemmeno l’anno prima quando gli alleati erano sbarcati sulle coste della Normandia per iniziare l’operazione che avrebbe portato alla liberazione della Francia e di cui in questi giorni si è celebrato il 70° anniversario.

Leslie Howard, era infatti morto il 1° Giugno 1943, a 50 anni, insieme agli altri 17 passeggeri del volo 777 della BOAC in volo da Lisbona a Bristol, intercettato ed abbattuto sul golfo di Biscaglia dagli aerei della Luftwaffe.

Negli anni si sono moltiplicate le ipotesi sulle ragioni dell’abbattimento di quel volo civile: tragico errore, la convinzione dei tedeschi che su quel volo viaggiasse anche Winston Churchill (pare che il manager di Howard, che viaggiava con lui, somigliasse al Primo Ministro Inglese), oppure un piano per sbarazzarsi proprio dell’attore inglese (che, secondo alcune fonti, sarebbe stato segretamente impegnato nei giorni precendenti in una segretissima missione per dissuadere il dittatore Franco dall’idea di unirsi alle forze dell’Asse) e architettato da Joseph Goebbels in persona. Il Ministro della propaganda Nazista, che ben conosceva il potere del cinema nel plasmare le menti e gli orientamenti politici, considerava Leslie Howard uno dei più pericolosi agenti della propaganda anti-nazista Britannica. Di certo non poteva aver apprezzato il modo in cui in La Primula Smith l’attore e regista si era preso gioco di lui (unico capo nazista nominato con nome e cognome) e dell’attività del suo ministero presidiato da un gruppo di incapaci che si fanno prendere in giro da dei ragazzi in preda agli ormoni, da un professore dall’aria stralunata e da un pungo di ebrei.

La Primula Smith non sarà un capolavoro, Leslie Howard regista non era un maestro del brivido alla Hitchcock e si vede, ma il film pure infarcito di propaganda (del resto era in corso una guerra) è comunque un buon film e sapere che all’epoca era riuscito a fare incazzare Goebbels è una ragione più che sufficiente per rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Primula Rossa – UK 1934 Diretto da: Harold Young. Con: Leslie Howard; Merle Oberon; Raymond Massey.

Night Train to Munich – UK 1940 Diretto da: Carol Reed. Con: Rex Harrison; Margaret Lockwood; Paul Henreid.

Bufera Mortale USA 1940 Diretto da: Frank Borzage. Con: James Stewart; Margaret Sullavan; Frank Morgan; Robert Young.

Il Prigioniero di Amsterdam (Corrispondente 17) – USA 1940 Diretto da: Alfred Hitchcock. Con: Joel McCrea; Herbert Marshall; Laraine Day; George Sanders.

La Signora Miniver – USA 1942 Diretto da: William Wyler. Con: Greer Garson; Walter Pidgeon; Teresa Wright; Dame May Whitty).

Vogliamo Vivere! – USA 1942 Diretto da: Ernst Lubitsch. Con: Carole Lombard; Jack Benny; Robert Stack; Felix Bressart.

I Predatori dell’Arca Perduta – USA 1981 Diretto da: Steven Spielberg. Con: Harrison Ford; Karen Allen.


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High Treason

“…but you always do forgive yourself.”

Lucy Honeychurch

From: A room with a view – 1987

“The trouble with corruption ain’t the laws against it, that already exist, but those laws that are not respected. In my opinion, a politician under investigation for corruption should be accused instead of high treason. One who takes a bribe betrays the trust, the honour upon which he had given his word.”

That’s more or less what told by the young Prime Minister Matteo Renzi about the new scandal that brought to 35 arrests over alleged corruption in connection with the new flood barriers built to protect Venice that should be completed (?) in 2016 (among the arrested people there’s also the Mayor, Mr Orsoni).

The trouble ain’t the laws (they exist?), nor the thieves (they do little to hide themselves), the trouble is that every time someone discovers that behind the slow inconclusive pace of public infrastructure’s works there are stories of corruption and bribery, there’s always someone other extremely flabbergasted who declares himself full of righteous indignation (but then, maybe, is ready to reprise the negotiations about the reforms of the Italian Institutions with a man who had to leave the Senate because sentenced for tax fraud …just to give to the populist 5Stars movement something they could use…).

“… ma poi ti perdoni sempre.”

Lucy Honeychurch

Da: Camera con vista – 1987

“Il problema della corruzione non sono le regole che non ci sono, sono quelle che non si rispettano. Un politico che viene indagato per corruzione lo indagherei per alto tradimento, se dovesse dipendere da me. Uno che prende tangenti tradisce la fiducia, l’onore su cui aveva giurato”

Così, da Bruxelles, dove si trova per il G7, Matteo Renzi risponde a chi gli chiede lumi sullo scandalo Mose, la nuova tangentopoli veneta.

Il problema non sono le leggi (che ci sono?), nè i ladri (che non fanno poi molto per dissimulare), il problema è che ogni volta che si scopre che dietro a una grande opera che si è trascinata inconcludentemente per alcuni anni (o magari per decenni) si nasconde un giro di tangenti, appalti truccati e corruzione ci sia ancora qualcuno che sgrana gli occhioni un istante prima di cader dal pero dichiarandosi indignato (e poi magari è pronto a voltarsi dall’altra parte per ricominciare le trattative sulle riforme delle istituzioni con un signore che è stato costretto a uscire dal senato per una condanna per frode fiscale …così, giusto per dar altri argomenti ai populisti a cinque stelle).

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My weekend movie: Monkey Business (1952)


Monkey Business (Il Magnifico Scherzo) – USA 1952

Directed by: Howard Hawks.

Starring: Cary Grant; Ginger Rogers; Marilyn Monroe; Charles Coburn.

You’re old only when you forget you’re young.

Are you feeling old and ready to be junked? (Probably not, if you don’t live in Italy…) Would you like to try a miraculous rejuvenating product? Well, Dr Barnaby Fulton and Oxley Chemical got something for you, an elixir of youth that will give you back your lost vigour and enthusiasm. There’s only a little problem… this is just a movie.

Monkey Business (1952 film)

Monkey Business (1952 film) (Photo credit: Wikipedia)

The development of an elixir of youth is in fact the starting point for Monkey Business, the screwball comedy directed by the veteran and versatile Howard Hawks starring Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn and a young Marilyn Monroe.

The story is simple and a little zany. Doctor Fulton (Cary Grant), an absent-minded middle-aged chemist married to the very patient Edwina (Ginger Rogers) and to Oxley Chemical, is trying to develop a new rejuvenating product, goad into it by his boss, Mr Oxley (Charles Coburn), a seventy-year-old man aching all over but not yet insensitive to the “animal magnetism” his secretary, Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), a blonde bombshell with some typing problem, spread round the office. After a series of failed experiments, just before Doctor Fulton could test on himself his last “potion”, one of the chimps used as a guinea pig escapes from its cage and, repeating the actions seen many times, mixes ingredients creating a chemical compound that ends into the water cooler. Fulton drinks the water (mixing it with his potion) and all of a sudden he (and then Edwina and others) starts feeling younger, and younger, and younger…

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois shows a new chemical product to Dr Fulton (Photo credit: Wikipedia)

Monkey Business was the fifth and last movie starring Cary Grant directed by Howard Hawks (mostly comedies – Bringing up Baby; His Girl Friday; I Was a Male War Bride – and the drama Only Angels Have Wings) and was written by nonetheless Ben Hecht (Design for living, Nothing Sacred; His Girl Friday; Spellbound; Notorious and many, many others), Charles Lederer (His Girls Friday; I Was a Male War Bride; The Thing from Another World; Gentlemen Prefer Blondes; Ocean’s 11…) and I.A.L. Diamond (later, co-writer with Wilder of 12 of his films screenplays from Love in the Afternoon till Buddy Buddy with the only exception of Witness for the Prosecution), who had to face censorship intrusion.

Howard Hawks

Howard Hawks (Photo credit: Wikipedia)

The first version of the script was considered a bit too naughty in a period when leading ladies were real sex-bombshells but hypocrisy on sex-related subjects was reaching its peak, so all the fuss about the potion’s possible aphrodisiac side effects was simply removed, the elixir was called B-4 instead of Cupidone, Mr Oxley’s interest on Lois was softened while everybody reacted to the drug behaving first like silly teenagers and then like annoying kids.

Despite good actors and writers Monkey Business, that a year after its release was called by Jacques Rivette in his essay The Genius of Howard Hawks one of Hawks’ best films, left the director disappointed. He shared the American critics point of view: the premise was too absurd to sustain the whole story, after a while the gags became too repetitive and the film a bit dull. Too bad, because the couple Grant-Monroe worked particularly well as noticed by critics and Hawks himself, who regretted not having used Marilyn Monroe as the leading actress instead of Ginger Rogers (who had probably some responsibility in the final result. To sign the contact for this movie, she insisted hat her character could share Dr Fulton’s rejuvenation experience).  Probably Hawks was right: even today Monkey Business DVD, Blu-ray and Downloads are sold exploiting Marilyn image.

Anyway if you love screwball comedies, nonsense, dumb blondes and can’t wait to see Cary Grant playing at indians, I bet you’ll enjoy this film (and will discover that ageing ain’t such a drama).

A few related movies you could also like (click on the titles to watch a clip or the trailer):

Dy Jekyll and Mr Hyde – USA 1931 Directed by: Rouben Mamoulian. Starring: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

The Invisible Man – USA 1933 Directed by: James Whale. Starring: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

More Than a Secretary – USA 1936 Directed by: Alfred E. Green. Starring: Jean Arthur; George Brent.

Bringing Up Baby – USA 1938 Directed by: Howard Hawks. Starring: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Lover, Come Back – USA 1961 Directed by: Delbert Mann. Starring: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

The Absent-Minded Professor – USA 1961 Directed by: Robert Stevenson. Starring: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

The Nutty Professor – USA 1963 Directed by: Jerry Lewis. Starring: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.


Sei vecchio solo quando ti dimentichi che sei giovane.

Iniziate a sentirvi vecchi e pronti per la rottamazione? Vi piacerebbe provare un nuovo miracoloso prodotto ringiovanente? Bene, il Dottor Barnaby Fulton e la Oxley Chemical hanno qualcosa che fa al caso vostro: un elisir di giovinezza che vi restituirà il vigore e l’entusiasmo dei vostri diciott’anni. C’è solo un piccolissimo problema… questo è solo un film.

Cropped screenshot of Marilyn Monroe and Cary ...

Lois and Dr Fulton choose a new car(Photo credit: Wikipedia)

Lo sviluppo di un elisir di giovinezza è infatti la premessa intorno alla quale gira Il Magnifico Scherzo (Monkey Business il titolo originale) la commedia del 1952 diretta dal veterano e versatile Howard Hawks che ha per protagonisti Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Coburn e una giovane Marilyn Monroe.

La storia è semplice e un po’ demenziale. Il dottor Fulton (Cary Grant), chimico di mezz’età con la testa tra le nuvole sposato alla paziente Edwina (Ginger Rogers) e alla Oxley Chemical, sta cercando di sviluppare un nuovo prodotto in grado di restituire il vigore dalla gioventù pungolato dal suo capo Mr Oxley (Charles Coburn), settantenne un po’ acciaccato ma non ancora insensibile al fascino di Miss Lois Laurel (Marilyn Monroe), la sua segretaria dalle forme esplosive e con qualche problema alla macchina da scrivere. Dopo una serie infinita di esperimenti falliti, proprio mentre Fulton sta per testare su se stesso l’ultima “pozione”, una delle scimmie usate come cavie evade dalla sua gabbia e ripetendo i suoi gesti crea un composto che finisce col mescolarsi con l’acqua potabile e che il chimico beve. E così Fulton (e poi Edwina ed altri) inizia a sentirsi sempre più giovane…

Cover of "Monkey Business"

Marilyn sells! Cover of Monkey Business DVD

Il Magnifico Scherzo è il quinto e ultimo film in cui Cary Grant fu diretto da Howard Hawks (quasi tutte commedie le loro collaborazioni – Susanna, La Signora del venerdì, Ero uno sposo di guerra – ad eccezione del drammatico Avventurieri dell’aria) ed è stato sceneggiato da nientemeno che Ben Hecht (Partita a quattro; Niente sul serio; La Signora del venerdì; Io ti salverò; Notorious e molti, molti altri), Charles Lederer (La Signora del Venerdì; Ero uno sposo di guerra; La Cosa da un altro mondo; Gli uomini preferiscono le bionde; Colpo Grosso…) e I.A.L. Diamond (in seguito co-sceneggiatore con Billy Wilder di 12 dei suoi film da Arianna a Buddy Buddy con l’unica eccezione di Testimone d’accusa), che dovettero affrontare anche  le intrusioni della censura. La prima stesura della sceneggiatura era apparsa un po’ troppo birichina in un periodo in cui le dive erano maggiorate esplosive ma il moralismo imperava (“donne tornate al focolare e sposatevi” era il messaggio che andava per la maggiore), e così tutta l’eccitazione a proposito di collaterali effetti afrodisiaci era stata semplicemente eliminata, l’elisir chiamato B-4 (before, prima) invece che Cupidone, l’interesse di Mr Oxley per la procace Lois reso meno evidente mentre tutti erano ridotti dalla magica pozione prima in folli teenagers e poi in insopportabili bambini.

Nonostante la buona prova degli attori Il Magnifico Scherzo, che l’anno seguente alla sua uscita fu anche celebrato da Jacques Rivette nel suo saggio Il Genio di Howard Hawks come uno dei miglori film del regista, deluse Hawks che condivideva il punto di vista dei critici americani: la premessa era troppo assurda per riuscire a sostenere l’intera storia, dopo un po’ le gag diventavano ripetitive e il film si sgonfiava. Peccato, perché la coppia Grant-Monroe funzionava particolarmente bene, come notarono all’epoca sia i critici che lo stesso Hawks che rimpiangeva di non aver fatto della bionda bomba sexy la protagonista femminile del film al posto di Ginger Rogers (che forse aveva qualche responsabilità per il risultato finale, visto che per firmare il contratto aveva preteso che il suo personaggio condividesse con il Dottor Fulton l’esperienza del ringiovanimento). Hawks aveva proprio ragione: ancora oggi si vendono DVD, Blu-Ray e download del film sfruttando proprio l’immagine di Marilyn.

Comunque, se vi piacciono le commedie brillanti, il nonsense, le bionde svampite e non vedete l’ora di vedere Cary Grant giocare agli indiani, questo film riuscirà sicuramente a divertirvi (e vi farà capire che in fondo invecchiare, ma solo un po’, non è un dramma).

Alcuni film collegati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il etrailer):

Il Dottor Jekyll – USA 1931 Diretto da: Rouben Mamoulian. Con: Fredric March; Miriam Hopkins; Rose Hobart

L’uomo invisibile – USA 1933 Diretto da: James Whale. Con: Claude Rains; Gloria Stewart; Henry Travers.

Cercasi segretaria – USA 1936 Diretto da: Alfred E. Green. Con: Jean Arthur; George Brent.

Susanna – USA 1938 Diretto da: Howard Hawks. Con: Cary Grant; Katharine Hepburn.

Amore, ritorna! – USA 1961 Diretto da: Delbert Mann. Con: Rock Hudson; Doris Day; Tony Randall.

Un professore fra le nuvole – USA 1961 Diretto da: Robert Stevenson. Con: Fred McMurray; Nancy Olson; Keenan Wynn.

Le folli notti del dottor Jerryll – USA 1963 Diretto da: Jerry Lewis. Con: Jerry Lewis; Stella Stevens; Del Moore.

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“That’s it, big man. You’ve won, congratulations.”

Sherlock Holmes

From: Sherlock Holmes – 2009

Congratulations to the Youngest Italian Prime Minister ever who, in the middle of the populist attack that’s threatening the Union, won hands down the European election (and the local election too). Leader among leaders, winning 40% he doubled the internet Guru (Mr Grillo, 5Stars Movement leader), thrashed MrB, shrunk the left (the real left) and resuscitate he long time dead “White Whale” (this way was once called the Christian Democracy Party)…

Congratulations for his always extraordinary coherence. He said that this was not a referendum about his government and in fact now he says that after the vote nobody (I suppose especially the members of “his” party, the supposed leftist Democratic Party) has a alibi, “his” reforms has to be approved: Constitution, electoral law, labour regulations, tax and judiciary systems (things that you people – and MrB too – wouldn’t believe)…

Congratulations to the Italians too, because for once things seems going better for us than for our French  “cousins” or for our British friends…

The sun shines over the Bel Paese and a bright future is ahead of us: the elders will be junked, the young will walk with their delicate fragile legs, the poor will rejoice… so, why ain’t I happy?

“Basta grand’uomo… finito. Hai vinto. Congratulazioni!”

Sherlock Holmes

Da: Sherlock Holmes – 2009

Congratulazioni al più giovane Presidente del Consiglio che, nel bel mezzo della carica populista che minaccia l’Unione, ha vinto le Europee (e le amministrative) a mani basse. Leader tra i leader Europei ha doppiato il santone della rete, stracciato MrB, ridotto al lumicino la sinistra (quella vera) e fatto risorgere la Balena Bianca…

Congratulazioni per la sua sempre straordinaria coerenza. L’aveva detto che non sarebbe stato un referendum sul governo e infatti ora dice che dopo questo voto nessuno (immaginiamo specialmente nessuno del “suo” partito…) ha più alibi, vanno subito approvate le sue riforme: costituzione, legge elettorale, lavoro, fisco e giustizia (cose che voi umani -compreso MrB nei suoi sogni più audaci- non potreste immaginare)…

Congratulazioni anche a noi che una volta tanto sembriamo passarcela un po’ meglio dei cugini Francesi e degli amici britannici…

Il sole risplende sul Bel Paese e un futuro radioso si attende: i vecchi saranno rottamati, i giovani cammineranno sulle loro gracili gambine, i poveri gioiranno… e allora perché io non sono felice?

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My weekend movie: M*A*S*H (1970)


M*A*S*H – USA 1970

Directed by: Robert Altman.

Starring: Donald Sutherland; Elliott Gould; Tom Skerritt; Sally Kellerman; Robert Duvall.

Attention! Tonight movie will show you the best combat surgeons cutting and stitching behind the front lines…

After the 67th Cannes International Film Festival ended with Winter Sleep, the Turkish movie directed by Nuri Bilge Ceylan, winning the Palme D’Or, I propose you to watch again the movie winning the Gran Prix du Festival (the current Palme D’Or) in 1970: M*A*S*H, the satirical comedy directed by Robert Altman.

MASH (film)

MASH (film) (Photo credit: Wikipedia)

The film, set in a Mobile Army Surgical Hospital (M.A.S.H) during the Korean War, tells about the medical team working there. Capt. Benjamin Franklin “Hawkeye” Pierce (Donald Sutherland), Capt. Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) and Capt. John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) are a trio of indisciplined womanisers, all recently drafted into the U.S. Army Medical Corps, able to prove that excellence in combat surgery is in inverse proportion to the respect of the army rules. The favourite victims of their pranks are the over pious (and not very brilliant surgeon) Major Frank Burns (Robert Duvall) and the newly assigned chief nurse of the camp, Major Margaret Houlihan (Sally Kellerman), who has a real fixation for rules and military discipline and earns the nickname “Hot Lips” after her “brief encounter” with the righteous Major is aired over the public address system…

The movie is based on the 1968 novel MASH: A Novel About Three Army Doctors written by Richard Hooker (the pen name for Dr. H. Richard Hornberger and writer W. C. Heinz). The screenplay is by Ring Lardner, Jr, an american journalist and screenwriter blacklisted during the so called “Red Scare” of 1950’s, who, despite earning an Academy Award for Best Adapted Screenplay, distanced himself from the film due to the many changes made by director Robert Altman. In fact, in his peculiar and unorthodox style, Altman used the script as a draft and encouraged improvisation (not an astounding novelty. Gregory La Cava made exactly the same with Stage Door, the beautiful film about theatre world released in 1937), a directing style that caused tension between the director and the cast (apparently during principal photography Gould and Sutherland spent most of their time trying to get rid of Altman), but also produced a film apparently made of loosely linked episodes. To frame them and give the movie more structure, following the suggestion of editor Danford Greene, Altman used loudspeaker announcements making of this gadget another character and the real trademark of this movie.

Sally Kellerman at the premiere of Bette Midle...

Sally Kellerman (Photo credit: Wikipedia)

To avoid any references to the then already underway Vietnam War, 20th Century Fox requested the addiction, at the beginning of the movie, of a caption making clear that the film was set during the previous Korean War (though everybody caught the similarity). Clearly it wasn’t fair to poke fun at the army and its obtuse hierarchy in the middle of a bloody, dirty war that was already causing many protests, not to mention that dead bodies and wounded people were shown in a dirty battlefield hospital whose operating room resembled to a slaughterhouse and whose staff could preserve its mental health in the middle of the war horror only cynically poking fun at everything and everyone, gambling, drinking a glass of martini after the other, and seducing nurses.

M*A*S*H was a huge success. In addiction to the already mentioned Gran Prix du Festival de Cannes and Academy Award for best adapted screenplay M*A*S*H won 4 more Oscar nominations (Best Film; Director; Editing; Supporter Actress – Sally Kellerman), a Golden Globe for Best Motion Picture-Musical or Comedy(and 4 nominations more), many others awards and, in addiction, inspired the very successful TV series M*A*S*H, starring Alan Alda as “Hawkeye” Pierce and broadcasted on CBS from 1972 till 1983 (in Italy the series arrived in 1979 aired on RAI Uno, the first channel of our Pubblic Television). The TV series produced in turn a couple of spin-offs: AfterMASH (only one and a half seasons following the end of MASH) and the quite successful Trapper John, MD, aired from 1979 to 1986 on CBS and showing the M*A*S*H character, but twenty eight years older, working in a San Francisco hospital.

I warn you, I think that M*A*S*H ain’t aged gracefully (frankly there’s too much machismo to my taste), but it’s anyway a worthwatching film.

A few free-assosiated movies you oculd also like (click on the title to watch a clip or the trailer):

Duck Soup – USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operation Petticoat – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Private Benjamin – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.


Attenzione! Il film di questa sera vi mostrerà i migliori chirurghi di guerra intenti a tagliare e ricucire nelle retrovie…

Archiviata la 67a edizione del Festival Internazionale del Cinema di Cannes con la vittoria del film turco Winter Sleep diretto Nuri Bilge Ceylan, vi propongo di rivedere il film che vinse il Gran Prix du Festival (l’odierna Palma D’oro) nel 1970: M*A*S*H, il film satirico diretto da Robert Altman.

1969 Canadian paperback edition of the first book.

MASH: A Novel About Three Army Doctors -1969 Canadian paperback edition of the first book. (Photo credit: Wikipedia)

Il film, ambientato in un ospedale da campo Americano (Mobile Army Surgical Hospital; MASH per l’appunto) durante la Guerra di Corea, racconta la storia dell’equipe medica che lì lavora. Il Capitano Benjamin Franklin “Occhiodifalco” Pierce (Donald Sutherland), il capitano Augustus Bedford “Duke” Forrest (Tom Skerritt) e il capitano John Francis Xavier “Trapper John” McIntyre (Elliott Gould) formano un trio di indisciplinati dongiovanni, tutti recentemente richiamati nel Corpo Sanitario Militare dell’esercito degli Stati Uniti, ed in breve tempo riescono a provare che l’abilità nella chirurgia d’emergenza in tempo di guerra è inversamente proporzionale al rispetto delle regole militari. Le vittime preferite dei loro scherzi da caserma (o sarebbe meglio dire da ospedale da campo) sono l’ultra-pio (e poco capace chirurgo) Maggiore Frank Burns (Robert Duvall) e la nuova capo-infermiera del campo, il Maggiore Margaret Houlihan (Sally Kellerman), una vera maniaca del rispetto di regole e disciplina militari, che dopo essere stata sorpresa col virtuoso Maggiore nel corso di un incontro amoroso (diffuso via megafono in tutto il campo) si guadagna il nomignolo di “Bollore”…

Il film è l’adattamento cinematografico del romanzo omonimo di Richard Hooker (pseudonimo di H. Richard Hornberger e Wilfred Charles Heinz) del 1968 (MASH: A Novel About Three Army Doctors, il titolo originale). La sceneggiatura è firmata da Ring Lardner Jr, giornalista e sceneggiatore americano finito nelle liste nere durante il periodo della “Paura Rossa” negli anni ’50, che nonostante la vittoria dell’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale finì col prendere le distanze dal film per le molte modifiche apportate dal regista nel corso delle riprese. In effetti nel suo tipico e poco ortodosso stile Altman, usò la sceneggiatura come un semplice canovaccio incoraggiando l’improvvisazione (non una sconvolgente novità visto che Gregory La Cava, ad esempio, aveva già fatto la stessa cosa con Palcoscenico, il film sul mondo del teatro da lui diretto nel 1937), e questa scelta causò una certa tensione tra lui e il cast (a quanto pare durante le riprese Gould e Sutherland dedicarono gran parte del loro tempo al tentativo di far licenziare il regista), e rese il film piuttosto frammentato, composto di una serie di episodi un po’ slegati. Su suggerimento del montatore Danford Greene, Altman decise quindi di usare gli annunci dell’altoparlante del campo per dare maggiore unità alla storia, facendo di quell’aggeggio uno dei protagonisti e il “marchio di fabbrica” del film.

English: Publicity photo from the M*A*S*H seas...

English: Publicity photo from the M*A*S*H season premiere, 1974. Pictured are: Loretta Swit, Larry Linville, Wayne Rogers, Gary Burgoff, Alan Alda (driver of jeep), and MacLean Stevenson. (Photo credit: Wikipedia)

Fu invece per evitare ogni diretto riferimento alla guerra del Vietnam, in quel momento ancora lontana da una soluzione, che la 20th Century Fox richiese un’esplicita menzione nei titoli di testa del fatto che il film fosse ambientato durante la precedente Guerra di Corea (anche se a nessuno sfuggirono le similitudini tra le due guerre). Evidentemente mentre una sanguinosa, sporca e contestatissima guerra era in corso non stava bene prendere in giro l’esercito e l’ottusità delle sue gerarchie, per di più mostrando morti e feriti in un ospedale da campo lurido e tanto somigliante a una macelleria in cui l’unico modo per tenersi sani di mente di fronte a tanto orrore era prendersi gioco cinicamente di ogni cosa, bere litri di martini, giocare d’azzardo e sedurre le infermiere.

M*A*S*H fu un successo di critica e pubblico. Oltre ai già citati Gran Prix del Festival di Cannes ed all’Oscar per la migliore sceneggiatura non originale si guadagnò altre 4 nomination all’Oscar (miglior film; regia; montaggio e attrice non protagonista – Sally Kellerman), il Golden Globe come miglior film nella categoria commedie e musical (oltre ad altre quattro nomination), tutta una serie di altri premi e fu d’ispirazione per la fortunatissima serie televisiva, M*A*S*H, con protagonista Alan Alda nel ruolo di “Occhiodifalco” Pierce, trasmessa in America su CBS dal 1972 al 1983 (in Italia su RAI Uno dal 1979). La serie a sua volta produsse un paio di spin-off: AfterMASH (una stagione e mezza iniziate dopo la fine della serie principale) e Trapper John, serie trasmessa con successo dal 1979 al 1986 nel quale il personaggio di M*A*S*H, invecchiato di ben 28 anni, è medico in un ospedale di San Francisco (anche questa fu trasmessa in Italia prima da RAI Uno e poi da Canale 5).

Vi avverto, a mio parere M*A*S*H non è invecchiato molto bene (il machismo è a tratti insopportabile) ma vale comunque la pena di rivederlo.

Alcuni film liberamente associati che potrebbero piacervi (cliccate sul titolo per vedere una scena o il trailer):

La Guerra Lampo dei Fratelli Marx– USA1933 Directed by:Leo McCarey. Starring: Groucho, Harpo, Chico, Zeppo Marx; Margaret Dumont.

Operazione Sottoveste – USA 1959 Directed by: Blake Edwards. Starring: Cary Grant; Tony Curtis; Dina Merrill.

Il dottor Stranamore – Ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba – USA 1964 Directed by: Stanley Kubrick. Starring: Peter Sellers; George C. Scott.

Soldato Giulia agli ordini – USA 1980 Directed by: Howard Zeff. Starring: Goldie Hawn; Eileen Brennan; Armand Assante.

Good Morning, Vietnam – USA 1987 Directd by: Barry Levinson. Starring: Robin Williams; Forest Whitaker.

Forrest Gump – USA 1994 Directed by: Robert Zemeckis. Starring: Tom Hanks; Sally Fields; Robin Wrigth; Gary Sinise.

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